Nº9 MAR 2015 · En la mente de Christopher Nolan

Transcripción

Nº9
MAR
2015
PUBLICACIÓN GRATUITA
HOLLYWOOD
RIDLEY
VS. TONY
THELMA & LOUISE
AMOR A QUEMARROPA
BLACK RAIN
EL ÚLTIMO BOY SCOUT
MUSICAL
CHICAGO
CANTANDO BAJO LA LLUVIA
UN AMERICANO EN PARÍS
SONRISAS Y LÁGRIMAS
EL REY Y YO
LAS ZAPATILLAS ROJAS
DESCUBRE EN EXCLUSIVA INTERSTELLAR POR PRIMERA VEZ EN ESPAÑA EN 70MM
SUMARIO
EDITORIAL
03 EDITORIAL
Ya es hora de cumplir una promesa que os había
hecho hace tiempo: programar una película en 70mm.
Este mes de marzo iniciamos con Interstellar una
serie de proyecciones en torno a este gran formato de
esplendor en la España de los 60 y 70. De hecho, y en
la actualidad, otros países siguen exhibiendo títulos
clásicos como 2001, West Side Story o Sonrisas y
Lágrimas en festivales o, simplemente, como una opción
más de su espléndida oferta comercial. Nuestro empeño
por acercar esta experiencia al público de Phenomena
nos ha llevado a hurgar en las arcas de Warner Bros. e
importar una copia de Interstellar desde Francia. Para
los que desconozcan qué es el 70mm, tan solo les diré
que la superficie de negativo dobla el estándar de 35mm,
lo cual permite una mayor definición de imagen, superior
al digital. Pocos de nosotros hemos tenido la ocasión
de disfrutar de esta experiencia, excepción hecha sería
el formato IMAX. Christopher Nolan encabeza una lista
de realizadores que últimamente parecen empeñados
en reivindicar el celuloide como el mejor soporte para la
proyección pública. Tarantino o Paul Thomas Anderson
han declarado anatema el formato digital y se han
lanzado a rodar sus películas en 35mm, o incluso en
este gran formato que es el 70mm. Es curioso que
en una época en la que el digital domina la industria
existan voces de jóvenes realizadores que dan un giro
de 180 grados hacia el soporte fotoquímico. ¿Un hecho
circunstancial? ¿Una moda pasajera? ¿O el inicio de
una tendencia en la exhibición que se extenderá en el
futuro? Quién sabe. En cualquier caso, os invitamos
a disfrutar de estas proyecciones especiales que de
buen seguro permanecerán para siempre en vuestra
memoria.
04 CICLO HOLLYWOOD MUSICAL
18 EN LA MENTE DE CHRISTOPHER NOLAN
24 ESPECIAL WALTER HILL
32 RIDLEY VS. TONY
38 BEER & PIZZA NIGHT:
GOLPE EN LA PEQUEÑA CHINA
42 DOCUMENTALES DE CREACIÓN
48 LEYENDAS DE HOLLYWOOD
52 ESPECIAL ORSON WELLES
56 FIRMA INVITADA: ROGER SERÓ
58 PROGRAMACIÓN
Director
Nacho Cerdà
Editora
Sandra S. Lopera
Redacción
Lara Malvesí, Misael Sanroque, Jaume Miranda, Carlos
Murcia, Pablo Mérida, Carlos Fernández Castro, Jose Antonio
Pérez Guevara, La reina Margot y Pablo García Márquez
Nacho Cerdá
Director de Phenomena Experience
Firma invitada
Roger Seró
Diseño y maquetación:
Miki Edge
Contacto
[email protected]
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3
CICLO
HOLLYWOOD
MUSICAL
Por Jaume Miranda
Nuevamente, la sala Phenomena ofrece uno de sus fantásticos ciclos cinematográficos para poder repasar y volver a disfrutar
de piezas esenciales de la historia del séptimo arte. Esta vez, le toca el turno al musical: concretamente, a los musicales clásicos
del Hollywood más dorado.
Para ello, se ha hecho una selección de algunos de los títulos más representativos de este género, entre los que destacan Las
zapatillas rojas (Michael Powell y Emeric Pressburger, 1948), Cantando bajo la lluvia (Stanley Donen y Gene Kelly, 1952) y El rey
y yo (Walter Lang, 1956): tres obras que, no solo comparten música en su formato, sino que también tienen en común historias
llenas de romance y jolgorio, personajes de gran vitalidad y simpatía, lugares repletos de color y centelleo,... y mucho más.
DOM 1 CHICAGO
MIE 4 CANTANDO BAJO LA LLUVIA
MIE 11 UN AMERICANO EN PARÍS
4
SAB 14 SONRISAS Y LÁGRIMAS
MIE 18 EL REY Y YO
MIE 25 LAS ZAPATILLAS ROJAS
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Por una parte, Cantando bajo la lluvia es, seguramente,
la más reconocida y recordada de las tres, y tal vez sea
porque, sin querer quitar consideración a las otras, puede
entenderse como la culminación y la síntesis hecha
película de todas las posibilidades artísticas del musical
clásico hollywoodiense: es, sin duda, la película que lo
resume y lo contiene todo.
Esta dinámica y colorista película se sitúa en el año 1927,
adentrándose en el proceso transitorio del mudo al sonoro
que sufrió el Hollywood de aquellos años y como esto
afectó, no sólo a las productoras y a los modos de hacer
cine, sino también a muchos actores y actrices que vieron
emerger o hundirse sus carreras a partes iguales.
Menos alegre y recordada es Las zapatillas rojas (1948),
obra protagonizada por Victoria Page; una talentosa
bailarina con deseos de llegar a lo más alto del ballet de
manos de su posesivo (y enamorado) mentor Lérmontov,
quien la obliga a centrarse exclusivamente en su carrera
profesional. Igualmente, como es obvio, la joven se acaba
enamorando en secreto del novel compositor Julian
Craster... y la nueva pareja tendrá que decidir entre su
trayectoria o su idilio.
Pero, más allá de ser una obra metacinematográfica,
Cantando bajo la lluvia es, por encima de todo, una
comedia optimista y alegre y, a su vez, una romántica y
contagiosa historia de amor codirigida por un experto en
la materia, Stanley Donen, autor de las míticas Un día en
Nueva York (1949) o Siete novias para siete hermanos
(1954).
Curiosamente, las tres películas, a pesar del éxito compartido tanto de público como de crítica, tienen también en común
el ser tres de las grandes olvidadas de los Óscar de sus respectivos años, ganando únicamente galardones secundarios
(aunque merecidos) como la estatuilla a la mejor banda sonora o a la mejor dirección de arte (a excepción del Óscar a mejor
actor de El rey y yo).
Sin embargo, realmente ahora la ausencia en dichos premios ya poco importa: el tiempo, siempre tan acertado, las ha sabido
situar entre las películas más esenciales del género, siendo a día de hoy básicas para cualquier aficionado al musical y al
cine.
Donen, como también haría en otras dos ocasiones,
codirigió este título con Gene Kelly, coreógrafo oficial
de la cinta y, por encima de cualquier otro cargo, actor
protagonista en uno de sus papeles más memorables y
completos; luciendo sus capacidades tanto en la acción,
como en el baile y el canto o en la comedia.
De hecho, esta película destaca especialmente por la
brillantez de todo un elenco de personajes genialmente
interpretados que, en todo momento, se complementan
y fluyen entre sí: el aclamado y talentoso Don Lockwood
(Kelly), su inseparable y divertido amigo Cosmo Brown
(Donald O’Connor), la joven y risueña Kathy Selden
(Debbie Reynolds) o la odiosa e insoportable Lina Lamont
(Jean Hagen).
Así, este fabuloso reparto nos regala algunos de los
momentos musicales más festivos, enérgicos y recordados
de todos los tiempos, tales como el divertidísimo Make’em
Laugh, el optimista Good Morning, el apasionado Singin’
in the rain o el fulgurante Broadway Melody, con aparición
incluída de la sensual e hipnótica Cyd Charisse.
Todo ello enmarcado en una barroco, colorista y absorbente
tratamiento del color y del espacio de manos de una
dirección de arte y vestuario impecables, rematando así la
mayor obra maestra de exaltación al optimismo, la alegría
de vivir, la camaradería y el amor.
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Sin lugar a dudas, Las zapatillas rojas es un auténtico
melodrama musical de corte femenino que, por una parte,
trata sobre las dificultades y exigencias del elitista mundo
del ballet (en lo cual tiene un gran parecido contemporáneo
con Cisne negro (Darren Aranofsky, 2010) debido a su
manera de enfocarlo) y, por otra, sobre la pasión infrenable
y desdoblada que siente su protagonista hacia el baile y
su hombre.
A pesar de la aparente sensiblería y dramatismo de
la narración, la cual no deja de estar presente en
prácticamente todo el metraje, Las zapatillas rojas
es también una entretenida, apasionada e, incluso, a
veces cómica historia acerca del esfuerzo, el sacrificio
profesional, el duro mundo del arte y el amor prohibido.
Esta citada parte cómica, menos presente que en otros
musicales clásicos, corre a cargo de manos, sobretodo, de
los grandes secundarios que forman la compañía de ballet
7
Lérmontov, como el dúo de amanerados e intensos Grischa (Léonide Massine) e Ivan (Robert Helpmann) o la apasionada
diva Irina (Ludmilla Tchérina).
Sin embargo, debido a su complejidad y potencia, la actuación que más destaca en toda la obra es la de la protagonista,
interpretado por una brillante Moira Shearer en su primer papel cinematográfico, siendo, de profesión habitual, bailarina (al
igual que Massin y Helpmann, que, de hecho, idearon las coreografías de la película).
Teniendo a tanto profesional de la danza ante la cámara, no es de extrañar que esta gran obra contenga algunos de los
momentos musicales más enredados y mejor resueltos del la historia del cine, destacando, sobretodo, la interpretación del
ballet de Las zapatillas rojas: una explosión de colores, formas, ritmos, bailes y efectos visuales de más de 15 minutos que
comprenden lo mejor de la película.
Más optimista y animada es El rey y yo (1956), obra
culmen de la amplia filmografía de Walter Lang, experto
director de comedias musicales de predominio femenino,
como algunas protagonizadas por Carmen Miranda,
Shirley Temple o Betty Grable.
brillo ideado a través de una dirección de arte, un vestuario
y una peluquería impecables. Todo ello, pasado por el filtro
de una espectacular fotografía y una cálida iluminación
que resalta el romance surgido entre los protagonistas.
Esta adaptación del musical de Broadway se enmarca
en la Inglaterra victoriana de donde parte la protagonista,
Anna (Deborah Kerr), justo para instalarse en el exótico
Reino de Siam. Allí, deberá instruir en conocimientos
occidentales a las esposas e hijos del rudo y terco rey del
país asiático.
Teniendo unos números musicales menos espectaculares
que, por ejemplo, las dos anteriores, el film se nutre,
sobretodo, de los contínuos y cómicos choques culturales
que se desarrollan a través de, por ejemplo, las discusiones
entre Anna y el rey o de la inglesa con sus alumnos (los
adorables niños y las ingenuas y graciosas esposas).
Como culminación de esta divertida “confrontación
cultural”, está la excéntrica cena que organiza el rey
siamés para las autoridades inglesas, intentando imitar
sus modales y tradiciones occidentales. En este marco
se encuentra la, posiblemente, mejor secuencia de toda
la cinta: la desternillante adaptación tailandesa de la
norteamericana La casa de Thomas de manos de una
sobresaliente Rita Moreno en la piel de Tuptim, una de las
esposas del gobernador.
Sin embargo, la trama central no se desarrolla entorno
a esto, sino que también, al igual que las otras dos, se
construye entorno a una deseo pasional totalmente
imposible debido a la condición sociocultural de los
protagonistas: la protagonista y el gobernador, a pesar de
la inviabilidad de su relación, se desean y odian a partes
iguales desde el primer momento en que se ven,... y cada
vez va desapareciendo más el odio para dar rienda suelta
al deseo.
El frenesí contenido y la química chispeante, más que
evidente entre los dos personajes a pesar de no compartir
ni una sola palabra de amor, sólo puede agradecerse a
una inmensa interpretación del imponente Yul Brynner
(ganador del Óscar por este papel) y la refinada Deborah
Kerr, quienes más que nunca vibran de delirio en la
excitada danza de Shall we dance.
Una vez más, y como no podía ser de otro modo debido la
excusa geográfica de la película, este idilio imposible se
enmarca dentro de un mundo repleto de color, exotismo y
8
En resumidas palabras, los tres títulos anunciados
comparten mucho más que musicalidad, colorido y
romanticismo, y también mucho más que pertenecer al
selecto círculo de clásicos musicales; Las zapatillas rojas,
Cantando bajo la lluvia y El rey y yo, son, por encima de
cualquier cosa, tres grandes hitos del entretenimiento
cinematográfico de su momento que han sabido perdurar
en el tiempo gracias a su calidad para seguir siendo
frescas, apasionantes, humorísticas y emocionantes a
ojos del público más contemporáneo.
9
CICLO HOLLYWOOD MUSICAL
las zapatillas rojas
Un cuento en Technicolor
Por Misael Sanroque
Las zapatillas rojas, un musical inspirado en un cuento,
fue escrita originariamente por Emeric Pressburger
para ser dirigida por Alexander Korda. Años después,
desencadenado del mítico director, Pressburger
propondría su guión a su socio, amigo y casi alma gemela
Michael Powell. No sabían lo que se les venía encima.
