beneficios - Socio Espectacular

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¿Qué es Socio Espectacular?
Socio Espectacular es un sistema que, mediante el pago de una cuota mensual, brinda acceso gratuito a una amplia
oferta de expresiones culturales.
Fue fundada en febrero de 1997 por dos instituciones teatrales de más de sesenta años de actividad ininterrumpida
en Uruguay: Teatro El Galpón y Teatro Circular de Montevideo. Desde ese entonces, estos dos grupos teatrales
independientes han dirigido el emprendimiento en torno a sus objetivos originales: fomentar la creación artística y
contribuir a democratizar el acceso a los bienes culturales de los uruguayos.
¿Cómo usar la tarjeta?
La tarjeta es de uso personal e intransferible, y está habilitada desde el primer día del mes que pagaste hasta el 15
del mes siguiente.
Para retirar las entradas de teatro, cine o carnaval es imprescindible la presentación de la tarjeta magnética acompañada de cédula de identidad en la boletería del espectáculo elegido. En caso del ballet del SODRE las fechas de
entrega de entradas se comunican a los socios con anticipación, quienes podrán retirar las entradas en las boleterías
del SODRE. Para el fútbol, las entradas están a disposición de los socios en nuestra oficina desde los días jueves.
También se puede retirar la entrada a Platea Olímpica, en la boletería próxima a la puerta 15 en el Estadio Centenario (excepto clásicos, finales y partidos de alto riesgo, que se entregan sólo en nuestra oficina). No se puede ir dos veces a ver el mismo espectáculo o película, pero sí es posible asistir todos los días al Velódromo y al Cine Universitario.
La revista de Socio Espectacular se puede retirar desde el primer día hábil de cada mes en nuestra oficina, en forma
gratuita para todos los socios. También se puede consultar la versión digital de la revista en la página www.socioespectacular.com.uy. Toda la información y la actualización semanal de la misma es enviada por mail a los socios
que lo soliciten. Además, se brinda toda la información en el contestador del teléfono 2402-9017.
Horario de atención
Lunes a viernes de 9 a 21 horas. Sábados de 10 a 14 y de 19 a 21 horas, en el entrepiso del Teatro
El Galpón, 18 de Julio 1618.
Teléfono 2402-9017.
Página web: www.socioespectacular.com.uy
Edición de 15 mil ejemplares de frecuencia mensual para ser distribuida entre los Socios Espectaculares. Dirección de correo:
[email protected] // Directores: Juan Graña, Gerardo Mantero, Marina Rodríguez y Héctor Guido. // Redactor Responsable: Gerardo Mantero. 18 de Julio 1618. Teléfono 2402-9017. Editor: Gerardo Mantero// Diseño Gráfico: Luciana Viera.
Permiso MEC ART. 45 Ley 16099, tomo XII, foja 59. Edición amparada al decreto 218/96. Comisión del Papel. ISSN:2301-072X
// Depósito Legal 363.388/2014 - Impresa en Artes Gráficas S.A.
SOCIO ESPECTACULAR
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Tarjeta BÁSICA
$ 230
TEATRO: Entrada libre a las producciones de Teatro
El Galpón, Teatro Circular, Comedia Nacional, Teatro
Victoria, Teatro El Tinglado, Teatro Eslabón de Canelones, Teatro Alsur de Atlántida, Teatro Sin Fogón de
Fray Bentos y Taller de Teatro de Paysandú.
CINE ARTE: Cine Universitario. Entrada libre a toda
su programación en sus dos salas. Atención: sábados y
domingos se abona $ 30 la entrada. Cinearte del SODRE. Entrada libre a toda su programación. Cinemateca Carnelli y Sala 2, entrada libre.
MÚSICA Y DANZA: Orquesta Filarmónica de Montevideo. Entrada libre a las salas donde se presente, con
cupo limitado.
SODRE. Espectáculos musicales: entrada libre, con
cupo limitado.
Ballet: 50% de descuento, con cupo limitado.
FÚTBOL. Platea Olímpica: Entrada libre al Campeonato Uruguayo de Fútbol. Las entradas pueden
retirarse, presentando su tarjeta al día y su CI, indistintamente en nuestras oficinas o directamente en la
boletería del Estadio destinada para Socio Espectacular. ATENCIÓN: para clásicos, finales y partidos determinados por la AUF como de alto riesgo, las entradas
se retiran exclusivamente en nuestras oficinas de 9 a
21 horas, los días jueves y viernes. El socio podrá retirar las entradas correspondientes hasta un máximo
de cuatro tarjetas. No se entregarán entradas a socios
nuevos o reingresos el mismo día de la afiliación o reafiliación
CINE 2 x 1: Cines Life Cinemas , Cinemateca Uruguaya.
SALA ZITARROSA: Entradas bonificadas a los espectáculos que mes a mes adhieran al sistema.
CRIOLLA: Una entrada libre a la Criolla del Prado
Tarjeta Tipo 1
su programación en sus dos salas. ATENCIÓN: sábados
y domingos se abona $ 30 la entrada.
Cinearte del SODRE: entrada libre a toda su programación. Cinemateca Carnelli y Sala 2, entrada libre.
CINES: el socio dispondrá de UNA ENTRADA LIBRE A ELEGIR ENTRE LOS CINES: Cines Life
Cinemas, Cinemateca Uruguaya y Grupocine. En las
exhibiciones en 3D, al socio se le debitará su entrada
libre, más $ 80.
CINES 2 x 1: Cines Life Cinemas y Cinemateca Uruguaya.
MÚSICA Y DANZA: Orquesta Filarmónica de Montevideo: entrada libre a las salas donde se presente, con
cupo limitado. SODRE: Espectáculos musicales: entrada libre, con cupo limitado.
Ballet: 50 % de descuento, con cupo limitado.
FÚTBOL: Platea Olímpica: Entrada libre al Campeonato Uruguayo de Fútbol. Las entradas pueden retirar-
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$ 350
se, presentando su tarjeta al día y su CI, indistintamente en nuestras oficinas o directamente en la boletería
del Estadio destinada para Socio Espectacular. ATENCIÓN: para clásicos, finales y partidos determinados
por la AUF como de alto riesgo, las entradas se retiran
exclusivamente en nuestras oficinas de 9 a 21 horas, los
días jueves y viernes. El socio podrá retirar las entradas
correspondientes hasta un máximo de cuatro tarjetas.
No se entregarán entradas a socios nuevos o reingresos
el mismo día de la afiliación o reafiliación.
CRIOLLA: Una entrada libre a la Criolla del Prado.
Tarjeta Tipo 2
$ 460
su programación en sus dos salas. ATENCIÓN: sábados
y domingos se abona $ 30 la entrada. Cinearte del SODRE. Entrada libre a toda su programación. Cinemateca Carnelli y Sala 2, entrada libre.
CINES: El socio tendrá DOS ENTRADAS LIBRES
A ELEGIR ENTRE LOS CINES: Life Cinemas, Cinemateca Uruguaya y Grupocine. En las exhibiciones
en 3D, al socio se le debitará su entrada libre, más $ 80.
2 x 1 Cines Life Cinemas y Cinemateca Uruguaya.
Tarjeta Docente
TEATRO: Entrada libre a las producciones de: Teatro
El Tinglado, Teatro Victoria, Teatro Eslabón de Canelones, Teatro Alsur de Atlántida, Teatro Sin Fogón de
CINE ARTE: Cine Universitario: Entrada libre a toda
su programación en sus dos salas. ATENCIÓN: sábados y domingos se abona $ 30. Cinearte del SODRE:
Entrada libre a toda su programación. Cinemateca Carnelli y Sala 2, entrada libre.
CINES: El socio dispondrá de UNA ENTRADA LIBRE A ELEGIR ENTRE LOS CINES: Life Cinemas,
Cinemateca Uruguaya y Grupocine. En las exhibiciones
en 3D, al socio se le debitará su entrada libre, más $ 80.
CINES 2 x 1: en Cines Life Cinemas, y Cinemateca
FÚTBOL. Tribunas - canchas menores: Una entrada libre por fecha del Campeonato Uruguayo de
Fútbol a las tribunas Colombes, Ámsterdam o canchas
menores. Las entradas se retiran en las oficinas de Socio Espectacular a partir de los jueves previos al partido
de 9 a 21 horas. FÚTBOL. Platea Olímpica: Entrada
libre al Campeonato Uruguayo de Fútbol. Las entradas
pueden retirarse, presentando su tarjeta al día y su CI,
indistintamente en nuestras oficinas a partir del jueves
previo al partido o directamente el día del partido en la
boletería del Estadio destinada para Socio Espectacular. ATENCIÓN: para clásicos, finales y partidos determinados por la AUF como de alto riesgo, las entradas
se retiran exclusivamente en nuestras oficinas. El socio
podrá retirar las entradas correspondientes hasta un
máximo de cuatro tarjetas. No se entregarán entradas a
socios nuevos o reingresos el mismo día de la afiliación
o reafiliación.
CARNAVAL: Entrada libre al Tablado del Velódromo
y al Monumental de la Costa.
UN LIBRO: de Ediciones de la Banda Oriental. Cada
dos meses y con un plazo de 60 días para retirarlo.
BUS TURÍSTICO DE MVD: Un viaje, por única vez.
$ 120
Uruguaya.
CARNAVAL: Entrada libre al Tablado del Velódromo.
Se deberá permanecer asociado por este convenio, por
un plazo no menor a 6 meses.
SOCIO ESPECTACULAR
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Abono Cultural BPS
Abono Cultural MIDES
El ABONO CULTURAL BPS es un proyecto organizado por las instituciones teatrales El Galpón y Circular de
Montevideo con el objetivo de democratizar el acceso a bienes y servicios culturales. En ese sentido, se ha realizado
un acuerdo con el BPS para que todos aquellos que perciban jubilaciones, pensiones de sobrevivencia, subsidios
transitorios por incapacidad parcial, pensiones graciables, asistencia a la vejez, pensiones de vejez e invalidez y pensiones especiales reparadoras que no superen las 6 BPC, puedan acceder a los beneficios del ABONO. Con el apoyo
del BROU, el BPS pone a disposición de los mencionados beneficiarios un préstamo de
$ 700 para adquirir UN AÑO DE ABONO CULTURAL. El mismo puede ser descontado de la pasividad en 6 o 12
cuotas. Los interesados deberán solicitar el préstamo directamente en BPS y con derecho a otro para un acompañante quien deberá cumplir con los mismos requisitos que el titular.
EL ABONO CULTURAL MIDES Es distribuido por el MIDES, está dirigida a diversos grupos de interés.
BENEFICIOS instructivo de uso
* Entrada a todos los espectáculos teatrales producidos por Teatro El Galpón, Teatro Circular, Comedia Nacional,
Teatro Victoria, Teatro Tinglado, Teatro Eslabón de Canelones, Teatro Alsur de Atlántida, Teatro Sin Fogón de
Fray Bentos y Taller de Teatro de Paysandú. Es aconsejable retirar las entradas con anticipación, siguiendo forma y
condiciones indicadas oportunamente.
