la dulce tentación de abandonar el mainstream

195
La dulce tentación
de abandonar
el mainstream 24
Alex Castro
ARTÍCULOS
20
22
Phoenix / La importancia de ser cool / Alejandro González Castillo
Eminem / Otra historia (rentable) de raperos / Alejandro Rojas Luna
Björk / Hasta para los negocios tiene estilo / David Meléndez
Entre la Edad Media y el Renacimiento de Marilyn Manson / Carlos Andrade
Jarvis Cocker / Mismas gafas, pero más guitarras / Pedro Escobar
Doves conecta un cuadrangular / Alejandro Rojas Luna
¿Quién es Tiga? / David Meléndez
29
Los Hijos de Sánchez / No más un secreto a voces / Ana Galleta
30
Wilco / Duro y a la cabeza / Alejandro González Castillo
12
14
16
18
28 Santos Diablito
/ Fíjate qué Suave / Alejandro Mancilla
31
Diana Krall / Jazzista voltea hacia el bossa / Pablo Emilio
Islas Márquez
32
Magos Herrera
33
/ Magos a la distancia / Ana Galleta
Reyli / ¿El retorno del Elefante? / Berenice Balboa
SECCIONES
02
04
07
08
10
42
45
46
48
Editorial / Mauricio Hammer
Rápidas y Furiosas / Alex Castro
Se Habla Español / Jacobo Vázquez
10 canciones para cuando alguien apriete
el botón… / Alejandro Mancilla
Doble Vida / La primera piedra del
rascacielos Radiohead / Jorge R. Soto
DVDs / Elías Nahmías / Emilio Jalil / Rockstar
Videojuegos / Nayeli Rivera
Lo Más Vendido
La Miscelánea / Pilar Ortega
RESEÑAS
11
35
* Bob Dylan
* Bob Mould
* Boston Spaceships
* Conor Oberst and the
Mystic Valley Band
* Dan Deacon
* Datarock
* Easy Star All-Stars
* Eric Clapton y Steve
Winwood
* Handel
* Jane´s Addiction
* Japandroids
* Josh Groban
* Lady Sovereign
* Medeski, Martin & Wood
* Punk 1977 / 2007. 3Oth
Anniversary
* Ryan Adams
* Silversun Pickups
* Sonic Youth
* The Rakes
* The Thermals
* Van Morrison
E
n la Miscelánea de este número de
Círculo Mixup, Pilar Ortega (como
siempre, en son de guasa), señala
como uno de muchos signos inequívocos
del envejecimiento de las mamás el que se
inscriban en Facebook y se hagan amigas de
todos los amigos de sus hijos.
Y seguramente tiene razón, si es ese el uso que le dan a esta
visitadísima red social y si es así como intentan rejuvenecer.
Lo que ella no sabe –seguramente porque aún es joven–, es
que el Facebook adquiere, para los miembros de generaciones
más antiguas, una dimensión completamente distinta de la que
tiene para los chavitos.
Para los jóvenes, Facebook representa la posibilidad de
conectarse con todos aquellos a quienes frecuentan; les brinda
la oportunidad de presumir cómo se divierten, de compartir
sus ideas, mostrar facetas ocultas de su personalidad,
compartir sus gustos, etcétera. Y además, les permite ampliar
su red de amistades y sentirse más parte de su generación que
nunca.
A los no tan jóvenes, en cambio, Facebook nos posibilita
algo que es igual, o incluso más valioso: recuperar el tiempo
perdido. Porque cuando a través de esta herramienta nos
topamos con alguien que conocimos hace mucho, un viejo
amigo, una antigua novia, un conocido del que ya no teníamos
noticias o del que sólo sabíamos que se había ido a vivir a otra
ciudad u otro país, podemos reencontrarnos con el pasado y
revivir experiencias que nos marcaron y nos convirtieron en lo
que somos.
Yo, por ejemplo, he podido saber mucho acerca de un
montón de gente a la que le había perdido la huella. Me he
reencontrado con compañeros de la escuela, con amigos que
viven fuera y hasta con personas con las que yo pensaba que
los puentes estaban rotos. Y lo más sorprendente es saber
que en cualquier momento puedo encontrarme con cada uno
de ellos y preguntarles lo que se me ocurra o, de un plumazo,
notificarles a todos que me voy de viaje o que estoy en tal y tal
proyecto o… lo que sea.
Así que, Pilar: tienes y no tienes razón.
Que un adulto se meta en Facebook es signo de
envejecimiento, sí. Pero no necesariamente de querer hacerse
el chavito a como dé lugar.
Mauricio Hammer
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número: 04-1995195, junio 2009
Año 18, número
2
Alex Castro
Sin disco, pero de gira.
Hasta el momento, ese
es el status del regreso al
negocio de No Doubt.
Y aunque se supone que
en septiembre tendremos
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Muse
regresa
con The Resistance,
su quinto disco de estudio,
que sale en septiembre. Quienes
esperaban algo novedoso, en la línea de lo
que el grupo hizo en su reciente colaboración con
The Streets, se quedarán con las ganas, ya que el
propio Matt Bellamy ha dicho que será un disco
“más sinfónico que los anteriores” y que contendrá
la canción “más ambiciosa” que hayan escrito
hasta la fecha. Válganos, el síndrome U2 no deja de
cobrar víctimas…
4
Pasando a asuntos más lúdicos, el sello francés Kitsuné ya tiene
listo el volumen 7 de su famosa serie “Kitsuné Maison”, que se
editará en CD, doble vinilo y formato digital, y que en esta ocasión
incluirá tracks raros y/o exclusivos de: We Have Band, Phoenix,
Crystal Fighters, La Roux, Autokratz, 80kidz, Chew Lips, Chateau
Marmont y Renaissance Man, entre otros proyectos que son
garantía en cualquier convivencia desenfrenada de sábado por
la noche…
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Buck y Mike
Mills (guitarro y bajista de
R.E.M.) están trabajando con el
productor Tucker Martine en un puñado
de canciones que podrían dar forma
al nuevo redondo del grupo. Claro,
siempre y cuando Michael Stipe le
dé el visto bueno a dicho material,
porque de lo contrario tendremos
que esperar quizá más de lo que
México tarde en recuperarse de
esta crisis económica… El mes
pasado comentamos el lanzamiento del
disco debut de King Khan and The
Shrines, mientras le rogábamos a
todas las divinidades que el grupo
se diera una vuelta por México.
Ahora, esa posibilidad se ve un
poco más cercana con el
lanzamiento de dicho
álbum en nuestro país,
por medio de Vice Music.
Suponemos que comprar
el disco también ayudará a
acrecentar las posibilidades… Aparentemente sólo
para apoyar su reciente gira de reunión, Faith No
More lanzará otro disco recopilatorio (ya editaron
dos previamente), ahora bajo el nombre de The Very
Best Definitive Ultimate Greatest Hits Collection (¡no
es broma!), que incluirá cañonazos como: “From
out of nowhere”, “Epic”, “We care a lot”, “Easy”, “Be
aggressive” y “Evidence” –afortunadamente no en
su feísima versión en español–, además de rarezas
y lados B, como “Absolute zero”, “Light up and let
go” y “Sweet emotion” (que no dudamos que sea un
cover de Aerosmith)…
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Apréndete este nombre, porque lo
vas a necesitar: Wale. ¿Ya? Pues
este nuevo talento del hip-hop tiene
un disco debut, en el que cuenta
con las colaboraciones de
Lady GaGa y TV On The
Radio, temas que sabe
que podrían no
ser bien vistos
entre algunos
sectores de la
comunidad jipjopera,
pero que sin embargo
pueden redituarle mayor
impacto dentro de la corriente
pop/rock… Paris Hilton está
por estrenar su propio reality show,
pero eso ya no debería importarle a
nadie… La banda portuguesa Norton
sí que entiende que hay que dejar
descansar un rato a los ochenta,
para darle una refrescadita a los
noventa. Por ello lanzaron un
nuevo sencillo que resulta ser
una versión indie del clásico
de Technotronic “Pump up the
jam”... Es todo por este mes.
Si no tuviste suficiente,
te esperamos en
Facebook, porque
queremos ser
tus amigos.
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Parrot te regala un kit manos
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Se trata de un equipo que te ayuda a convertir tu auto
en una sala de conciertos, al sincronizarse vía bluetooth
con cualquier reproductor de música (CD, USB,
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reproducción de música y foto de quien te
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reconocimiento y grabación de voz, todo
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electrónico, presentando tu credencial de estudiante,
durante todo el año, en las tiendas del DF y
Guadalajara.
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un sampler digital para bajar música, antes del
18 de junio, en cualquier Mixup.
• Busca los títulos de Zima con precio especial
en etiqueta roja; desde DVD’s con 30%, hasta box
sets y series de TV con 50% de descuento. Hasta el
17 de junio, en todas las tiendas.
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llévate una playera. Antes del 15 de junio, en
todas las tiendas.
Se Habla Español
Jacobo Vázquez
El rock en los tiempos
de la influenza
El pasado 12 de mayo dejó de existir, a los 51 años, Antonio Vega, pilar
indiscutible del pop español de los últimos treinta años. Aunque su trayectoria
era más conocida por su participación en Nacha Pop, el madrileño editó cinco
discos como solista, donde demostró gran sensibilidad e inteligencia para
hacer canciones de altísima calidad. Así que la mejor manera de homenajearlo
es escuchando su obra completa. No se queden sólo con “Lucha de gigantes”;
el universo de Antonio Vega no se limita a una canción.
Tengo La Voz
“Si hay que reclamar una canon a alguien a
A consecuencia de la pasada crisis por la influenza humana, el festival Vive
Latino se estará llevando a cabo los días 27 y 28 de este mes. Por tal motivo, se
recomienda no asistir al evento en caso de presentar los síntomas que la Secretaría
de Salud informó. Nuevamente, deseamos que el festival más importante de rock
en español de México ponga a todos contentos y que las bandas dejen todo en el
escenario. Si te gusta el slam, además de cuidarte de las patadas y los codazos
tendrás que hacerlo de los fluidos de nariz y boca. Mejor hay que esperarse a
bailar las calmadas… Otro evento que también tuvo que ser reagendado fueron
los Indie-O Music Awards 09, los cuales se celebrarán el 23 de este mismo
mes. La sede sigue siendo el maravilloso Polyforum Cultural Siqueiros y al parecer
no ha habido cambios en las bandas encargadas de amenizar el evento, así que
prepárense para disfrutar a Menuda Coincidencia, Simplifires, Los Dorados, Le
Butcherettes y Maligno. Suerte a todos los nominados… Muchos se quedaron
con las ganas de ver a Emmanuel Horvilleur en México a finales de mayo.
Parece que el lugar donde se iba a presentar el ex Illya Kuryaki pospuso el evento
también debido a la contingencia sanitaria. Mientras tanto, pueden consolarse con
el videoclip que el cantante grabó de su nuevo sencillo “19”, a dúo con Gustavo
Cerati. El trabajo fue dirigido por Julián & Alejo (el mismo dúo que se encargó de
los clips de “Radios”, “Tu hermana” y “Llámame”, aunque en este caso utilizaron
una estética de blancos y negros mucho más intimista)… Y parece que ahora sí,
llegó el momento de desempolvar las tornamesas de tus abuelos. Bueno, sólo
en caso de que quieras escuchar el próximo disco tributo a Café Tacvba, pues
parece que lo lanzarán en una edición limitada de mil copias y sólo en formato de
cambio de los derechos de autor perjudicados,
vinilo. Si la memoria
es a Bill Gates y a sus congéneres”
no me traiciona, el
único disco en vinilo
Santiago Auserón / Juan Perro
que los tacvbos
lanzaron fue el de su debut y después, puros discos compactos. Tócalo otra vez,
Juan… La emisora española Radio 3 cumple 30 años, durante los cuales ha
sido parte fundamental del pop de aquel país. Locutores como Jesús Ordovás,
Juan de Pablos y Julio Ruiz han formado parte de una estación que cambió para
siempre la historia de la radio en España, al abrir ventanas por las que se colaron
Almodóvar, Alaska, Aviador Dro, Los Planetas, Deluxe, Lori Meyers, Vainica
Doble y La Buena Vida, entre muchos otros. Felicidades desde México… El
sello mexicano Intolerancia prepara una serie de lanzamientos para la segunda
mitad del año y entre los más importantes se encuentran el nuevo disco del dúo
dinámico Yokozuna, lo más reciente de los oriundos de Tláhuac, The John
Band, y el nuevo proyecto Desarmado (con algunos integrantes de la mítica banda
post grunge Escarbarme). Se reconoce la valentía de los capos de esta firma, en
estos tiempos de crisis de la industria discográfica. ¡Suerte!… Muy activos se
encuentran los chicos de Neon Warlus, tras el buen recibimiento de su primer
EP y de su sencillo “John Solo”. Los “The Whitest Boy Alive” locales se estarán
presentando en diferentes lugares de la República Mexicana, antes de su prueba
de fuego en el Vive Latino. A demostrar de qué están hechos, muchachos.
Los Discos Del Mes
Miguel Ríos
Solo o en Compañía de Otros
Warner, 2008
En su más reciente producción, el creador
de “Santa Lucía” incluye varios temas
que ya había editado en otros discos. Sin
embargo, valen mucho la pena los temas
inéditos, sobre todo los que pertenecen a
Quique González. No hay duda de que a
Ríos aún le queda carretera por recorrer.
Catupecu Machu
Laberintos entre Aristas y Dialectos
EMI, 2007
Álbum doble de estos argentinos que
ahora se dan el lujo de presentar un disco
conceptual. Siguen presentes las guitarras
filosas y las letras directas y claras, aunque
con una madurez conseguida a través de
los años de carrera.
Lady Bombón
Atentamente
Noise Kontrol, 2009
Hongo y Chuchelas, más dos nuevos
integrantes, nos presentan su más
reciente material, donde dejan atrás
su sonido tecno para crear uno más
orgánico. Se nota la influencia de
la banda española L-Kan, de la que
incluyen el tema “Regulín, regulán”, en
versión acústica.
Menuda Coincidencia
Ai con Permisito
Tres G, 2008
Desde la Sultana del Norte nos llega
este combo de buen rap y rimas filosas e
inteligentes. El sencillo “¿Sin enganche?”
es una muestra clara del buen flow que
traen estos chavos de Monterrey. No les
pierdan la pista.
Cuando Bloc Party subió a su sitio oficial un misterioso conteo, muchos
famosa cuenta regresiva hacia el fin del mundo, como lo han hecho dive
Al final, resultó que sólo estaban haciendo publicidad para el lanzamien
a elegir nuestras diez canciones favoritas para ese acontecimiento fatal
trata sobre el fin del mundo).
10 canciones
para cuando alguien apr
Alejandro Mancilla
10. R.E.M. “It’s the end
of the world as we
know it (and I feel
fine)”
Michael Stipe gritaba a los cuatro vientos
que el fin del mundo había llegado
y que Lenny Bruce (el comediante
norteamericano) no tenía miedo. Según
la canción, el fin del mundo tal y como lo
conocemos ocurriría a las 6 de la tarde,
hora cabalística sin duda. El tema menciona
7 “fuegos” o potencias, un terremoto y
a “la derecha”, que llevaría al mundo a
la destrucción a través de la educación
televisiva… ¿Sabrá algo mister Stipe o
de cuál habrá fumado cuando escribió su
críptica letra?
5. The Cure. “The end
of the world”
pensaron que el grupo estaba jugando con la
ersos grupos de rock a lo largo de la historia.
nto de un nuevo sencillo, pero ello nos inspiró
l. (Y no, “The final countdown”, de Europe, no
riete el botón…
9. Le Mans. “Canción de todo va
mal”
El finísimo grupo español de pop melancólico no podía ser más
explícito con la letra y la amarga tonada de su canción: Todo va
mal... el fin del siglo, el fin del mundo. Quién me lo va a negar,
basta mirar y tener los ojos bien abiertos... El grupo se cansó de
explicar que la letra era sólo ironía, quizá porque les dio pena
aceptar que ellos, tal y como millones de personas, también se
fueron con la finta de que en el año 2000 ocurriría el fin del mundo.