Con Las zapatillas rojas, Powell y Pressburger viraron
mortalmente en la curva del cine musical. Para empezar
porque esta película ha conseguido asociarse siempre
con el género: es imposible hablar del cine musical sin
hablar de ella pero... ¿es realmente un musical? No es
un musical al uso, desde luego. La última representación
del ballet ‘Las zapatillas rojas’ - que no desvelaré aquí nos deja claro qué clase de película se traen entre manos
Powell y Pressburger.
Victoria Page (Moira Shearer) es una bailarina de ballet
con altas aspiraciones y grandes anhelos, como viene
siendo habitual en estos casos. El compositor Julian
Craster (Marius Goring), airado después de que le hayan
plagiado su última ópera, ingresa en la compañía de danza
dirigida por Boris Lermontov (Antón Walbrook). Lermontov
es el clásico director castrense, frío y reservado, cruel.
Parecido al recientemente oscarizado Fletcher de J. K.
Simmons en Whiplash (Damien Chazelle, 2014). Podría
parecer un cliché del melodrama musical: la frágil e ilusa
bailarina, el talentoso y pobre compositor y el director
altanero y malvado. Y es cierto que surgen chispazos en
el triángulo pero, ¿por amor? Más bien por la música. Por
el arte. Los tres protagonistas están dispuestos a matar
y a morir por su arte, por una pirouette bien ejecutada,
por una nota más o una nota menos en la partitura...
Victoria, Julian y Lermontov han vendido el alma al diablo
para ser virtuosos y apasionados, pero todo trato con el
diablo acabar de la peor forma imaginable. Y sí, esta es la
base de un musical inspirado en un cuento de Andersen
estrenado en 1948.
Lermontov aspira a la pureza del arte, a la rigurosidad y la
precisión mediante las malas artes, todo un tema coplero.
Pero también es el tema de la película. Sin duda, Powell
y Pressburger alcanzaron una cima que se prometía
demasiado alta, demasiado resbaladiza. Y entre tantos
y tantos logros no hay que olvidar que para ilustrarnos
este cuento en Technicolor contrataron al mítico director
de fotografía Jack Cardiff. Sin la plasticidad y los extraños
10
claroscuros, los marrones y los rojos de un Cardiff
en estado de gracia el ballet no habría lucido igual. La
estética de Las zapatillas rojas creó escuela, palpable en
casi todo el cine musical norteamericano posterior desde
Minelli y Donen hasta que Robert Wise - y Daniel L. Fapp
- rompieran la baraja en West Side Story.
El cuento original, cuyo ballet admiramos en una escena
de la película, cuenta la historia fáustica de unas
zapatillas mágicas que concenden a la bailarina el talento
de bailar a la perfección. Pero la magia sin esfuerzo,
como comentábamos antes, tiene su contrapartida.
Es inconcebible, especialmente para Lermontov, dios
y demonio de nuestros personajes, que lo que surge
naturalmente, como el amor, sin requerir de sacrificio y
esfuerzo, sea perecedero. Por si no lo habíais adivinado,
Las zapatillas rojas no tendrá un final feliz. ¿Cuántos
musicales hay sin final feliz? ¡Si hasta el final de West
Side Story tiene su parte feliz!
Las zapatillas rojas fue un hito del cine, a secas, que
supuso una inspiración brutal para gente como Martin
Scorsese (que la homenajea en New York, New York),
para Coppola (que en Tetro inserta imágenes de otra obra
de Powell y Pressburger prima hermana de ésta: Los
cuentos de Hoffman) y de Brian De Palma. Por algo será.
Y si aún no estáis convencidos de ir a ver la película os
diré algo más: es la película favorita de Concha Velasco.
Si Concha Velasco y Martin Scorsese podían coincidir en
algo, lo hemos hallado.
¿No es suficientemente mágico?
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La herencia de Broadway
Por Sandra S. Lopera
Pocos musicales llamaron tanto la atención de Hollywood
como Chicago. Su libreto estuvo dando vueltas por los
despachos de los productores durante más de veinte
años, pero no fue hasta que Broadway recuperó el montaje
cuando la obra saltó por fin a la gran pantalla.
Conscientes de que debían combinar en el reparto a
actores famosos y bailarines y cantantes de talento, los
estudios decidieron otorgar los papeles principales a
actores que pudieran sorprender mostrando sus dotes
musicales y más de un centenar de secundarios que
les respaldaban en los números de baile. En realidad,
Catherine Zeta-Jones, quien se llevó un Oscar como
mejor actriz secundaria por su papel en la película, tenía
una larga trayectoria en el género. Estudió danza desde
pequeña y con tan solo 13 años interpretó un personaje
en un montaje de Bugsy Malone en el West End. En 2010,
Zeta-Jones volvió a demostrar su valía al ganar el premio
Tony a la mejor actriz de musical por A Little Night Music.
La actriz fue un fichaje claro, aunque dudaba entre los dos
papeles femeninos principales. Finalmente, se decidió
por Velma y Renée Zellwegger se convirtió en la cándida
Roxie Hart.
Rob Marshall, un prestigioso director teatral de musicales
nominado varias veces al premio Tony, fue el encargado
de dirigir la película, e insistió en que Zellwegger y Richard
Gere, el tercer puntal del trío protagonista, tomaran clases
de baile para ser convincentes en sus números de baile.
El actor necesitó tres meses de ensayos con profesores
de claqué para rodar su escena más espectacular, tras la
que declaró querer cortarse los pies. Más hábil se mostró
Zellwegger quien, tras casi un año recibiendo clases de
profesionales, dio muestras de ser tan buena cantante
como bailarina. Toda una sorpresa que dio grandes
números en pantalla.
Chicago, con coreografías del veterano Bob Fosse
(Cabaret, Lenny, Empieza el espectáculo) pisó por primera
vez lo escenarios en junio de 1973 en el 46th Street
Theatre de Nueva York, pero su mayor reconocimiento fue
en 1996, cuando regresó al teatro. Este nuevo montaje
iba a contar con estrellas como Madonna y Goldie Hawn,
pero finalmente prefirieron reservarse para su posible
adaptación al cine, que no llegó hasta 2002.
12
El guión del director Bill Condon, quien años después
dirigiría el musical Dreamgirls, supo trasladar con acierto
toda la espectacularidad del montaje teatral al cine,
consiguiendo un film que era puro Broadway y en el que
la historia se construía gracias a luminosas canciones y
coreografías que recogían la pura esencia del género.
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UN AMERICANO EN PARÍS
Por Pablo García Márquez
Los musicales nunca volvieron a ser lo mismo gracias
a Vincente Minnelli. Su manera de entender y rodar las
escenas musicales supusieron un cambio de rumbo.
Toda esta historia de enredos y amores imposibles se
lleva a cabo con unas coreografías espléndidas y un uso
del color y la belleza que nos sumerge de lleno en el París
soñado, en una película y que acabó por conseguir 8
nominaciones a los premios de la academia, llevándose
6, entre ellas la codiciada estatuilla a mejor película.
Vitalista, los personajes se mueven como una danza
buscando el amor y el arte en unos escenarios de ensueño
y entre escenas oníricas para recordar. Es una película
que tarda en olvidarse, por su historia y por la maestría de
Vicente Minnelli, con un Gene Kelly que ya encandilaba
a medio mundo y que poco después tocaría el cielo con
Cantando bajo la lluvia.
Un americano en París es la viva prueba de este
comentario. Nunca hubo un canto de amor igual a la
ciudad de la luz, por mucho que los productores se
negaran a rodar en la capital francesa y casi todo fue
filmado en estudio. Y sin embargo la película evoca todo
aquello por el que cine americano siempre ha suspirado y
ha tratado de encontrar en París, ese amor, ese final que
todo lo puede en el último momento...
La cinta narra la historia de Jerry (Gene Kelly), que tras la
Segunda Guerra Mundial se queda en París persiguiendo
su sueño de ser pintor. Ni que decir tiene que no consigue
vender nada, hasta que conoce a una millonaria americana
que se enamora de él y está dispuesta a promocionarlo.
Pero por el camino conoce a una chica que resulta ser la
novia de un amigo y acaba prendado de ella.
Uno sale de la proyección después de un viaje imposible a
una ciudad de París que sólo existe en el cine con ganas
de bailar y soñar. Es cierto que ya no se hacen cintas
así, pero lejos de quejarnos mejor será revivir o conocer
por primera vez lo que es capaz de hacer Minnelli con
unos cuantos escenarios y unos actores que destilan
carisma. Si hasta el momento de “I got rhythm”, con Gene
Kelly irradiando magia rodeado de niños es inolvidable.
Musicales y niños, oigan. Y hasta ese momento funciona.
14
15
sonrisas y lágrimas
Medio siglo de un icono del cine musical
Por Lara Malvesi
De Hollywood a Salzburgo, el mundo celebra este año el
50 aniversario de este clásico del cine musical. Hasta en
los Oscars se coló el homenaje de la mano de Lady Gaga
y la propia Julie Andrews, en lo que fue una conjunción
cuanto menos peculiar.
La primera escena que se rodó fue la de los niños
refugiándose en la habitación de la nueva institutriz en
plena tormenta. Maravilloso el modo en que se engarza
esa escena con la del día siguiente cuando, a modo de
lección de música, María y los niños recorren Viena al
ritmo de DO-RE-MI. La protagonista mira las cortinas a
punto de ser desechadas y al siguiente fotograma los
niños desfilan con impecables vestidos de recreo a juego.
Cine en estado puro.
Sonrisas y Lágrimas ya fue la protagonista en la gala de
los Oscar de 1966, cuando se alzó con cinco premios de
la Academia, incluídos Mejor Película, Director y Banda
Sonora Original.
Cuando Julie Andrews recibió el guión de Sonrisas y
lágrimas su primer impulso fue rechazarlo porque el
personaje que se hace cargo de los niños podía ser
demasiado parecido al de Mary Poppins, rodada un año
antes. Afortunadamente Andrews se sumó al proyecto de
Robert Wise, con partitura de Rogers y Hammerstein e hizo
así historia del cine musical. La actriz tuvo que aprender a
tocar la guitarra y sufrió hasta doce tomas del plano inicial
de la película, en la que un helicóptero sobrevuela a la
despistada novicia en lo alto de la montaña.
16
Basada en la verdadera historia de los Von Trapp,
la auténtica María según cuenta su hijo Johannes a
través del mitómano escritor Tom Santopietro no era tan
amorosa, si no más bien esctricta, al estilo del capitán,
que en la película llama al orden a sus hijos a toque de
silbato. Christopher Plummer no ha sido especialmente
cariñoso en el recuerdo con la película que le convirtió en
una estrella. “Era tan cursi y sentimentaloide”, dijo en una
entrevista reciente.
Mención aparte merece la estupendamente gélida Eleanor
Parker en la piel de la baronesa. El antagonismo de la
mujer inocente y pura que encarna Andrews. ‘Si lo hubiese
sabido hubiera traído mi armónica’. Déjelo, baronesa.
17
Las proyecciones de Interstellar, film que se podrá ver por primera vez en nuestro país en 70mm, nos invitan a redescubrir
algunos de los títulos que han convertido a Nolan en el director con más habilidad para explorar el mundo de la mente y de los
sueños. Su último trabajo formará parte de un ciclo que se completa con Memento, Origen e Insomnia.
Por Sandra S. Lopera
70MM · DTS
SAB 14 22:00H
18
JUE 19 20:45H
VIE 20 17:00H
SAB 21 21:00H
DOM 22 18:30H
SAB 28 20:30H
SAB 29 21:30H
19
EN LA MENTE DE CHRISTOPHER NOLAN
Cuando un director debuta con Doodlebug, un cortometraje en blanco y negro de apenas tres minutos, en el que un
hombre parece volverse loco intentando matar a un bicho que se ha colado en su piso, está claro que le gusta jugar
con el espectador y, sobre todo, con la estabilidad mental de sus personajes. Así empezaban los trucos de magia
de Christopher Nolan, un cineasta que pronto aprendió a manipular nuestras mentes a través de unos personajes
que transitan a medio camino entre la realidad y el sueño.
Rodada en tan solo 25 días, Memento sorprendió por su
peculiar montaje, una ruptura narrativa que reflejaba el
desconcierto del protagonista, un hombre incapaz de generar
recuerdos a corto plazo y que debe tatuarse el cuerpo para
no olvidar las pistas que ha encontrado del asesinato de
su mujer. Un film cuyo visionado descubre siempre nuevos
detalles, piezas de un puzzle que encajaba a la perfección
en el guión escrito por Christopher Nolan y su hermano
Jonathan y por el que fueron nominados al Oscar.
la máscara. El caballero oscuro (2008), que pasaría a la
historia también por el Oscar póstumo a Heath Ledger por
su perverso y loco Joker, y El caballero oscuro. La leyenda
renace (2012) completaron la trilogía.
Entre la primera y la segunda entrega de Batman, Nolan
encontró tiempo para jugar de nuevo con el concepto de
realidad frente al espectador con El truco final (The Prestige).
Un truco de magia en toda regla en el que Nolan se guardaba
un as en la manga para demostrar cómo había podido
engañarnos. Un duelo de magos, a cual más astuto, que
permitía al cineasta convertirse en un hábil prestidigitador
capaz de esconder una terrible venganza en su chistera.
Tras la original Memento, Nolan aceptó el encargo de
dirigir Insomnia (2002), remake de un film noruego de
1997 y la única película de su filmografía en cuyo guión no
participó el realizador. Este thriller cambiaba la oscuridad
habitual del género por la agobiante claridad de un pueblo
de Alaska en el que no se pone el sol durante semanas.
Una luz omnipresente que acentuaba el insomnio de un
detective encargado de investigar la muerte de una joven.
Al Pacino ofreció una contenida interpretación que mostraba
la inestabilidad mental de su personaje, cada vez más torpe
siguiendo el rastro que le llevaba hasta un retorcido Robin
Williams en uno de sus primeros papeles de villano.