Asimismo podrá consultar telefónicamente, sobre la disponibilidad de entradas.
* 1 entrada mensual al cine a elegir entre las siguientes salas y días (con excepción de las vacaciones de julio): lunes: Life Cinemas 21, martes y miércoles: Life Cinemas Punta Carretas 1 y 2, Costa Urbana y Alfa Beta; miércoles:
Moviecenter (no válido para Abono Cultural MIDES) ; jueves: Grupocine; martes a viernes: Cine Universitario
(sábados y domingos, abonando $ 30 la entrada). Cinemateca Uruguaya: lunes a domingos. En las exhibiciones en
3D (únicamente en Cines Life Cinemas), al socio se le debitará su entrada libre más $ 80. Toda la programación de
Cine Universitario, abonando $ 30 la entrada. Toda la programación de Cinemateca Uruguaya en Carnelli y Sala 2,
con entrada libre. Además 2 x 1 en todas sus salas.
* 1 entrada al fútbol por fecha, válida para los partidos por el Campeonato Uruguayo. Platea Olímpica del Estadio
Centenario y canchas menores.
Las entradas de las canchas menores se retiran los jueves y viernes previos a cada partido en las oficinas de Socio
Espectacular. Las entradas de Platea Olímpica pueden retirarse indistintamente en nuestras oficinas o directamente
en la boletería del estadio destinada para Socio Espectacular. ATENCIÓN: para clásicos, finales, partidos determinados por la AUF como de alto riesgo y Selección Nacional para los partidos de Eliminitorias, las entradas de Platea
Olímpica se retiran exclusivamente en nuestras oficinas, los días jueves y viernes de 9 a 21 horas. Informes 2402 90
17. El socio podrá retirar las entradas correspondientes a un máximo de cuatro tarjetas.
* Entrada libre a los espectáculos del SODRE (excepto ballet, para el cual se abona con descuento) y de la Orquesta
Filarmónica de Montevideo. Las entradas se retiran directamente en la boletería del lugar en el que se realice el
espectáculo.
* Entrada libre al Carnaval - escenario del Velódromo. Las entradas se retiran directamente en el Velódromo, en la
boletería destinada a Socio Espectacular.
Se tramita directamente en el hall del BPS, con fotocopia de cédula de identidad, fotocopia del último recibo y fotocopia de comprobante de domicilio.
La Oficina del ABONO CULTURAL se encuentra en el hall del BPS, Colonia y Fernández Crespo, y funciona de 9.15
a 16 horas de lunes a viernes.
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Precios
Tarjeta BÁSICA ........................................................................ $ 230 /mes
Tarjeta tipo 1 ............................................................................ $ 350 Convenios $ 220 /mes
Tarjeta tipo 2 ............................................................................ $ 460 Convenios $ 435 /mes
Estudiantes tipo 2 ................................................................... $ 435 /mes
*Los socios por convenio que pasen a jubilación, podrán mantener su cuota bonificada por
convenio, mediante el pago de la misma por débito automático. El beneficio es sólo para el
titular.
* Tarjeta joven: 15% de descuento en todas las categorías.
* Socio anual abona 10 cuotas por todo el año
* Socio semestral abona 5 cuotas por el semestre
* Atención: las promociones no son acumulables.
Para asociarse deberá abonar dos cuotas, más el costo de la tarjeta magnética. En caso de reasociarse,
podrá hacerlo 90 días después del último pago de la cuota social, también abonando dos cuotas. El pago
mensual tiene vigencia del 1° del mes hasta el 15 del mes siguiente. Aquel socio que opte por un tipo de
tarjeta deberá permanecer en el mismo un mínimo de 3 meses, antes de pasarse a otro.
CUOTA DE MANTENIMIENTO
Es el 50% de su cuota. Si usted sabe que no va a utilizar su tarjeta, puede abonar la cuota de mantenimiento
que le permite conservar su antigüedad. Esta gestión debe realizarse antes del 15 de cada mes y es por un
plazo de hasta 4 meses. La siguiente cuota, luego de realizada esta gestión, no puede abonarse en Abitab.
SOLICITUD DE BAJA: deberá hacerla personalmente en nuestras oficinas antes del 20 de cada mes.
Formas de pago
* En las oficinas de SOCIO ESPECTACULAR (entrepiso del Teatro El Galpón) 18 de Julio 1618. Teléfono
2402-9017. De lunes a viernes de 9 a 21 horas. Sábados de 10 a 14 y de 19 a 21 horas.
* En todos los locales que integran la red ABITAB.
*En todos los locales que integran la red REDPAGOS
Recuerde que su pago se acreditará a las 24 horas.
* En todos los cajeros automáticos de BANRED.
* Por internet en: www.banred.com.uy
* Por internet en: wwww.brou.com.uy/ebrou
* Con débito automático, tarjetas CABAL, OCA CARD, MASTER CARD, ITALCRED y VISA.
* Por Convenio Colectivo
Los acompañantes de socio de los convenios UTE Y ANCAP, podrán abonar su cuota exclusivamente en la
oficina de Socio Espectacular (excepto los que pagan por Federación Ancap).
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Los cines
30 SALAS DE CINE
EL SOCIO TENDRÁ ACCESO A LAS SIGUIENTES SALAS:
CINE UNIVERSITARIO
2 salas. Canelones 1280 Tel. 2901 6768
LIFE CINEMAS ALFABETA
5 salas. Miguel Barreiro 3231 TEl 2707 9647
CINEARTE DEL SODRE
18 de Julio 930. Tel. 29012850
LIFE CINEMAS COSTA URBANA
5 salas. Av. Giannattasio Km. 20.200 Costa Urbana Shopping Nivel 2 Teléfono: 2682 0522
CINEMATECA URUGUAYA
CINEMATECA 18
18 de Julio 1280. Tel: 2900 9056
SALA CINEMATECA
SALA UNO y DOS
Lorenzo Carnelli 1311. Tel: 2419 5795
SALA POCITOS
Chucarro 1036. Tel: 2707 4718
LIFE CINEMAS PUNTA CARRETAS
2 salas. Shopping Punta Carretas Ellauri 350, nivel 3
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LIFE 21
3 salas. 21 de Setiembre 2838 Tel. 2707 3037
GRUPOCINE EJIDO
3 salas. Ejido 1377. Tel. 2901 4242
GRUPOCINE TORRE DE LOS PROFESIONALES
2 salas. Colonia 1297. Tel. 2901 4242
GRUPOCINE PUNTA CARRETAS
3 salas. Shopping Punta Carretas Ellauri 350, nivel 3.
Tel. 2901 4242
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www.socioespectacular.com.uy
Visitá nuestro sitio www.socioespectacular.com.uy para informarte de la cartelera, leer las notas periodísticas y la entrevista del mes, además de encontrar los trailers de las obras en cartel,
videos y la versión digital de la revista Socio Espectacular. Invitá a tus amigos a visitar nuestro
sitio, donde podrán conocer los beneficios y asociarse vía Internet.
A CADA OBRA DE TEATRO CON ENTRADA LIBRE
SE PUEDE ASISTIR UNA SOLA VEZ
ESPECTÁCULOS TEATRALES CON ENTRADA LIBRE
INSTITUCIÓN TEATRAL
EL GALPÓN
18 de Julio 1618. Línea colectiva:
2408-3366. www.teatroelgalpon.
org.uy Salas climatizadas. Boletería:
lunes a viernes de 17.00 a 21.00
hs. Sábados de 17:00 a 21:30 Domingos de 17:00 a 20:00 hs. Estacionamiento bonificado en Colonia
esq. Tacuarembó.
100 años - como si fuera ahora.
Elenco: Walter Rey, Silvia García,
Soledad Gilmet, Pierino Zorzini,
Cristian Amacoria, Massimo Tenuta, Soledad Frugone, Marina Rodríguez, Claudio Lachowicz, Alicia
Alfonso, Analía Gavilán.
Sala Campodónico
Producción de El Galpón
QUERIDA ELENA (Querida Profesora) de Liudmila Razumovskaya
Dirección: Graciela Escuder
Sábados 20.30 hs.
Domingos 19.30 hs.
Duración: 1h20´
Apto mayores 12 años
Última función, domingo 10
Producción de El Galpón
LOS PEQUEÑOS BURGUESES de
Máximo Gorki
Dirección: Héctor Guido
Sábados, 21.00 hs.
Domingos, 20.00 hs.
Duración 1h20´
Apto todo público.
“Los pequeños burgueses” presenta
el conflicto de una familia de clase media que defiende su mundo,
apegados a su dinero y a su posición. A lo largo de la obra se producen una serie de enfrentamientos generacionales, la intriga amorosa, el desencanto y el conflicto
producto del choque de ideologías.
Una familia y sus pasiones – hace
Sala Atahualpa
Cuatro estudiantes visitan a la profesora de matemáticas en el día de
su cumpleaños. Pasados los primeros minutos de natural regocijo y
confraternidad comienza a develarse el verdadero motivo de la visita...
Un juego sórdido y mezquino, un
enfrentamiento desigual del cual
nadie saldrá vencedor ni volverá a
ser el mismo. Elenco: Claudia Trecu, Pablo Pípolo, Estefanía Acosta,
Federico Guerra, Ignacio Duarte.
Espectáculo invitado
LÁrcaza Teatro presenta:
EL CAPOTE de Nikólaí Gogol
Dramaturgia y dirección: Fabiana
García, Pablo Albertoni, Richard
Riveiro
Desde el jueves 7
Jueves, 20.30 hs
Cupo limitado; cubierto éste 2x1
Entradas: $ 300
La historia muestra la vida de un
empleado público desplazado por
todo su entorno, cuya miserable
existencia cobra una repentina vitalidad cuando adquiere un nuevo
capote que lo ayudará a sobrellevar
el frío ruso. Elenco: Fabiana García,
Pablo Albertoni, Richard Riveiro.
SNORKEL de Federico Guerra
Dirección: Bernardo Trías.
6ta Temporada
Sábados, 23:00hs.
Cupo limitado; cubierto éste, 2x1
limitado
Entradas: $ 280
Duración 1h 20’.
Apto mayores 18 años.
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ción, Actriz, Escenografía.
Un submundo de drogas baratas,
prostitución, corrupción y violencia
en el que los personajes deben ponerse un snorkel y respirar a través
de un tubo para poder sobrevivir.
Las múltiples tramas se unen por
medio de un programa televisivo
que funciona como globo ocular
de la sociedad. Elenco: Marcelo Pagani, Daniel Acevedo, Daniel Cabrera, Victoria González, Federico
Guerra, Fernando Amaral, Ignacio
Duarte, Ana Fernández y Soledad
Frugone.
NUREMBERG de Santiago Sanguinetti
Dirección: María Dodera
Dos únicas funciones.
Viernes 22 y 29, 20.30 hs.