8. Molotov. “El mundo
se va a acabar”
En las antípodas, Molotov, el nada fino grupo de rock mexicano,
apostaba por una canción de verdad irónica, en la que trataba de
convencer a una mujer de brindar su amor antes de que el mundo
se terminara. El tema incluía clichés como la guerra, la hambruna,
la falta de agua y de selvas… Se va acabar, el mundo se va a
acabar, si un día me has de querer, te tienes que apresurar… El
mundo no se terminó, pero la carrera del grupo se tambaleó en
ese momento, ya que Apocalypshit, disco de donde se extrajo esta
canción, fue su primer fracaso comercial... Así que regresaron a
temas menos “profundos”.
7. Metallica. “Four horsemen”
Metallica fue más allá y se inspiró en el apocalípsis bíblico para
escribir uno de sus clásicos himnos “apantalla-headbangers”: Los
jinetes se acercan en los corceles de cuero que montan, han venido
a tomar tu vida, gruñía la letra. La canción era de Dave Mustaine,
quien años después de ser despedido de Metallica la regrabó con
su banda Megadeth, ahora bajo el nombre de “The mechanix” y
prescindiendo de la catastrofista letra.
6. Super Furry Animals. “It’s not
the end of the world?”
Como siempre, los animales súper peludos hicieron gala de su
humor negro y se burlaron del acontecimiento con esta canción en
la que la vejez y los taxis inoportunos tenían mucho en común con
el fin de los tiempos. Era el 2002, así que seguramente no estaban
tan temerosos por el cambio de siglo y se podían burlar a sus
anchas… Lo que no sabían era que los códigos mayas ubican el
2012 como el final… Síganse riendo, como diría Madrazo.
Si bien Robert Smith había tratado el tema
de manera más sutil en “Plainsong”, en
esta canción hace una de sus clásicas
analogías, comparando el fin de una
relación con el fin del mundo. Ideal para los
azotados que creen que si su pareja se va,
la luna se saldrá de su órbita y caerá en la
Tierra. No todo gira alrededor tuyo, fan de
The Cure.
4. Muse. “Apocalypse
please (4:11)”
Muse no sólo ruega que venga el
Apocalipsis, sino que se pone del lado del
bien y nos narra el triunfo de las profecías
bíblicas en este tema: Y vi un milagro, es
tiempo de algo bíblico, luchemos juntos…
¿Buscarán la absolución? Pues su disco
se llama precisamente Absolution y está
inspirado, completito, en el fin del mundo. 3. Azul Violeta. “Tu
luz”
Estos pecaban de inocentes, y cual hippies
tapatíos, predicaban que el nuevo milenio
traería luz: Tres más y once meses pa’
llegar hasta el final de un milenio más,
de cohabitar el mundo, no queremos
más dinero, queremos amor... El mundo
no se acabó ni entramos a su época de
“luz”, lo único que pasó fue que el grupo
no sobrevivió al nuevo milenio y ahora
seguramente venden flores en Coyoacán o
algo por el estilo.
2. Morrissey.
“Everyday is like
sunday”. Esta es la ciudad costera que olvidaron
cerrar, viene el armagedon… en la
única ciudad del Este que olvidaron
bombardear… Viene, viene, viene la bomba
nuclear… El ex Smiths nos da su versión
del fin del mundo: Estar solo en un pueblo
depresivo, sintiendo que todos los días son
iguales, esperando y casi rogando que todo
sea devastado por un ataque nuclear.
1. Arcade Fire.
“My body is a
cage”
Aunque todo el álbum Neon Bible trata
sobre el fin de los tiempos (y otras delicias
como la Guerra de Irak, el 11 de septiembre
y las profecías), esta canción es la que
mejor engloba el cataclismo al que nos
quieren llevar los miembros de la banda, en
un disco que definitivamente es la madre
de todas las conspiraciones paranoicas.
De seguro los de Arcade Fire son unas
personas muy, muy, muy amargadas.
09
Doble Vida
Jorge R. Soto
La primera piedra
del rascacielos
Radiohead
Este cuento empieza así: Hace muchos años, durante uno de esos domingos perezosos en
los que no hay nada qué hacer, ni qué ver en la TV, sintonicé un canal de videos donde de
pronto apareció un tipo con guitarra en mano, cantando con un desencanto y una depresión
evidentes. La cadencia, rítmica y lenta, me atrapó desde que empezó a pronunciar frases
como: Quiero un cuerpo perfecto/ una mente perfecta/ quiero que te des cuenta/ cuando no
ando por ahí/ Eres jodidamente especial/ Deseo ser especial/ pero estoy jodido/ soy un tipo
raro/ ¿Qué demonios estoy haciendo aquí?/ No pertenezco aquí…”
La canción empezó a subir de tono,
soltando descargas guitarrísticas
sincopadas con el resto de la música. Me
voló la cabeza. Al final, esperé a ver si
ponían el título de la misma y nada. Eran
otras épocas. No había conexión de red
inalámbrica, ni laptops, y no supe quién
tocaba ese tema desgarrador.
Anduve por ahí, preguntando sin que
alguien entendiera mis tarareos o el
fragmento de la letra que capté. Pero un
par de semanas después, unos amigos
me invitaron a cenar a su departamento.
Al salir del elevador, en dirección opuesta
del lugar al que iba, se escuchó (a todo
volumen), una vez más, la canción que
andaba persiguiendo. Como es obvio, me
lancé hacia la puerta de donde provenía
el sonido y toqué varias veces el timbre
hasta que la puerta se abrió dejando ver
la cara flaca y la cabeza greñuda de un
adolescente con expresión de asombro.
Ya había bajado el volumen y con esa voz
de camello que tienen los catorceañeros
que están cambiando de voz, me preguntó
qué deseaba. Le pedí que me dijera cuál
era el nombre del grupo y de la rola que
estaba sonando. Como que respiró aliviado,
10
me alcanzó el disco y me dijo que había
pensado que ya venían a decirle que bajara
el volumen, como siempre sucedía cuando
no estaban sus padres. Le pedí que volviera
a poner la canción y anoté los datos del
disco: Pablo Honey, y de la rola: “Creep”.
Fue así como en el lejano 1993 conocí
al notable grupo de Oxford, Inglaterra,
Radiohead.
Todo esto viene a cuento porque, con
motivo de la presentación de la banda en
México –y del término de contrato del grupo
con su anterior disquera– aparecieron
varias ediciones especiales de los primeros
discos del grupo, incluyendo algunas de
Pablo Honey.
La primera de ellas incluye los doce cortes
originales del álbum, más otro disco de
audio que contiene 22 temas grabados
entre enero de 1992 y enero de 1993. Aquí
aparecen “Creep” en versión acústica y
en una sesión de la BBC1, además de
varios temas en vivo (“Vegetable”, “Killer
cars” y “Ripcord”), algunos demos (“Prove
yourself”, “Stupid car”, “You” y “Thinking
about you”), un remix (“Blow out”) y otras
sesiones en la emisora BBC1 (“I can´t” y
“Nothing touches me”).
La edición más jicamosa consta del
material ya señalado, más un DVD que
incluye 14 videos, entre los que destacan
“Creep” (tanto en su versión original, como
en vivo en el programa “Top of the Pops”
y una remasterización en el 2005), “Live”,
“Ripcord”, “Anyone can play guitar” y “Pop
is dead”, capturadas en directo.
Pablo Honey fue la primera piedra del
rascacielos conocido como Radiohead.
Un debut promisorio que mostraba la
versatilidad, la fuerza y la inteligencia
del grupo comandado por Thom Yorke.
Ahora, a 16 años de su aparición, la
importancia y el éxito del quinteto de
Oxford en el panorama de la música son
incuestionables, aunque paradójicamente
su carrera
haya sido
cimentada por
la tonada de
un perdedor
sin autoestima:
“Creep”.
Radiohead
Pablo Honey
EMI, 1993/2009
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“Lo de Wo del museo y éste del álbum más rec al se desempeña co
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título
El disco opera como una especie de vuelta
a las raíces para el grupo que completan
Deck D´Arcy, Laurent Brancowitz y Christian
Mazzalai, pues fue grabado junto a Philippe
Zdar (mitad de Cassius), con quien el
cuarteto ya había colaborado en United, su
debut discográfico.
En palabras de Mars, Wolfgang… es un
disco “Denso, con mucha fuerza. Trabajamos durante los últimos tres años en las
diez canciones que contiene, así que no
hubo espacio para material de relleno”.
Para llegar a los resultados finales tuvo
mucho que ver el hecho de que el estudio
de Zdar contara con un arsenal de teclados
antiguos, pero más allá de eso fue determinante la existencia de un juego de cartas
llamado “Oblique Strategies” (creado por
Brian Eno y Peter Schmidt en 1975), consistente en más de una centena de tarjetas,
todas con frases aparentemente crípticas
pero que, empleadas en el momento justo,
ofrecen soluciones emergentes cuando las
lagunas creativas enlodan el proceso de
grabación. Y los Talking Heads avalan la
eficacia del método.
A diez años de su nacimiento, sin preocuparse demasiado por definir su música y
con la única pretensión de “tocar rock con
estilo” (casi nada), el grupo procedente
de Versalles presume haberse codeado
con personajes de la talla de Air y Sofia
Coppola. Con los primeros, el conjunto
tocó como grupo de soporte para algunos
shows televisivos en el Reino Unido; con
la segunda (por cierto, novia de Thomas y
madre de su hija), llegó a un arreglo para
que “Too young” apareciera en la película
Lost in Translation. Dos certeros movimientos que dejaron claro que a los de Phoenix
les fascina colocarse justo bajo el reflector
para pisotear alfombras rojas, o a ver, de no
ser así ¿por qué otra razón cuatro franceses llevarían una década confeccionando
canciones en un idioma ajeno? Thomas nos
ayuda a no perder la ubicación: “La razón
es que cuando empezamos a hacer música
creíamos que el inglés era más cool que el
francés, y para nosotros es muy importante
ser cool”.
La consistencia de los estribillos es pegosteosa y el cálido tono vocal de Thomas
ayuda a que las tonadas por momentos
resulten memorables. Sin embargo, las
mejores cualidades de Wolfgang Amadeus
Phoenix son las que se asoman cuando las
sonoridades sintéticas conviven armoniosamente con las acústicas. Ejemplos: “Countdown (sick for the big sun)”, que debe ser
uno de los puntos más altos de sus shows,
y “Rome”, que a pesar de su melancolía
depara un final agreste donde se conjugan
z Casti
Gonzále
Alejandro Williams
g
Foto: Gre
teclados ondulantes y distorsiones a discreción. Por otro lado, “Love like a sunset”
es quizá lo mejor del disco; un denso track
instrumental que junto a “Fences” no tiene
empacho en homenajear a Air, apenas se
presenta la oportunidad. “Lisztomania” y
“1901” se ubican en la zona de confort del
cuarteto, es decir: los escuchas que saben
lo que es cool las van a bailar hasta que se
les hinchen los pies.
Phoenix.
Wolfgang Amadeus
Phoenix.
Glassnote, 2009.
OTRA
HISTORIA
12
Aunque existe un par
de biografías oficiales
sobre Eminem
(Angry Blonde y The
Way I Am), ambos
materiales parecen
apenas insulsos
retazos de la vida
de Marshall Bruce
Mathers III, puesto
que cualquiera de
los discos de este
rapero habla más de
sus experiencias, si
bien mezcladas con
la imagen que se ha
forjado de él mismo.
(rentable)
de
raperos
Alejandro Rojas Luna
Una de las tantas fantasías
que se extraen de la
escena del hip hop es la del
delincuente vuelto artista
que amasa gran fortuna,
logrando abandonar un
ambiente marginal donde
el tráfico de drogas, armas
y amenazas de muerte son
parte del ‘juego’ a seguir
para ser real.
En el caso de Eminem,
quien nació en 1974, en
Kansas City, esto es sólo
parcialmente cierto. Tal
y como describe en sus
rimas, desde niño tuvo
una conflictiva relación
con su madre (Debbie
Mathers-Briggs) aunada a
la ausencia de su padre,
quien los abandonó cuando
tenía unos cuantos meses
de edad, situación que los
obligó a mudarse de un lado
a otro hasta establecerse
en Detroit, ciudad donde
creció, estudió hasta la
preparatoria, realizó trabajos
menores y comenzó a
grabar algunos demos que
no eran tomados en serio
debido al color de su piel.
Al respecto, no viene mal ver
la parte final de la película 8
Mile (2002), protagonizada
por el propio Marshall,
donde se muestra cómo
son disputadas las batallas
de rap que se escenifican
en ese ambiente. Insultos,
mentadas de madre,
ridiculización del contrario,
alusiones raciales, misoginia
y todo cuanto pueda ser
fraseado y rimado
de forma continua
y coherente son
elementos que
definen al ganador.
Si al menos la mitad
de lo ahí presentado
es cierto, entonces
cuando menos
tenemos a un tipo
que en verdad peleó
en esa escena,
situación verificable
en YouTube si se
buscan videos
de Eminem que
incluyan términos
como: “Freestyle” y
“1997”. Es de esa
escena subterránea
donde cobra
forma la figura de
Dr. Dre, rapero
y productor de
afinado olfato para
localizar talento
y generar dinero.
Después del fallido
e independiente
debut de Eminem
(Infinite, 1996),
fueron los discos
The Slim Shady
LP (1999), The
Marshall Mathers LP
(2000), The Eminem
Show (2002) y
Encore (2004), los
lo convertirían en
una superestrella.
Cada disco es un
ejercicio narcisista
donde la clave ha
sido lucrar con
sus complejos y
conflictos familiares,
además de
erigirse en juez de
personajes célebres,
sin descontar
la apología de
la violencia que
en sus manos
se convierte en
atractivo producto
de consumo para
la cultura popular;
rasgos que al
combinarse nos
dejan ante uno
de los artistas
más hábiles y
entretenidos del hip
hop.
Eminem
Relapse
Interscope, 2009
Si aislamos los sencillos “We made you”
y “Crack a bottle”, donde yace el Eminem
fanfarrón e infantil que escandaliza
reincidiendo en su ataque a ciertas
celebridades, nos toparemos con un
trabajo avanzado en rimas, historias,
bases rítmicas y freestyle que encara a sus
mejores canciones (“Stan”, del año 2000 y
“Lose yourself”, del 2002).
A lo largo de Relapse oímos la crónica del
abuso de drogas en que cayó Mathers
durante estos años; tiempo en el que sus
ideas y acciones divagaron por doquier,
pero también le permitieron desarrollar
interesantes alter egos como el de “3 AM
Eminem”, donde al estilo de la conducta de
Patrick Beatman (American Psycho), frasea:
It’s 3 AM in the morning put my key in the
door/ Bodies laying all over the floor and/
I don’t remember how they got there but I
guess I must’ve/ Killed em, Killed em.
En “My mom”, típico, crítica los hábitos
de su madre, pero ahora introduce un
efecto de vocoder que da un matiz sonoro
que amplía su sonido y llega hasta las
alusiones a Medio Oriente en “Bagpipes
from Bagdad”. Por su parte, “Same song &
dance” es el cruel relato de un secuestrador
y asesino, donde la música sobra y sólo
cuentan las palabras. “Stay wide awake” y
“Must be the ganja” son definidas por el fino
loop de piano que allana el camino para
el canto y la guitarra triste con que abre
“Beautiful”.
“Underground” culmina el disco con una
épica orquestal algo rebuscada, que con
rimas en estilo libre explican la prolongada
ausencia de Eminem. Una ausencia de la
cual él mismo se ríe.