La buena acogida en festivales de su ópera prima, Following (1998), sobre un escritor que seguía a la gente en
busca de inspiración (es decir, una especie de ladrón en busca de fragmentos de realidad que pueda convertir en
relatos) le permitió a Nolan conseguir financiación para la que sería su tarjeta de presentación oficial: Memento
(2000).
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En 2005, Nolan abrió su trilogía del hombre murciélago
con Batman Begins, con la que ofrecía a la franquicia un
nuevo origen tras producciones tan prescindibles como
Batman y Robin o Batman Forever. El director quiso
recuperar la dignidad de la saga con tres films oscuros,
físicos e intensos. Las armas que usaba Batman estaban
basadas en armamento militar y Christian Bale hizo sus
propias secuencias de acción y perdió la voz varias veces
impostando el tono con el que hablaba su personaje tras
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En 2010, justo antes de cerrar su trilogía de Batman, el
director alteró de nuevo la idea de lo que era real y lo que
no en Origen. Un fascinante ejercicio visual cuyos oníricos
paisajes eran creados por ladrones que asaltaban el
subconsciente de sus víctimas en busca de información.
Buscando de nuevo un punto de fuga de la realidad,
Christopher Nolan rindió homenaje a su admirado Stanley
Kubrick (y en cierto sentido a su otro ídolo, Ridley Scott)
con la odisea espacial de Interstellar. Su última película
dividió opiniones. Mientras para algunos fue el mejor film
de 2014, para otros su epopeya galáctica era una historia
pretenciosa cargada de teorías científicas que cargaba un
guión demasiado metafísico. Opiniones aparte, lo cierto
es que Interstellar ha abierto también un debate sobre los
formatos cinematográficos. El director concebió la película
en 70 mm y rodó parte de ella para ser proyectada en este
formato, pero la gran mayoría de salas de cine la proyectaron
en copias digitales o de 35 mm.
LAS VENTAJAS DEL 70mm
Phenomena permitirá que los espectadores puedan descubrir Interstellar en 70 mm. Este formato, cuyo fotograma es
el doble de ancho del de una copia de 35 mm, mejora su calidad de definición y de luminosidad, una ventaja que Nolan
quería aprovechar para potenciar los espectaculares escenarios en los que se movían los astronautas en busca de un
nuevo planeta. La visión panorámica que permite apreciarse mejor con el 70 mm era esencial para el cineasta, aunque la
proyección en este formato apenas ha podido verse en algunas salas IMAX de Estados Unidos y poco más.
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WALTER HILL
Y LOS ÚLTIMOS
HOMBRES DUROS
Por Pablo Mérida
Recuperamos dos de los títulos más interesantes de la filmografía de Walter Hill, un director
que ha reflejado en sus trabajos tanto su fuerte personalidad como su pasión por el western.
Un programa doble de alto voltaje: The Driver + The Warriors.
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WALTER HILL Y LOS ÚLTIMOS HOMBRES DUROS
En muchas ocasiones, cuando observamos que un artista no es reconocido por sus obras de forma unánime, enseguida hay
alguien que se apresura a explicarlo diciendo aquello de que se trata de un hombre adelantado a su tiempo. En el caso del
cineasta Walter Hill quizá ocurra lo contrario. Si hubiera tenido la oportunidad de ejercer como director al tiempo que otros
realizadores de carácter, al estilo de Sam Peckinpah o Arthur Penn, lo más seguro es que sus obras hubieran revolucionado por
completo los cimientos de Hollywood. Sin embargo, esas películas suyas tan características, protagonizadas por tipos duros de
espíritu aventurero y romántico, llegaron más tarde, cuando algo comenzaba ya a cambiar en la industria del cine. De la mano
de nuevos genios como George Lucas o Steven Spielberg, las pantallas comenzaban a llenarse de magia, buenos sentimientos
y grandes efectos especiales, al tiempo que el marketing anunciaba que la era dorada de los lobos solitarios, rudos y violentos,
ya formaba parte del pasado.
La escuela de un gran director
Walter Hill nació en la localidad californiana de Long Beach,
el 10 de enero de 1942. De pequeño tuvo problemas
asmáticos, lo que en más de una ocasión le obligó a
guardar cama, un tiempo precioso que aprovechó para
aficionarse al cine, a los cómics y la literatura policíaca,
de la que llegaría a ser todo un experto. Al terminar sus
estudios en la Universidad de Michigan, trabajó un tiempo
en la construcción hasta que pudo cumplir su gran sueño
de entrar en el mundo del cine. Tuvo una formación de
auténtico lujo, al ejercer de segundo ayudante de dirección
en tres grandes películas de finales de los 60: El caso de
Thomas Crown (1968), Bullit (1968) y Toma el dinero y
corre (1969).
The Driver (1978); esa épica historia de las bandas de
Nueva York titulada The Warriors. Los amos de la noche
(1979); una nueva y espectacular concepción del western,
Forajidos de leyenda (1980); la brutal historia de La presa
(1981); su nueva aportación a los clásicos «buddy films»,
Límite: 48 horas (1982); y un singular cuento de hadas
narrado a ritmo de música rock, Calles de fuego (1984).
Seis inolvidables títulos que plasmaban un universo
ambiguo y violento en el que al director le gustaba situar a
sus personajes.
A comienzos de la década de los 70, Hill quiso dar un
paso más allá y probó fortuna como guionista. Entre otros
libretos, firmó el guión de La huida (1972), una de las
obras maestras de su admirado Sam Peckinpah, y el de El
hombre de Mackintosh (1973), para John Huston, aunque
su colaboración con el veterano director le supuso más
de un quebradero de cabeza por la cantidad de gente que
intentó hacer su aportación al guión.
Una época dorada
¿Quiere decir todo lo anterior que el cine de Walter Hill es un fracaso? Todo lo contrario. Sobre todo las obras que surgieron
en la primera parte de su carrera han de contemplarse como auténticos tesoros de un tipo de cine de acción genuino, visceral
y rabiosamente entretenido. Luego, lo cierto es que Hill no volvió a levantar cabeza. Bien fuera por entregarse con poco
convencimiento a encargos que le eran del todo ajenos o porque perdiera la fe en su propia concepción del cine, no consiguió
reivindicarse con una película que estuviera a la altura de sus primeras obras. Quizá nunca lo consiga ya, aunque quienes fuimos
fervientes admiradores de este cineasta, conservamos la esperanza de que algún día regrese y nos sorprenda con su última
gran producción. Sea como sea, ya nos ha dejado su impronta como guionista, director y productor en algunas producciones
clave de la década de los 70 y 80.
¿EL CREADOR DE “ALIEN”?
Si alguien explora en la filmografía de Walter Hill, sin duda le sorprenderá descubrir que figura como productor de toda la
saga de Alien, incluyendo el Prometheus (2012), de Ridley Scott, y la secuela de esta película anunciada para 2016. Pero
¿cuál es la contribución real de Hill a la serie de Alien? A mediados de los años 70, el cineasta había fundado la compañía
de producción Brandywine junto a sus colegas Gordon Carroll y David Giler. Tras recibir el guión original de Alien, escrito
por Dan O’Bannon y Ronald Shusett, Hill asegura que lo reescribió con la ayuda de Giler hasta darle su forma definitiva,
aunque nunca fueron reconocidos ni acreditados por este trabajo.
26
Por fin, en 1975, Walter Hill consiguió debutar como
director. Lo hizo con una sórdida historia de boxeadores
callejeros titulada El luchador, en la que Charles Bronson,
muy popular en aquellos días, ejercía de gran estrella junto
a James Coburn. En esta película, Walter Hill mostraba por
primera vez su atracción hacia los personajes solitarios,
duros y violentos, y lo hacía en un cine de acción diferente
al que se había visto hasta entonces.
«Yo sabía que no podía hacer el tipo de cine que hacían
los grandes maestros, como John Ford o Howard Hawks,
sencillamente porque ellos lo habían hecho mejor de lo que
yo jamás podría conseguirlo. No puede sorprendernos,
ya que ellos habían inventado los propios géneros
cinematográficos. Mi generación se encontró con que
tenía que utilizar los viejos géneros de manera diferente,
tirar de ellos de adentro hacia afuera.» (1)
Después de El luchador llegó la época dorada de Walter Hill.
Unos años prodigiosos en los que realizó sus indiscutibles
obras maestras: la vertiginosa historia de persecuciones
«Me interesa lo que cada hombre tiene reprimido debajo de
sí, debajo de sus fachada civilizada —declararía el director
en una ocasión—. La única manera de conseguirlo es
colocarse en una situación en que sus reflejos civilizados
no le sirvan, y salga a la luz su verdadero rostro, su rostro
oculto. A mí me gusta investigar en profundidad sobre el
comportamiento de ese extraño ser que es el hombre.» (2)
27
Sobre influencias y maestros
Al tiempo que los grandes estudios apostaban por un tipo
de cine blanco y familiar, algunos directores aprovechaban
para rebuscar por el lado salvaje de la vida, con héroes
políticamente incorrectos, pero cargados de fuerza y
fascinación. Quizá como los mostrados poco antes por el
cine de Peckinpah. ¿Era acaso Walter Hill su más directo
heredero?
«Al comienzo de mi carrera, se decía mucho que si estaba
influenciado por Peckinpah. Sam estaba muy influenciado
por Kurosawa; y Kurosawa por John Ford; y Ford por D.
W. Griffith; y Griffith por las novelas de Dickens… Yo no sé
exactamente en que punto del linaje estaba yo. Lo que sí
sé es que todo el mundo está sentado sobre los hombros
de todos los demás.» (3)
La gran decepción
Pero las enormes expectativas que Walter Hill había
creado con sus primeros largometrajes se vinieron abajo
en la segunda mitad de la década de los 80 con una serie
de títulos que no se correspondían en absoluto con lo visto
con anterioridad. Siendo generosos, se podía intentar
reconocer el genuino toque de Hill en algunos momentos
de Traición sin límites (1987), Danko: calor rojo (1988) o
Notas
1. The Guardian. 17 de julio de 2014.
2. «Walter Hill», de Marcial Cantero. Ediciones JC, 1985.
3. The Hollywood Interview. Septiembre de 2009.
4. La Vanguardia. 24 de octubre de 1996.
28
El proyecto fue financiado entre la 20th Century Fox y
la británica EMI Films, que en asociación con Hollywood
también pondrían en marcha dos proyectos de considerable
éxito: El cazador (1978) y Convoy (1978). La idea
original consistía en que The Driver fuera un vehículo de
lucimiento para Steve McQueen. De hecho, la importancia
en la historia de los coches y las persecuciones a toda
velocidad, estaban construidas para el gusto de este gran
amante del mundo del motor. Sin embargo, por razones
no del todo claras, McQueen no aceptó participar en el
proyecto. Y a Hill se le ocurrió proponérselo a otra gran
estrella de la época, el guapo del momento, Ryan O’Neal,
al que había tenido la oportunidad de conocer durante el
rodaje de El ladrón que vino a cenar (1973), cuyo guión
había sido escrito por Hill a partir de la novela de Terrence
Lore Smith. O’Neal asumió el reto de dar vida a este fuera
de la ley inexpresivo y de pocas palabras —en el guión
original apenas pronuncia 350— y se colocó al frente
de un reparto al que enseguida se unieron Bruce Dern,
recién salido del rodaje de la dramática El regreso (1978),
y la atractiva francesa Isabelle Adjani, que intentó dar el
gran salto a Hollywood, después de haber trabajado a las
órdenes de Truffaut en Diario íntimo de Adela H. (1975) y
de Polanski en El quimérico inquilino (1976).
Johnny el Guapo (1989). Pero algo se había perdido en
el camino. Quizá esa rebeldía más juvenil, esa fiereza
que le llevaba incluso a desafiar las convenciones de
Hollywood. Por sorprendente que pudiera parecer, el cine
de Walter Hill había perdido su personalidad de la noche a
la mañana. ¿Culpa de la propia industria?
«Nunca me he sentido cómodo en Hollywood, pero he
podido trabajar. En una ocasión me encontré con Robert
Altman en Venecia y me dijo: “Mira, Walter, uno tiene que
colocarse en la esquina de la calle donde te tiren más
monedas. Somos pordioseros, y nuestra esquina está en
Hollywood.» (4)
Desde su esquina, Walter Hill sobrevivió de la mano de
grandes estrellas: Bruce Willis en El último hombre (1996),
Wesley Snipes en Invicto (2002), o Sylvester Stallone
en Una bala en la cabeza (2012). Pero el genio nunca
regresó. Solo algo de su talento se asomó cuando quiso
refugiarse en el western, uno de sus géneros favoritos,
en las películas Geronimo, una leyenda (1993) y Wild Bill
(1995), y sobre todo en el brillante episodio inicial de la serie
Deadwood (2004). Pero de lo que ocurrió con ese talento
indomable que durante unos años nos hizo vibrar frente
a las pantallas de la mano de los últimos hombres duros
del cine, con esas extraordinarias historias donde siempre
estaba presente la amistad, el amor y esa inexorable
necesidad de regresar al hogar… es un misterio que, por
el momento, está sin resolver.
THE DRIVER (1978)
Título original: The Driver
Dirección y guión: Walter Hill
Fotografía: Philip H. Lathrop
Música: Michael Small
Reparto: Ryan O’Neal, Bruce Dern, Isabelle Adjani, Ronee
Blakley y Frank Bruno.
Duración: 90 min.
Después de su primera película, El luchador, Walter Hill
quiso explorar la psicología criminal a través de una especie
de western moderno en el que los caballos se transforman
en rápidos vehículos de cuatro ruedas, mientras que el
sheriff y los forajidos adoptan la forma de un policía y un
esquivo conductor que vive al margen de la ley.