Cupo limitado; cubierto éste,
$ 200. Entradas: $ 300
Nuremberg es la historia de un
joven skinhead que grita sus emociones furiosas al mundo con el fin
de ser escuchado por alguien, por
alguno que pase en ese instante.
Elenco: Santiago Sanguinetti.
Sala Cero
Producción de El Galpón COCINANDO CON ELISA de Lucía
Laragione
Dirección: Gerardo Begérez
Sábados, 20.30 hs.
Domingos, 19.30 hs.
Duración 1h 20´
Apta mayores 15 años
6 Nominaciones – 4 Premios Florencio 2015: Espectáculo, Direc-
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En la intimidad de la cocina de estancia donde trabaja, una matrona
especializada en gastronomía francesa recibe a una mujer a la que
debe instruir como asistente. Mientras cocinan, el público espía como
nace y crece ese particular vínculo,
marcado desde el inicio por juegos
de poder y sumisión en medio de
las cacerolas. Elenco: Myriam Gleijer y Elizabeth Vignoli.
ODIO OÍRLOS COMER texto y dirección: Federico Guerra
2da Temporada.
Cuatro únicas funciones
Martes 5, 19 y 26, 21:00hs.
Jueves 14, 23:00hs
Cupo limitado; cubierto éste, 2x1
limitado. Entradas: $ 280
Dos jóvenes viendo pasar la vida
desde una garita de seguridad,
detrás de ellos un galpón, un gran
candado y algo que se esconde,
algo que deben cuidar, algo que
sencillamente ignoran por completo. Dos prostitutas con una visión
muy particular sobre su trabajo y
sus clientes. Una familia disfuncional perseguida por la enfermedad
y la locura. Una madre dispuesta a
alimentarlos a todos, una mesa que
los une y una voz dentro de cada
uno de ellos que dice: “Odio Oírlos
Comer”. Elenco: Tabaré Rivero, Virginia Méndez, Fernando Amaral, Jujola Bossio, Adrián Prego, Sebastián Silvera, Stefanía Tortorella
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TEATRO CIRCULAR
DE MONTEVIDEO
Rondeau 1388. Tel. 2901-5952.
[email protected]
Boletería: martes a domingos de
18.00 a 22.00 horas. Salas climatizadas
Sala 1
EN LA LAGUNA DORADA (On golden pond) de Ernest Thompson con
versión de Manuel González Gil
Dirección: Gerardo Begérez (Integrante de Teatro El Galpón)
Sábados 21 hs.
Domingos: 19 hs.
La Laguna dorada es el paraíso al
cual Ethel y Norman han acudido
todos los veranos durante casi cincuenta años. Ya en el ocaso de sus
vidas, ambos regresan a la entrañable cabaña y esperan a su hija,
quien vuelve a visitarlos tras muchos años de ausencia. Ese verano
será un antes y un después en la
vida de todos los integrantes de la
familia. Una historia de amor que
muestra con humor y sensibilidad,
que nunca es tarde para reencontrar el cariño de los seres queridos
.Elenco: Estela Medina, Juan Graña, Cecilia Lema, Ignacio Estévez,
Félix Correa, Andrés Guido.
SALA 2
EL NUDO DE GIDION Johnna
Adams
Traducción Denise Daragnès y
Susana Anselmi
Dirección: Alicia Restrepo
Viernes y sábados 21:00hs
Domingos 19:00hs
El enfrentamiento entre una madre
y una maestra tratando de desentrañar la intrincada tragedia que las atravie sa y a partir de la cual, no volverán a
ser las mismas. Dos perspectivas
que se entrecruzan, donde se pone
en juego el amor materno, la edu-
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cación, la culpa, el delgado hilo que
separa a la víctima del victimario.
Elenco: Natalia Acosta Pittalugga y
Denise Daragnès.
TENGO UNA MUÑECA EN EL
ROPERO de María Inés Falconi
Dirección: Alfredo Goldstein
Estreno: miércoles 13 de abril,
21:00hs
Miércoles: 21:00 hs
Cupo limitado; cubierto éste: 2 x 1
Entradas $250
Apta para todo público
Julián robó y escondió una muñeca en su niñez. Esa muñeca ha
ido convirtiéndose en otras apropiaciones, la de su clara identidad,
la de su necesaria felicidad, la de
su espejamiento en los demás. En
un tiempo y un país que ha ido
cambiando, pero que sigue discriminando, la obra de la argentina
María Inés Falconi posee la bondad
de acercar un conflicto fundamental: cómo se enfrenta un joven a su
familia para plantearle su homosexualidad. Esta obra cuenta con el
apoyo de COFONTE. Elenco: Fernando Amaral
ENCUENTROS EN LA ESTACIÓN
DEL ESTE de Guillaume Vincent
Traducción Laura Pouso
Dirección Margarita Musto
Estreno jueves 28 de abril, 21:00hs
Cupo limitado
Entradas $280
Una mujer de unos treinta años
cuenta sobre su vida, su marido,
su trabajo y sus entradas y salidas
del hospital psiquiátrico. Quiere
compartir su experiencia. Es maníaco-depresiva. La obra fue concebida a partir del testimonio de
una joven con trastorno bipolar,
entrevistada durante meses por el
autor. Teatro documental. Elenco:
Dahiana Méndez. Duración aprox.
60 min
COMEDIA NACIONAL
SALA VERDI
Soriano 914. Tel. 29020325. Boletería: lunes a sábados de 16:30
a 21:30 hs. domingos de 16:30 a
20:30 hs
Proyecto de investigación “Entre nosotros” de la Comedia Nacional
MAR DE FONDO - UN ACTING
MACHO. Texto y dirección: Diego
Arbelo
Últimas funciones, viernes 1 y sábado 2 de abril, 21 hs.
Domingo 3, 19 hs.
Mar de fondo es un estado del mar
que disimula una contradicción.
Puede predecir la llegada de una
tempestad o ser la consecuencia
del paso de una de ellas. Llega a
la costa en forma de ola con implacable prolijidad, equidistancia
y frecuencia, poniendo turbias las
aguas, cambiando el sentido de las
corrientes submarinas, avanzando en toda dirección, removiendo,
mezclando y por sobre todo renovando las aguas. Elenco: Lucio Hernández, Pablo Varrailhón.
TEATRO VICTORIA
Río Negro 1479. Tel. 2901-9971
Reservas telefónicas para socios:
martes a domingos de 18.00 a
20.00 horas (hasta media hora
antes del comienzo de la función).
Boletería: únicamente los días de
función desde 2 horas antes.
CASTIGO DEL CIELO de Joaquín
D. Holdan
Dirección: Fabricio Galbarini
Sábados 21hs. Domingos 19hs
Cupo limitado, cubierto éste: 2 x1
Entradas: $250
Apta para todo público
Un hombre va al “cielo” y es juzgado por la vida que ha llevado.
Pero allí descubre que “Dios” es
una mujer joven que tiene además
lo que la sociedad señala como una
discapacidad. Castigo del Cielo
propone un recorrido por la vida de
John Langdon y un encuentro con
nuestros prejuicios. Elenco: Diego
Artucio y Natalia Lambach.
TABLADOS, UNA HISTORIA DE INMIGRANTES Autoría y dirección:
Gabriela Gil Leone.
Jueves de abril, 21:00hs
Cupo para 20 socios; cubierto
éste: 2 x1
Entradas: $ 300
Tablados cuenta la historia de Juan,
un andaluz que vino desde Cádiz a
Montevideo en 1920, buscando un
futuro para su familia.
Propone un viaje atravesando tristezas, alegrías, amores y separaciones, donde el teatro, la música y la
danza en diálogo permanente, tienden puentes entre las chirigotas de
Cádiz, el flamenco y la murga uruguaya. Elenco: Pablo Haberkorn.
Músicos invitados: Gonzalo Franco
y Mauro Clavijo. Asistencia en movimiento: Carolina Besuievsky
Sótano del teatro
EL MAR AZUL PROFUNDO de John
Patrick Shanley
Dedicada a Walter Reyno.
Dirección: Silvana Vernazza y Fernando Parodi
Cupo para 5 socios; cubierto éste,
2x1
Viernes de abril, 21 hs.
En un bar de cualquier sitio, Dan-
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ny y Roberta se tropiezan con una
dura y oscura revelación de sí mismos. Explosivamente iguales y sorprendentemente suaves, construyen
una historia sobre la alienación y el
cuestionamiento de la posible existencia de un poder redentor en el
amor. Elenco: Sara de los Santos y
Manuel Caraballo
Sala 2
LA CULPA LA TUVO EL TRANVÍA de
Cristina Merellí
Dirección: Mauricio González
Viernes, 21 hs
Cupo para 10 socios; cubierto éste
abona 2x1. Entradas: $ 220.
Apto para mayores de 12 años
Última función: 17 abril
con juegos cargados de humor negro, ellos se entrampan en mutuas
venganzas para poder perfilarse
como individuos.
Elenco: Miguel García y Diana
Santos.
Un momento en la vida de un matrimonio; un escritor fracasado y su
mujer inculta, abordando las complejas relaciones humanas. Estos
personajes abordan su matrimonio
TEATRO EL TINGLADO
Colonia 2035.
Reservas: 24085362.
Boletería desde 2 hs antes de la
función
LIBERAIJ, APARTAMENTO 9 de Rosa
Álvarez
Dirección: José María Novo
Reestreno: 9 de abril
Sábados 21:30 hs.
Domingos 19:30 hs.
Cupo para 20 socios, cubierto éste
$ 250. Entradas $ 350.
Espectáculo ganador de los Premio
Florencio 2015 a Mejor diseño de
luces y Mejor elenco. En setiembre
de 1965 una banda de 4 asaltantes
roba un banco en San Fernando,
provincia de Buenos Aires, para
luego refugiarse en Montevideo. La
policía los ha estado siguiendo y
por fin los acorralan en un apartamento del edificio Liberaij, en la calle Julio Herrera y Obes de Montevideo. Elenco: Luciano Gallardo, Sebastián Carballido, Rafael Beltrán,
Nicolás Pereyra, Jorge Temponi,
Washington Sassi, Luis Lage, Ángel
Carballedas, Leonardo Galiardi,
Rodrigo López, Darío Díaz, Julio
Olivera, Gabriel Sánchez, Eduardo
Arizcun.
TEATRO STELLA
Mercedes esq. Tristán Narvaja. Reservas: 2408 2649.mail: agaviot@
adinet.com.uy . Boletería desde 16
hs. y hasta el comienzo de la función
10 ABRIL 2016
TEATRO DEL INTERIOR
CON ENTRADA LIBRE
TEATRO SIN FOGÓN de Fray
Bentos
Treinta y tres y España.
Cel. 099 280 935.
EL MONSTRUO de Leonardo Martínez
2 y 3 de abril, 16.00 y 18.00 hs.
Espectáculo para niños y adolescentes. Dicen que todos tenemos
un niño adentro, pero ¿cómo es ese
niño? Esta es la historia de un hombre con un niño adentro.