Tómenlo simplemente como lo que es: una
historia rentable.
Hasta
para los
negocios
tiene estilo
David Meléndez
Pocos músicos pueden jactarse
de poseer una obra sonora
palpable y perdurable, que
retrate con precisión las partes
del mecano de su carrera. Pearl
Jam fue el goce del paroxismo
(con sus más de 70 discos
compactos grabados en directo,
para contrarrestar las incontables
grabaciones piratas de pésima
calidad que se vendían como
pan caliente), pero la cantante
islandesa Björk no se ha quedado
atrás, puesto que con mucha
astucia de mercado –y sin carecer
de la belleza única que le otorga
el arte gráfico a los discos– ha
lanzado puntualmente al mercado
un sinfín de cajas y recopilatorios
(como Surrounded, Live Box y
Family Tree) con montones de
extras y objetos exclusivos que
son una delicia celestial para sus
fanáticos.
14
El más reciente se titula Voltaic y es una
caja en múltiples presentaciones que
sirve para honrar los dos años de giras
que realizó con Volta (2007). Y para que
nadie se queje (si acaso los amantes de
la piratería), la mujer crea un edén sonoro
para cada escucha y fanático. En cinco
versiones se generan todas las movidas
posibles de compra: desde la sencilla y
la de lujo hasta la de colección. Aunque
seguramente la más demandada será la
versión Deluxe, donde vienen un par de
discos compactos y dos DVD’s.
Pues bien, en esta edición Deluxe, el primer
disco contiene once cortes grabados en
vivo en los Olympic Studios de Londres. En
pocas palabras, es un repaso categórico
por todas las etapas de su carrera y lo que
más entusiasma es que Björk mantiene
la estructura básica de cada canción,
pero enfatiza (o matiza) cada color vocal;
además, muchas melodías tienen un realce
en sus puntos básicos de tensión, lo cual
les confiere un fulgor distinto con respecto
a las versiones en estudio. Lo mejor es que
tampoco caen en el abismo de lo “rugoso”
–algo de lo que se quejaron muchos fans
de hueso colorado en su anterior Live Box–,
sino que el sonido es prístino y envolvente.
Destaca el caso de “Hunter”, que mantiene
sus ritmos programados “barridos” y
regurgitantes, pero con un preciosismo
fantasmal que le inyecta de manera
avasalladora el teclado de fondo con sonido
de órgano. Y “Pagan poetry”, que destella
aún más registros ancestrales de Oriente
con ese arranque en arpa que, ahora sí,
rememora más a un koto procesado por
medio de un pedal de delay. Incluso “Army
of me” se siente mucho más cercana a su
versión original, ya que agrega incisivos
efectos de percusiones, así como metales
con alma de “efecto Doppler” (esto es,
que su sonido crece, explota y se apaga,
o varía su longitud de onda) justo en los
remates de tensión de la canción. Con “I
miss you” pasa casi lo mismo: el arreglo
cadencioso en síncopa de los metales
originales permanece impoluto, pero ahora
es golpeado por una cascada de patrones
percutivos electrónicos, aparte de un
obsesivo arpegio en teclados que a veces
cambia a notas sostenidas, lo que brinda al
tema una suerte de desparpajo a punto del
caos.
El segundo disco son los remixes para
Volta, con presencia de Simian Mobile
Disco, Ratatat y Matthew Herbert,
en versiones que complacerán a los
hechizados con la música electrónica,
no más. En lo que respecta al DVD,
las contadas personas que tuvieron la
suerte de observar a Björk en el Festival
Sonofilia (realizado el 8 de diciembre de
2007 en un polvoso predio de la Barranca
de Huentitán, en Guadalajara, Jalisco)
tendrán plena conciencia del tema: Un
concierto fastuoso, con un doblete de
arranque (“Brennið Þið Vitar” seguida
de “Earth intruders”) donde un séquito
de personas ataviadas como guerreros
de cuento de hadas salen marchando y
tocando instrumentos de viento. Björk, con
la frente y párpados maquillados con líneas
triangulares multicolores y enfundada en un
vestido-ropaje de visos “cavernícolas” (pero
glamoroso), de pronto sale al escenario y la
euforia es total. Mención aparte merece el
uso del instrumento de nombre “reactable”,
que es una mesa redonda de interfaz
luminosa tangible, que genera sonidos
electrónicos cuando entra en contacto
con diversos objetos y que engalanó con
su presencia varias canciones. Pero el
segmento de “Live in Reykjavik” –una
especie de showcase en una iglesia–
agrega su propia belleza de austeridad al
video digital de Voltaic. Björk, cubierta con
un vestido dorado, se rodea por mujeres
que interpretan los más variados metales,
así como de un pianista, para interpretar
temas como “Cover me”, “Inmature”,
“Mouth’s cradle” y “My juvenile”, entre otras.
Incluso hay cabida para sonidos de un
órgano y un clavicordio.
Dentro del otro DVD están todos los
videoclips de Volta (“Innocence”,
“Wanderlust”, “Earth intruders”, etcétera),
con dos making of y los videos ganadores
de la competencia que Björk organizó
para que sus fanáticos realizaran un video
para el tema “Innocence”. Y no hay de qué
preocuparse: ambos DVD’s están en Dolby
Digital 5.1 y vienen con “sorpresas” físicas
extras (es mejor no decir, porque sorpresas
son sorpresas, ¿no?). Voltaic es una pieza
de arte en sí misma, tanto visual como
auditivamente. La islandesa más famosa
del mundo sabe hacer negocio y mimar a
sus fans, no con alevosía y ventaja, sino
con categoría.
Björk. Voltaic. One Little Indian/
Universal, 2009.
BJÖRK
A LA CARTA:
Voltaic (CD)
En vivo en los Olympic Studios de Londres.
Voltaic (CD + DVD)
CD en vivo en Olympic Studios y DVD en
vivo en París y Reykiavik.
Voltaic (Deluxe)
CD en vivo en Olympic Studios, CD con
remixes del Volta, DVD en vivo en París
y Reykiavik y DVD con los videoclips de
Volta.
Voltaic (CD + DVD + Vinyl)
CD en vivo en Olympic Studios, CD con
remixes del Volta, DVD en vivo en París y
Reykiavik, DVD con videoclips del Volta y 3
vinilos con el contenido del CD 1 y el CD 2.
Voltaic (Vinyl)
Vinilo en vivo en los Olympic Studios.
Aún así, ya quedaron atrás las protestas
del senador Joseph Lieberman y del
activista DeLores Tucker en contra de
su casa disquera (Interscope Records),
así como los tiempos de la gira “Rape of
the World”, en la que Manson arrastraba
a unos fantasmas de Columbine que
nunca le pertenecieron y que sin embargo
ocasionaron la cancelación de algunas de
sus presentaciones.
Toda esa acumulación de mala fama no
podía ser de beneficio ni siquiera para
el propio Manson, quien definitivamente
hace conciencia y rectifica el camino y los
medios que utiliza para regresar a ese
pedestal en el que alguna vez estuvo.
Decidido a recuperar cada oveja que haya
abandonado el corral, el cantante orquesta
perfectamente su resurrección, cobijado
por un séquito suficientemente capaz de
enamorar almas jóvenes, entre ellos su
viejo y gran amigo Twiggy Ramirez, quien
se reintegra a la banda luego de casi
diez años de separación, pero ya con la
experiencia de su paso por los grupos A
Perfect Circle y Nine Inch Nails.
Chris Vrenna es el encargado de los
teclados y programación y Ginger Fish
hace lo suyo en la batería, aunque hay
también algunos colaboradores especiales,
como Kerry King (Slayer), James Iha
(The Smashing Pumpkins) y Nick Zinner
(Yeah Yeah Yeahs). La mezcla del disco la
comparte Marilyn con Sean Beavan, quien
previamente mezcló los discos Antichrist
Superstar, Mechanical Animals y Eat Me,
Drink Me. La iglesia del Reverendo cerró
temporalmente por remodelación, pero en
2009 abre para entregar The High End of
Low, un trabajo que deja ver la madurez
de un hombre que sigue dando buenos
resultados.
Si revisáramos cronológicamente la
vida de Marilyn Manson, estaríamos por
presenciar el final de su Edad Media y
el inicio de su Renacimiento, etapa en
la que resurgirá lo mejor de las buenas
(¿o malas?) experiencias, agrupándose
en un nuevo comienzo que revitalizará la
profana y obscena carrera del Anticristo
Superestrella.
Ser Marilyn
Manson no debe
ser una tarea fácil.
Seguro es mucho
más complicado que
sólo maquillarse,
usar tacones, vestir
corset y profanar las
buenas costumbres
de las conciencias
norteamericanas y
religiosas. También
implica cargar con
acusaciones como la de
Raymond Kuntz, quien
culpa al cantante por el
suicidio de su hijo.
Entre la Edad Media
y el Renacimiento de
Marilyn Manson
16
Carlos Andrade
[email protected]
Marilyn Manson.
The High End of Low.
Interscope Records, 2009
El trovador trastornado que alimenta
Brian Hugh Warner regresa con 15
nuevas historias, listas para recorrer los
oídos ávidos de crudeza y crítica social.
Grabado en los estudios Hollywood Hills,
este séptimo disco de estudio llega con
potentes baterías, sonidos industriales, bajos envolventes y riffs de
guitarras que generan un sonido ya conocido, pero mejorado, que
se inclina más que nunca por los ritmos bailables, seguramente
en la búsqueda de un público más joven y más fácil de secuestrar.
La voz seca y siniestra persiste y expresa las letras poéticamente
subversivas que en temas como “We’re from America”, “Arma-goddamn-mother-fuckin’-geddon”, “I want to kill you like they do in the
movies” y “Pretty as a swastika” demuestran que su agudeza y
visión siguen más que frescas. Un disco para quienes gustan de la
carne roja al punto, de la sensación de provocación como estilo de
vida o simplemente de los clubes de baile góticos.
Pedro Escobar
Un genio excéntrico y prolífico. Ese es Jarvis Cocker para los miles de fans que ha
cosechado a lo largo de más de veinte años dedicados a la música, el cine y
demás facetas del showbiz. Si algo ha caracterizado la carrera del hombre de las
grandes gafas de pasta, es la gran cantidad de actividades que ha desarrollado a
lo largo de más de tres décadas en el negocio del espectáculo. Jarvis ha hecho de
todo: ha sido actor, presentador de programas culturales en la BBC, compositor
de scores musicales y, claro, una de las más importantes estrellas de rock al
frente del grupo Pulp, durante la década de los noventa. A comparación de la
mayoría de sus contemporáneos, Jarvis ha contado con la bendición de saber
envejecer con categoría. Después de un breve periodo de hilaridad al lado de
Jason Buckle, en el dúo de electro rock Relaxed Muscle, la carrera del británico
de 46 años parece haber dejado de lado los excesos y la estigmatización del brit
pop, para hallar otro lugar en la música, ahora con un pop elegante, contundente
y de tonalidad variopinta. Es bien conocida la debilidad de Jarvis por incorporar
en sus grabaciones reminiscencias de los sonidos que marcaron las diferentes
etapas de su vida. Desde sus tiempos al frente de Pulp, su experimentación sonora
estaba basada en melodías de la época glam y sampleos de las bases rítmicas de
la música disco de finales de los setenta. Pero lo que verdaderamente define el
talento de este hombre es su capacidad para transformar historias cotidianas en
verdaderas obras íntimas, que además son claras, directas y contienen una buena
dosis de ironía y humor negro. Lejos de adornar sus historias con prescindible seda
poética, la narrativa de Jarvis recurre a las palabras exactas para transformar las
historias más cotidianas en exquisitas melodías pop.
Hay algunos títulos que dicen todo y nada de un disco. Títulos que son expectativa
y veredicto de una placa pero que, sin revelar demasiado, son capaces de
despertar nuestro más auténtico interés. En ese sentido, Further Complications, la
segunda placa solista de Jarvis, resulta un título más que apropiado. Y hablando
de complicaciones, algunos críticos ya levantaron la voz, argumentando que sólo
se trata de un disco de oficio, carente de emoción y con referencias lógicas a su
anterior producción. Pero el pop elegante y las letras brillantes de este hombre
que se muestra más eléctrico, aguerrido e intenso que nunca, han encontrado ya
hace tiempo un lugar entre la gente. Al ser un disco que divide opiniones, Futher
Complications merece ser escuchado para que cada quien pueda formarse su
propia opinión.
Mismas
gafas,
pero
más
guitarras
18
Jarvis Cocker
Further Complications
Rough Trade, 2009
Jarvis aparece en la portada del disco con su característico look de profesor universitario, que le viene
bien al concepto retro que flota a lo largo del nuevo material. Se trata de once temas impregnados del
característico tono irónico, divertido y contundente de sus composiciones, pero con la particularidad de
un sonido vintage, plagado de glam rock e influencias sesenteras.
El disco abre con el vendaval eléctrico de “Angela” y “Fucking song”, temas que junto a “Homewrecker”
resultan los más enérgicos del disco, aunque carecen de la fuerza narrativa de cortes como “Leftovers”,
romance que inicia en un museo de paleontología y que recuerda en su temática al clásico “Common
people”. Por su parte, “I never said I was deep” destaca como la joya del disco, gracias a su intensidad
y a la elegancia del piano y el saxofón.
Este disco fue, desde su concepción, un trabajo sólido e imaginativo que opera como una obra de
ensamble y no como la de un conjunto integrado solo para apoyar el trabajo de un solista. El resultado
es una placa emocional, directa y, sobre todo, más eléctrica, situación en la que contribuye de manera
definitiva la producción del genial Steve Albini (Nirvana, Pixies).
19
Doves
conecta un
cuadrangular
Alejandro Rojas Luna
20
Hay investigaciones que
aislamiento causa reaccio
en las personas, pues
rendimiento intelectual y
de tomar decisiones. N
exclusión moderada sirv
para que la acción y los
se materialicen, tal y com
Doves, el trío de Manches
18 meses se semi en
granja-casa-estudio para g
material, Kingdom of Rust
indican que el
ones adversas
disminuye el
y la capacidad
No obstante, la
ve de impulso
pensamientos
mo le sucedió a
ster que durante
ncerró en una
grabar su actual
t.
El propósito era lidiar con el silencio y dejar que la inercia del nivel que habían logrado
en sus materiales Lost Souls (2000), The Last Broadcast (2002) y Some Cities (2005) los
llevara más lejos.
Cuando la banda debutó, llamó la atención por la textura triste y meditabunda de sus
narraciones vueltas canciones, algo que refrendó en su siguiente disco. Ambos materiales
fueron nominados al Mercury Prize; sin embargo, la distancia que supieron mantener con
respecto a una promoción agobiante y la popularidad mediática los ha llevado hasta el
punto donde no necesitan atender las ‘necesidades’ del mercado para que su trabajo sea
aceptado por la crítica y bien recibido entre buena parte de la audiencia. Su música no es
de la que llena estadios, pero sí abarrota espacios con gente ávida de ser sacudida por
raudales de variadas emociones sonoras.
Jimi Goodwin y los hermanos Jez y Andy Williams se prepararon bien para producir nueva
música en conjunto con su colaborador habitual Dan Austin, además de John Leckie
(productor de Radiohead y Stone Roses); la idea era hacer algo artesanal y de atmósferas
grandes, como para provocar que el escucha se pueda hundir en la profundidad de
distintas sensaciones.
El propio bajista y cantante de la agrupación, Jimi Goodwin, comentó recientemente en una
entrevista para el periódico The Sun, que en esta ocasión buscaron la sutileza y el detalle
a tal punto que “hubo veces que nos preguntábamos si alguna vez terminaríamos”. Dicha
búsqueda bien puede situarlos al lado de My Morning Jacket y su disco Z (2005), Elbow,
con The Seldom Seen Kid (2008), y TV On The Radio con Dear Sciencie (2008), quienes
ampliaron sus límites con base en producciones complejas en lo que a la combinación de
géneros y recursos se refiere, pero sin llegar a ser incomprensibles para la audiencia.