Con el guión de Driver, Walter Hill buscó experimentar
en el cine negro, construyendo una historia en apariencia
muy simple: un detective de la policía intenta atrapar a un
conductor que ha intervenido en un robo. Todo tan sencillo
que incluso los personajes carecen de nombre propio en
la versión original, y solo responden al de su profesión.
Como si fueran las piezas de un ajedrez dispuestas sobre
el tablero en una partida dirigida por el realizador.
El personal estilo narrativo que Walter Hill quiso darle
a Driver no fue bien entendido en su momento. Tras su
estreno, fue masacrada por la crítica, que calificó la
película de pretenciosa y estúpida. Incluso el productor
Larry Gordon tuvo que salir al paso diciendo que la falta
de un gran nombre del cine de acción en el reparto, tipo
Clint Eastwood o Charles Bronson, había hecho que la
audiencia pensara que se trataba más de un filme artístico
que de una película de acción, por lo que el público había
dado la espalda al filme. No obstante, las opiniones fueron
cambiando con el paso del tiempo y, en la actualidad, The
Driver está considerada como una pequeña joya del cine
negro moderno.
29
de la época llegó a creer que, al caer el sol, la Gran
Manzana quedaba tomada por estos temibles «ejércitos
de la noche».
THE WARRIORS, LOS AMOS
DE LA NOCHE (1979)
Según se rumoreó, incluso la producción pagó para conseguir la protección de una conocida banda, quien se encargaba de
mantener a raya a todo el que se motivara demasiado durante la filmación.
Pero, para altercados, los que acompañaron al estreno de la película en Estados Unidos. Como era de esperar, el estreno
de The Warriors, los amos de la noche atrajo sobre todo a los integrantes de bandas auténticas, que provocaron en las salas
más de una reyerta y numerosos destrozos. Pese a que las noticias despertaron el temor entre los exhibidores, la película se
mantuvo en cartel consiguiendo una excelente recaudación.
Con una idea muy sencilla, en la más pura tradición
épica de La Odisea —la novela original está inspirada en
el Anabasis de Jenofonte, que narra el regreso de unos
soldados griegos a su hogar a través de lugares poblados
por bárbaros—, el director presenta en The Warriors a los
integrantes de una banda juvenil que, durante una noche,
han de atravesar la ciudad de Nueva York para regresar
a su barrio mientras les acosan las restantes bandas, ya
que les han acusado del asesinato de un gurú del crimen
callejero.
Título original: The Warriors
Dirección: Walter Hill
Guión: Walter Hill y David Shaber, a partir de la novela de
Sol Yurick.
Fotografía: Andrew Laszlo
Música: Barry DeVorzon
Reparto: Michael Beck, James Remar, Brian Tyler, David
Harris, Tom McKitterick y David Patrick Kelly.
Duración: 94 min.
Hasta finales de los 70, el fenómeno de las pandillas de
delincuentes juveniles solo había llegado a Hollywood de
una forma tan idealizada como poco creíble. ¿A alguien
le hubiera inquietado cruzarse por la noche con algún
miembro de los Sharks o los Jets de West Side Story
(1961)? Las cosas cambiaron de forma radical cuando
Walter Hill decidió dar un aire mucho más siniestro a
las diferentes faunas nocturnas de Nueva York en The
Warriors, los amos de la noche. La visión del director, sin
ser del todo realista, inquietó de forma considerable a la
audiencia, que gran parte de la sociedad norteamericana
30
Esta historia de aventuras, entretenida como pocas, exigió
un rodaje repleto de dificultades. Durante 60 días, el equipo
liderado por Hill tuvo que trabajar desde medianoche
hasta las 8 de la mañana en escenarios naturales de la
ciudad, como el célebre Central Park. Las complicaciones
aumentaron cuando, para darle un mayor verismo a
la película, se contrataron como figurantes a algunos
miembros de bandas de delincuentes juveniles reales,
que provocaron más de un altercado durante la filmación.
Novela de Sol Yurik en la que
se basa la película.
Con un cartel de promoción inolvidable y una divertida banda sonora que causó sensación en su época, The Warriors se
convirtió enseguida en una película de culto entre la audiencia juvenil de la época, y eclipsó por completo a otra producción
que tocaba el tema de las bandas y que se estrenó con apenas unos meses de diferencia: The Wanderers (Las pandillas del
Bronx) (1979), de Philip Kaufman.
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32
33
ridley vs. tony
Ridley y Tony Scott tuvieron carreras muy distintas dentro
del mundo del cine, donde cada uno conformó su propio
estilo, aunque ambos comenzaron en el West Hartlepool
College of Art de Inglaterra.
Ridley Scott mostró muy temprano un especial talento
en la composición de imágenes. En 1965 rodó su primer
cortometraje, Boy and bicycle, donde su hermano Tony,
siete años menor, aparecía como actor. Tres años más
tarde fundaron juntos la productora RSA Films (Ridley
Scotts Associates). Tony Scott rodó varios anuncios
publicitarios en la década siguiente y comenzó a supervisar
las producciones de los primeros largometrajes de Ridley,
tales como Los duelistas (1977), basada en una novela
de Joseph Conrad, que obtuvo el Premio Especial del
Jurado en el Festival de Cannes y lanzó su carrera a nivel
internacional.
Bajo la influencia del cine de ciencia ficción del momento
(Star Wars, 1977), Ridley nos regaló en 1979 Alien, el
octavo pasajero, película que lo encumbró como un
referente de aquel cine fantástico, creando un film
de una prodigiosa narración, ambiente oscuro, y un
ritmo inquietante que, junto a una partitura esencial de
Jerry Goldsmith, constituye un clásico en la historia del
cine. En 1982, y basada en la novela de Philip K.Dick
“¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas?”, Ridley
Scott rodó su otro gran clásico de la ciencia ficción, Blade
Runner. La puesta en escena elegante, sutil y poética y
la magistral labor de dirección de Ridley Scott, junto a
la música de Vangelis, sorprendieron favorablemente a
público y crítica.
34
Mientras Ridley Scott se planteaba futuros rodajes, entre
ellos Legend (1985), su hermano Tony debutó tras las
cámaras en 1983 con una historia de vampiros, El ansia,
película que surge de su deseo de adaptar para el cine
la novela de Anne Rice Entrevista con el vampiro. Los
productores a los que acudió poseían los derechos de otra
novela del mismo corte, The hunger, de Whitley Strieber.
Con una experiencia forjada en la publicidad afrontó el
reto y enfocó el film desde la sugestión y la incitación.
La película no tuvo la aceptación deseada, pero acabó
convirtiéndose en una película de culto con el tiempo.
Cuando Ridley Scott presentó Legend, una película
infantil para mayores, el éxito de sus anteriores trabajos
pareció esfumarse y el pretendido reconocimiento de esta
pequeña obra tardaría años en llegar. Ese mismo año, y
con el mismo protagonista, Tom Cruise, Tony Scott rodó
Top Gun, y mientras un hermano vio el éxito pasar de largo,
Tony alcanzaba el suyo creando la película del momento,
por la que incluso aumentó el número de alistamientos
al ejército. Este reconocimiento le valió para dirigir la
segunda parte de la popular comedia Superdetective en
Hollywood, manteniendo su estatus de director taquillero.
En 1987 Ridley rodó La sombra del testigo, una historia
de cine negro con la que tampoco obtuvo el esperado
éxito ni de crítica ni de público. Un año más tarde se puso
al frente de un proyecto de encargo rechazado por Paul
Verhoeven, Black Rain. A pesar de tener una estética
parecida a la magia de Blade Runner, con sus ambientes
decadentes, oscuros y lluviosos, la recordada intriga con
Michael Douglas se quedó bastante por debajo de aquella
aventura interespacial de Harrison Ford.
35
Thelma y Louise
Thelma y Louise es la historia de dos fugitivas que emprenden una huida sin
retorno que cambiará para siempre sus vidas. La guionista Callie Khouri pensó
por primera vez en la historia en 1979, pero el proyecto no llegó a los cines hasta
1991. En 1980 Ridley Scott la contrató para que escribiera el guión y la dirigiera,
y él la produciría. El proyecto se fue retrasando y tuvo miles cambios de reparto
(para Thelma se habló de Meryl Streep, Mia Farrow, Jessica Lange, Liza Minnelli
o Isabella Rosellini, y para Louise de Vanessa Redgrave, Glenn Close, Kim
Basinger, Goldie Hawn, Anjelica Huston, o Sigourney Weaver), hasta que en 1990
Ridley Scott asumió la dirección, Khouri permaneció como guionista, y Susan
Sarandon y Geena Davis encarnaron a Thelma y Louise, en unas actuaciones
inolvidables.
Amor a quemarropa
Empezada la década de los 90, su hermano Tony rodó
dos grandes superproducciones, Días de trueno, de
nuevo con Tom Cruise, y Revenge, un thriller erótico bajo
la influencia del éxito de Atracción fatal. Revenge pinchó
en taquilla a pesar de ofrecer un buen argumento, todo
lo contrario que Días de trueno, que se convirtió en otro
éxito comercial que además vendió muy bien la historia
de amor entre sus protagonistas, Cruise y Kidman.
La road movie Thelma y Louise (1991), supuso por fin
un gran éxito de público y taquilla para Ridley. Por su
lado, Tony presentaba El ultimo boy scout, taquillazo de
acción con Bruce Willis. En 1992 Ridley se embarcó en
uno de los dos proyectos sobre la conmemoración de
los 500 años del descubrimiento de América con 1492:
La conquista del paraíso, donde lo más reseñable fue la
espléndida banda sonora de Vangelis.
Una de las películas más queridas de Tony Scott llegó en
1993, gracias a un fenomenal guión de Quentin Tarantino,
True Romance, conocida en España como Amor a
quemarropa. Dos años más tarde rodó Marea roja, una
película bélica, con mucho ritmo, actores sobresalientes
y la música de Hans Zimmer. En 1996 los hermanos
coincidieron en cartelera, Tony con Fanático, película
menor, y Ridley con Tormenta blanca, que tampoco
despuntó, al igual que le ocurrió un año después con La
teniente O´Neill.
36
Ridley recuperó el reconocimiento con Gladiator,
galardonada con cinco Oscar, incluyendo el de mejor
película en el año 2000. Tony rodó en 2001 Juego de
espías y en 2004 El fuego de la venganza, considerada
como uno de sus mejores trabajos a nivel estético. Ridley
reafirmó su prestigio con Hannibal (2001), la secuela de
El silencio de los corderos, y con Black Hawk derribado.
Tony experimentó el fracaso con Enemigo público,
considerada por la crítica como una mala copia de Con
la muerte en los talones y con Domino, que fue uno de
los fracasos más estrepitosos de toda su carrera. Hasta
su fatídica muerte en 2012, Tony nos ofreció películas
menores como Déjà vu, Asalto al tren Pelham 1 2 3 e
Imparable. Por su parte, en los últimos años Ridley ha
vuelto a estar en el candelero con Prometheus la precuela
de Alien, El consejero, y más recientemente, con Exodus.
Tarantino escribió este guión junto a Roger Avary cuando ambos eran todavía muy
jóvenes. Quentin trabajaba para ganarse la vida en un videoclub, el Video Archive
de Manhattan Beach (California), y Avary era un estudiante de cinematografía
que lo frecuentaba. Amor a quemarropa es una de las mejores películas de Tony
Scott, un auténtico subidón de adrenalina gracias a un montaje rápido y alma
de videoclip que alcanzó una simbiosis perfecta con el mundo barriobajero que
pueblan los héroes de Tarantino, con sus chanzas y sus largos diálogos, sus
momentos de absurdo y sus explosiones de violencia.
BLACK RAIN
Dos detectives de la Policía de Nueva York, uno duro e investigado por asuntos
internos, y otro limpio y con aspiraciones, presencian una matanza en un bar.
Tanto sus autores como las víctimas son japoneses. Juntos, los dos policías
consiguen detener al autor y son designados para entregarle a la policía japonesa.
Su auténtico viaje comienza en ese momento, entrando, sin quererlo, en un
mundo que no entienden. El ritmo de la película es trepidante, y las pocas dosis
de reposo con las que cuenta, en lugar de ralentizar la acción de la historia, lo que
consiguen es reforzar los vínculos existentes entre los personajes, por lo que la
progresión dramática gana en solidez.
el último boy scout
Bruce Willis es un detective privado en horas bajas. Había sido uno de los más
importantes agentes del servicio secreto norteamericano, pero su carrera terminó
al enfrentarse con un político corrupto. Wayans, una gran estrella del fútbol, cae
en desgracia al verse involucrado en un supuesto escándalo. Ambos unirán sus
fuerzas para resolver sus problemas. Se estrenó un año antes de Reservoir dogs,
que seguramente batió el récord de insultos por minuto que hasta ese momento
ostentaba la cinta de Tony Scott.
37
Por Carlos Murcia
JUE 26 21:00H
Tras el éxito de El gran Lebowski, volvemos a celebrar la Beer
and Pizza Night con una buena dosis de humor y aventuras, esta
vez de la mano de John Carpenter y su amigo Kurt Russell con
Golpe en la pequeña China. La entrada a la sesión incluye una
cerveza y un corte de pizza.