ESPECTÁCULOS TEATRALES
CON
DESCUENTO
EL GALPÓN
org.uy Salas climatizadas. Bolet
ría: lunes a viernes de 17.00 a
21.00 hs. Sábados de 17:00 a
21:30 Domingos de 17:00 a
20:00 hs. Estacionamiento bonificado en Colonia esq. Tacuarembó.
Sala Atahualpa
Festival Teatros Independientes
Emergentes
6SEIS.TODOS SOMOS CULPABLES
de Fernando Roca
Dirección: Fernando Rodríguez
Compare
Única función: viernes 8, 21.00 hs.
Socios: 2x1 con cupo limitado.
Entradas: $ 350
A partir de una investigación en
profundidad sobre los asesinatos
de seis mujeres trans entre los años
2012 y 2013, pretendemos ver los
vínculos existentes entre la homosexualidad, sus formas, su realidad
en la sociedad contemporánea, en
C
A
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particular, en la sociedad uruguaya,
y las reacciones de esta hacia quienes llevan adelante su vida dentro
de esta forma de la sexualidad.
Elenco: Fernando Amaral, Giovani Giannino, Alicia Digliotti, Lucía
García, Anselmo Hernández, Nino
Márquez.
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21:00 hs.
Socios: 2 X 1. Cupos limitados. Entradas: $ 350
Anticipadas hasta el 15 de abril
$270
TEATRO SOLÍS/
Sala Zavala Muniz
Tel. 1950 3323 / 1950 3325. Entradas para socios únicamente en
boletería del teatro de martes a domingos de 13 a 20 hs. Domingos,
lunes y feriados de 15 a 20 hs. Días
de función: hasta el comienzo de la
misma.
TEATRÚN Ciclo de Teatro para Jóvenes presenta
HAMLET ESTÁ MUERTO SIN FUERZA DE GRAVEDAD de Ewald Palmetshofer
(Argentina)
Dirección y puesta en escena: Lisandro Rodríguez
Viernes 1º y sábado 2 de abril,
21:30hs
Socios: 2 x 1. Entradas $300
Apto para mayores de 15 años.
En conmemoración del cuarto centenario de la muerte de Miguel de
Cervantes, esta obra propone un
diálogo con el texto desde la contemporaneidad. La misma transcurre en un hospital público de Montevideo en el año 2002. Se trata de
una enfermedad desconocida que
se transmite de modo desconocido,
en el contexto de la última gran crisis económica de la región. Elenco:
Adhemar Rubbo, Fernando Toja,
Carlos Sorriba, Carolina Rebollosa
y Martín Bonilla
TEATRO EL TINGLADO
Colonia 2035.
Reservas: 24085362. Boletería desde 2 hs antes de la función
Una obra de cuerpos atraídos por
la fuerza de la tierra. En un mundo falso, , superficial y vaciado, la
escena siempre da la posibilidad
de redimirnos y encontrarnos.Entre convenciones un poco pobres
y asesinatos, silencio y amor, luminosidad, canciones y vidas nuevas,
veremos si algo se aclara. Elenco:
Sofía Brito, Horacio Banega, Andrea Strenitz , Vanina Montes,Paco
Gorriz, Claudio Mattos
EL COLOQUIO DE LOS PERROS
Adaptación y dirección: Gastón
Borges
21, 22, 23, 28,29 y 30 de abril
VOLVAMOS A ESOS DÍAS FELICES de Fine-Bergamasco
Sábados, 23:30 hs.
Socios: 2 x 1 (cupos limitados)
Entradas: $ 280.
La historia de dos hermanas que
algún día fueron grandes artistas y
hoy viven comprimidas en un cuarto de pensión, intentando volver a
revivir éxitos del pasado. Sin tener
en cuenta el paso del tiempo, la carencia de dinero y la locura de ambas, esto mismo será el obstáculo
más difícil de superar.
Elenco: Antonio Bergamasco y Fabiana Fine.
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A
EL SECRETO DE LA VIDA. Texto y dirección: José María Muscari
Miércoles y jueves 21:30 hs.
Socios: 2 x 1 (cupos limitados)
Entradas: $ 350
Una comedia dramática que hace
aflorar las miserias de una familia,
que se está viniendo abajo. Años
de silencio, y ocultamiento estallan,
en diálogos delirantes y profundos
al mismo tiempo. Con un tiempo
escénico, vertiginoso, la comedia
atraviesa los sentimientos de los
distintos personajes y del público.
Elenco: Graciela Rodríguez, Álvaro Aunchain, Jujola Bossio, Franco
Balestrino, Natalie Yoffe, Varina de
Cesare, Camila Caeiro, Leonardo
Franco y Alejandro Martínez.
ESTRELLAS AL DIVÁN de Mathy Escudero
Dirección: Alfredo Leirós
Estreno: 8 de abril
Viernes 21:30 hs.
Socios: 2x1
Entradas: $350
Encabezado por el transformista
uruguayo Mathy Escudero el espectáculo le da al público la impresión
de ser parte de un show con formato televisivo dentro de un teatro.
Cada función tendrá un invitado
estrella para entrevistar y hacerlo
hablar de todo eso que la gente le
interesaría saber, lo que no se sabe
o lo que nadie se anima a preguntar.Elenco: Mathy Escudero, Fátima
Arias, Matías Sosa, Florencia Ripoll, Patricia Pérez, Yessica Rodríguez y
Javier Straneo.
LA GRINGA TEATRO
Galería de las Américas - 18 de
Julio 1236 esq. Yí Tel. 2903 2744.
Boletería desde 2 hs antes de la
función
LA RISA, REMEDIO INFALIBLE (Tributo a Nini Marshall)
Dirección: Virginia Ramos Domingos, 17.00 hs.
SOCIO ESPECTACULAR 11
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Socios: 2x1 Entradas. $ 300
Unipersonal en el que Juanse Rodríguez presta su histrionismo para
hacer tributo a Niní Marshall, gran
artista que ha dejado su sello en la
historia del cine de habla hispana.
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E
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12 ABRIL 2016
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TEATRO DE LA CANDELA
José Ellauri 308.
Reservas: 2712 -3227
LOCA COMO TU MADRE
RENOVADA
Sábados, 19.30 hs
Socios: $ 2x1. Entradas: $ 300.
PAREJA ABIERTA del Premio Nobel Darío Fo y Franca Rame
Dirección: Carlos Muñoz
Sábados 21:30.
Domingos 19.30 hs
Socios: 2x1 o $150 individual
Entradas $300
En este espectáculo, Liliana (Tía
Libi) Enciso habla sobre los hombres, las mujeres, lo mal que nos
llevamos con nuestros ex, la envidia, la gente rara, la convivencia,
cómo nos cuesta crecer y muchos
temas más. Elenco: Liliana Enciso.
BUSCO AL HOMBRE DE MI VIDA,
MARIDO YA TUVE. Texto y dirección: Daniela Di Segni y Andrés
Tulipano
Viernes y sábados 23.30 hs.
Socios: $ 250, con cupo.
Entradas: $ 350
VOS NO SOS NORMAL Sábados 23:00 hs.
Socios: 2 x 1 Entradas: $ 300 Luego de un tiempo de matrimonio y convivencia, la comediante
Liliana Enciso (Tía Libi) nos contará con naturalidad, adrenalina y
ocurrencias sobre sus experiencias.
Una mirada a diferentes situaciones de la vida real, que habla entre tantas otras cosas del sexo, la
infidelidad, las parejas, los desencuentros amorosos y la vida misma.
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TEATRO DEL CENTRO
Plaza Cagancha 1164.
Reservas: 2902.8915
JULIUS, REPORTAJE AL PIE DEL PATÍBULO
Adaptación y dirección: Juan Tocci
Estreno: sábado 2 de abril Sábados, 21:00 hs.
Domingos, 20:00 hs
Socios: 2x1. Entradas: $ 300
En los años de ocupación de Checoslovaquia por Hitler, Julius Fucik
publicó bajo seudónimo, numerosos ensayos y obras críticas, siendo
detenido por la Gestapo. La obra
está basada en su diario personal
en el que denuncia la injusticia y el
horror, pero también se refleja la
alegría y el coraje de un hombre
que enfrenta la adversidad gracias
a sus profundas convicciones. Elenco: Iván Solarich.
ESPACIO CULTURAL
PITTAMIGLIO
Rambla Gandhi 633.
Reservas 27101089
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Las desventuras de tres mujeres que
intentan rehacer su vida luego de
una separación y no encuentran a
la persona adecuada. Los hombres
y las mujeres nacidos en el siglo
pasado están confundidos y desconcertados ante tantos cambios y
no saben qué hacer con sus afectos.
Una opción de humor inteligente
que hará reflexionar. Elenco: Virginia Ramos, Natalie Yoffe y Gabriela
Fumía.
Luego de 20 años de casados,
una pareja se propone tener
otras relaciones. Sin romper el vínculo tan fuerte que generaron, la
idea es pasarla bien con otros integrantes en una experiencia puramente sexual. Si las cosas están
claras desde el principio, no parece tan disparatado. Pero claro,
a veces se complica. Elenco: Mariana Trujillo y Diego González
LA CHINA: UNA OBRA ORDINARIA
de Daniel Guebel y Sergio Bizzio
MANDÉ MAIL
Dirección: Mary Da Cuña
Sábados, 23.30 Domingos, 21.30
hs.
Socios: 2x1. Entradas: $290
Apto mayores de 18 años
Dos gauchos esperan ansiosamente la llegada de “la china” que contrataron por sus servicios sexuales.
A través del humor el texto alterna y
ensambla lo cotidiano y lo literario,
lo soez y lo filosófico, lo popular y
lo culto. (La obra contiene escenas
y lenguaje que pueden herir la sensibilidad del espectador.) Elenco:
Gustavo Bouzas, Horacio Nieves,
Andrea Martínez Meliá
ABRIL
TEATRO DEL INTERIOR
CON DESCUENTO
TEATRO ALSUR
Roger Balet y Avda Artigas- Atlántida-Canelones
Boletería de miércoles a domingo
de 17 y 30hs a 23:00hs
Reservas/ Informes: 43726053//
[email protected]
CAFÉ ARTÍSTICO
REENCUENTRO
Sábado 2, 19: 30 hs.
Socios: 40% descuento.
Cupo limitado. Entradas $ 220
Rodolfo Schuster, voz y George
Alonso, pianista, que tocaron juntos desde la década de los años 50
hasta 1963 en la Montecasino Jazz
Band, celebran su REENCUENTRO
con un repertorio de éxitos de todos
los tiempos y con una amplia gama
de estilos.
Compañía de Improvisación Teatral
presenta:
MOR
Sábado 9, 19:30 hs.
Socios: 40% descuento. Cupo limitado Entradas $ 220
Humor improvisado, música y ocurrencias aseguran la diversión. Estos jóvenes talentosos hacen un espectáculo colorido, con un ritmo intenso y bajo una estética atrayente.
NO HABÍA UNA VEZ
Sábado 16, 20. 30 hs.