Cada una de esas bandas tiene una calidad equiparable, puesto que la catarsis es vital.
Ello lo explica mejor Andy Williams (batería y coros), quien asegura que Kingdom of Rust
es como atravesar un túnel donde surgen problemas: “Es muy importante recorrer ese
túnel, pero no quedarte ahí. Es por eso que este álbum es tan positivo, ya que representa
la búsqueda por salir de ese lugar y cruzar al otro extremo”.
Fueron 18 meses los que Doves invirtió en la realización de este álbum y seguro que no
fue nada fácil, como el propio Goodwin recuerda: “Hubo días donde el ánimo lo teníamos
arriba y abajo. Fuimos de la euforia a la desesperación, pero por encima ha estado la
música. Encontramos la disciplina para trabajar y poner fuera nuestras preocupaciones”.
Doves colocó previamente tres materiales en las bases, al estilo del béisbol, y con este
cuarto parecen haber conectado un cuadrangular donde la pelota cobró tal altura y
distancia que quien la atrape será la persona más feliz del estadio.
Doves
Kingdom of
Rust
Astralwerks,
2009
Doves se crece en Kingdom of Rust. Inicia “Jetstream”, corte
descrito por Jimi Goodwin como “canción imaginaria para el final
de Blade Runner”, algo factible gracias al vehemente bajo y los
platillos, mientras la guitarra puntea al lado de recurrentes efectos
propios de un futuro ambiguo donde el pasado sigue vigente. En
el corte homónimo se oye un indómito country tipo Johnny Cash,
cruzado con la esencia de “I’m only sleeping”, de The Beatles; I
hear a sound, a sound above my head/ Distant sound of thunder,
moving out on the moor, es la línea que abre y se arropa con
guitarras tristonas, piano y sonidos cristalinos.
“The outsiders” irrumpe con un sintetizador al cual van copando
guitarras y bajo fieros. Esa actitud cambiante ensalza al disco y
“Winter hill”, aunque es rock pop de ensueño, sirve de transición
para “10:03”, corte que en colaboración con Tom Rowlands (The
Chemical Brothers) inicia recitando melancolía y muta para plasmar
secos golpes de batería y distorsiones. En la segunda mitad, las
baladas “The greatest denier” y “Birds flew backwards”, pulcras
en las guitarras y finas con los arreglos de cuerda, son lindas
piezas, aunque algo menores a “Spellbound” (y su crescendo
guitarrero), “Compulsion” (y su base funk) o “House of mirrors”, que
es otra aproximación al western. “Lifelines” concluye discreta pero
esperanzada un disco redondo.
21
David Meléndez
Q
22
Dentro del espectro de la música electrónica no pensante, sino más bien bailable –sin caer en el repetitivo punchis-punchis que muchas
veces lejos de embelesar, enfada a los oídos–, el canadiense Tiga se ha ganado un lugar con un álbum y montón de sencillos dispuestos
exclusivamente para incinerar la pista de baile. Pero ¿quién es este hombre que posa él mismo para la portada de su más reciente placa, dentro
de un espacio muy parecido a la temática del one hit wonder ochentero “One night in Bangkok” de Murray Head, y que además porta abanico y
fulgurantes cadenas de oro?
uién
es Tiga?
Pues bien, la carrera de Tiga se ha cimentado exclusivamente en
remixes para artistas como Pet Shop Boys, LCD Soundsystem,
Télépopmusik, Scissor Sisters, Peaches, Depeche Mode, Soulwax,
Bran Van 3000 –¿recuerdan la pegajosa remezcla del famoso
tema “Drinking in L.A.”, de esta banda noventera? Tiga “intervino”
su estructura melódica y fue uno de los trabajos que lo puso en el
mapa–, Felix Da Housecat y hasta para los españoles de La Oreja
de Van Gogh.
Originario de Montreal, este productor y organizador de raves tuvo
un ajetreado crecimiento durante toda la década de los noventa,
puesto que fue uno de los fundadores del Club Sona (que funcionó
de 1993 a 2003), reconocido como uno de los primeros sitios que
abrieron sus puertas para bailar durante toda la noche dentro de
la geografía canadiense. Enseguida le picaría la espina de abrir
una tienda de discos y poco después, de crear su propio sello
discográfico, Turbo Recordings.
Ciao! es su segunda placa y un paso verdaderamente gigante en
la esencia melódica de su antecesor Sexor (2006), disco que fue
producido en parte por Stephen y David Dewaele, de Soulwax, y
que funciona como una recopilación de varios de sus sencillos.
Básicamente, el estilo de Tiga sigue flotando sobre una capa de
aires ochenteros con sacudidas de rave y jalones de glamour.
Claro, nunca perdiendo la brújula de la electrónica y contando
de nueva cuenta con Soulwax en la producción y la presencia
adicional de James Murphy (sí, el fundador de DFA Records y
cerebro maestro de LCD Soundsystem).
Aunque Ciao! defraudará a los que esperan una producción
avasalladora y lista para encender cualquier fiesta, el álbum puede
convertirse en un compañero perfecto de los oídos, ya que maneja
atmósferas y no ritmos. Eso sí, la lírica de Tiga es un fiasco (sosa,
volátil, insípida, cursi) y sigue siendo es una de las fisuras más
notables de su estilo.
Tiga. Ciao! Last Gang Records, 2009
Tiga está en un precipicio a punto de la caída. Ciao! pudo haber
sido su consagración absoluta, pero simplemente es una buena
opción de compra para quienes gustan del género electrónico. Es
cierto, hay poca relevancia en varios temas y estos se convierten
en los agujeros por donde se desinfla el globo sonoro. Pero
cuando existe coherencia y honestidad (Tiga no viene a copiar
sino a esmerarse en pulir su estilo propio, fuera de las tornamesas
y los remixes por encargo), la inundación deja las cimas más
altas sin cubrir. Por ejemplo, cortes como “Luxury” –un excelente
derroche techno de tensión dramática con notas sostenidas en
el sintetizador de pulcritud ochentera, con algo de A Flock Of
Seagulls, Visage y The Cars– y “Turn the night on” –de gomosidad
más pop, pero con un arranque encubierto con la gracia del alma
setentera de Elton John y mareas rítmicas sintetizadas a lo Devo y
Human League–, son de entrada las joyas y la opción obvia para
emocionarse con lo nuevo de este hombre, aunque “Love don’t
dance here anymore” –tema que cierra el disco, una especie de
balada nostálgica sobre la independencia metida en lo crooner
(en clave desastrosamente melosa) que deviene en un aquelarre
techno repetitivo–, “Mind
dimension” –que se escucha
como un hermano bastardo
de la canción “Zombie nation”,
de Kernkraft 400, que repite
el título hasta el paroxismo– y
“Shoes” –con una letra que
peca de común, con rimas
escritas en algún kinder de
tercer mundo–, precisamente
ponen en la cuerda floja a Ciao!
Llegó a ser tan popular
que lanzó su propio shampoo,
su línea de jeans y su propio juguete. Y tan
mainstream, que apareció en comerciales de refrescos, de mini
componentes y de zapaterías. Sin embargo, según nos cuenta, ha tenido que defender su
estilo musical y hasta nadar a contracorriente. ¿Fey rebelándose? Cualquiera lo haría, después de perder el
apoyo de dos disqueras grandes. Ahora bien, antes de seguir leyendo, tendrás que considerar un par de cosas:
que le gusta la misma música que a ti –ya verás– y que es respetada por rockeros que ni te imaginas. De hecho,
en ese circuito es donde se acuñó la frase “Fey es la ley”. Quién iba a decirlo.
Alex Castro
No te voy a preguntar lo mismo que
todos; supongo que ha de ser cansado.
Bueno, ahorita no ha pasado, porque aún
no hago tantas entrevistas para este disco.
Pero pasa, igual que con las canciones.
¿A poco no?
“Azúcar amargo”, que no es una canción
mía, sino de José Ramón Flores, tiene
magia: La sigo cantando y la siento en
las venas, y digo: ¡No puede ser, si la he
cantado 2,500 veces! Hay otras que ya
no me gustaron y las fui dejando, pero
creo que no me he peleado mucho con
mi pasado, a pesar de que a veces he
cambiado tanto.
¿Cómo crees que será recibido este
disco?
Ahora que estuve oyendo la radio, me di
cuenta de que en México todo, todo es
acústico. Estoy impactada.
Pero eso significa que tienes poca
competencia.
Sí, yo soy totalmente de electrónica. No me
imagino en otra cosa, ¡porque además me
gusta bailar tanto!
¿Si vamos a un club te encontraremos
bailando desenfrenadamente? Porque no
me lo imagino.
No, más bien soy de las que bailan solas
frente al espejo. Aprovecho mi tiempo libre
para ver a mis amigos y platicar con ellos.
Qué feo decirlo, ¡pero soy aburrida! (risas)
¿Tú escogiste a Fish como productor?
Pues lo escogió el destino. En el ’96 me lo
encontré y me dijo que él me había hecho
un remix de “Azúcar amargo”, que siempre
había querido trabajar conmigo y que me
había hecho una canción. Cuando la oí me
volvió loca, sobre todo por su estilo. Es que
siempre estoy buscando eso: más que las
canciones, es importante el sonido. Por ahí
empezó el romance musical con él y todo
se fue dando.
“La viuda negra” tiene un sampleo de
“Tainted love”, de Soft Cell…
¡Sí… qué inteligente!
Claro que no, sólo hay que oírla para
darse cuenta.
Sí, ¡pero es que es algo muy sutil! Yo creo
que la escogió porque es muy sexy, y eso
era lo que se necesitaba para “La viuda
negra”. A mí me encantó la forma en que
me dirigió. Nunca había disfrutado tanto
grabar.
Se me hace curioso que casi nadie
conozca Vertigo, tu primer disco
en inglés, y que sin embargo sea el
preferido de tus fans.
Sí, es mi disco de culto, como le dicen
(risas). No, pero sí es el disco más querido
por mis fans y yo me siento tan honrada,
porque es el primero en que de verdad
hice todo: desde la composición hasta la
producción. Quería sentir que merecía
estar en el lugar en que ellos me estaban
26
poniendo, pero también fue el disco con el
que en la disquera me dijeron: “No encaja
en nuestro esquema, adiós…”
Sabo Romo decía que en los noventa,
la única persona en México que hacía
techno pop eras tú…
¿Ah sí? Wow… Qué buena onda. Pues
mira, yo veía la tele y me parecía que
sonaban cosas muy viejas, muy dramáticas.
Así que hacíamos esto que a su vez le
llegaba mucho a los teenagers, primero
con “Fiebre del sábado” y después con
“Popocatépetl”, que tú puedes decir: “Qué
jalada de canción…”
Pues a mí me gusta, es casi rave.
¡Sí! Yo trataba de hacerla más radiable
metiéndole por encima una canción pop. Y
así me fui metiendo más en lo electrónico,
pero no sabes cómo me fregaban las
disqueras.
Uno se imaginaría que alguien como tú
no se topa con esas reticencias…
¡Claro! Es que no es tan fácil. Ahora, por
ejemplo, vas a la tele y te piden que hagas
un acústico. ¿Te imaginas “Lentamente” en
acústico? ¡Apenas la estoy dando a conocer
y se supone que lo interesante de un nuevo
disco es la producción y el sonido que traes!
Honestamente dime, ¿nunca volteas a
ver a Kylie Minogue o a Madonna?
¡Claro, a todas! Y a M.I.A. y a Goldfrapp.
De Kylie no me gusta mucho la música,
pero me fascina su imagen. Pero si me
preguntas a dónde voy, mi electro –si
quieres llamarlo así– es más minimalista en
unas partes y más rockero en otras.
¿Qué pasó con tu disco anterior? Tenía
buenas canciones y sin embargo no
llegó muy lejos.
Fue igualito que lo de Vertigo, pero con
otra disquera. Y fue cuando dije: necesito
trabajar con gente que haga esto por amor
al arte. Y eso es lo que estoy intentando
ahora.
¿Qué sigue para ti?
Una gira antes de terminar el año.
¿Y ahí se grabaría el disco en vivo?
Ah, me encantaría, sí.
Porque tu disquera dice que lanzas disco
en vivo en el 2010…
¡Ah, qué bien!... ¡Creo que me tengo que ir
a ensayar! (risas)
Cuando le conté a un colega que
había un nuevo disco de Fey,
exclamó: “¿Sigue cantando?”
Y no es de extrañarse, ya que la
promoción de su disco anterior
fue abruptamente interrumpida.
Pero este mundo es de los que
no se rinden. Por ello la mujer
está de vuelta con un séptimo
disco de estudio, que a pocas
semanas de su lanzamiento
se ha colocado en el tope de
ventas, tanto físicas como
digitales.
Y no duda en asegurar que a
nivel artístico no tuvo limitantes.
Para empezar, por primera vez
hizo las canciones junto con su
hermano Paco y reclutó a Sam
“Fish” Fisher –productor que
se adjudicó el Grammy Latino
en 2007 y quien ha trabajado
con Duran Duran y Marilyn
Manson– para confeccionar un
álbum que ella misma define
como “Divertido, futurista, glam y
obscuro”.
Y si bien me parece que no
se logró superar la cohesión
y buena producción del disco
anterior, es un hecho que temas
como “Lentamente”, “Sirena de
cristal” y “Provócame” tienen
con qué mantenerla luchando
por conseguir nuevos adeptos.
Porque a sus fans, a esos ya los
tiene en la bolsa desde antes de
grabar el disco.
27
Fíjate qué
Suave
Alejandro Mancilla
Santos Diablito es un personaje creado
por Bruno Danzza, quien es al mismo
tiempo el autor de Suave; un cóctel para
que el ángel y el diablito que traes sobre
los hombros hagan las paces y bailen al
ritmo de una guapachosa mezcla de
hip hop y sonidos urbanos,
con música regional
mexicana, tropical,
rock, dance y cumbia.
¿De dónde
Él mismo nos habla
salió el personaje de Santos Diablito?
Es un concepto. Yo hacía mis proyectos con el
de su nuevo disco.
pseudónimo de Bruno Danzza, pero cuando regresé a los
escenarios tomé este nombre para que no se relacionara con mi anterior
trabajo, porque simplemente no tenía nada que ver. Creativamente sí, pero no a
nivel de escenario.
¿O sea que te metes en el personaje, como los de Moderatto?
Sí, es un personaje que ha crecido rápido. Lleva tres discos y la gente ya sabe quién
es. Con el primer disco, tuve nominación a los premios Lo Nuestro 2004, como Nuevo
Artista. Ahora te lanzas como independiente…
Yo era independiente, hasta que Universal se acercó y me firmó para lanzar el
proyecto Chondo-K-Chondo .Tuve la experiencia de una major, pero ahora preferí
regresar a la independencia.
¿En qué momento decidiste mezclar hip-hop con música regional
mexicana?
Lo he hecho toda mi vida. Crecí en Torreón y ahí empecé a hacer
música; yo tenía influencias tremendas, como Chico Ché, La
Sonora Dinamita y Tropicalísimo Apache, pero también me gustaban
Run DMC, The Eagles y KISS. Después me gustó el techno de
finales de los ochenta; grupos como Dead or Alive o Pet Shop Boys. Y
luego descubrí una veta tremenda con Fito Olivares, al mismo tiempo
que seguía admirando a los grandes, como La Sonora Santanera.
¿Qué me puedes decir de Suave?
Un amigo de la radio me dijo que mis anteriores discos eran muy rudos,
así que me dio la idea de explotar la parte emocional de mi personaje y en
Suave hablo de cómo puede sufrir y cómo puede gozar Santos Diablito.