38
39
límites insospechados. Es innecesario o imposible entender la trama que sustenta la película, ya que la única intención de esta es plantear
a los protagonistas el mayor número de dificultades posible y no dejarles descansar ni tan sólo unos segundos. El espectador que se
enfrenta a Golpe en la pequeña China acaba adquiriendo una pura actitud admirativa y contemplativa. El film supera por completo el
término aventuras al fomentar la exageración de las dificultades de los héroes y el dilatar la consecución de sus objetivos. Carpenter acierta
por completo al escoger a su actor fetiche, Kurt Russell, para interpretar el papel protagonista de la obra. Su carácter chulesco y su gran
condición de héroe demostrada en películas como La cosa o 1997: Rescate en Nueva York, lo hacían el actor idóneo.
En Golpe en la pequeña China la diversión no es que esté asegurada sino que es simplemente el hilo conductor y el elemento principal
del discurso. El espectador además no solamente admirará a sus héroes enfrentándose a todos los males existentes en la tierra; sino
que también se reirá a través de los gags y situaciones graciosas que aparecen repartidas por toda la película a modo de burla del propio
género. Golpe en la pequeña China es la sobreexplotación de las aventuras, del entretenimiento y de la diversión, es simplemente una
pequeña joya que no deja indiferente a absolutamente nadie.
el principal ingrediente del western de 1959, y trasladarla a la
actualidad moldeándola en forma de thriller. Y es que en muchos
sentidos John Carpenter quería imitar la mejor virtud de su director
predilecto Howard Hawks, la capacidad de realizar los mejores
films de cada género cinematográfico. Así que el segundo éxito
de Carpenter cambiaría por completo de registro y fundaría con
La matanza de Texas un nuevo subgénero de terror, el slasher. La
noche de Halloween se alzó como una de las mejores películas
de terror capaz de gestionar el sufrimiento del espectador como
ningún film lo había hecho hasta el momento. Pero la ambición de
Carpenter no se estancó en el terror sino que dio un paso más allá
y se adentró de lleno en la ciencia ficción. De nuevo de la mano
de un remake de Hawks, La cosa se convertiría junto con Alien, el
octavo pasajero, en la obra de ciencia ficción más espeluznante
jamás rodada.
Es indiscutible que existen pocos directores capaces de divertirnos
y hacernos vibrar a través de sus películas como lo hace John
Carpenter. Los setenta y ochenta fueron los años más importantes
de un cine Hollywoodiense cuyas estructuras estaban fomentadas
en superar el mero entretenimiento para llegar alcanzar y transmitir
un sentido lúdico a través de sus películas. Entre nombres como
Brian de Palma, Steven Spielberg o Francis Ford Coppola se
empezaba a colar la figura de un director excéntrico, creador de un
cine de ideas claras, que abordaba una gran multitud de géneros
y que nacía con una única intención: sorprender al espectador.
El éxito en la carrera de Carpenter se inició de la mejor manera
posible, desde la serie B, ejerciendo una nueva mirada sobre
uno de los grandes clásicos del cine, Rio Bravo. Con Asalto
a la comisaría del distrito 13 fue capaz de capturar la intriga,
40
Thriller, ciencia ficción, terror… Carpenter ya lo había explorado
prácticamente todo pero aún no había creado una obra clara y
deliberadamente fundada en el cine de aventuras. Así llego
Golpe en la pequeña China, la obra más descabellada, loca y
extravagante de Carpenter. Como en sus anteriores obras, el film
partía de la idea de rendir tributo al género al que se sujetaba.
A Carpenter no le importaba la incongruencia del relato, la falta
de realismo, ni si quiera la interpretación de los actores; solo le
importaba tensionar al espectador a través de la acción frenética,
la lucha, las artes marciales, los laberintos, los monstruos, los
superpoderes, las damas constantemente en apuros, los cien
mil villanos… La pequeña China alberga en su interior la mayor
mezcla de elementos del cine de aventuras y fantástico que
ha existido hasta el momento. Y el director es completamente
consciente a la hora de sobrecargar el relato y las escenas hasta
41
Por José Antonio Pérez Guevara
Exploramos el terreno de los documentales de creación a través
de cuatro títulos que combinan realidad y ficción con un estilo muy
característico. Desde los osos que, supuestamente, se comieron
al campista retratado por Werner Herzog hasta el arte callejero de
Banksy, el escandaloso caso de pederastia de la familia Friedman
o el falso intento del actor Joaquin Phoenix por triunfar como
estrella de Hip Hop.
mie 4 grizzly man
mie 11 i’m still here
mie 18 capturing the friedmans
mie 25 exit through the gift shop
42
43
MIRADAS Y APROXIMACIONES DE LO QUE LLAMAMOS REAL
Las primeras imágenes de la historia del cine que vieron
unos espectadores en aquel París de 1895, fueron
escenas de la vida cotidiana filmadas por los hermanos
Auguste y Louis Lumière. Imágenes de los obreros
saliendo de la fábrica, la llegada de un tren o momentos
íntimos donde los propios cineastas daban buena
cuenta de su realidad más próxima e íntima. Después
de este prólogo/inicio donde el retrato de la realidad
se imponía, apareció Méliès, el mago de la ilusión y la
fantasía, y las imágenes se bifurcaron hacía nuevas
vías: la del entretenimiento y la ficción, por un lado, y la
documentación, por el otro. Tuvieron que pasar más de
tres décadas, para que en 1926, John Grierson (padre
del documental británico), calificase con el término de
“documentaire” -valor documental- la película Nanook el
esquimal (1926), de Robert Flaherty –que registraba de
modo poético y brillante las aventuras cotidianas de un
esquimal y su familia en lucha feroz contra los elementos
de la naturaleza en las condiciones más adversas de
supervivencia-.
En 1929, El hombre de la cámara, de Dziga Vertov,
encendió las pantallas filmando la realidad más cercana
de una gran ciudad a través del frenético movimiento
de sus máquinas y personas. Los dos primeros éxitos
del cine documento invitaron a muchos a retratar la
realidad más cotidiana desde puntos de vistas diferentes
y explorando de un modo directo y honesto esas
44
realidades que se escapaban del entorno más próximo
y cercano: La escuela británica, Leni Riefenstahl y sus
aclamadas obras, El triunfo de la voluntad (1935) –
sobre el Congreso del partido nazi- y Olimpiada (1936)
–la primera película que se filma sobre unos Juegos
Olímpicos-, los documentos que registraron la segunda
guerra mundial, algunos filmados por grandes directores
como Ford o Fuller, las experiencias y reflexiones sobre
el valor de las imágenes de Chris Marker y Alain Resnais,
el diario filmado de Jonas Mekas, Johan Van Der Keuken
o David Perlov, entre otros, así como los trabajos sobre
las diferentes artes como la música, el propio cine, o los
retratos sobre figuras destacadas, hasta el documento de
nuestros días, que gracias al formato digital ha abierto
nuevos caminos y espacios para seguir retratando las
infinitas realidades que nos rodean y se escapan en
el vertiginoso mundo que vivimos, y empujándonos
a reflexionar sobre esas imágenes que se mueven a
velocidad de vértigo, formateándose en nuevos géneros
indefinidos y en multitud de miradas inquietas y despiertas
que siguen explorando su propia mirada y la de los que le
rodean. Algunas de esas inquietudes se ven reflejadas en
las cuatro miradas en las que nos vamos a centrar, que
capturan la realidad más inmediata ofreciendo un buen
pulso del panorama narrativo documental contemporáneo
abarcando casi una década, la que va del año 2003 al
2011.
Empezamos con CAPTURING THE FRIEDMANS
(2003), de Andrew Jarecki. Retrato directo y honesto
que se centra en el auge y caída de los Friedman, una
familia de clase media de Long Island que a finales
de 1988, dos de sus componentes, el padre Arnold
(respetado profesor particular de informática) y su hijo
menor, Jesse (su ayudante) fueron arrestados acusados
de abuso de menores. Posteriormente, fueron juzgados
y condenados a prisión. La película se centra en dos
elementos importantes: el arresto y el juicio de los dos
acusados y por otra parte, el desmoronamiento de la
familia. Un retrato apoyado en dos líneas formales, por
un lado, los testimonios de todas las personas implicadas
en el caso, acusados, hermanos, testigos, víctimas,
abogados, acompañadas de imágenes de archivo que
ofrecen una visión mediática de un caso que adquirió
enorme importancia en los medios de turno que vieron en
los Friedman un grupo donde podían sacar tajada. Por
otro lado, el director nos ofrece la visión íntima y personal
de la familia recuperando las innumerables grabaciones
domésticas (found footage o material de archivo) que
reflejan un hogar aparentemente feliz y en armonía, muy
lejos del destino fatídico que les aguardaba. Una visión
de la parte oscura del “American way of life” desde sus
entrañas y muy alejada de la imagen triunfante y romántica
que suelen vender del estilo de vida estadounidense.
Seguimos con GRIZZLY MAN (2005), de Werner Herzog.
El veterano y aclamado cineasta alemán que tiene una
de las filmografías más apabullantes e híbridas de los
realizadores contemporáneos con más de 40 títulos a
sus espaldas, donde desarrolla varios elementos que
estructura su extensa carrera que arrancó a finales de
los 60, siendo uno de los componentes del Nuevo Cine
Alemán. Una mirada portentosa y honesta que registra
ya sea desde la ficción o el documento, a seres en
un mundo hostil que rechazan la convencionalidad del
mundo moderno y se embarcan en aventuras arriesgadas
e insólitas abocadas al fracaso, donde ponen en peligro
tanto su integridad física como psíquica. En esta ocasión,
retrata a Timothy Treadwell un entusiasta ecologista
que se pasó 13 veranos en el parque nacional y reserva
federal Katmai, en Alaska, rodeado de osos. Herzog
plantea su película a través de un parte de las más de
100 horas de filmación que registró Treadwell donde
podemos verlo confraternizando y conviviendo en total
armonía con los animales. El director alemán entrevista
a las personas que lo conocieron intentando no sólo
transmitir la humanidad del personaje, sino también la
difícil y compleja personalidad de un ser humano que
arriesga continuamente su vida por estar con los seres
que más amaba. Un documento excepcional, de montaje
eficaz que logra una trama ambigua a través de la figura
de un hombre que cruza su propio abismo cada día.
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Por último, nos centramos en otro artefacto incendiario
como EXIT THROUGH THE GIFT SHOP (2011), de
Banksy. Película que comparte con la anterior su dispositivo
ya que también se alimenta del fake para relatarnos de
un modo sarcástico y con abundante sentido del humor
las peripecias de un no artista, o lo que es lo mismo,
de alguien sin ningún talento, que se abre camino en el
mundo del arte. Un retrato punzante e incendiario que
no deja títere con cabeza en el superficial oficio del arte
moderno. Banksy, del que no conocemos su identidad, es un artista que saltó desde los muros de las ciudades
a las galerías de arte, mediante dibujos e ilustraciones
que retratan el mundo punzante, caótico y superficial que
vivimos-fabrica un entramado del arribismo e intromisión
de alguien que quiere a toda costa ser famoso y millonario
a costa de un arte que alguien ha supuesto que es arte,
aunque no lo sea o parezca que no lo es. La impostura
del arte, o un mundo narcotizado por las grandes marcas
y trajeados que deciden qué se vende y qué es arte, sirven
al director para ofrecer una mirada múltiple desde donde
se reflexiona sobre la forma de arte de nuestros días y
sobre todo, sobre los artistas y los que se disfrazan de
estos.
A su cambio profesional acompaña uno también físico, con varios
kilos de más además de dejarse crecer el cabello y la barba.
La tercera parte se la dedicamos a I’M STILL HERE (2010), de Casey Afleck. Protagonizada por el actor Joaquin Phoenix
supone el debut en la dirección de otro actor, Casey Afleck. Un retrato entre el sarcasmo y la ironía el periplo personal e interior
que llevó el famoso actor cuando anunció en otoño del 2008 que dejaba la interpretación para reinventarse como cantante
de hip hop. Película sentada en las bases del “fake” o falso documental, término que inventó Orson Welles en su F de fake
(1973), maravilloso retrato que ponía en tela de juicio el valor real de las obras de arte y los artistas que las creaban. Phoenix
a su cambio profesional acompaña uno también físico, con varios kilos de más además de dejarse crecer el cabello y la barba,
todo filmado de manera realista entrando en la intimidad, dentro de un microcosmos mental y paranoico bajo un ritmo frenético
de viajes, escenarios, encuentros con actores, músicos, y todo tipo de personajes del mundo del That’s entertainment!. Una
broma sobre el mundo fantástico y esnob de la farándula desde los ámbitos más sucios y superficiales que encierra en su
interior una vida que podríamos llamarla no vida, siempre expuesta a los medios de comunicación más amarillistas y a la
opinión pública de una masa idiotizada y alienada.
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Banksy, del que no conocemos su identidad, - es un artista que saltó
desde los muros de las ciudades a las galerías de arte.
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Por Carlos Fernández Castro (www.bandejadeplata.com)
El actor James Dean es la estrella del ciclo Leyendas de Hollywood, un repaso a las divas y galanes de Hollywood.
vie 6 rebelde sin causa
vie 13 el sueño eterno
vie 13 un tranvía llamado deseo
vie 27 fort apache
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La juventud grita socorro
Rebelde sin causa sigue siendo tan vigente en 2015 como lo fue en 1955, y la juventud
actual sigue tan perdida como lo estaba entonces.
La carrera de James Dean fue breve, pero dejó una huella
imborrable en la historia del séptimo arte. Si no hubiera muerto
tan joven, puede que no se hubiera convertido en la leyenda
que a día de hoy sigue ocupando las carpetas y camisetas de
centenares de adolescentes. Quizás las estrellas que brillan con
tanta intensidad están destinadas a apagarse de forma pematura.