OTROS DESCUENTOS
BARRO NEGRO
Reservas durante la semana: 29008618/ 094-487818. Boletería: en
la explanada del Teatro Solís, en
el la puerta de Allegro Caffé desde media hora antes de la función.
http://www.barronegro.com
Espectáculo de narración oral.
Cuentos de Benedetti, Berocay,
Galeano y Mastretta se entrelazan
reuniendo a seis narradoras en escena. Elenco: Ana Martínez, Ana
María Núñez, Áurea Santiso, Cristina Vázquez, Elba de León y Raquel
Núñez
BARRO NEGRO de José Gabriel
Núñez
Dirección: Marcelino Duffau
Sábados, 21.00 hs. Domingos,
20.00 hs
Socios: $ 300. Localidades limitadas
Entradas: $ 350
Apto mayores de 12 años
PARA CIRCO
España
Sábado 30, 20:30 hs.
ESPECTÁCULOS
MUSICALES CON
ENTRADA LIBRE
Espectáculo con marionetas para
niños y adultos.
Para Circo cuenta la historia de un
grupo de marionetas olvidadas que
cansadas de vivir en baúles, bolsas,
etc., deciden retomar las riendas de
su vida armando juntas un circo.
ORQUESTA FILARMÓNICA DE
MONTEVIDEO
TEATRO SOLÍS Sala Principal
Buenos Aires esq.Bartolomé Mitre
Tel: 19503323/19503325
Entradas para socios únicamente en
boletería del teatro de 13 a 20 hs.
Domingos, lunes y feriados de 15
a 20 hs. Días de función: hasta el
comienzo de la misma. Cupo para
200 socios por función. Ubicaciones disponibles en toda la sala.
TEMPORADA PRINCIPAL
CONCIERTO 1
Martes 12 de abril, 19:30h
Director: Dante Anzolini (Argentina)
Solista: Gervasio Tarragona, clarinete
Programa:Benone Calcavecchia Pericón (Compositor Uruguayo)
W. A. Mozart - Concierto para clarinete en La Mayor K.622
Sergei Prokofiev - Sinfonía No 5 en
Si bemol Mayor Op.100
Entradas disponibles desde el 1 de
abril
TEMPORADA PRINCIPAL:
CONCIERTO 2
Martes 26 de abril, 19:30h
Director: Claudio Cruz (Brasil)
Solista: Juri Bogdanov, piano (Ru-
ABRIL
sia)
Programa: O. Nicolai - Las alegres
comadres de Windsor, Obertura
(Año Shakespeare)
P.I. Tchaikowsky - Concierto para
piano No1
Antonin Dvorak - Sinfonía No 6
abril
AUDITORIO NACIONAL DEL
SODRE ADELA RETA
Andes esq. Mercedes
Tel 29007084. Boletería de lunes
a sábados de 14:00 hs a 19:00 hs
Cupo para 200 entradas por función en Galerías Baja y Alta, 100
por cada localidad. Los socios podrán retirar entradas correspondientes a un máximo de cuatro tarjetas, con sus respectivas CI o sus
fotocopias.
Sala Eduardo Fabini
ORQUESTA JUVENIL DEL SODRE
EUTERPE
22 de abril, 20:00 hs.
Las entradas fueron entregadas en
el mes de marzo
Lanzamiento de la Temporada
2016, un concierto que conmemora los cien años de la colectividad
Griega en Uruguay.
TEMPORADA SINFÓNICA CICLO
SCHUMANN
29 de abril al 18 de junio
En 2016 se cumplen 160 años de
la muerte de este gran compositor,
figura emblemática del Romanticismo. Este ciclo de cinco conciertos,
con participación de directores y
solistas invitados, abordará la obra
sinfónica de Schumann, incluyendo
sus cuatro sinfonías, el Concierto
para Piano y un monumental oratorio (El Paraíso y la Peri).
CONCIERTO INAUGURAL
29 de abril, 20:00hs
Director: Martín García. Solista invitada: Lilia Boyadjieva
Programa:
Mijaíl Glinka, Obertura de Ruslán y
Liudmila
Robert Schumann, Concierto para
piano. Solista invitada: Lilia Boyadjieva
Sinfonía No. 1
14 ABRIL 2016
Entradas disponibles desde el 15
hasta el 22 de abril
CONCIERTO II
7 de mayo 18.30.
Director invitado: Shinik Hahm. Solista invitado: Óscar Bohórquez
Programa
Dong Hoon Lee, Blue Bird (Symphonic Overture)
Camargo Guarnieri,
Concierto
para violín No.2 Solista invitado:
Óscar Bohórquez
Robert Schumann, Sinfonía No.2
Entradas disponibles desde el 22
hasta el 29 de abril
CONCIERTO III
14 de mayo 18.30 hs.
Director invitado: Andrés Cárdenes.
Solista invitado: Carlos Weiske
Programa
Vicente Ascone, Sobre el Río Uruguay
Sergei Koussevitzky, Concierto para
contrabajo. Solista: Carlos Weiske
Robert Schumann, Sinfonía No. 3
abril hasta el 6 de mayo
CONCIERTO IV
21 de mayo, 18.30 hs.
Director invitado: Emmanuele Baldini. Solista invitado: Eduardo Monteiro
Programa
Antonio Vivaldi, Concierto para
violín op. 4 No. 1
Wofgang A. Mozart,
Concierto
para violín No. 3
Robert Schumann, Sinfonía No. 4
mayo hasta el 14 de mayo
ORQUESTA JUVENIL DEL SODRE
FRATERNIDAD
12 de mayo, 20 hs.
Entrega de entradas para socios
dese el 11 hasta el 16 de abril
La B`nai B`rith Uruguay cumple 80
años y lo celebra con un concierto.
ESPECTÁCULOS
DE DANZA CON
DESCUENTO
AUDITORIO NACIONAL DEL
SODRE ADELA RETA
Andes esq. Mercedes – Tel 2900
7084. Boletería de lunes a sábados de 14:00 hs a 19:00 hs Cupo
para 200 entradas por función en
Galerías Baja y Alta, 100 por cada
localidad. Los socios podrán retirar entradas correspondientes a un
máximo de cuatro tarjetas, con sus
respectivas CI o sus fotocopias.
BALLET NACIONAL DEL SODRE
GALA V
2 al 12 de junio
Martes a sábados, 20 hs. Domingo, 17 hs.
Galería baja: Socios: $195. Generales: $ 390
Galería alta, Socios: $ 80. Generales: $ 160
Venta de entrada para socios desde
el 18 hasta el 28 de abril
Programa
Paquita Coreografía Luiz Ortigoza
Música Ludwig Minkus
Petite Mort Coreografía Jirí Kylián
Música Wolfgang Amadeus Mozart
Creación Coreografía Graciela Figueroa Música Johann Sebastian
Bach
CARNAVAL CON
ENTRADA LIBRE
EL GALPÓN
esq. Tacuarembó.
Sala Campodónico
Parodistas ARISTÓPHANES y murga
CAYÓ LA CABRA
Actuaciones completas
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Viernes 1º, 20.30 hs.
Cupo limitado; cubierto éste no hay
descuento
Entradas: $ 300
Parodistas LOS MUCHACHOS
Miércoles 13, 21.00 hs.
descuento
Entradas: $ 320.
Parodistas LOS MUCHACHOS
y humoristas CYRANOS
Miércoles 20 y 27, 21.00 hs.
descuento
Entradas: $ 320
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CINEARTE
CINE ARTE DEL SODRE
AUDITORIO NELLY GOITIÑO
18 de Julio 930 – Tel. 29012850.
Cupo limitado. Las entradas se retiran desde seis días antes y hasta
una hora antes de la función, de
15.00 a 21.00 hs
TEMPORADA DE CINE ARTE DEL
SODRE 2016
MAESTROS INGLESES
MICHAEL POWELL/EMERIC PRESSBURGER
Lunes de abril a junio
ABRIL
Lunes 11
18.00 hs. NARCISO NEGRO con
Deborah Kerr
20.00 hs. ESCALERA AL CIELO con
David Niven
VARIEDADES CON
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Lunes 18.
18.00y 20.30 horas
LAS ZAPATILLAS ROJAS con Moira
Shearer
Lunes 25.18 hs. LOS CUENTOS DE HOFFMANN con Moira Shearer, Ludmilla
Tcherina
20.10 hs. LUNA DE MIEL con Ludmila Tcherina y Antonio
MAYO
Lunes 2
18.00 hs. LA BATALLA DEL RÍO DE
LA PLATA con Peter Finch
20.00 hs. EL FOTÓGRAFO DEL
PÁNICO con Karl Boehm y Moira
Shearer
DESCUENTO
EL GALPÓN
esq. Tacuarembó.
FESTIVAL INTERNACIONAL
DE MAGIA FESTIMAGIA
Viernes 15 y sábado 16 de abril,
21.00 hs.
Socios: 2x1 con cupo limitado
Entradas: $ 350
C
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A
cine universitario
del Uruguay
Canelones 1280 esq. Aquiles Lanza
Tel. 2901-6768
www.cineuniversitariodeluruguay.org.uy
CARTELERA ABRIL 2016
MARTES 22 DE MARZO A
DOMINGO 3 DE ABRIL
EN LAS SALAS Lumière Y
Chaplin
SE EXHIBIRÁN FILMES
CORESPONDIENTES AL 34°
FESTIVAL CINEMATOGRÁFICO
INTERNACIONAL DEL
URUGUAY ORGANIZADO POR
CINEMATECA URUGUAYA
SÁBADO 9
Lumière
15.30/ 17.45/ 20.00 hs
LA FIESTA DEL CHIVO
Dir. Luis Llosa.Dur. 125´
Chaplin
15.15/ 17.30/ 19.45 hs
LA MASAI BLANCA
Dir. Hermine Huntgeburth. Dur.
131´
MARTES 5
Lumière
16.00/ 18.00/ 20.00 hs
CON LAS HORAS CONTADAS
Dir. Rudolph Maté. Dur. 83´
Chaplin
17.45/ 20.15 hs
MATAR A UN RUISEÑOR
Dir. Robert Mulligan. Dur. 129´
DOMINGO 10
Lumière
15.30/ 17.45/ 20.00 hs
LA FIESTA DEL CHIVO
El cartero llama dos veces
JUEVES 7
Lumière
16.00/ 18.00 /20.00 hs
EL CARTERO LLAMA DOS VECES
Dir. Tay Garnett. Dur: 113´
Chaplin
18.15/ 20.15 hs
PECADORA EQUIVOCADA
Dir. George Cukor. Dur. 112´
El exorcista
MIÉRCOLES 6
Lumière
16.00/ 18.00/ 20.00 hs
CONCIENCIAS NEGRAS
Dir. Lewis Allen. Dur. 75´
Chaplin
18.15/ 20.15 hs
LA GUERRA GAUCHA
Dir. Lucas Demare. Dur. 90´
16 ABRIL 2016
Chaplin
15.15/ 17.30/ 19.45 hs
LA MASAI BLANCA
Matar un ruiseñor
VIERNES 8
Lumière
16.00/ 18.00/ 20.00 hs
LA ESTRELLA
Dir. Stuart Heisler. Dur. 89´
MARTES 12
Lumière
16.00/ 18.00/ 20.00 hs
ASCENSOR PARA EL CADALSO
Dir. Louis Malle. Dur. 91´
Chaplin
15.45/ 17.45 hs
EL EXORCISTA Dir. William Friedkin. Color. Dur.