“Guárdame en tu corazón” me sonó a technopop; creo que es la que
explota más el crossover…
Sí, es la canción más simple… Pero debido a su simpleza, tiene una gran
complejidad. Es una canción difícil de hacer, porque logra llegar muy directo
a la gente con su estribillo pegajoso. Jugué con la música que hacía cuando
empecé a ser artista.
¿Cuál es tu canción preferida del disco?
“Desbaratado” me gusta mucho, aunque sé que no será un sencillo. Es un
disco muy luminoso, sentimental y, bueno, sacó esa parte que no había
explorado, así la gente ve que no todo es desmadre. Le tengo mucha fe a este
disco.
Más sabe el diablo… Y es el caso de Bruno Danzza (compositor responsable de más de cien éxitos en la música
latina), quien se aventura con el tercer redondo de su proyecto Santos Diablito. Cumbia, hip-hop y hasta un poco
de duranguense son los ingredientes que conforman esta producción llena de bríos y buen humor. La pura buena
vibra, ¡epaaa!
Ana Galleta
28
Santos Diablito
Suave
ADL Music, 2009
No
más
un
secreto
a voces
Ana Galleta
Los Hijos de
Sánchez es
un ensamble
de tres voces,
conformado
por los hermanos Tony,
Manolo y Charly. Con este
último, platicamos acerca
de su más
reciente producción, Voz
Luz, con la que
vuelven, tras
casi doce años
de ausencia.
¿Qué fue de ustedes todos estos años?
Después de nuestro primer disco (2001)
tomamos caminos diferentes. Tony
siguió como solista y comenzó a cantar
en el Masca Brothers. Manolo se fue a
tomar clases de baile a Los Ángeles y
yo me dediqué a la producción musical
y a componer para Ragazzi, Sentidos
Opuestos, Luis Fonsi, Intocable y Ana
Bárbara. Luego nos pidieron en el Masca
Brothers que nos reuniéramos y como
vimos que nos iba muy bien, decidimos
regresar con un disco.
¿Qué es lo que más extrañaban?
¡Cantar los tres juntos!
¿Qué será más difícil: regresar o
empezar de cero?
Yo creo que es igual de difícil... Pero como
ya no tenemos la pretensión de ser muy
famosos, se ha facilitado mucho. Nuestro
concepto de éxito ha cambiado.
¿Y por qué regresar con su éxito de
antaño “Aún sin ti”?
Sólo incluimos una versión, porque el
primer sencillo se llama “5,4,3,2,1”, que es
un dueto con Big Metra.
Hay quienes los consideran artistas one
hit wonder…
Yo opino lo mismo, en el sentido
discográfico. Hay dos tipos de personas:
la gente que sólo conoce “Aún sin ti”, y
los que nos conocen y siguen
comprando nuestros discos. La
mejor respuesta la tenemos cada fin
de semana, porque la gente responde
muy bien. Radialmente quizá lo seamos,
pero somos muy injustos si pensamos
que el éxito es en el radio… Más bien
es convencer a la gente que está
sentada y termina aplaudiéndote.
¿Cómo escogieron a los
invitados de su disco?
En el caso de Yuri, fue después
de compartir el escenario en
el Masca Brothers. Caló son
amigos de hace mucho y con
Big Metra hicimos una canción a
dueto en su primer disco y ese tema es uno
de los que tiene más visitas en YouTube.
¿Por qué produjeron el disco ustedes mismos, en lugar de
llamar a alguien?
Porque ahora el balón está en nuestra cancha, con grupos como
Sin Bandera, Camila y Jesse &Joy, que
no se basan en la imagen, sino que se
presentan tal cual. Por ello decidimos
producir nuestro propio sonido y
propuesta.
Los Hijos de Sánchez. Voz Luz.
Warner Music, 2009.
ya la cabeza
Alejandro González Castillo
Sensación de vértigo, náuseas, fotofobia, distorsión de la visión. La
migraña está lejos de ser una molestia pasajera en las sienes. Y Jeff
Tweedy, líder del conjunto estadounidense Wilco, padece el mal;
sabe bien que una píldora con paracetamol no es suficiente para
amainar el dolor.
30
“Sinceramente, no recuerdo un día en mi vida en el cual no me
haya dolido la cabeza”, ha declarado al respecto. La búsqueda
de alivio llevó a Tweedy al hospital, cuando se hizo adicto
a los fármacos que aligeraban su malestar, pero también a
desarrollar un talento asombroso para escribir canciones. Basta
con acercar los oídos a la espléndida hilera de álbumes que
el también guitarrista y cantante ha arrojado a la luz pública al
mando de Wilco, para escuchar qué tan hondo ha ido en su
tratamiento.
Desde A.M., un disco donde su personalidad sonora aún no
se delineaba del todo, hasta el anuncio del nacimiento de
una bestia de proporciones épicas que no se conformaba con
abrazar el denominativo de alt country –certificado en un par de
álbumes definitorios, tituladosYankee Hotel Foxtrot y A Ghost
Is Born– el proyecto de Tweedy ha cambiado en numerosas
ocasiones de integrantes; de hecho, sólo el bajista, John Sirratt,
y el propio Jeff permanecen inamovibles desde el comienzo de
la historia.
Sin embargo, durante catorce años de andar discográfico, la
cabeza (adolorida, por cierto) del proyecto ha sabido rodearse
del talento adecuado, como es el caso de Jim O´Rourke en las
perillas y la filosa plumilla de Nels Cline. Así que uno puede
sentirse confiado al saber que Wilco ya ha puesto a la venta su
séptimo álbum, pues con la compra se adjunta una garantía de
buenos resultados. Aunque valdría la pena tomar precauciones
antes de ajustarse los audífonos porque, ya sea con baladas
campiranas en formato acústico o con despellejadas
confesiones sobre incisivas capas de feedback, los síntomas
del escucha tras acercarse a algún disco del sexteto de
Chicago son regularmente los mismos: sensación de vértigo,
náuseas, fotofobia y distorsión de la visión. Algo más grave que
una vulgar jaqueca.
Wilco
Wilco
Nonesuch, 2009
Once tracks directos, prácticamente ausentes de los viejos
vericuetos experimentales. ¿El álbum más pop de Wilco? “You
never know”, con todo y un homenaje en las seis cuerdas a
George Harrison; el dueto vocal de Jeff con Feist en “You and
I”; el regalo para los fans empedernidos titulado “Wilco (the
song)”; y “Sunny feeling”, con sus armonías efectivamente
soleadas, dicen que así es.
Sin embargo, hay surcos reservados para distorsiones que
hacen sonar relámpagos en medio del picnic, como “Bull black
nova” o “One wing”. Gran movimiento: Tweedy y sus rijosos
ofrecen en este disco homónimo la afortunada unión de su
par de álbumes previos, el
esquizofrénico A Ghost Is Born
y el reflexivo Sky Blue Sky.
Mención aparte merece la foto
de la portada –el perfil de un
lindo camello en una terraza–,
que es una críptica broma que
sólo los autores comprenden.
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¿A qué se debe la influencia de Brasil en Quiet Nights?
No lo sé, en realidad sólo es otra forma de expresarme; siempre
me ha encantado la música de Brasil y siempre me ha gustado
Sergio Mendes. Son de mis favoritos.
¿Cuál es el tono o el humor con el que manejas este álbum?
Definitivamente tienes que sentirlo. Yo no me di cuenta de qué
tanto me gustaba, hasta que lo tocamos en Lisboa en un lugar
pequeño, pero repleto de gente, y dije: “Wow, realmente estoy en
esto, pertenezco a esto y no sólo al swinging jazz”.
¿Te sientes relacionada con las letras del disco?
Sí. No al extremo, pero pienso que Quiet Nights es como si fuera
un trabajo gráfico de cómo estoy ahora, porque me imagino a
mí misma en el puente, viniendo del aeropuerto en Vancouver;
las montañas, el mar, algo encantador, así es como quiero estar.
He tenido tragedias en mi vida, en mi familia, y la pérdida de mi
madre. Estaba realmente devastada, pero desde que tengo a mi
hijo todo se tornó diferente, estoy muy feliz y con este disco estoy
muy relajada.
Háblame de los músicos que te acompañan.
Sí, están Jeff Hamilton, en la batería, y Anthony Wilson, en la
guitarra. La visión de Anthony Wilson es especial, tienes que ser
él para saberlo; me refiero a que tú puedes estudiar todo lo que
quieras, pero él es genial; ha producido discos de Barbra Streisand
y escribió un borrador para “Love dance”. Gerard Wilson fue su
padre, y también hizo un gran trabajo.
¿Qué es lo que más te gusta de trabajar con Claus Ogerman,
el arreglista y conductor de orquesta en el disco?
Él es genial para mí, porque no es tan dulce y tiene increíbles
arreglos; todo tiene algo de obscuro y de complejo. Y aunque es
algo triste, me gusta, porque todo es como en blanco y negro.
Claro, hay arreglos lindos y con un toque
de luz. Además, es un hombre muy atento;
es intenso y es como trabajar con un artista
también; es algo muy profundo.
Diana Krall
Quiet Nights
Verve Records, 2009.
31
Ana Galleta
a la distancia
Magos
Magos Herrera está de regreso con
Distancia, un álbum grabado en Nueva
York –y producido por Tim Ries,
saxofonista de los Rolling Stones– en el
que interpreta tanto temas de su autoría
como de otros compositores. De eso y
otras cosas, charlamos con la cantante.
Magos, ¿cuál es la distancia más difícil de sobrellevar?
La distancia contigo mismo, con tu voz interior, con tu
verdadera naturaleza. Y eso es el peor mal de nuestro
tiempo.
¿Qué es lo que te separa normalmente de la inspiración?
Justamente el no estar conectada conmigo.
¿Cómo se da el acercamiento con Tim Ries y por qué él
como productor?
Tocamos juntos hace dos años en México, cuando él tocó
con su Jazz Project en el Zinco y me invitó a cantar un tema.
Inmediatamente hubo una conexión entre él, mi esposo y
yo. Hoy en día, Tim es como nuestra familia en Nueva York.
Y acabó siendo el productor porque le fui enseñando mis
temas y cuando nos dimos cuenta ya estaba totalmente
involucrado… Su energía ha sido vital en este disco.
¿Qué te motivó a emigrar a Nueva York?
Crecer y aprender.
¿Cuál es el escenario más importante para un
intérprete de jazz en la actualidad?
Todos son importantes, pero hay ciertos circuitos
que definitivamente apoyan tu trayectoria, como
el Festival de Montreal, JVC y clubes como Blue
Note, Dizzies, etcétera.
Fuera de Ingrid y Jenny Beaujean… ¿has
encontrado nueva escuela de jazz en México?
Claro, hay muchísimos músicos jóvenes y
proyectos emergentes y me emociona saberlo.
Siempre te ves radiante y plena cantando tus
temas… ¿Nunca pensaste en incursionar en
otro género musical?
La forma en que he dirigido mi carrera ha sido
totalmente orgánica y alineada a lo que me
gusta y a lo que considero que es más honesto
en cada momento. La industria a veces
considera otros caminos, pero para mí lo más
importante es ser verdadera y disfrutarlo, de lo
contrario no tendría sentido.
Si uno de tus temas hubiera de
consagrarte en la inmortalidad… ¿cuál te
gustaría que fuera?
No me gustaría pensar en hacer música para
consagrarme en la inmortalidad, prefiero
disfrutar de mi evolución en vida, como
individuo y como músico. Y que la gente con
quien lo comparto lo disfrute y se conmueva
igual que yo.
Magos Herrera.
Distancia.
JM Distribuidores,
2009.
¿El retorno del
elefante?
Berenice Balboa
“Bien y de buenas” vuelve Reyli con su tercer material discográfico, Qué
Vueltas Da la Vida, una producción más rocanrolera, callejera y ranchera que
nos remonta a aquellos sonidos de Elefante, grupo con el que el cantautor
chiapaneco se dio a conocer. Y sobre esta nueva producción platicamos con él.
¿Por qué retomar los sonidos de la banda que alguna vez
lideraste?
Pues más que retomarlos, es algo que está en mi sangre,
en mi alma, en mi creatividad; es mi esencia. Muchas de las
canciones las escribí junto a Rafa cuando estaba en Elefante
y ahora me doy cuenta de que por más que uno trate de hacer
cosas nuevas, siempre tiene en la sangre sus raíces.
Eres una persona muy mística; ¿es coincidencia o destino
el resultado de este disco?
Destino. Por ejemplo, “Qué vueltas da la vida” la escribí junto
con Rafa hace 14 años y la monté con Elefante, pero nunca
salió; es una de esas canciones que las vuelves a encontrar
y te das cuenta que estaban guardadas por algo. Yo estoy
seguro de que serán un éxito y que me estaban esperando
para darles vida.
Muchos han escrito sobre desamor. ¿Cómo hace Reyli
especiales los temas “¿Qué nos pasó?” y “Qué vueltas da
la vida”?
“¿Qué nos pasó?” es el drama que muchos hemos vivido,
a pesar de ser tan dolorosa es muy bonita; no estoy en los
zapatos del personaje ¡pero qué bueno! porque me metí en
su viaje. Más que canción es una narrativa, el lamento de un
tipo que platica su dolor, por eso es especial. La otra es un
vacilón que nos aventamos Rafa y yo. “Cuando tuve, yo te
tuve, te mantuve…”, dice la canción; la combinación de este
clásico mexicano en el coro y lo callejero del tema resulta un
guayabazo seguro; habla del por qué sufrir cuando te dejan si
el que pierde es quien se va.
Este disco, ¿qué viene a ser en tu carrera?
Viene a ser la muestra más clara de que voy a vivir
haciendo música
eternamente;
cada día disfruto
más el proceso de
hacer un disco…
Es simplemente la
claridad de que la
música es mi casa.
Reyli.
Qué Vueltas
Da la Vida.
Sony Music, 2009.
Reseñas
Renovador
realista y crudo
Es cierto, Bob Dylan renació
luego de haber estado cerca
de la muerte, antes de la
grabación de Time Out of Mind,
en 1997. Together Through
Life es el cuarto título de una
impresionante racha que parece
equiparar al momento más
inspirado de su vida artística,
aquel que va de 1964 a 1966.
Ahora, Dylan ha sumado a su ya de por
sí deslumbrante discografía títulos por
demás elogiados como Love & Theft
(2001) y Modern Times (2006). Discos
que además han estado enmarcados en
el período más intenso de veneración a
su obra, un período de reconocimientos
y galardones, entre ellos la cinta I’m
not There, basada en su vida, y el
documental No Direction Home, de
Martin Scorsese, que profundiza en su
trabajo y personalidad.
Revisando y reinventando el catálogo
de estilos inherentes a la tradición
musical norteamericana, Dylan ha
construido una obra que, desde
una perspectiva original, ha dado
continuidad al desarrollo del blues, el
folk, el rock y la música country. En los
sesenta, cuando era joven e insaciable,
lo hacía desde una postura desafiante:
había que alterarlos y distanciarlos
de su raíz. Ahora, en el nuevo siglo y
siendo él un sexagenario, lo hace con
reverencia, sacando lo mejor que cada
género tiene en las venas y llevándolos
hasta ese territorio singular que
distingue su inconfundible impronta.
Así, en Together Through Life, el Dylan
que se ha convertido en una máquina
infatigable de hacer presentaciones,
al que vemos con arrugas en el rostro,
el cabello siempre desordenado y
vestido indistintamente de traje negro
o blanco, nos muestra que está en
plenitud de facultades: sus letras siguen
teniendo la surrealista lucidez y la
exacta factura que siempre las ha marcado
–sorpresivamente co-escritas con Robert
Hunter, viejo colaborador de los Grateful
Dead—; su manera de tocar sigue siendo
contundente, lo mismo al piano que a la
guitarra, y su voz, más rasposa y nasal
que de costumbre, suena como nunca,
convincente y poderosa.