Nunca lo sabremos. Afortunadamente, el inmenso talento que
atesoraba este atípico actor cayó en buenas manos: desde su
primer papel protagonista en la gran pantalla, de la mano de Elia
Kazan, hasta su tercera y última película, en la que fue dirigido
por George Stevens.
perdida como lo estaba entonces. Porque los adultos del S. XXI
siguen pensando que regalar un coche equivale a un centenar de
tardes ayudando a hacer los deberes, siguen comprando tiempo
de ocio a cambio de una libertad mal entendida, siguen delegando
la educación de sus hijos en profesionales del cuidado infantil, o
en los profesores del colegio de turno (a ser posible de pago, para
que el precio tranquilice la conciencia).
Rebelde sin causa describe todas las formas posibles
de negligencia parental, a través de tres personajes que,
contrariamente al título de la película, tienen muchas razones para
la rebelión. Los padres de Jim Stark (James Dean) quieren a su
Sin embargo, sería su segunda película la que le otorgaría el hijo, pero no son capaces de comprender su estado de confusión
pasaporte a la eternidad. Aunque sus interpretaciones en Al este y su búsqueda desesperada de un modelo a seguir. Judy (Natalie
del Edén y Gigante también contribuyeron al nacimiento de uno Wood) tan sólo necesita un poco de cariño fraternal, un ‘te quiero’
de los mitos cinematográficos más relevantes del SXX, James en el momento preciso, sentirse protegida. Por otro lado, Platón
Dean nació para protagonizar Rebelde sin causa. Y es que su (Sal Mineo) es un alma sensible que ha sido abandonada a su
legado más valioso consistió en meterse en la piel del portavoz suerte, un cachorro destetado a muy temprana edad que sigue
más apasionado de una juventud americana que estaba atrapada buscando la familia que nunca tuvo. Semejante contexto sólo
entre la engañosa prosperidad económica de los años 50 y una puede conducir a la tragedia.
alarmante crisis de valores.
Curiosamente, los tres actores que protagonizaron Rebelde
Se trataba de una época confusa y contradictoria que exigía ser sin causa fueron “fieles” a la atormentada naturaleza de sus
impresa adecuadamente en un soporte inmortal como el celuloide. personajes, muriendo a edades tempranas (24, 43, 37) y en
¿Y quien mejor para este menester que un director inconformista circunstancias poco convencionales. ¿Quien les iba a decir que el
y comprometido? Nicholas Ray, responsable de clásicos como retrato juvenil de Nicholas Ray fuera a traspasar la gran pantalla
Johnny Guitar y En un lugar solitario, se vio en la obligación de para apoderarse de sus vidas? No cabe duda de que James Dean,
despertar las conciencias de una población adulta ensimismada Natalie Wood y Sal Mineo eran los intérpretes ideales para liderar
en su propio ombligo, y alertar a la sociedad americana sobre la una película de adolescentes, que supo mezclar entretenimiento
fragilidad de sus futuros cimientos.
y contenido social de una manera magistral y extrañamente
Por esta misma razón, Rebelde sin causa sigue siendo tan vigente premonitoria.
en 2015 como lo fue en 1955, y la juventud actual sigue tan
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El camino del nuevo cine adolescente
Cuando la adolescencia grita socorro, los adultos suelen hacer oídos sordos. Nadie se dio cuenta en su momento, pero
James Dean, Natalie Wood, y Sal Mineo no solo interpretaban sus papeles en Rebelde sin causa, sino que ponían sus
personalidades, circunstancias vitales, y angustias existenciales al servicio de esta obra maestra de Nicholas Ray. Una
película que marcó el camino para el cine adolescente que estaba por llegar. Al verla, tengan en cuenta quién fue el pionero y
quiénes se dedicaron a repetir la fórmula, una apreciación que siempre ayuda a valorar el arte en su justa medida.
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SAB 7 sed de mal
sab 21 ciudadano kane
Por Pablo García Márquez
Toda reseña sobre Orson Welles hace mención a que revolucionó la manera de hacer y entender el cine.
Esto no deja de ser cierto, pero, con el paso del tiempo, su figura ha quedado relegada a un hombre
incomprendido, sin atender a su faceta creativa o su lucha por el control de las películas.
También suele comentarse, de manera obligatoria, sus inicios en el teatro y la radio y el revuelo que se
montó por su obra radiofónica La guerra de los mundos, cuando buena parte de los oyentes creyeron
estar ante una invasión alienígena en directo. Lo cierto es que hasta en dos ocasiones, a parte del inicio,
Orson Welles recordaba que todo era ficción, en un espacio de obras teatrales de la radio. Pero dio igual y
el pánico cundió en la mitad de los Estados Unidos (la otra parte comprendió que era “mentira” porque la
acción transcurría en sus lugares de residencia).
Así que con 23 años, Welles ya era una figura conocida para el público. Fue entonces cuando Hollywood
lo reclamó, en una maniobra más cercana a recoger los frutos de la polémica que en la confianza plena en
su persona. Lo cierto es que lo primero que hizo el cineasta fue rodearse de algunos de las figuras del cine
más importante, desde el guionista Herman J. Mankiewicz hasta el director de fotografía Gregg Toland y
rodar Ciudadano Kane. Era 1940.
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Después, Welles, cansado de luchar contra la industria
y decepcionado por el papel de sus compañeros de
profesión en la caza de brujas, donde todos se delataban
“para salvar sus piscinas” como decía él, partió al exilio
(voluntario) europeo, para perseguir su sueño de libertad
creativa, peleando con los presupuestos y contra su ego,
rodando en muchas ocasiones en España, país al que
amó siempre. No en vano, tras su muerte, sus cenizas
fueron a parar a nuestro país.
Partió al exilio (voluntario) europeo,
para perseguir su sueño de libertad
creativa.
Siguió dando muestra de su gran talento entre esporádicas
ruinas económicas, peleando contra viento y marea,
intentando llevar a la gran pantalla su gran sueño, la
adaptación de El Quijote. Jamás consiguió terminarla,
siempre acaba arruinado en medio del rodaje. Pero así
fue él, luchando siempre contra molinos de viento. Y
entre derrota y derrota, nos legó algunas de las mejores
películas que se recuerdan. Gracias maestro.
Lo que siguió fue un terremoto. En primer lugar, y como
se suele hacer hincapie, por retratar la vida del magnate
Randolph Hearst, el hombre que controlaba buena parte
de los medios de comunicación del país y que desde el
primer momento declaró la guerra al cineasta hasta casi
conseguir que la película fuera sacada de circulación.
Pero también porque Welles trajo consigo una manera
de rodar el cine poco habitual, por decirlo suavemente.
Porque tuvo el control total de la obra, acometiendo
locuras dignas de un genio, usando la cámara como el
pincel de un artista con un esplendoroso blanco y negro.
La obra fue en su estreno un fracaso comercial, entre
otras cosas por una distribución comprada por Hearst y
el cineasta pareció condenado al olvido, hasta que, años
más tarde, los franceses, después de la liberación tras el
final de la Segunda Guerra Mundial, pudieron por fin ver
la obra y quedaron anonadados.
Welles siguió haciendo el cine que quería, a su manera,
peleando con todos y contra todos, especialmente con las
productoras que masacraban sus montajes finales, como
el caso de El cuarto mandamiento (1942). Welles anheló
siempre volver a tener el control de sus películas y cuando
más se acercaba a ello mayor podía verse al genio que
era, como en el caso de La dama de Shangai (1946).
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En una época marcada por la caza de brujas, donde
él mismo era visto con malos ojos por sus opiniones
políticas y asqueado de pelear infructuosamente contra
el engranaje hollywoodense, Welles acometió su último
proyecto para la industria, una obra descomunal como
es Sed de mal, donde interpretó a un policía de dudosa
moralidad en la frontera mexicana rodada como si en
ocasiones fuera una pesadilla onírica, alejada de las
convenciones del momento. La cinta no fue entendida por
los productores que, de espaldas al director, remontaron
la cinta y así quedó hasta que hace unos años pudo volver
a montarse siguiendo las pautas del cineasta.
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JURÁSICOARGONAUTICOSO
FIRMA INVITADA
Roger Seró
La primera cinta para público adulto que vi en el cine y
disfruté como un cachorro es una de las pocas películas
de toque Phenomena que puedo recordar haber visto
en su día en salas. Hablamos de Parque Jurásico de
Steven Spielberg y hablamos de tener 8 en años en
1993. Por lo que -sin necesidad de contrastar fechasel resto de las no pocas superproducciones que he
visto dentro de este proyecto no las he revisionado
en pantalla grande si no que las he redescubierto en
pantalla grande. Es también el caso de las amistades
que me han acompañado en estas sesiones a menudo
dobles y a veces triples. El cine como fiesta colectiva
ha sido para mí, mis amigos fanáticos y seguramente
muchos desconocidos de butacas cercanas una
revelación posterior y no anterior. Se trata de una visión
vigésimoctogenaria (O sea, nacidos en los 1980s. La
palabra me la he inventado). Un camino doble -hacia
atrás y hacia adelante en el tiempo partiendo de los 90
y de forma permanente- es como definiré siempre mi
obcecación por el cine. Y mi experiencia cinemática
Phenomena me va al dedillo para describirla en unas
pocas líneas.
Periodista cultural y copresentador del programa
‘Els experts’ de iCat.cat
Frases como ‘Morirás por eso, Jasón!’, que se quedaron
grabadas en la memoria, vuelven a retumbar. Ya no lo
hacen así, con J de Jamón. O de Jurásico. Si no con
J inglesa, j de jazz. Pero retumban mejor, en una sala
grande y oscura. ¿Habéis conocido a alguien durante
sólo cinco minutos y ya os ha arrojado un ‘Has elegido
sabiamente’? Pues ahí tienes el grial, ¿un tesoro?, ¿un
nuevo amigo? Por cierto, menudos cartonacos el cáliz
y la tableta templaria de la exposición de objetos antes
del pase de La última cruzada, ¿no? ¡Por supuesto!
Porqué, de nuevo, el cine es eso. Mostrar lo que no
se puede ver, hacer magia, ver el sueño, aunque sea
con burdos objetos inverosímiles cuando los tienes a un
palmo gracias a la organización de Phenomena.
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Objetos de mentira. Monstruos. Luz, granulado, salto de
rollo... Pero también píxeles! Dice Mark Cousins en su
macrodocumental Story of film -con todo el optimismoque la ilusión ya no se construye con grandes decorados
y miles de extras y trucos, si no que la crea un sólo
tío especialista en CGI comiendo pizza en un cuarto
oscuro. El nuevo renacer. Sin discrepar ni un ápice
de toda la innovación inherente al cine, los nuevos
monstruos me provocan más ceguera que brillo y me
distraen de los (infinitos) aciertos de la digitalización.
Hasta Matrix tengo que rehacer mi camino para señalar
mi auge de los efectos especiales para la creación de
magia. Monstruos como los de Harryhausen (volviendo
a Jasón) o los muñecos de Jim Henson, por citar
sueños y pesadillas que hemos vivido en las sesiones
de Phenomena, me siguen pareciendo, hasta la fecha,
los más vivos. Lo mismo con la animación. E incluso
no me parece para nada disparatado ni ‘experimental’
el uso de actores no profesionales en cualquier tipo de
producción: Desde el cine de Paco León hasta Albert
Serra tienes todos los registros y géneros que quieras.
¿Ha pasado algún actor no profesional por la pantalla
del Phenomena? Si no nos hemos dado cuenta, es que
tengo razón.
Andar hasta un cine es toda una determinación. Hoy
en día, precios, ofertas, crisis, pirateos y supuestos
pirateos dan pie a valoraciones retorcidas que ponen
en entredicho la voluntad del pueblo de ir al cine, su
satisfacción e incluso la vigencia de este arte. Es que,
cuando las cifras eran más optimistas, ¿la gente iba al
cine obligada a punta de pistola? ¿O porque le salía a
cuenta? O, ya rozando la pregunta ridícula, ¿alguna vez
alguien ha ido al cine por no ir a otro sitio? El público
acudía a la sala porque quería. Porqué le daba la real
gana. Empecemos el análisis por ahí y si no encontramos
la solución a la primera al menos estaremos apuntando
de una vez al problema de verdad. ¿Lo hablamos? Nos
vemos en la cola del próximo festival de cine indie de
la ciudad. O en la salida de Star Wars. Y como terminar
aquí podría hacerme quedar como un señor soñador, o
incluso como un articulista arquetípico, querría escribir
justo antes del punto final que imponer un iva del 21%
para la cultura es de ser un puto cretino avariento.
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PROGRAMACIÓN
MARZO 2015
DOMINGO 1
16:30h
EL LIBRO DE LA SELVA The Jungle Book
Wolfgang Reitherman, 1967. USA · 78’ · 35 mm · VOSE
El último film supervisado personalmente por Walt Disney, quien quiso
darle al relato de Kipling un aire mucho más alegre. Los Beatles iban a
prestar sus voces a los buitres pero finalmente el grupo no pudo participar
en el doblaje, de ahí el peinado que lucen estos animales.
21:00h
GRIZZLY MAN Grizzly Man
Werner Herzog, 2005. Int: Timothy Treadwell, Amie Huguenard.
USA · 103’ · 35mm · VOSE
Jamás se podrá saber hasta qué punto el director Werner Herzog mezcló
realidad y ficción en este documental sobre un joven que, tras pasar varios
veranos acampado junto a los osos, acabó siendo devorado por ellos.
JUEVES 5
17:00h
EL PADRINO: PARTE II The Godfather: Part II
Francis Ford Coppola, 1974. Int: Al Pacino, Robert De Niro, Robert
Duvall. USA · 200’ · DCP · VOSE
Martin Scorsese iba a dirigir la segunda entrega sobre la novela de Mario
Puzzo, pero finalmente Coppola decidió completar la trilogía que le
encumbraría como director. Primer Oscar para Robert de Niro por su papel
de joven Vito Corleone.