122´
Chaplin
18.15/ 20.15 hs
PYGMALION
Dir. Anthony Asquith, Leslie
Howard. Dur. 96´
Expreso de media noche
MIÉRCOLES 13
Lumière
16.00/ 18.00/ 20.00 hs
CASTA DE MALDITOS
Dir. Stanley Kubrick. Dur. 85´
Chaplin
16.15/ 18.15/ 20.15 hs
LA BUENA VIDA
Dir. Andrés Wood. Dur. 108´
DOMINGO 17
Lumière
16.00/ 18.00/ 20.00 hs
LA HERENCIA
Chaplin
16.15/ 18.15/ 20.15 hs
LA BUENA VIDA
Chaplin
17.45/ 20.15 hs
EL BUEN PASTOR
Dir. Leo McCarey. Dur. 126´
VIERNES 15
Lumière
16.00/ 18.00/ 20.00 hs
Dir. Gerd Oswald. Dur. 84´
Chaplin
17.45/ 20.15 hs
TOM JONES
Dir. Tony Richardson. Dur. 129´
Pygmalion
SÁBADO 16
Lumière
16.00/ 18.00/ 20.00 hs
LA HERENCIA
Dir. Per Fly. Dur. 107´
VIERNES 22
Lumière
16.00/ 18.00/ 20.00 hs
MATCH POINT
Dir. Woody Allen. Dur. 120´
Chaplin
15.30/ 18.30 hs
EL GRAN ZIEGFELD
Dir. Robert Z. Leonard. Dur. 176´
Chaplin
18.15/ 20.15 hs
CAMINO AL INFIERNO
Dir. Luis Saslavsky. Luis Dur. 96´
JUEVES 14
Lumière
16.00/ 18.00/ 20.00 hs
COMPULSIÓN
Dir. Richard Fleischer. Dur. 103´
Match point
MARTES 19
Lumière
16.00/ 18.00/ 20.00 hs
TESTIGO DE CARGO
Dir. Billy Wilder. Dur. 114´
Chaplin
17.45/ 20.15 hs
LA MALVADA
Dir. Joseph L. Mankiewicz. Dur.
138´
SÁBADO 23
Lumière
16.00/ 18.00/ 20.00 hs
LA CAJA KOVAK
Dir. Daniel Monzón. Dur. 113´
Chaplin
16.15/ 18.15/ 20.15 hs
LA OPORTUNIDAD DE MI VIDA
Dir. Nicolas Cuche. Dur. 87´
La Masai blanca
MIÉRCOLES 20
Lumière
16.00/ 18.00/ 20.00 hs
LA LISTA DE ADRIAN MESENNGER
Dir. John Huston. Dur. 98´
Chaplin
18.15/ 20.15 hs
EL HOMBRE QUE DEBÍA UNA
MUERTE
Dir. Mario Soffici. Dur. 80´
JUEVES 21
Lumière
16.00/ 18.00/ 20.00 hs
CÓMO MATAR A SU JEFE
Dir. Colin Higgins. Dur. 110´
DOMINGO 24
Lumière
16.00/ 18.00/ 20.00 hs
LA CAJA KOVAK
Chaplin
16.15/ 18.15/ 20.15 hs
LA OPORTUNIDAD DE MI VIDA
Chaplin
17.45/ 20.15 hs
EXPRESO DE MEDIANOCHE
Dir. Alan Parker. Dur. 121´
EL GALPÓN
TEATRO/ En cartel
LOS PEQUEÑOS BURGUESES
De Máximo Gorki
Dirección: Héctor Guido
Sábados y domingos en la Sala César Campodónico
Continúa en cartel “Los pequeños burgueses,” de Máximo Gorki.
El conflicto generacional, el choque de ideologías, el
desencanto, la intriga amorosa; una familia y sus pasiones -hace 100 años- como si fuera ahora.
“Adhiriendo a la idea del director sobre la vigencia
del texto, se podrá ver la historia de una familia de
clase media que se aferra a su dinero y a la situación
social en la que las circunstancias la han colocado.
Se podrá así escuchar discursos idealistas, conservadores, revolucionarios, hipócritas y utópicos.”
Soledad Gago – El País
“Hay una serie de valores burgueses que se vienen
arrastrando hace muchísimo tiempo y me interesa
buscar en el origen para poder preguntarnos por qué
nos está resultando tan difícil esta construcción colectiva, desinteresada, que parece que cada vez se nos
aleja más.”
Héctor Guido en entrevista con Leonardo Flamia – Semanario Voces
“Los rubros técnicos han sido magníficamente solucionados. La escenografía de Osvaldo Reyno, sencilla y funcional, permite generar dos ámbitos, uno
para la acción escénica, otro para la acción complementaria o imaginada. El vestuario de Nelson Man-
cebo es de una impecable fidelidad a la época y a la
clase social de los personajes. Las luces de Eduardo
Guerrero nunca resultan ni demasiado escasas ni
demasiado festivas. La música de Carlos da Silveira,
sirve perfectamente a la concepción de la obra, tanto la original como los arreglos de La Marsellesa.”
Egon Friedler – Semanario Hebreo
Elenco: Walter Rey, Silvia García, Soledad Gilmet,
Pierino Zorzini, Cristian Amacoria, Massimo Tenuta, Soledad Frugone, Marina Rodríguez, Claudio Lachowicz, Alicia Alfonso, Analía Gavilán.
Escenografía: Osvaldo Reyno Vestuario: Nelson
Mancebo. Iluminación: Eduardo Guerrero. Prensa
y difusión: Gabriela Judeikin. Producción Ejecutiva: Amelia Porteiro/ Patricia Medina. Producción:
Teatro El Galpón. Dirección: Héctor Guido.
COCINANDO CON ELISA
2da Temporada
De Lucía Laragione
Dirección: Gerardo Begérez
6 Nominaciones/ 4 Premios Florencio 2015
Sábados y domingos en la Sala Cero
El director propuso para esta obra una estética “hiperrealista”, donde “todo es de verdad”: los vegetales, la
carne, las especias.
“Me gusta redescubrir nuevos estilos de montaje escénico –dijo el director en entrevista con diario El
País– en esta obra la complejidad del montaje ha sido
reforzado con el trabajo de vestuario de Verónica Lagomarsino, la escenografía de Rodolfo Da Costa y la
iluminación de Leonardo Hualde.”
“Éste es un texto que abarca numerosos temas, algu-
18 ABRIL 2016
nos los potencié desde la puesta en escena, otros están
allí, entre las ollas.”
Esta obra, que se estrenó en agosto de 2015, fue nominada para los Premios Florencio en 6 rubros (entre
ellos Iluminación y Actriz de reparto) y obtuvo cuatro
premios: Mejor espectáculo, director, escenografía y
actriz (Myriam Gleijer).
Con Myriam Gleijer y Elizabeth Vignoli. Vestuario:
Verónica Lagomarsino
Escenografía: Rodolfo Da Costa. Iluminación:
Leonardo Hualde. Prensa y Difusión: Gabriela Judeikin. Producción Ejecutiva: Claudio Lachowicz.
Ayudante de dirección: Felisa Jezier. Producción:
Teatro El Galpón. Dirección: Gerardo Begérez
QUERIDA ELENA
De Liudmila Razumóvskaya
Dirección: Graciela Escuder
Sábados y domingos en Sala Atahualpa/ ÚLTIMA FUNCIÓN DOMINGO 10 DE ABRIL.
Último mes en cartel de una obra que puso en el tapete
el tema de la educación - tan mentado en estos últimos
tiempos del país- de forma creativa; “con una trama
casi policial, creando un progresivo interés acerca de
las resoluciones que la docente debe tomar en las circunstancias que vemos en la historia; mientras lo que
se pone en cuestión es la contradicción entre una visión utópica de la formación del ser del futuro contrapuesta a lo que ocurre en el presente”, dice la directora
Graciela Escuder.
Un ejemplo de las reflexiones sobre el tema más amplio
que el de la propia obra teatral es el de la nota publicada
en Semanario Voces en noviembre 2015 con el título
“¿Educar en valores?”, del cual extractamos unos breves párrafos:
“Las nuevas generaciones reciben mensajes contradictorios, por un lado el mensaje de los ‘valores’ que
promueven el trabajo, el esfuerzo, el compromiso. Por
el otro lado una realidad que promueve un modelo
de éxito al que no se llega por medio del trabajo, el
esfuerzo o el compromiso (y que perdone el maestro
Tabárez). Quizá eso pasó siempre, pero el anclaje en
cierto sistema de valores existía, ya fuera una religión
o una ideología (como la ‘igualdad’ batllista en nuestra
sociedad) pero eso ahora no existe, ¿o sí?
Querida Elena es una excelente obra como disparador
de alguna de estas discusiones (…) Es para aplaudir
que desde El Galpón se retome la tradición de discutir
sobre los problemas contemporáneos de los uruguayos”
Leonardo Flamia – Semanario Voces
Elenco: Claudia Trecu, Estefanía Acosta, Federico
Guerra, Ignacio Duarte, Pablo Pippolo.
Traducción: Alberto Guarnieri. Vestuario: Cecilia
Carriquiri. Escenografía: Sofía Arocena. Iluminación: Leonardo Hualde. Música: Fernando Ulivi.
Traspunte: Liliana Dicranis. Prensa y difusión:
Gabriela Judeikin. Producción ejecutiva: we! Producciones. Producción: Teatro El Galpón.
TEATRO/ Espectáculos que visitan nuestra sala
LÁrcaza teatro presenta:
EL CAPOTE
De Nikólai Gogol
Dramaturgia y dirección: García, Albertoni, Riveiro
Nikólai Gogol (1809-1852) fue uno de los escritores
rusos más unánimemente aclamados del siglo XIX.
Creó una nueva prosa, accesible al gran público y capaz
de hacerlo partícipe de una identidad cultural colectiva.
El capote es reconocido como su mejor trabajo dentro de los relatos breves. El cuento muestra la vida de
un empleado público desplazado por todo su entorno,
cuya miserable existencia cobra una repentina vitalidad
cuando adquiere un nuevo capote que lo ayudará a sobrellevar el frío ruso.
El capote reúne varias de las características típicas de
la literatura de Nikolái Gogol: realismo crítico, sentido
del humor, sátira y un toque de elementos fantásticos.
El protagonista del cuento, Akakiy Akakievich es un ser
invisible, objeto de burla y desprecio por parte de los
demás. La fuerza del personaje radica en que a pesar de
su grotesco nos recuerda que en algún momento todos
nos hemos sentido desplazados por nuestro entorno.