Ahora, el ingrediente que refresca su sonido
es el sentimental acordeón del Lobo mayor,
David Hidalgo (vaya, el sólo imaginar
a estos dos poniéndose de acuerdo en
el estudio, seguramente a media luz y
seguramente de madrugada, minutos
antes de repasar “This dream of you”, da
escalofríos). En Together Through Life,
Dylan revisita el pasado, pero su retorno
está colmado de la sabiduría del presente
y de la experiencia que le han dado
sus travesías por siete mares y diez mil
carreteras.
En ello está el secreto de una obra que más
que ser un disco de rescate, a la manera
Enrique Blanc
digamos
de lo que hacía
en sus años
como folclorista,
resulta
renovador y
enteramente
actual. De
“romántico” lo ha
calificado él y ha
dicho que está
inspirado en un
viaje que va de
Kansas a Nueva
Orleáns, pero
parece a ratos
más cercano a
la frontera sur
de su país, a
Ciudad Juárez y
Laredo.
Arropado por
una banda
de lujo que
además de
Hidalgo cuenta
con el fidelísimo Tony Garnier al bajo,
Mike Campbell (de los Heartbreakers
de Tom Petty) en la guitarra y otro par
de instrumentistas, Dylan continúa
escribiendo una de las leyendas
más incuestionables del mundo que
sucumbió sin condición alguna a las
guitarras eléctricas y su hechizante
sonido.
9.3
Bob Dylan
Together
Through Life
Columbia, 2009
35
Reseñas
8.5
8.8
Japandroids. Post-Nothing
Unifamiliar Records, 2009
Accesibles y
muy efectivos
La fórmula de voz, bajo y batería (ya casi
de esencia pitagórica) prosigue con el
asta de la bandera bien clavada dentro de
la industria discográfica. Ahora el dueto
canadiense de Brian King y David Prowse
florece en todo su esplendor con su primer
álbum –tras un par de EP’s– valiéndose de
esta conjunción de instrumentos.
Quizá para el melómano quisquilloso, el
sonido de Japandoids sea casi idéntico
al de No Age, porque a lo largo de ocho
canciones el noise, el garage y hasta
fraseos intermitentes de metal son parte
equidistante (y vital) de su propuesta.
Pero el paso de separación se da de
manera sutil: entre tanta furia en las seis
cuerdas y ritmos frenéticos en batería, se
eleva un globo hinchado de armonías pop
y agreste psychobilly (con muchos retazos
tomados de los añejos The Sonics), que
transforma todo el “ruido” en un escándalo
de energía primaveral, que no deja de
raspar hasta que se presiona el botón de
stop. Sí, Japandroids son accesibles, pero
no molestan en lo más mínimo el criterio
sonoro.
David Meléndez
Boston Spaceships
Planets Are Blasted
GBV Inc, 2009
Una etiqueta a la que es difícil darle
credibilidad es la de ‘súper banda’, porque
el hecho de que integrantes de distintos
conjuntos hagan un solo proyecto no
garantiza el resultado. Sin embargo,
ésta es adecuada en el caso de Boston
Spaceships, banda que reúne a Robert
Pollard, el líder de los extintos Guided by
Voices, con algunos de sus ex compañeros,
además de otros provenientes de The
Decemberists y de The Cribs.
Hace seis meses debutaron con Brown
Submarine y ansiosos retornan ahora con
su rock genuino e independiente, grabado
casi en lo-fi, cuyos riffs recuerdan a las
bandas de la radio colegial gringa de los ‘90
y a la etapa temprana de R.E.M.
Figuraciones espaciales equilibradas con la
cotidianeidad terrestre brillan en “Keep me
down” y “UFO love letters”.
Alejandro Rojas Luna
Alejandro González Castillo
Terrícolas
independientes
viajando por el
espacio exterior
The Thermals
Now We Can See
Kill Rock Stars, 2009
36
Toma el llavero, abuelito, y
enséñanos tus demos
Empaquetados en un atractivo gabinete
están cuatros discos –uno de ellos DVD–
cuyo contenido es apto para todos esos
facinerosos que en los años noventa no se
conformaban con aplaudir los desplantes
de Axl Rose; para quienes preferían dar
un paseo con el bestiario que Perry Farell
reunió junto a Dave Navarro, Stephen
Perkins y Eric Avery durante la efímera pero
sustanciosa vida de La Adicción de Juana.
Algunos lo llamarán rebaba, otros oro
molido. El caso es que 30 de los 43 tracks
de audio que estos CD´s contienen (más de
dos horas de material) jamás habían visto
la luz, y vaya que merecen unas cuantas
repasadas. Demos (“Jane says”, “I would
for you”, “Pigs in zen”), versiones en directo
(“Stop!”, “Whores”, “Ocean size”), rarezas
como un efectivo remix a “Been caught
stealing”, una colaboración con Whitey
y Ice T (“Don´t call me nigger”) e incluso
reversiones a clásicos de Led Zeppelin y
The Stooges, conviven con ocho videoclips
pertenecientes al par de álbumes más
populares del cuarteto angelino –Nothing´s
Shocking y Ritual de lo Habitual–, además
de una presentación para MTV en Italia.
Sexo glamoroso, ocultismo mexicano y olas
feroces, una linda combinación.
The Thermals
sabe lo que
quiere
7.0
8.5
Jane´s Addiction. A Cabinet
of Curiosities. Rhino, 2009
No esperes que estos muchachos te inciten a la rebeldía y a participar
en una revolución, tampoco que se salgan de los linderos del pop
que se cuece con el punk, pero sí aguarda de ellos canciones que no
rehúsan moverse a alta velocidad (sin pasarse los altos) y donde el
ejercicio de puntear rápido la guitarra se convierta en su cenit, mientras
son cantados con entusiasmo los coros que en particular suenan mejor
dentro de los cortes “When I died” y “Now we can see”. Da la impresión
de que el trío tiene calidad para proponer aún más, debido a que con
gracia equilibran ímpetu con una actitud relajada, pero esto es lo que
dominan y por ahora es lo que les basta.
Alejandro Rojas Luna
Rock
campirano
altamente
creativo
Conor Oberst and the
Mystic Valley Band
Outer South
Merge Records, 2009
9.5
Graduado
con honores
Antes de que Conor Oberst decida si en verdad quiere o no ser
solista –y meses después de sacar su debut en solitario, grabado
en el místico Tepoztlán–, concreta otro álbum donde acredita en
portada a sus fieles músicos (The Mystic Valley Band) y de paso
presume su desbordante creatividad, sin que esto signifique
perfección en el resultado.
De los 16 cortes, “Nikorette” se yergue como la muestra idónea
para exhibir las calidades musicales de esta producción: tufo
de americana engarzado con alegría alt country y un chisguete
de blues de la vieja guardia; claro, sin olvidar la prístina y jovial
voz de Oberst. De ahí en fuera, la lírica muestra sombras más
introspectivas que se mezclan con emociones mundanas de baja
frecuencia, mientras Oberst prosigue en su aventura musical por
encontrar un sonido que lo defina como el artista que es o será.
8.7
David Meléndez
Josh Groban. A Collection.
Reprise Records, 2008
Ha pasado todas las pruebas, y este
“grandes éxitos” es tan sólo un pequeño
reconocimiento a una carrera brillante
que camina presurosa por una exitosa
senda. A sus 28 años, el cantautor barítono
estadounidense Josh Groban ha logrado
colocar más de 25 millones de discos
alrededor del mundo, con apenas tres
álbumes de estudio y otros tres en directo
desde el 2001.
Ésta es una recopilación de los temas más
destacados de su corta pero fructífera
carrera, reuniendo grandes clásicos como:
“To where you are” interpretado en el
concierto del Premio Nobel; una grabación
en vivo de “Anthem”, en el Royal Albert
Hall, y su propia versión de “You raise me
up” (éxito que luego fue covereado por
Westlife), entre otros.
También incluye un disco con una
selección de temas navideños para
disfrutarse año con año. Canciones que
enchinan la piel y exaltan los sentimientos
por su magistral interpretación y
acompañamiento musical. Quien es quizá
el discípulo más destacado de David
Foster ha sido nominado también en varias
ocasiones a los Premios Grammy, al Oscar
y a innumerables reconocimientos.
Ana Galleta
7.9
8.5
Van Morrison
Astral Weeks. Live at the Hollywood
Bowl
Lion Records / EMI Music, 2009
Un clásico que no para
La vitalidad del veterano Van Morrison está
más que clara en este concierto ofrecido en
el mítico foro de Los Ángeles, en donde el
irlandés reinterpretó, íntegros y en su orden
original, los temas de su legendario álbum
Astral Weeks, de 1968.
Celebrando los 40 años de lanzamiento del
segundo título de su apabullante discografía
como solista, Morrison demuestra que su
mezcla de jazz, folclor celta y rock sigue
sonando fresca e interesante. Un ensamble
de catorce músicos lo respaldó en esta
nostálgica aventura, que para fortuna de
quienes le veneran fue capturada en CD.
El disco, como repite el propio cantante
en una de sus canciones, “trasciende el
tiempo” y de paso nos reitera lo bueno de
su aferramiento a seguir haciendo música.
Enrique Blanc
Lady Sovereign. Jigsaw.
Midget Records, 2009
Hola glamour,
adiós ghettos
¿Quién no recuerda el pegajoso sencillo
“9 to 5”, o el hecho de que Lady Sovereign
fuera la primera fémina no nativa de
Estados Unidos en firmar un contrato para
Def Jam? Pues tras su disco debut Public
Warning (2005), su escasa fama se esfumó
de golpe y porrazo. Tres años después,
esta MC británica vuelve con un disco que
la ubica más dentro del segmento dance de
la música que de los ghettos londinenses.
Sovereing cambió lo urbano por algo de
glamour y la única sorpresa rescatable
surge en el track “Jigsaw”, donde se
escucha más orgánica que nunca y parece
más un track indie perdido que el tema de
una rapera hecha y derecha. De hecho,
hasta canta con cierta propiedad melódica
en lugar de recitar su clásica verborrea
explosiva.
Aunque el corte “So human” esté construido
sobre la base rítmica del “Close to me” de
The Cure, el resultado es regular, al igual el
resto de disco.
David Meléndez
37
Reseñas
9.2
Silversun Pickups
Swoon
Dangerbird, 2009
Nada novedoso,
pero adictivo
como cualquier
droga
Los californianos Silversun Pickups parece que construyeron una máquina del tiempo,
viajaron a los años noventa y decidieron quedarse en esas mozas épocas donde el rock
alternativo podía erosionar hasta las montañas más altas.
Dentro del agitador de su música están apilados nombres como The Charlatans, The
Smashing Pumpkins, Scheer, Pale Saints y That Dog, y su tendencia sonora está basada
en el fuzz de la guitarra, con patrones rítmicos sencillos pero enfáticos y bajos obsesivos.
De cabo a rabo, Swoon cumple por completo, ya que está constituido por canciones con
un sonido que palpa la oscuridad, pero que posee la garra necesaria para que los oídos no
escapen.
David Meléndez
8.5
Sonic Youth
The Eternal
Matador Records, 2009
De vuelta
a la
independencia
Sonic Youth es una banda que podría tomar el camino fácil y aprovechar el título
nobiliario que por justicia le otorgó la historia del rock. Pero para fortuna de muchos,
hacen exactamente lo contrario y celebran cortar relaciones con la transnacional a la
que pertenecían (Geffen Records) y el inicio de una nueva relación con la independiente
Matador Records.
La narrativa de las letras tiene vida propia y camina de la mano con las melodías que en
las guitarras y bajos Thurston, Kim, Lee y el nuevo integrante Mark Ibold ajustician; además
de los martillazos que Steve Shelley propina a la batería.
En “The eternal”, capitalizan toda la experiencia acumulada, resultando un material
abundante en calidad, con un sonido ligeramente más limpio y claro que antaño. Un disco
para los que buscan la fuente de la eterna juventud o simplemente gustan del buen rock.
Carlos Andrade
38
9.6
The Rakes
Klang!
V2, 2009
Diversificando
su
sonido
Con sus dos anteriores
producciones, Capture/ Realese
(2005) y Ten New Messages
(2007), esta banda británica tuvo
tantos altibajos como cúspides de
intensidad sonora. A pesar de que
arrancaron bajo el velo del revival
del post-punk –incluidos bailes
a lo Ian Curtis por parte de su
vocalista Alan Donohoe–, supieron
encontrar un lugar entre miles de
oídos, gracias a su tendencia a
intercambiar riffs de poder por líneas
de melodía en la región aguda de la
guitarra; vaya, como requintos sin
virtuosismo pero que conforman la
columna vertebral de su música en
materia de melodía.
Pero con Klang!, el magma de sus
entrañas quema por doquier. Es
más, hay espacio para pianos estilo
Madness (“Muller’s ratchet”) y Billie
Joel (“The woes of the working
woman”) –sin perder el fulgor punk–,
y trepidantes canciones como “1989”
y “The final hill”, que es una bomba
H que cierra el disco e incinera el
sopor.
David Meléndez
8.5
Dan Deacon. Bromst.
Carpark, 2009
Sonidos lisérgicos y alegres palabras indefinibles
Existe el término “la vecina de al lado” para referirse a las personas de apariencia común
que cuentan con ese ‘algo especial’ que llama la atención. Y esa definición le queda
perfecta a la risueña figura geek de Dan Deacon, quien a partir de sus computadoras,
sintetizadores e incontables efectos vocales, genera una experiencia electrónica comunal
que lo hermana con lo hecho por M83, Panda Bear e incluso algo del Kraftwek jovial, ya
que el hombre parte de sonidos tiernos y alegres que altera y distorsiona digitalmente para
darles un aire lisérgico que se divisa en esas alucinaciones psicodélicas y guturales que
son “Red F”, “Snookered” y la cerradora “Get older”. Hazlo rolar, hermano. Que role.
¡Que no mueran
los ochenta!
6.0
Alejandro Rojas Luna
Datarock. Red.
Nettwerk, 2009
Obsesionados con la idea de que
el punto más alto de la evolución
musical se alcanzó entre finales de
los años setenta y principios de los
ochenta, los de Datarock pronuncian
que la santísima trinidad del pop
la componen Fela Kuti, Afrika
Bambaataa y Kraftwerk. Gustos muy
respetables, que por desgracia no
se cuelan en los tracks que contiene
éste, su segundo álbum.
A cambio, un excedido catálogo
de clichés ochenteros pasan lista;
desde los inefables redobles
de batería electrónica hasta las
melodías de “a dedito” ejecutadas en
teclado barato. Habrá quien celebre
con las manos en el aire “Give it
up”, “True stories” o “Dance”, pero
no faltará quien sienta un retortijón
al escuchar cómo en “Amarillion” se
meten con calzador “homenajes” a
David Bowie, A-ha, Franz Ferdinand
y (gulp) At The Drive-in.
Por fortuna, los autores están
seguros de que este disco es
“lo mejor que le ha pasado a la
humanidad desde la Comodore 64”.
8.0
Easy Star All-Stars
Easy Star’s Lonely Hearts
Dub Band
Easy Star Records, 2009
Para fans del reggae (y
de The Beatles)
No bastando con la fama que la crítica les otorgara luego
de lanzar al mercado los discos tributo a Pink Floyd (Dub
Side of The Moon) y Radiohead (Radiodread), ahora este
combo lo intenta con una recreación del Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band, de The
Beatles, que más que una propuesta es un homenaje. El productor Michael Goldwasser
junta y dirige una tropa con la crema y nata de los mejores exponentes del género, entre
los que destacan Matisyahu, Steel Pulse, Sugar Minott, Michael Rose, U Roy, Bunny Rug,
Ranking Roger, Frankie Paul, Luciano, Max Romeo y The Mighty Diamonds. Arreglos
poco arriesgados que logran una mezcla exitosa sin resultados sorprendentes, pero con
el estilo único que los ritmos caribeños y cadenciosos del reggae, dancehall y dub pueden
agregarle a casi cualquier cosa. Un disco sólo para fans (del reggae o de The Beatles).