VIERNES 6
18:00h · EL BUQUE MALDITO PRESENTA:
LOS SIN NOMBRE
Jaume Balagueró, 1999. Int: Emma Vilarasau, Karra Elejalde,Tristán
Ulloa. ESPAÑA · 102’ · 35mm
La ópera prima de Balagueró renovó el interés por el cine de terror nacional.
Emma Vilarasau, una de las mejores actrices dramáticas de nuestro
teatro, recibe una llamada de su hija, muerta hace años. La fotografía de
Xavi Giménez crea una angustiosa atmósfera, perfecta para una historia
perturbadora.
Con la presencia de Jaume Balagueró y debate posterior
21:00h
HEAT Heat
Michael Mann, 1995. Int: Al Pacino, Robert de Niro, Val Kilmer
USA · 170’ · 35mm · VOSE
Michael Mann cumplió el sueño de dos buenos amigos que querían
trabajar juntos: Robert de Niro y Al Pacino. La forma de mover la cámara y
la habilidad del montaje son esenciales para mantener el impecable ritmo
de este thriller.
PSICOSIS Psycho
Alfred Hitchcock, 1960. Int: Anthony Perkins, Janet Leigh, Vera
Miles. USA · 109’ · 35mm · VOSE
Rob Marshall, 2002. Int: Renée Zellweger, Catherine Zeta-Jones,
Richard Gere. USA · 113’ · DCP · VOSE
Oscarizado musical con el que Richard Gere demostró sus dotes como
bailarín. Bill Condon adaptó el prestigioso montaje de Broadway, creado por
el veterano Bob Fosse y Fred Ebb, sobre el juicio a una mujer que dispara a
su amante.
Comedia amarga en la que Billy Wilder contó con dos de sus colaboradores
preferidos: el actor Jack Lemmon, su alter ego habitual, y el guionista I.A.
L. Diamond. Ganadora de cinco Oscar, incluyendo Mejor Película, director
y guión.
18:30h
CANTANDO BAJO LA LLUVIA Singin’ in the Rain
Stanley Donen y Gene Kelly, 1952. Int: Gene Kelly, Donald O’Connor,
Debbie Reynolds. USA · 101’ · 35 mm · VOSE
El paso del cine mudo al sonoro contado a través de un musical repleto
de números inolvidables como Mak Em Laugh, Good Morning o Singin’ in
the Rain. Un título que mezclaba la espectacularidad de Broadway con el
glamour del Hollywood dorado.
58
18:30h
UN AMERICANO EN PARÍS An American in Paris
Vincente Minnelli, 1951. Int: Gene Kelly, Leslie Caron, Oscar Levant.
USA · 113’ · 35mm · VOSE
Aunque Vincente Minelli fue el director oficial, Gene Kelly dirigió parte de
esta romántica película y fue quien descubrió a su protagonista Leslie Caron,
bailarina de ballet. El film tiene algunos de los números musicales más
largos y espectaculares del cine y fue premiado con seis Oscar.
21:00h
I’M STILL HERE I’m Still Here
Casey Affleck, 2010. Int: Joaquin Phoenix, Antony Langdon, Carey
Perloff. USA · 108’ · 35mm · VOSE
JUEVES 12
Elegante y sobria adaptación de la obra de teatro de Tenessee Williams, que
introdujo con sutileza el tema de la homosexualidad en una historia que
brindó las mejores interpretaciones de Elizabeth Taylor y Paul Newman. Un
verdadero tour de force.
Nicholas Ray, 1955. Int: James Dean, Natalie Wood, Sal Mineo.
USA · 111’ · 35mm · VOSE
20:30h · PROGRAMA DOBLE: WALTER HILL
Billy Wilder, 1960. Int: Jack Lemmon, Shirley MacLaine, Fred
MacMurray. USA · 125’ · 35mm · VOSE
El cameo de estrellas como Buster Keaton y el papel secundario, como fiel
mayordomo, del director Erich von Stroheim fue el guiño perfecto en este
drama con el que Wilder mostró la decadencia en la que cae una diva del
cine mudo cuando pasa de moda.
18:30h · Ciclo Leyendas de Hollywood
REBELDE SIN CAUSA Rebel Without a Cause
Martin Scorsese, 1976. Int: Robert De Niro, Harvey Keitel, Jodie
Foster. USA · 113’ · Versión restaurada DCP 4K · VOSE
16:15h · Ciclo Billy Wilder
EL APARTAMENTO The Apartment
Billy Wilder, 1950. Int: William Holden, Gloria Swanson, Erich von
Stroheim. USA · 110’ · Versión restaurada DCP · VOSE
16:15h
LA GATA SOBRE EL TEJADO DE ZINC Cat on a Hot Tin Roof
21:00h
TAXI DRIVER Taxi Driver
MIÉRCOLES 4
EL CREPÚSCULO DE LOS DIOSES Sunset Bvld.
A pesar de las dudas de los productores, Hitchcock consiguió adaptar la
novela de Robert Bloch y se planteó Psicosis casi como una producción
televisiva. El director impuso secretismo absoluto durante el rodaje y mandó
comprar todos los ejemplares del libro para mantener el suspense.
Con apenas tres títulos importantes a sus espaldas, James Dean se convirtió
en una leyenda. La chaqueta roja que lució en este drama generacional
fue su marca de identidad. Entre los secundarios destaca otro icono de
Hollywood: Sal Mineo.
Durante años, Martin Scorsese y el actor Robert De Niro formaron un equipo
perfecto que dieron grandes obras. Este fue sin duda uno de sus mejores
trabajos. Una obra maestra, de obligada visión, escrita por Paul Schrader.
MIÉRCOLES 11
Joaquin Phoenix hizo saltar las alarmas cuando apareció en un late show
con pinta de haber perdido el norte. Desaliñado y con actitud extraña, el
actor estaba en realidad rodando este falso documental sobre su supuesto
intento de convertirse en rapero.
16:30h
18:30h
CHICAGO Chicago
PROGRAMACIÓN MARZO 2015
THE DRIVER The Driver
Walter Hill, 1978. Int: Ryan O’Neal, Bruce Dern, Isabelle Adjani.
USA · 91’ · 35mm · VOSE
LOS AMOS DE LA NOCHE The Warriors
Walter Hill, 1979. Int: Michael Beck, James Remar, Dorsey
Wright. USA · 92’ · DCP · VOSE
Apasionado del western, Walter Hill no puede ocultar las influencias de
Peckinpah, Ford o Leone en sus films. Reivindicamos al director con dos
de sus primeras películas: The Driver y The Warriors, dos impactantes
thrillers.
SÁBADO 7
16:15h · Especial Orson Welles
SED DE MAL Touch of Evil
Orson Welles, 1958. Int: Charlton Heston, Orson Welles, Janet Leigh
USA · 95’ · Versión restaurada DCP · VOSE
Welles quiso rendir homenaje al cine negro de Howard Hawks con este film
rodado prácticamente por completo de noche. El plano secuencia inicial de
Sed de mal inspiró a Brian De Palma para el inicio de su película Snake Eyes.
Richard Brooks, 1958. Int: Eizabeth Taylor, Paul Newman, Burl Ives.
USA · 108’ · 35mm · VOSE
DOMINGO 8
11:30h
ALADIN Aladdin
Ron Clements, John Musker, 1992. USA · 90’ · 35mm · VE
Tom Cruise fue la inspiración para dibujar a este simpático ladrón callejero
que se convierte en príncipe. El desaparecido Robin Williams puso voz al
genio de la lámpara, improvisando buena parte de sus frases y haciendo
imitaciones de Jack Nicholson y Al Pacino, entre otros.
16:30h
MERLÍN EL ENCANTADOR The Sword in the Stone
Wolfgang Reitherman, 1963. USA · 79’ · 35mm · VOSE
La leyenda de Arturo y su relación con el mago Merlín explicada como un
divertido cuento infantil. La lucha de magia entre Merlín y Madame Mim
fue un gran reto para los animadores, que tuvieron que convertir cada
personaje en más de una docena de animales diferentes.
18:15h · PROGRAMA DOBLE: RIDLEY VS. TONY
THELMA Y LOUISE Thelma & Louise
Ridley Scott, 1991. Int: Susan Sarandon, Geena Davis, Harvey
Keitel. USA · 130’ · DCP · VOSE
AMOR A QUEMARROPA True Romance
Tony Scott, 1993. Int: Christian Slater, Patricia Arquette, Dennis
Hopper. USA · 120’ · 35mm · VOSE
Los hermanos Scott comparten protagonismo en esta sesión que reúne
dos roadmovies de estilos muy diferentes. Ridley convirtió en heroínas
a las fugitivas Geena Davis y Susan Sarandon y Tony dirigió uno de los
primeros guiones de Quentin Tarantino.
18:30h
LA SEMILLA DEL DIABLO Rosemary’s Baby
Roman Polanski, 1968. Int: Mia Farrow, John Cassavetes, Ruth
Gordon. USA · 136’ · 35mm · VOSE
Magnífica película de terror psicológico con la que Polanski dio un vuelco
al género. La inquietante banda sonora, a modo de canción de cuna, y
la manera en la que el director juega con la fragilidad emocional de la
protagonista culminan en una perturbadora imagen final.
21:00h
SNATCH (CERDOS Y DIAMANTES) Snatch
Guy Ritchie, 2000. Int: Jason Statham, Brad Pitt, Benicio del Toro.
USA · 104’ · 35mm · VOSE
Guy Ritchie sorprendió con su arrollador estilo visual en Lock & Stock, pero
fue con Snatch. Cerdos y diamantes con la que el director consolidó su sello
personal. Humor negro y thriller se combinan a ritmo vertiginoso.
VIERNES 13
EL SUEÑO ETERNO The Big Sleep
Howard Hawks, 1946. Int: Humphrey Bogart, Lauren Bacall, John
Ridgely. USA · 114’ · 35 mm · VOSE
El prestigioso novelista William Faulkner, ganador del Premio Pulitzer y
colaborador habitual del director Howard Hawks, fue el coautor de esta
adaptación de la novela de Raymond Chandler. Un título esencial del cine
negro que unió a Humphrey Bogart y Lauren Bacall.
UN TRANVÍA LLAMADO DESEO A Streetcar Named Desire
SÁBADO 14
16:00h
SONRISAS Y LÁGRIMAS The Sound of Music
Robert Wise, 1965. Int: Julie Andrews, Christopher Plummer,
Eleonor Parker. USA · 174’ · 35mm · VOSE
Uno de los musicales más premiados y conocidos de la historia del cine.
Sus numerosas adaptaciones teatrales y las pegadizas canciones hacen que
el tiempo no pase para este clásico basado en la historia real de la familia
Von Trapp.
19:30h
PRETTY WOMAN Pretty Woman
Garry Marshall, 1990. Int: Richard Gere, Julia Roberts, Jason
Alexander. USA · 119’ · 35mm · VOSE
Moderna adaptación del cuento de Cenicienta que convirtió a Julia Roberts
en la reina de las comedias románticas y a Richard Gere en el galán de
moda. Actrices como Sandra Bullock y Michelle Pfeiffer no se atrevieron a
interpretar el papel.
Elia Kazan, 1951. Int: Vivien Leigh. Marlon Brando, Kim Hunter.
USA · 122’ · 35mm · VOSE
Elia Kazan insistió en contratar a los mismos actores que habían dado vida
a los personajes de Tenessee Williams en la versión teatral aunque decidió
sustituir a la protagonista, Jessica Tandy, por la más conocida Vivien Leigh,
que ganó el Oscar por su papel.
21:00h · PROGRAMA DOBLE VIERNES 13
ABIERTO HASTA EL AMANECER From Dusk Till Dawn
Robert Rodríguez, 1996. Int: Harvey Keitel, George Clooney,
Juliette Lewis. USA · 108’ · 35 mm · VOSE
EL REGRESO DE LOS MUERTOS VIVIENTES
The Return of the Living Dead
Dan O’Bannon, 1985. Int: Clu Gulager, James Karen, Don Calfa.
USA · 91’ · 35 mm · VOSE
Noche de terror y humor gamberro de la mano de Robert Rodriguez,
que metió a sus amigos George Clooney y Quentin Tarantino en un bar
plagado de vampiros, y de Dan O’Bannon, guionista de Alien, que debutó
en la dirección con esta comedia de zombis hambrientos.
22:00h · En la mente de Christopher Nolan
ORIGEN Inception
Christopher Nolan, 2005. Int: Leonardo DiCaprio, Joseph GordonLevitt, Ellen Page. USA · 148’ · 35mm · VOSE
El mundo de los sueños es el terreno en el que hace sus negocios Leonardo
DiCaprio. Nolan consiguió secuencias fascinantes como la de los personajes
moviéndose sin gravedad o las calles de la ciudad doblándose sobre sí
mismas.
DOMINGO 15
11:30h
LA BELLA Y LA BESTIA Beauty and the Beast
Gary Trousdale y Kirk Wise, 1991. USA · 84’ · 35mm · VE
Primer film de dibujos animados que fue nominado al Oscar a la Mejor
Película. Además, fue una de las primeras producciones en las que los
estudios Disney combinaron la animación artesanal con fondos generados
por ordenador
16:30h
LA DAMA Y EL VAGABUNDO Lady and the Tramp
Clyde Geronimi, Wilfred Jackson y Hamilton Luske , 1955.
USA · 76’ · 35mm · VOSE
Los animadores de Disney tuvieron que aprender a crear imágenes con
más detalles y elementos debido a la llegada del CinemaScope. El beso
accidental sigue siendo una de las escenas más románticas del cine medio
siglo después de su estreno.