Elenco: Fabiana García, Pablo Albertoni, Richard
Riveiro. Vestuario y escenografía: Cecilia Bello y
Lucía Silva. Iluminación: Tatiana Ruiz y Valentina
Pérez. Selección musical: Rodolfo Vidal. Producción: Ignacio Fumero
EL GALPÓN
Nuremberg
Dramaturgia y actuación: Santiago Sanguinetti
Dirección: María Dodera
Teatro intenso. Teatro de físico. Teatro del instante
Un joven “skinhead” está en un baño público esperando a camaradas; mientras espera vocifera al mundo y
al desconocido más próximo su resentimiento y odio
hacia los negros, los judíos, los putos, hacia el diferente.
Entre cada “tiro al blanco” nos enteramos de su “vida”.
Una obra tremendamente humana, tan humana que
está llena de contradicciones.
Primer Premio en el Concurso de Monólogos del Centro Cultural de España, 2009/ Nominado a los Premios
Florencio en la categoría Mejor actor, 2011/ Espectáculo seleccionado para representar a Uruguay en el Primer Evento Mundial de Artistas Jóvenes (WEYA) en
Nottingham (Inglaterra), 2012/ Espectáculo invitado a
la Bienal Uruguay - Cataluña, en Barcelona (España),
2013/ Espectáculo seleccionado para participar del
9º Festival Internacional de Monólogos Teatro A Una
Sola Voz (México), 2013/ Seleccionada para el Festival
Internacional de Artes Escénicas (FIDAE), Uruguay,
2013/ Festival Latinoamericano de unipersonales Vitoria, Brasil, 2014/ Premio Fondos Concursables Gira
Nacional, 2015/ Mejor actor Festival Internacional de
Cienfuegos, Cuba ,2016.
Mamá está mal producciones presenta:
SNORKEL y ODIO OÍRLOS COMER
¡Sólo por el mes de abril, luego de años de temporadas,
vuelven de manera excepcional! Ambos espectáculos fueron invitados para participar
del Festival de Teatro under Uruguayo/ Argentino a llevarse a cabo en la ciudad de Buenos Aires en Teatro El
Extranjero.
El festival contará además con “Apátrida” de Spregelburd y “Bordes” de Miraglia – Villamil, entre otras. Antes de cruzar el charco, “Snorkel” y “Odio oírlos comer” harán esta brevísima temporada para los que aún
no las vieron y para los que quieran repetir. Estarán
además apoyando el viaje de este numeroso grupo que
culminará este abrupto ciclo con una gran fiesta de la
que informaremos próximamente. SNORKEL
Texto Federico Guerra
Dirección: Bernardo Trías
Ganador
Premio
Florencio
Revelación
2011 - Federico Guerra - autor y actor
Ganador Premio Morosoli 2012 – Dramaturgia
Catalogada por quienes la vieron como una obra “fuerte”, “chocante”, y con un “interés genuino y conmovedor por la especie humana”, realizó ya cinco temporadas consecutivas desde su estreno en el año 2011.
Una obra sobre los “bajos fondos” y las miserias humanas. Es la historia de un mar de rostros flotando en soledad, a quienes la desesperanza los llevará a sumergirse
20 ABRIL 2016
profundo en busca de “algo”. Un submundo de drogas
baratas, prostitución, corrupción y violencia en el que
los personajes deben ponerse un snorkel y respirar a
través de un tubo para poder sobrevivir.
Elenco: Marcelo Pagani, Daniel Acevedo, Daniel Cabrera, Victoria González, Federico Guerra, Fernando
Amaral, Ignacio Duarte, Ana Fernández y Soledad Frugone.
ODIO OÍRLOS COMER
Texto y dirección: Federico Guerra
Al igual que Snorkel, en Odio oírlos comer Federico
Guerra muestra un reflejo de la sociedad actual. Si bien
los conflictos humanos que se presentan son universa-
les, las historias están teñidas de un tono más montevideano, intentando funcionar como un espejo grotesco
para el espectador.
A través de los diferentes personajes irrumpen en escena sueños como aparentes revelaciones. Dos jóvenes viendo pasar la vida, dos prostitutas con una
visión muy particular sobre su trabajo y sus clientes.
Una familia disfuncional perseguida por la enfermedad y la locura. Una madre dispuesta a alimentarlos a todos, una mesa que los une y una voz dentro
de cada uno de ellos que dice: “Odio oírlos comer”.
Elenco: Tabaré Rivero, Virginia Méndez, Fernando
Amaral, Jujola Bossio, Adrián Prego, Sebastián Silvera,
Stefanía Tortorella.
CARNAVAL/ en la Sala César Campodónico
LOS MUCHACHOS y CYRANOS
En la comodidad que brinda la sala teatral se podrá disfrutar de las actuaciones completas de los grupos que
han destacado en esta temporada carnavalera. Los Socios tienen entrada gratis con cupo limitado y se obtienen en la boletería del teatro.
Parodistas LOS MUCHACHOS se presentarán solos
el miércoles 13 y junto a humoristas CYRANOS en dos
fechas posteriores: el 20 y 27 de abril. Todas las funciones son a las 21.00 horas.
Ambos conjuntos fueron Primer premio este
año en sus respectivas categorías
Miércoles 20 y 27 de abril - Humoristas Cyranos con el
espectáculo 2016 llamado “Linyeras” y parodistas Los
Muchachos con el espectáculo 2016 llamado “Una historia al revés”.
Miércoles 13 de abril - Parodistas Los Muchachos con el
espectáculo 2016 llamado “Una historia al revés”
EL GALPÓN
Eventos especiales
Festimagia
Festival Internacional de Magia
14º Festival de Magia Internacional donde se dan cita
los mejores magos de Argentina, México y Uruguay en
un show diferente cada día (15 y 16 de abril ) con números de: Magia, Ilusionismo, Cartomagia y Mentalismo
donde el humor y la sorpresa están siempre presentes.
FEFTIEL
Festival Encuentro Foro de Teatros Independientes Emergentes Latinoamericanos
Organiza y produce: Grupo Texas
Entre el 7 y 12 de abril de 2016, en la Sala Hugo Balzo
del Auditorio Nacional del SODRE y en la Institución
Teatral El Galpón, CCE (Centro Cultural de España) y la
sala Delmira Agustini del Teatro Solís se llevará a cabo
este Festival que consta de tres dimensiones:
En Foro: Puesta en escena de 6 espectáculos (dos de
Uruguay, dos de Argentina, -uno de Buenos Aires y otro
de Rosario- uno de Perú y uno de Chile)
En comunidad. Las Compañías Teatrales realizarán
una función en espacios no convencionales vinculados
a las temáticas de cada una de las obras que estamos
definiendo.
Encuentros formativos. Los grupos participantes
llevarán a cabo estos encuentros en forma de Talleres
Formativos
El Festival se propone:
● Promover el intercambio y la reflexión entre distintas
sociedades latinoamericanas acerca de determinadas
problemáticas sociales que atraviesan la cotidianeidad
de las mismas.
● Transmitir, a partir de algunos espectáculos seleccionados dentro de las manifestaciones teatrales latinoamericanas, valores humanistas como el respeto, la
aceptación de las diferencias y la empatía.
● Promover la crítica, el debate, el cuestionamiento y
la sensibilización ante determinadas problemáticas con
las que nuestras sociedades conviven día a día.
“6SEIS.Todos somos culpables”
de Fernando Roca
Dirección: Fernando Rodríguez Compare Los asesinatos de mujeres trans cometidos en nuestro
país en los últimos dos años, crímenes perpetrados con
22 ABRIL 2016
violenta saña, confirman que la homofobia aún no es
un tema resuelto. A partir de una investigación en profundidad sobre estos asesinatos, la obra pretende ver
los vínculos existentes entre la homosexualidad, sus
formas, su realidad en la sociedad contemporánea, y en
particular en la sociedad uruguaya.
“Malogrado”
Dramaturgia: Andrea Villagrán
Dirección: creación colectiva
Malogrado tiene sus cimientos en la memoria de una
generación activa a la hora de decidir sobre su nación. Las tomas de las villas en el Chile de 1982 sirve
de escenario para desarrollar esta propuesta sostenida en cuatro jóvenes de 20 y 25 años, quienes
representan el cuestionamiento ideológico, político, pero sobre todo humano, que existió y que ahora más que nunca sigue existiendo en el Chile actual.
NOTA
Zitarrosa 80
Mi vecino está escuchando a Zitarrosa. Caminando por la calle llega
también su música desde los hogares, como cuando nos sorprende el
perfume de madreselva o de jazmín del país, que cuelgan de una reja.
En los encuentros de amigos se comentan sus anécdotas. Las leyeron
en libros recientemente comprados en librerías o ferias1, incluyendo
novedades2 y reediciones3. O pueden haberlas leído en artículos de
prensa escritos por periodistas que salieron a la búsqueda de los técnicos que lo grabaron o de guitarristas que lo hayan acompañado. Los
sellos reeditan antologías de Zitarrosa, así como los pocos discos originales que han pasado al formato digital. Los canales de televisión recopilan las escasas imágenes que han quedado. Por primera vez el país
vive un clima similar al de la visita de Paul McCartney o de los Rolling
Stones, pero en el marco del homenaje a un artista uruguayo. Se habla
de Zitarrosa, se lo escucha, se lo lee, se lo comenta, se lo celebra.
Rubén Olivera
En 2015 su familia buscó preservar el Archivo Zitarrosa entregándolo en custodia al Centro de Investigación,
Documentación y Difusión de las Artes Escénicas (Ciddae, Teatro Solís), que empezó a trabajar en colaboración con la Universidad de la República y el Archivo
General de la Nación. Cintas de audio y video, cartas,
fotos, ya están siendo clasificados. Desde 2004 la Fundación Zitarrosa viene realizando todos los 10 de marzo, fecha de su nacimiento, un espectáculo de homenaje
en la sala que lleva su nombre. Pero para el 80 aniversario se buscó hacer un gran recital. De eso se encargó
Producciones Culturales, con el apoyo de la Fundación,
Intendencia de Montevideo, MEC y Banco República. A
fines de 2015 ya empezó la propaganda que incluyó conferencias de prensa por todo el país. El espectáculo se
planeó para el Estadio Centenario. Se contactó a más de
cincuenta artistas, incluyendo a los actores que recitarían Guitarra Negra. Se buscó la presencia de algunos
de sus contemporáneos, acercar a nuevas generaciones
de distintos estilos y convocar a músicos de los países
en donde Zitarrosa vivió su exilio (algunos de ellos, con
gran humildad, hicieron un largo viaje para cumplir
con su parte interpretando una o dos canciones). El clima obligó a posponer un día el recital imposibilitando
que estuvieran, debido a compromisos previos, Soledad
Pastorutti, Hugo Fattoruso y Alejandra Wolff (quien
fue sustituida por Malena Muyala en el recitado de Guitarra Negra). Días antes, editado por Zona Editorial,
se lanzó Canciones ilustradas, cancionero con dibujos
del uruguayo Martín León Barreto. Algunas de las ilustraciones, en placa fija o trasformadas en animaciones,
servirían de cálido marco escénico en el recital.