Carlos Andrade
Hubo una vez un grupo
llamado Blind Faith…
Alejandro González Castillo
9.3
Eric Clapton y Steve
Winwood
Live from Madison Square
Garden
WEA / Reprise, 2009
A finales de febrero de este año, un par de leyendas de
la guitarra reunieron de nueva cuenta su virtuosismo.
Ya lo habían hecho en 1969 con Blind Faith, grupo
efímero donde Clapton y Winwood buscaron salida a
sus problemas personales y musicales, sin obtener
el deseado saldo positivo. Cuatro décadas después,
la magia ocurre gracias a un repertorio donde se
diseccionan canciones de Traffic, Jimi Hendrix, Robert
Johnson y de la carrera en solitario de ambos titanes de
las seis cuerdas. Live from Madison Square Garden es
impecable en cuestiones técnicas y de interpretación;
en 21 canciones el escucha constata la vigencia del
vibrato endemoniado de Clapton y la precisión de alto
octanaje de un Winwood que a sus más de 60 años
todavía canta y toma por los cuernos a la guitarra y el
teclado con absoluta valentía.
David Meléndez
39
9.0
10
Il Giardino Armonico,
Dir. Giovanni Antonini
Handel: Twelve Concerti
Grossi, Op. 6.
L’ Oiseau Lyre, 2009
Medeski, Martin & Wood
Radiolarians II
Red Ink, 2009
Handel viaja a Italia
Música lúdica
para tomarse
muy en serio
El ensamble milanés, pionero y especialista en la interpretación de música
barroca, ofrece un impresionante catálogo de colores y contrastes, empastado
con maestría en el chiaroscuro de estos dramas instrumentales. Interpretación
no sólo enérgica, sino también reposada cuando debe serlo; no sólo
superlativamente tocada, sino pensada profundamente; no sólo intensa, sino
también elocuente de estas doce joyas del Siglo XVIII.¡Por fin una versión a la
italiana –vital, temperamental y teatral– de estos magníficos conciertos!
John Medeski, Billy Martin y Chris
Wood –tecladista, bajista y baterista
respectivamente– son excelsos
ejecutantes que, pese al sobrado
reconocimiento del cual gozan (durante
los años ochenta se codeaban
con John Zorn), no se han puesto
remilgosos y hasta han permitido que
sus composiciones aparezcan en
alguna serie televisiva. Naturalmente,
el trío coquetea frecuentemente con
el jazz y la improvisación, pero del
mismo modo es capaz de injertar
blues, funk y hasta algo de country
en sus álbumes, como en éste,
donde conviven, entre exquisitas
composiciones (“Junkyard”,
“Padrecito”), toscas líneas de
bajo (“Flat tires”, “Ijiji”) y lúdicos
recursos de post producción y
experimentación sonora (“Chasen
vs. Suribachi”), para poner de
manifiesto que los dotes de
estos tres músicos deben
tomarse muy en serio, pero
apreciarse con una sonrisa
colgada de los oídos.
Alejandro González Castillo
Darío Moreno
8.0
Bob Mould
Life and Times
Anti, 2008
Adulto
contemporáneo en
esteroides
Si es la primera vez que escuchas a Bob Mould y lo haces con canciones como
“MM 17” y “I’m sorry, baby”, contenidas en su novena producción solista -que se
asienta en lo más accesible y consistente de la mezcla de las etiquetas ‘indie’
y ‘rock adulto contemporáneo-, quizá te extrañe saber que él en su momento
perteneció a una banda de culto llamada Hüsker Dü, y aunque esa época hardcore
punk ya es lejana, aún sobreviven dosificados registros en los cortes “Bad blood
better”, “Wasted world” y “Spiraling down”, donde los intermitentes solos de guitarra
se amotinan por unos momentos.
Su blanca barba y etapa ahora relajada no son signos de vejez, sino de experiencia
utilizada para contar historias cotidianas.
Alejandro Rojas Luna
Modesto,
romantico
y breve
8.1
Ryan Adams.
Extra Cheese
Lost Highway,
2009
Luego de la unión matrimonial con Mandy Moore y de su regreso a The Cardinals, Adams
cocinó un trabajo musical con el mejor de los ingredientes especiales: el amor. Su trabajo
al escribir y cantar sus propias canciones se escucha mejor que nunca y lo demuestra
en cada uno de estos siete temas, que parecen no necesitar más acompañamiento que
guitarra, piano y una armónica. “Hey there, Mrs. Lovely” (que existe desde 1999 pero
por primera vez es grabado en estudio), “Desire” y “Two” son ejemplos de letras más
enfocadas a un romanticismo que frena el ritmo del disco anterior y que son pruebas de la
simpleza y limpieza con la que este hombre trabaja. Un disco modesto y pequeño (es un
EP) para quienes tienen hambre de más Ryan Adams.
Carlos Andrade
De cuando
el punk era
peligroso
Punk 1977 / 2007.
3Oth Anniversary
Warner / Music Brokers
8.0
Mucho antes de que la palabra “punk” fuera sinónimo de grupetes de pop en MTV y de
tiendas de ropa en centros comerciales, existió una revolución musical que le devolvió
al rock el sentimiento de urgencia, de rechazo a los valores conservadores y de eterna
furia adolescente. Nadie sabe con exactitud en qué momento surgió el punk como género
musical, pero en 1974 nació una revista en Nueva York, llamada justamente “Punk”, al
mismo tiempo que los New York Dolls y los Ramones vagaban sin rumbo por las calles
de la Gran Manzana, sin saber que pronto serían pioneros de un movimiento que ha sido
considerado como una de las grandes revoluciones en la historia del rock.
Así pues, nos llega esta recopilación triple que incluye algunos de los temas más
emblemáticos de la época clásica del punk, y no podían faltar los mencionados Ramones,
quienes abren el CD 1 con su clásico “Judy is a punk”, la cual engloba el espíritu del
disco; un tema simple y divertido. Aunque no todos los grupos de punk compartían el
sentido del humor de los Ramones, es este aire despreocupado y rebelde lo que marcó
toda una época hacia mediados y finales de los setenta. El primer CD también incluye
las infaltables “Anarchy in the UK” y “God save the Queen” de los Sex Pistols, “New rose”
de The Damned y la intoxicante (e intoxicada) versión del difunto Sid Vicious al tema de
Paul Anka, “My way”. El disco 2 se centra en la segunda generación de bandas inglesas,
así como en el llamado hardcore o punk “de hueso colorado”, con bandas como los
legendarios Dead Kennedys, los siempre melódicos alemanes de Die Toten Hosen y los
furiosos GBH. Finalmente, el tercer CD incluye algunas
rarezas, como versiones en vivo de los clásicos “I got
a right” de The Stooges y “Kick out the jams” de MC5,
además de algunos covers interesantes. Punk 1977
/ 2007 es una recopilación muy respetable que sirve
como punta de iceberg para quien quiera adentrarse en
uno de los subgéneros más importantes del rock de los
últimos 30 años porque, como diría Mike Ness, de Social
Distortion: “¿Alguien se acuerda cuando el punk era
peligroso?”.
Emilio Jalil
Clásico
Dvd’s
Muy Bueno
Bueno
Regular
Malo
CINE EN DVD
Elías Nahmías
La Ciudad del
Pecado / Sin City.
Sólo un Sueño
/ Revolutionary
Road
Paramount Pictures
Dir. Sam Mendes
Con Leonardo DiCaprio
y Kate Winslet
Drama
La receta de la felicidad:
Cásate con alguien
guapo(a) y múdate a
las afueras de la ciudad
a una casa bonita
donde puedas respirar
aire puro. Pues no
necesariamente. Vive las
consecuencias en Sólo
un Sueño, cuando la
monótona cotidianeidad
hace su aparición en
la vida de Frank, un
vendedor, y April, una
ama de casa atrapados
en la Suburbia de los
cincuenta. Excelentes
actuaciones, fotografía
y producción. De las
mejores películas que
llegaron a la fiesta del
Oscar.
Disney
Dir. Robert Rodríguez y
Frank Millar
Con Mickey Rourke, Bruce
Willis y Jessica Alba
Thriller
Quisiera Ser
Millonario / Slumdog
Millionarie
Dir. Danny Boyle
Con Dev Patel y Freida
Pinto
Drama / Romance
No, no es un documental sobre Tijuana. Es quizás la obra maestra
de Robert Rodriguez y Frank Miller, quienes nos mandan esta
versión en Blu-ray de súper-colección, con los mejores extras sobre
cómo se hace este nuevo género del cine-cómic y donde grandes
actores habitan las cinco historias del cine negro (neo-noir) en un
mundo violento, sin ley y donde se salva quien pueda.
Batman
(Edición 20
Aniversario)
Dir. Tim Burton
Con Jack Nocholson,
Michael Keaton y Kim
Basinger
Acción
La vida es la mejor escuela. Si no me
creen, vean esta película donde Jamal
Malik, un pobre joven de Bombay,
llega a un programa de concursos
donde puede convertirse en millonario
y sorprende a todos respondiendo
acertadamente una pregunta tras
otra. Mientras, la joven que ama y
su hermano sirven al rey de la mafia
de su barrio. Llena de situaciones
emotivas y personajes entrañables, la
cinta conquistó Hollywood y ganó ocho
Oscares, incluyendo Mejor Película.
Uno de los títulos favoritos en Wall
Street.
Esta versión de Batman cumplió con
las expectativas de ver renovado a
nuestro querido hombre murciélago.
La visión del director Tim Burton y sus
colaboradores convierten Batman en
una brillante fiesta visual y aportan un
oscuro y mítico acercamiento al legado
del hombre murciélago. La banda
sonora impulsa la acción con un gran
brío. Michael Keaton encarna bien al
Dark Knight de Ciudad Gótica, Kim
Basinger es la intrépida periodista Vicki
Vale y Jack Nicholson enloquece como
el maniático Guasón, quien planea
apoderarse de la ciudad con su gas
letal “smilex”.
SI TE INTERESAN ESTOS TÍTULOS TAMBIÉN TE RECOMIENDO:
Drama de pareja: Propuesta Indecorosa, Manhattan.
Drama religioso: La Última Tentación de Cristo, Amén, El Código Da Vinci.
Aventuras / Fantasía: El Señor de los Anillos.
Thriller: De la Noche al Amanecer, Érase una Vez en México, Pulp Fiction.
Acción: Batman Comienza, El Caballero de la Noche.
42
La Duda / Doubt
Dir. John Patrick Shanley
Con Merryl Streep y Philip
Seymour Hoffman
Drama
Los escándalos de la Iglesia no
son nuevos. Y ahora nos llegan
dos películas sobre miembros
de esta comunidad, una es
documental y la otra ficción:
Líbranos del Mal y La Duda.
En el primero no hay “duda”,
el padre Oliver O’Grady es
un pedófilo que confiesa a la
cámara que abusó de los hijos
de muchos católicos devotos.
Impresionantes entrevistas con
O’Grady, la frialdad con que
habla –como si lo acusaran
por beber vino de consagrar–,
y varias de sus víctimas que
pensaban estaban abriendo
Libranos del Mal
las puertas a un ángel y no a
/
Deliver Us from
un demonio. Peor aún cómo
Evil
la arquidiósesis de California
Dir. Amy Berg
trata de ocultar la verdad.
Documental
Excelente.
Sin embargo, en La Duda,
sucede lo contrario: la monja
Aloysius Beauvier quiere
librarse del padre Flynn por una sospecha de abuso sexual
pero sin tener ninguna prueba. Sólido guión dirigido por el
propio creador de la obra de teatro y de la adaptación al
cine. Lo grandioso de la película es que el público no conoce
más detalles que los mismos personajes, generándonos
la duda sobre si los hechos sucedieron o no. Una de las
mejores películas del año pasado, en la cual todos los actores
principales fueron nominados al Oscar.
Harry Potter
Box Set de la
1 a la 5
Varios directores
Con Daniel Radcliffe,
Emma Watson y Ron
Weasley
Aventuras / Fantasía
DE MI COLECCIÓN
El Puente /
The Bridge
Dir. Eric Steel
Documental
Excelente documental que relata
con una visión objetiva y unos
testimonios conmovedores el
destino de la gente que decide
terminar su vida arrojándose del
puente Golden Gate, de San
Francisco, que además de atracción
turística es el destino número uno
en el mundo para gente que ha
decidido terminar con su vida.
Realizado con una gran sensibilidad
y respeto, el documental enfrenta un
tema del que se habla muy poco: El
suicidio.
Aprovecha esta oportunidad
para ir al colegio Hogwarts de
Magia y Hechicería y recordar
los primeros cinco años, antes
de que Harry Potter y sus
amigos se gradúen y te los
encuentres en alguna película
de vampiros. Así estarás listo
para ver las dos historias que
faltan de los siete libros de J.K.
Rowling, quien logró que los
niños volvieran a leer y gozaran
de las fantasías y sueños
del huérfano Harry, lo que
representa un verdadero acto
de magia.
ACTOR DEL MES: Philip Seymour Hoffman
Antes que el Diablo Sepa que Estás Muerto, La Guerra de Charlie
Wilson, Capote.
43
Dvd’s
Clásico
Muy Bueno
MÚSICA EN DVD
Bueno
Regular
Malo
Bad Religion
Live at the Palladium
Epitaph / WEA
Rockstar
Leonard
Cohen. Live
in London
Sony Music
Leonard
Cohen
ha sido
uno de los
compositores
más
importantes
e influyentes
de las últimas cuatro décadas; una
figura que encierra misterio, estilo y
sensibilidad y cuyas letras hablan de sexo,
espiritualidad, religión y poder. Ha sido
objeto de innumerables documentales,
premios, tributos y reconocimientos. En
2008, Cohen se embarcó en su primera
gira en 15 años y rápidamente 30 de las
fechas pactadas fueron sold out, ya que
fans y críticos de todo el mundo tenían la
esperanza de ver una actuación del señor,
por lo menos una vez en la vida. Al final,
vendió más de 700 mil entradas.
Live in London captura la extraordinaria
actuación de este último tour, uno de
los mejores shows del 2008, y acerca a
cualquier fan de Cohen a su maravillosa
obra. 26 tracks en vivo, como “Ain’t no
cure for love”, “Everybody knows” o
“Hallelujah”… Casi como lo vimos en
Coachella 2009.
Sepultura
Live in Sao Paulo
Warner México
Desde principios de los
ochenta, Bad Religion se ha
distinguido en la escena punk
angelina por mezclar melodías
fuertes, actitud, velocidad y
fiereza en el escenario. Live
at the Palladium se filmó
durante dos noches en las que el grupo agotó las localidades del legendario antro
hollywoodense, en el otoño del 2006. Este documento sirve como retrospectiva de una
de las bandas punk más valoradas y respetadas del mundo, e incluye temas como:
“Sinister rouge”, “All there is”, “No control”, “Supersonic”, “Social suicide”, “Los Angeles
is burning”, “Atomic garden”, “American Jesus” y muchos clásicos más. 96 minutos de
punk rock sin restricciones, en el que podrás ver como pocas veces a Grez Graffin,
líder de la banda, aporrear el piano, y a una audiencia enloquecida en “10 in 2010”, y
“Sorrow”. Si te gustan Sum 41, Good Charlotte y bandas del estilo, te recomendamos
esta actuación de puro, total y absoluto punk rock.
The Who
Live at the Isle of Wight
Eagle Vision / JM Distribuidores
Uno de los conciertos más memorables en la carrera de
The Who, tomado de su participación en el Isle of Wight
Festival, de Londres (mismos organizadores del festival
Woodstock).