18:15h · PROGRAMA DOBLE: RIDLEY VS. TONY
BLACK RAIN Black Rain
Ridley Scott, 1989. Int:Michael Douglas, Andy Garcia, Ken
Takakura. USA · 125’ · 35mm · VOSE
EL ÚLTIMO BOY SCOUT The Last Boy Scout
Tony Scott, 1991. Int: Bruce Willis, Damon Wayans, Chelsea Field.
USA · 105’ · 35mm · VOSE
Los Scott vuelven a compartir sesión, esta vez con dos propuestas de
acción. Ridley Scott se adentra en negocios de la yakuza mientras que
su hermano, Tony, recupera al Bruce Willis más socarrón para tratar de
resolver un asesinato.
59
MIÉRCOLES 18
PERDICIÓN Double Indemnity
INTERSTELLAR Interstellar
Christopher Nolan, 2014. Int: Matthew McConaughey, Anne
Hathaway, Jessica Chastain. USA · 169’ · 70mm · VOSE
SÁBADO 21
MIÉRCOLES 25
VIERNES 27
16:15h · Especial Orson Welles
CIUDADANO KANE Citizen Kane
UNO, DOS, TRES One, Two, Three
FORT APACHE Fort Apache
Orson Welles, 1941. Int: Orson Welles, Joseph Cotten, Dorothy
Comingore. USA · 119’ · DCP · VOSE
Billy Wilder, 1961. Int: James Cagney, Horst Buchholz, Pamela Tiffin.
USA · 115’ · 35mm · VOSE
John Ford, 1948. Int: John Wayne, Henry Fonda, Shirley Temple.
USA · 125’ · 35mm · VOSE
Considerada por los expertos como una de las mejores películas de la
historia. Orson Welles introdujo innovadores movimientos de cámara y
elementos narrativos como las hojas del calendario que, al caer, marcaban
el paso del tiempo.
La soltura de los diálogos y la seriedad con la que James Cagney se
desenvolvía en medio de esta alocada comedia, sobre la llegada de un
popular refresco al Berlín comunista, fueron la clave para que su humor
funcionara a la perfección.
Dos veteranos del western, el director John Ford y el actor John Wayne,
se unieron para inaugurar con este film la Trilogía de la caballería, que se
completó con La legión invencible y Río Grande. Destaca la presencia como
secundaria de Shirley Temple.
18:30h
EL REY Y YO The King and I
18:30h
TIBURÓN Jaws
18:30h
LAS ZAPATILLAS ROJAS The Red Shoes
19:00h
CINEMA PARADISO Nuovo Cinema Paradiso
Walter Lang, 1956. Int: Yul Brynner, Deborah Kerr, Rita Moreno
USA · 133’ · 35mm · VOSE
Steven Spielberg, 1975. Int: Roy Scheider, Robert Shaw, Richard
Dreyfuss. USA · 124’ · DCP Versión Restaurada · VOSE
Michael Powell y Emeric Pressburger, 1948. Int: Anton Walbrook,
Marius Goring, Moira Shearer. USA · 133’ · 35mm · VOSE
Giuseppe Tornatore, 1988. Int: Philippe Noiret, Enzo Cannavale,
Antonella Attili. ITALIA · 155’ · DCP · VOSE
Yul Brynner ganó un premio Tony como mejor secundario teatral gracias al
musical El rey y yo. Cuatro años después, el actor retomó su papel en esta
lujosa superproducción con una condición, que contrataran a Deborah Kerr.
Steven Spielberg se enfrentó a todo tipo de complicaciones durante este
rodaje. Cuando el mecanismo del escualo se estropeó, el director optó por
utilizar la cámara para mostrar lo que estaba viendo el animal, aumentando
así un suspense que se aceleraba con la partitura de John Williams.
Imprescindible musical que parece sacado de un sueño. Los impresionantes
decorados podían llegar a combinar hasta 120 dibujos para crear el mundo
onírico en el que se mueven los bailarines de ballet. Una joya admirada por
el mismísimo Scorsese.
Preciosa carta de amor a cine con la que Giuseppe Tornatore rindió
homenaje a los pequeños cines de pueblo y a todos los soñadores que se
enamoraron de la gran pantalla en su infancia. Oscar a la Mejor película
extranjera y conmovedora banda sonora de Ennio Morricone.
21:00h
EXIT THROUGH THE GIFT SHOP
Exit Through the Gift Shop
22:00h
EL QUINTO ELEMENTO The Fifth Element
Billy Wilder, 1944. Int: Fred MacMurray, Barbara Stanwyck, Edward
G. Robinson. USA · 107’ · DCP · VOSE
Curiosamente, el primer guión del novelista Raymond Chandler, creador del
detective Philip Marlowe, no fue la adaptación de ninguna de sus novelas
sino del libro de James M. Cain. Barbara Stanwyck borda su papel de femme
fatale.
La odisea espacial de Christopher Nolan está destinada a ser un film de
culto. Su poderoso diseño visual y la original manera de acercarse a las
dudas y retos que plantean los viajes al espacio la han convertido en uno de
los films del año. A redescubrir en formato 70 mm.
Presentación en 70mm
Repetición los días 20,21 y 22
21:00h
CAPTURING THE FRIEDMANS Capturing the Friedmans
Andrew Jarecki , 2003. Int: Arnold Friedman, Jesse Friedman, David
Friedman. USA · 107’ · 35mm · VOSE
Ver reseña del día 19 · Repetición el día 22
Lo que empezó siendo un documental sobre un payaso de fiestas infantiles
se convirtió en el retrato de una familia que saltó a los medios cuando el
padre y uno de los hijos fueron acusados de pederastas. Los abundantes
vídeos caseros ofrecen un valioso testimonio del caso.
D0MINGO 22
16:30h
PETER PAN Peter Pan
JUEVES 19
16:00h
¿QUIEN TEME A VIRGINIA WOOLF?
Who’s Afraid of Virginia Woolf?
VIERNES 20
Mike Nichols, 1966. Int: Elizabeth Taylor, Richard Burton, George
Segal. USA · 131’ · DCP · VOSE
La intensa relación amor-odio entre Elizabeth Taylor y Richard Burton
reforzó sus impresionantes actuaciones en este drama. El film se apoya
en un reducido reparto de tan solo cuatro grandiosos actores, todos ellos
nominados a los Oscar.
Ver reseña del día 19 · Repetición los días 21 y 22
18:30h
DESAYUNO CON DIAMANTES Breakfast at Tiffany’s
20:30h · PROGRAMA DOBLE PREMIERE
THE RAID The Raid
Blake Edwards, 1961. Int: Audrey Hepburn, George Peppard,
Patricia Neal. USA · 115’ · DCP · VOSE
Gareth Evans, 2011. Int: Iko Uwais, Ananda George, Ray
Sahetapy. INDONESIA/USA/FRANCIA · 101’ · DCP · VOSE
La elegancia de Audrey Hepburn, el talento de Blake Edwards, la música
de Henry Mancini y la historia de Truman Capote (que no consiguió que su
amiga Marilyn Monroe protagonizara el film) componen esta inolvidable
comedia romántica.
THE RAID 2 The Raid 2
Gareth Evans, 2014 Int: Iko Uwais, Yayan Ruhian, Arifin Putra
INDONESIA/USA · 150’ · DCP · VOSE
A pesar de su excelente acogida en festivales de todo el mundo, The
Raid y su secuela siguen inéditas en nuestra cartelera. Sus secuencias
de acción son una explosión visual que se encadenan a un ritmo
vertiginoso. Un espectáculo que rompe con todos los tópicos de la acción
y el thriller.
Banksy, 2010. UK · 87’ · 35 mm · VOSE
El popular artista callejero Banksy grabó su propio documental para el que
llegó a recopilar cerca de 10.000 horas de grabación, en las que mostraba su
trabajo. Sus graffitis y pintadas le convirtieron en un fenómeno mundial.
JUEVES 26
Clyde Geronimi, Wilfred Jackson y Hamilton Luske, 1953.
USA · 77’ · 35mm · VOSE
16:30h
LOS 10 MANDAMIENTOS The Ten Commandments
Walt Disney estuvo insistiendo casi cinco años hasta que consiguió los
derechos de la novela de J.M. Barrie y quería que fuera la segunda película
producida por sus estudios, aunque finalmente tuvo que esperar. Spielberg
le rindió un homenaje de carne y hueso con Hook.
Cecile B. DeMille, 1956. Int: Charlton Heston, Yul Brynner, Anne
Baxter. USA · 220’ · Versión restaurada DCP 4K · VOSE
Ver reseña del día 19
21:45h
KILLER JOE Killer Joe
William Friedkin, 2011 Int: Matthew McConaughey, Emile Hirsch,
Juno Temple. USA · 102’ · DCP · VOSE
Una de las mejores interpretaciones de Matthew McConaughey, que se lo
pasó en grande como asesino a sueldo, sobretodo en la secuencia de la pata
de pollo. Escrita por el dramaturgo Tracy Letts, autor de la obra de teatro
Agosto.
Cecil B. DeMille cuidó hasta el detalle de esta inmensa superproducción, en
la que se llegó a dedicar hasta tres semanas para rodar una secuencia y se
contó con más de 15.000 extras. Espectacular en todos los sentidos.
Repetición el día 28
21:00h · BEER & PIZZA NIGHT
GOLPE EN LA PEQUEÑA CHINA
Big Trouble in Little China
Luc Besson, 1997. Int: Bruce Willis, Milla Jovovich, Gary Oldman
FRANCIA · 126’ · 35mm · VOSE
Deslumbrante y excesiva, Luc Besson fue un paso más allá en la cienciaficción, utilizando para la estética de su película elementos del cómic, de los
musicales y de los videojuegos. Un festín visual que roza la parodia y que se
ha proclamado film de culto por derecho propio.
SÁBADO 28
16:00h
LOS 10 MANDAMIENTOS The Ten Commandments
Cecile B. DeMille, 1956. Int: Charlton Heston, Yul Brynner, Anne
Baxter. USA · 220’ · Versión restaurada DCP 4K · VOSE
Ver reseña del día 26
INSOMNIA Insomnia
Christopher Nolan, 2002. Int: Al Pacino, Robin Williams, Hillary
Swank. USA · 118’ · 35mm · VOSE
John Carpenter, 1986. Int: Kurt Russell, Kim Cattrall, Dennis Dun
USA · 99’ · 35 mm · VOSE
Nolan se atrevió a convertir a Robin Williams en un retorcido asesino que
jugará con la mente de un insomne Al Pacino. George Clooney y Steven
Soderbergh producen este remake de una producción noruega de 1997.
Inspirándose en el cine de artes marciales, John Carpenter quiso dirigir una
película de aventuras en la que se pudiera mezclar la acción y el exotismo de
este género con toques de comedia gamberra y terror. Una combinación al
servicio de su buen amigo Kurt Russell.
23:00h
THE ROCKY HORROR PICTURE SHOW
The Rocky Horror Picture Show
Jim Sharman, 1975. Int: Tim Curry, Susan Sarandon, Barry Bostwick
USA · 100’ · 35mm · VOSE
Este gamberro musical es la película de medianoche por excelencia. Un
film cuyas proyecciones van siempre acompañadas por una animada
performance por parte de un público que sabe cuándo advertir a los protas
y que conoce hasta los pasos del disparatado baile Time Warp.
DOMINGO 29
16:15h
MARY POPPINS Mary Poppins
Robert Stevenson 1964. Int: Julie Andrews, Dick Van Dyke, David
Tomlinson. USA · 139’ · DCP · VOSE
La escritora P.L. Travers no se lo puso nada fácil a Walt Disney para permitir
que su libro se convirtiera en película. El número de baile en el que se
unían actores reales y dibujos animados y la merienda en el techo fueron
increíbles avances técnicos en su época.
60
19:00h · ESPECIAL 30 ANIVERSARIO
LADY HALCÓN Lady Hawke
Richard Donner 1985. Int: Rutger Hauer, Michelle Pfeiffer, Matthew
Broderick. USA · 121’ · 35 mm · VOSE
Romántica historia de fantasía, ambientada en la Edad Media y bellamente
fotografiada por Vittorio Storaro, colaborador habitual de Bernardo
Berttolucci y Carlos Saura. Uno de los primeros trabajos del actor Matthew
Broderick .
MEMENTO Memento
Christopher Nolan, 2000. Int: Guy Pearce, Carrie-Anne Moss, Joe
Pantoliano. USA · 113’ · 35 mm · VOSE
El descubrimiento internacional del director Christopher Nolan fue gracias
a este film cuya narrativa rompía las reglas establecidas para conseguir que
el montaje reflejara el trastorno que padece el protagonista, incapaz de
generar recuerdos a corto plazo.
HORARIO
Abierto de miércoles a domingo y festivos.
Taquilla abierta de 16:00 a 23:30h.
PRECIOS
Sesión individual 6€ / Sesión doble 9€ Maratones
12€.
DESCUENTOS Y ABONOS
Mayores de 65 años y Menores de 12 años:
Sesión individual 5€ / Sesión doble 8€ Maratones
10€.
Abono P-10: 50€: Tarjeta recargable, personal
e intransferible. Válido para 10 sesiones
individuales. También será válido para las
sesiones dobles abonando 3€, y 5€ en el caso de
las maratones.
PHENOMENA
C/ Sant Antoni Maria Claret, 168
08025 Barcelona
Tel. 93 252 77 43
[email protected]
METRO
L5 Sant Pau / Dos de Maig
L2 Sagrada Familia
L4 Alfons X / Joanic
AUTOBUSES
19 / 20 / 45 / 47 / 92 / H8 / V21 / N1
61
Nº9 MARZO 2015
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Nº9 MAR 2015 · En la mente de Christopher Nolan

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