En esta presentación se puede ver la calidad de imágenes
restauradas y el sonido remezclado, con algunos bonus al
final de la cinta original. En primera instancia, el filme fue
realizado en película de 16 mm y ahora se presenta por
primera vez en DVD. Aquí se puede ver en 85 minutos el
dramatismo en escena de la banda inglesa (que estaba
en la transición a ser la gran banda que conocemos hoy),
sus problemas técnicos y algunos lapsos de silencio en
donde se nota a un joven Pete Townshend ansioso por tocar clásicos como “I
can’t explain,” “My generation”, “Magic bus” y famosos covers como “Summertime blues”
y “Shakin’ all over/spoonful”. Sé testigo (como lo fueron 60 mil personas) de uno de los
shows más aclamados en la historia de The Who.
Yo le perdí la pista un poco a Sepultura desde que Max Cavalera dejó la banda. Y aunque he
escuchado los discos que han hecho con su actual vocalista, Derrick Green, creo que no han
igualado a clásicos como Beneath the Remains y Arise. Fue con dicha cautela que me acerqué
a este DVD doble, grabado en 2005 y que me hizo recordar la enorme calidad de la discografía
del grupo, ya sea con los tribalismos urbanos del Chaos A.D. o con los monstruosos riffs de Arise.
Canción tras canción, Sepultura interpreta temas nuevos y viejos con la misma convicción y
velocidad que hace veinte años. Y aunque siempre será complicado suplir a un cantante, Green
cumple con su labor de frontman y lo hace sin tratar de imitar a Cavalera, imprimiéndole su sello
personal a los temas. El concierto cuenta con invitados especiales, como el mítico Coffin Joe,
el guitarrista original de Sepultura, Jairo Tormentor; Max Kolesne, de Krisiun, y Gordo, de los
legendarios Ratos de Porao. Y por si fuera poco, es uno de los últimos documentos en vivo con el
baterista Igor Cavalera.
Como bonus, tienes horas de entrevistas, videos y documentales. Sin duda, es una pieza infaltable
en la colección de cualquier fan de la banda y del metal en general.
Emilio Jalil
Videojuegos
Nayeli Rivera
PS 3
X-Men Origins: Wolverine
Género: Acción / Desarrollador: Activision /
Clasificación: Mature 17+ / Calidad de juego:
Muy buena / Gráficos: Excelentes
Atención fans del cómic y de la cinta: X-Men Origins:
Wolverine es el mejor juego que se haya hecho sobre
este personaje y robará su atención durante todo el
verano. Con los poderes de regeneración y sus garras
de adamantio, Wolverine es la mejor arma con la que
te hayas encontrado, y si eres fanático de la sangre y la
violencia, este videojuego no te decepcionará. Conforme
avances descubrirás la historia de esta criatura, que es
una copia fiel de la película y de la tira cómica; además,
desbloquearás más de 100 movimientos que te darán
control absoluto de Logan, desde sus rápidos reflejos
hasta los ataques más complejos. Y si no es suficiente,
puedes utilizar lo que encuentres a tu paso para matar a
tus enemigos y a otros personajes del universo Marvel,
quienes resultarán más difíciles de vencer.
XBOX 360
Night at the Museum: Battle of the Smithsonian
Género: Aventura / Desarrollador: Majesco /
Clasificación: Everyone 10+ / Calidad de juego:
Buena / Gráficos: Regulares
Después de cuidar el Museo de Historia Natural de
Nueva York y descubrir lo que pasa cuando se apagan
las luces, Larry Daley y algunas exhibiciones de dicho
museo se van al Smithsoniano, en Washington D.C., en
donde se deberán enfrentar con algunos personajes de
la historia como Iván El Terrible, Napoleón Bonaparte y
Al Capone.
Además de extender la experiencia de la nueva película,
obtendrás una lección de historia, pues este juego
contiene un tour por el museo y trivias que pondrán
a prueba tus conocimientos. Conforme avances,
desbloquearás los 14 niveles que te llevarán a otros
museos en los que podrás resolver mini juegos y
rompecabezas especiales. Además de sorprenderte con
la historia, te divertirás mucho jugándolo y si te pierdes
no importa, porque el sistema de pistas Eye of Hours te
indicará el camino adecuado.
Wii
Tiger Woods PGA Tour 10
Género: Deportes / Clasificación: Everyone / Calidad de juego: Muy buena / Gráficos: Regulares
La leyenda del golf regresa con una entrega más de su franquicia Tiger Woods
PGA Tour, ahora con algunas mejoras en la calidad de juego, así como más retos.
Ya sea que te consideres un aficionado del deporte o un golfista frustrado, este
juego te sorprenderá no sólo por sus campos, sino porque ahora estarás bajo
presión, ya que además de tener al público gritando en cada hoyo, competirás
bajo las inclemencias del clima en tiempo real, es decir: en tu pantalla verás
exactamente el clima del lugar en el que juegues. Y por si fuera poco, los
comentaristas más famosos en el mundo del golf, Kelly Tilghman (del Golf
Channel) y Scott Van Pelt (de ESPN), se encargarán de narrar la competencia. Si
te gusta mucho esta serie o en verdad quieres sentirte como jugador profesional,
puedes adquirir el accesorio Wii MotionPlus, que es un control de gran precisión
con respecto a los ángulos y potencia de tus tiros.
45
Lo Más Vendido
INGLÉS #1
GREEN DAY
21ST CENTURY
BREAKDOWN
A nosotros nos
ha gustado este
disco porque
algunas canciones
suenan más a lo
que el grupo hacía en sus inicios y menos
solemnes que en el disco pasado. Si eres
muy fan de Green Day, no te pierdas,
además del disco, nuestra edición de julio.
DVD Música #1
ZÓE
281107
Como no sabemos cuál será el destino
de Zoé –porque no sabemos cuál es el
destino de nadie–, es importante ver este
documento que resume los primeros años
de carrera de la banda, actuando en vivo y
en uno de sus mejores momentos. (Ojalá
Caifanes hubiera grabado algo así).
dvd Región 4 #4
SOY LEYENDA
WILL SMITH
La reciente
contingencia
que vivimos en
el DF, con calles
casi desiertas y
desconfiando de
los demás por el
posible contagio
del virus, nos
hizo recordar
cintas como ésta.
Ahora que ya pasó lo peor, vuelve a vivir la
angustia, pero desde la comodidad de tu
sala y con la tranquilidad que da saber que
sólo es ficción.
DVD región 1 #1
THE READER
KATE WINSLET
Este drama situado en la Alemania de la
posguerra, es una historia inquietante que
pone a prueba la capacidad de aceptación
y reconciliación. Con un elenco que
además incluye a Ralph Fiennes, David
Cross y Bruno Ganz, es al mismo tiempo
una historia de amor que se antoja casi
imposible. Se permite el ojito de Remi.
EsPAÑol #8
JORGE MUÑIZ
SERENATA VOL. 2 DESVELO DE AMOR
Si en el primer
volumen de esta
serie el buen
Coque rendía
homenaje a Los
Tres Ases y Los Tres
Caballeros, ahora
hace lo propio con
Los Tres Diamantes, Javier Solís, Álvaro
Carrillo y Los Tecolines, además de contar
con invitados como Amaury Gutiérrez,
Gualberto Castro, Ana Cirré y Marco
Antonio Muñiz. Todo un derroche de
romanticismo y sentimiento.
WORLD MUSIC & CROSSOVER #4
VARIOS ARTISTAS. PUTUMAYO PRESENTA ¡SALSA!
A estas alturas, ya conoces las recopilaciones de este sello. Basta
con que sepas que ésta incluye artistas como Poncho Sánchez,
Chico Álvarez, Eddie Palmieri, Orquesta Aragón, Fruko y sus Tesos
y Marina Loca con Ricardo Lemvo. ¡A gozar!
¡Este espacio es para ti!
Envíanos a:
[email protected]
una foto y la lista de tus diez discos favoritos
de los últimos años y aquí los publicamos
Este mes, el Top-Ten de:
Rosluí Donají
Ventura Borbolla
46
1. Pearl Jam. Ten
2. Pink Floyd. The Wall
3. Counting Crows. August
and Everything After
4. Damien Rice. 9
5. Soda Stereo. Dinamo
6. Metallica. Metallica
7. Roxette. Crash, Boom, Bang
8. Moby. Play
9. The Prodigy. The Fat
of the Land
10. Goran Bregovic.
Tales and Songs from
Weddings and Funerals
BLU-RAY DISC #4
CONSTANTINE
KEANU REEVES
John
Constantine
(Keanu Reeves)
es un hombre
que tiene el don
de reconocer
a los ángeles
y demonios
que andan
por la Tierra
con aspecto
de humanos.
Pero vive
desilusionado del mundo y enfrentado
con el más allá, por lo que lleva una vida
de alcoholismo y desprecio hacia su
condición, lo cual complicará aún más su
situación… No te gustaría estar en sus
zapatos, créenos.
Box y series de tv #1
COSMOS: LA
SERIE COMPLETA
CARL SAGAN
Lanzada
originalmente en
1980, la legendaria
miniserie ve la
luz ahora en una
edición de lujo
que consta de
siete discos (algo
así como 780 minutos) de los hallazgos
del científico, que a pesar del paso del
tiempo siguen siendo muy didácticos y
entretenidos.
videojuegos #1
GUITAR HERO:
METALLICA
XBOX 360, PS3, Wii
El juego esencial
para cualquier
fan duro de
Metallica: guitarra,
micrófono y batería
te permitirán
tocar al lado de tus ídolos (por cierto, los
gráficos son mucho más reales que los
de Aerosmith). ¿Algo más? Detrás de
cámaras de las sesiones del grupo, videos
caseros de presentaciones en clubes
pequeños, galería, notas de tours pasados,
letras de canciones y Metallifacts (videos
llenos de datos al estilo VH1).
INGLÉS
1. GREEN DAY 21ST CENTURY BREAKDOWN
2. LADY GAGA THE FAME
3. DEPECHE MODE SOUNDS OF THE UNIVERSE
4. O.S.T. SLUMDOG MILLIONAIRE
5. O.S.T. HANNA MONTANA: LA PELÍCULA
6. DIANA KRALL QUIET NIGHTS (DIG)
7. U2 NO LINE ON THE HORIZON
8. O.S.T. FAST & FURIOUS 4
9. YANNI VOICES (CD+DVD)
10. SARAH BRIGHTMANN SYMPHONY: LIVE IN VIENA
1. VARIOS 2. MARÍA JOSÉ 3. FEY 4. REYLI 5. LUIS FONSI 6. ARROLLADORA 7. WISIN Y YANDEL 8. JORGE MUÑIZ 9. YANNI
10. LA 5ª ESTACIÓN ESPAÑOL
ATRÉVETE A SOÑAR
AMANTE DE LO AJENO
DULCE TENTACIÓN
QUÉ VUELTAS DA LA VIDA
PALABRAS DEL SILENCIO
MÁS ADELANTE
LA MENTE MAESTRA
SERENATA VOL. 2
VOCES (CD+DVD)
SIN FRENOS
WORLD MUSIC & CROSSOVER
1. SARAH BRIGHTMANN SYMPHONY: LIVE IN VIENA
2. VARIOS BOSSA IN 80’S
3. VARIOS RHYTHMS DEL MUNDO: CUBA
4. VARIOS
PUTUMAYO PRESENTA ¡SALSA!
5. VARIOS PURE BOSSA SUPER JEWEL
DVD MÚSICA
1. ZOÉ 281107
2. SYMPHONY
SARAH BRIGHTMANN
3. DANGEROUS TOUR MICHAEL JACKSON
4. PATITO FEO
VARIOS
5. TOUR 2007 (2 DVDS) HÉROES DEL SILENCIO
DVD REGIÓN 1
1. THE READER KATE WINSLET
2. THE ULTIMATE GIFT DREW FULLER
3. THE WRESTLER MICKEY ROURKE
4. BEN 10
GRAM. PHILLIPS
5. FROST / NIXON KEVIN BACON
DVD REGIÓN 4
1. CREPÚSCULO KRISTEN STEWART
2. VICKY CRISTINA B... PENÉLOPE CRUZ
3. ANTES DE PARTIR JACK NICHOLSON
4. SOY LEYENDA WILL SMITH
5. UNA P. DE HUEVOS
ANIMACIÓN
BOX SET Y SERIES DE TV
1. COSMOS
CARL SAGAN
2. REMI: LA SERIE
ANIMACIÓN
3. LOS PITUFOS
ANIMACIÓN
4. TRILOGÍA STAR WARS HARRISON FORD
5. T. DEL BIG BANG: T.1 JOHNNY GALECKI
BLU-RAY DISC
1. 300 GERARD BUTLER
2. BATMAN: CABALLERO... CHRISTIAN BALE
3. MATRIX (ED. 10 ANI.) KEANU REEVES
4. CONSTANTINE KEANU REEVES
5. CREPÚSCULO KRISTEN STEWART
VIDEOJUEGOS
1. G.HERO METALLICA XBOX 360, PS3, WII
2. RESIDENT EVIL 5 XBOX 360, PS3
3. HALO WARS XBOX 360
4. GEARS OF WAR 2 XBOX 360
5. FEAR 2: PRO.ORIGIN XBOX 360, PS3
1. Los estampados animales empiezan a hacerse presentes en
su guardarropa. Ya sea en camisas, zapatos, mascadas o, en
el peor de los casos, en pantalones. Así es.
10
Pilar Ortega · [email protected]
signos
inequívocos
del envejecimiento
de tu mamá
“Uno no necesita signos de ningún
tipo para saber que su mamá está
envejeciendo”, dirán ustedes. “¡Todas
las mamás lo están haciendo!” Claro, pero
me refiero a algo que tiene más qué ver
con la actitud y la manera en que una mujer
se siente, no al obvio paso del tiempo y la
aparición de arrugas. Es “algo” que nos dice
que o bien ya no sabe cómo arreglarse o bien
decidió que no vale la pena esforzarse. En todo
caso, en seguida sabrán a lo que me refiero:
2. Empieza a usar uñas de gel con brillantitos o
estampitas. A lo mejor la ropa ya no le queda como
antes, ¡pero unas uñas postizas siempre
causarán una buena impresión! Mmmh,
no estoy tan segura, pero mejor
pasemos al siguiente punto.
3. Llegan los zapatos
“cómodos”. Usualmente
botitas y de color negro, pero
invariablemente cerrados
y sin tacón, estos zapatos
parecen salidos del clóset de tu
papá o haber sido abandonados
por tu hermano el que tuvo
que usar plantillas ortopédicas.
Seguramente son cómodos, pero
muy poco femeninos.
4. Se corta el pelo y, en casos
extremos, se para el pelo con gel
(en picos). Es, otra vez, un asunto
de comodidad, pero también parece
decir: “No esperen de mí ni un poco de
feminidad” o, en el caso de los picos:
“¡Aléjense de mí!”.
5. Empieza a comprar camisas floreadas,
rectas, largas y de manga corta. La idea es
ocultar la panza, pero el precio por ocultarla es
demasiado alto. O bien, asalta tu clóset o el de tu
hermana y se pone su ropa.
6. Usa mallones, usualmente con una camiseta
amplia y demasiado corta. Los mallones son de
por sí una prenda bastante cuestionable, pero
utilizada de esa manera simplemente son un
crimen.
7. Si puede permitírselo, se compra
una bolsa Louis Vuitton, y si no, una
imitación. Pero invariablemente
enooorme. Lo bueno de esto
es que si necesitas un martillo,
un perfume, una goma, algo de
comer, un boleto del Metro o un
antiácido, ahí lo puedes encontrar.
8. Se pone jeans, incluso de tubo,
pero por arriba de la cintura.
9. Decide contradecir la regla de oro
que dice “Menos es más”. Demasiado
maquillaje, demasiados accesorios,
demasiado color en el pelo.
10. Abre su cuenta de Facebook y se hace
amiga ¡de todos tus amigos! Oh, no.
Si tu mamá está en esta situación,
quizás sea hora de tener “esa” plática,
donde le dirás que tú siempre la
querrás tal y como es, y que deje
de angustiarse tanto por los años.
48