Se eligió a Fernando Cabrera como director musical,
quien coordinó ensayos e hizo innovadores arreglos que
después tocaría, con gran modestia, desde el costado
24 ABRIL 2016
del escenario, solo o sumando su guitarra eléctrica a las
de Nicolás Ibarburu y Guzmán Mendaro, con Enrique
Checo Anselmi en bajo y contrabajo. Fernando Condon
quedó a cargo de la dirección orquestal de los instrumentistas convocados. Eduardo Toto Méndez comandaría las guitarras criollas y con Julio Cobelli serían los
representantes de los guitarristas que acompañaron a
Zitarrosa.
Y llegó el día. Sonido, luces y escenografía estuvieron
a la altura de las circunstancias. Como en todo recital,
más en uno de estas proporciones, se escuchó o se vio
mejor en algún sector que en otro (las pantallas no funcionaron para las tribunas laterales), la compleja sucesión de artistas en el escenario generó algunos baches
de espera, la canción conjunta del final fue más emotiva
que precisa. Después del recital llegarían los comentarios de rigor: las versiones más felices de acuerdo al
criterio de cada espectador, el malestar por la ausencia
de artistas que podrían haber sido convocados (como
Dino, Yamandú Palacios o Carlos Benavides), la incomodidad de que se escucharan por los parlantes las in-
dicaciones de los técnicos de sonido, los errores de los
carteles que anunciaban autorías e intérpretes. No fue
un espectáculo perfecto. Probablemente llegaría a serlo
después de decenas o cientos de funciones, como ocurre con las giras de los grandes números musicales que
andan por el mundo, en las que se van ajustando los detalles. No fue perfecto, pero fue arriesgado, novedoso,
emblemático. Se escucharon excelentes versiones y los
músicos lo vivieron con camaradería y emoción.
El homenaje a Zitarrosa marcó una sana tendencia histórica hacia la celebración masiva de lo propio. Unas
semanas antes en el Auditorio del Sodre se había realizado a sala llena un recital gratuito en homenaje a
Eduardo Mateo. Esperando nuevos reconocimientos
(esporádicamente los han tenido) están Jorge Lazaroff (fallecido en el mismo año que Zitarrosa), Aníbal
Sampayo, José Carbajal, Eduardo Darnauchans, entre
tantos otros. Y también lo merecen nuestros artistas
históricos aún vivos. Son todos músicos entrañables,
con distinto grado de masividad, pero a los cuales es
necesario celebrar, conocer, difundir, tanto en recitales
de homenaje puntuales (en los que se podría aumentar
la apuesta coordinando charlas en escuelas y liceos),
como en canales de televisión, radios, prensa.
Cuentan que Don Alfredo decía que “los nacidos en la
Banda Oriental del Uruguay tenemos que cuidarnos
porque somos pocos”. Este uruguayo, con una obra y
una voz digna de escucharse durante todo el día en las
horas impares de Clarín (y en todas las horas de las radios de Uruguay), fue recordado con admiración por
un país que lo sigue tomando como ejemplo ético y estético. Junto al aroma de madreselvas y jazmines está
ahí, porque se nos entregó pleno “de soledad y rabia…
de ternura… o de algún violento amor; de amor… sin
duda”.
1- Ibargoyen Islas, Saúl: Alfredo Zitarrosa. La voz de adentro. México
D.F., EMU, 1978 y Fundación Zitarrosa, Mvdeo, 2005; Forlán Lamarque, Raúl y Migliónico, Jorge: La memoria profunda. Mvdeo, La República, 1994; Estrázulas, Enrique: Zitarrosa, cantar en uruguayo. Mvdeo,
Arca, 1995; Erro, Eduardo: Alfredo Zitarrosa. Su historia “casi” oficial.
Mvdeo, Arca, 1996; Corrales, Julio y Castillos, Carlos: … Y yo salí cantor. Mvdeo, E. de autor, 1999; Pellegrino, Guillermo: Cantares del alma.
Biografía de Alfredo Zitarrosa. Mvdeo, Planeta, 1999. Zitarrosa: cancionero para guitarra. Mvdeo, TUMP, 1999. Salinas, Mónica: Poesía y
mito. Alfredo Zitarrosa. Mvdeo, Seix Barral, 2006. Pellegrino, G.: Dicen
los cantores, Mvdeo, Planeta, 2010; Pellegrino, G.: Alfredo Zitarrosa: la
biografía. Bs. As., Continente, 2011; Santullo, Rodolfo y Aguirre, Max:
Zitarrosa. Comic. Mvdeo, Estuario, 2012;
2- Alfredo Zitarrosa: Alfredo Zitarrosa, el oficio de cantor y canciones.
Mvdeo, Banda Oriental, 2001, reedición 2016.
3- Mañana, Daniel: Zitarrosa. Apuntes para una biografía. Mvdeo,
Rumbo, 2016.
EL TINGLADO
LIBERAIJ, APARTAMENTO 9
Espectáculo nominado a los Premios Florencio 2015 en los rubros
de “Mejor obra de autor nacional” y “Mejor ambientación sonora”,
y ganador de los Premios Florencio 2015 en las categorías “Mejor
diseño de luces” y “Mejor elenco”.
vo” Mereles y Enrique Mario Malito. Los tres primeros
son jóvenes, de poco más de 20 años. Dos por lo menos
(Dorda y Brignone) eran ovejas descarriadas de buenas
familias.
Esta obra sigue el periplo de los cuatro ladrones y sus
vinculaciones, no sólo con el poder político argentino
sino con el bajo mundo uruguayo de la época, desde el
asalto en Buenos Aires hasta el tiroteo en el edificio “Liberaij”, en la calle Julio Herrera y Obes de Montevideo,
en el que tres de ellos se enfrentaron a más de 350 policías durante 16 horas.
Todo comenzó el 28 de setiembre de 1965, a las 16 y
15, en San Fernando, Provincia de Buenos Aires. Hubo
un asalto a los funcionarios que traían los fondos para
pagar los sueldos de los empleados de la municipalidad,
en una camioneta, desde el banco ubicado al otro lado
de la plaza del pueblo. Los pistoleros en su acción evidenciaron un conocimiento minucioso de la operativa
del traslado de fondos. ¿Fue un asalto entregado? ¿Por
quién o quiénes? Desde el inicio las zonas oscuras del
caso serán una constante. Los cuatro asaltantes actuaron con una decisión y saña excepcionales, incluso para
los cánones bonaerenses. El saldo fue de tres muertos
y un herido, entre empleados y custodias. El botín suculento: 7 millones de pesos argentinos (alrededor de
$ 1:600.000 uruguayos). Violencia inusitada desde
que comenzó el hecho hasta la accidentada, pero en
definitiva, exitosa huida, a balazo limpio. Desaparecen.
No se sabe cómo ni por dónde, vienen a Uruguay. No
obstante, estaban identificados: Roberto “El Gaucho”
Dorda, Marcelo “El Nene” Brignone, Carlos “El Cuer-
Elenco: Luciano Gallardo, Sebastián Carballido, Rafael Beltrán, Nicolás Pereyra, Jorge Temponi, Washington Sassi, Luis Lage, Ángel Carballedas, Leonardo
Galiardi, Rodrigo López, Darío Díaz, Julio Olivera, Gabriel Sánchez , Eduardo Arizcun. Diseño de luces: Martín Blanchet. Música Original: Agustín Ferreyra. Diseño escenográfico: Hugo
Fernández. Diseño de vestuario: Lorena García
Realización audiovisual: Diego Lozza. Producción General: Ignacio Novo. Dirección General:
José María Novo.
Liberaij, apartamento 9 de Rosa Álvarez, se estrena el
9 de abril en Teatro El Tinglado.
Las funciones serán los sábados a las 21:30 hs. y los domingos a las 19:30 hs.
Cupo gratis para Socios, cubierto éste se abona $ 250.
Entradas: $ 350.
26 ABRIL 2016
OBITUARIO
Tomás De Mattos (1947 - 2016)
En el número de abril de 2007 de la revista Socio Espectacular, Tomás de Mattos fue el entrevistado central.
Hacía dos años que ejercía como director de la Biblioteca Nacional, había publicado varios libros de cuentos
y las novelas Bernabé, Bernabé (1988), La fragata de
las máscaras (1996), A la sombra del paraíso (1998),
Ni Dios permita (2001) y La puerta de la misericordia
(2002).
Hemos seleccionado algunos fragmentos de aquella entrevista, en la que Tomás de Mattos vierte conceptos e
ideas que lo definen como uno de los grandes intelectuales uruguayos.
Creación:
“A mí me gusta crear novelas ambiguas: la vida también
lo es. Me gusta más el término de novela problemática.
Es decir: donde el autor vive un problema y se lo devuelve al lector. Soy de la línea de Paco Espínola, que
hablaba de la comunicación de dos almas, y de que, en
definitiva, el principio fundamental es el principio de
indemnidad, es decir, que el autor tiene que transmitir ese estado psíquico complejo para que el lector lo
asimile. Pero hay otro tema: ¿cómo lo recibe el lector?
Hay que tratar de sumirlo con imágenes, con hechos cotidianos. Hay una frase que me importa muchísimo, un
concepto de Max Weber. Él decía que se da la paradoja
de que mientras no ocurrió el acontecimiento tenemos
la sensación de la libertad, vivimos la incertidumbre de
un desenlace que no conocemos. Pero, apenas se produjo el hecho, vivimos la sensación absolutamente contraria de que estaba determinado que ocurriera así. Y
Max Weber decía que no es lo uno ni lo otro. A mí me
gustaría tratar de recrear la incertidumbre de hechos
que fueron absolutamente determinados. Ver cómo se
llegó, o preguntarle al lector por qué se llegó a lo que
se llegó, por ejemplo, en el caso de Bernabé, Bernabé.”
Ética:
“…cómo los seres humanos podemos cometer atrocidades, y no tener conciencia que las cometimos. Es decir:
no tener conciencia de culpa. Para mí un episodio decisivo fue, por ejemplo, ver al general Rapela respondiendo con soberbia sobre los derechos humanos: ‘A
los vencedores no se les ponen condiciones’. ¿Y no hay
culpa? Lo que pasó, pasó porque tenía que pasar: es la
primera gran justificación de la lógica de la guerra.“
Cultura y educación:
“Existe una idea generalizada de que el libro no puede transformar la realidad, que el libro es un elemento bueno de estudio, pero que no cambia la realidad. Y
esta idea se extiende a la cultura en general. Cuando fui
a Israel con el Premio Fraternidad y fuimos al Parlamento, me recibió el presidente de la Comisión de Educación y Cultura. Entonces, me dice: ‘Tengo entendido
que en Uruguay es igual que acá, que el Ministerio es de
Educación y Cultura’. El judío se acarició la frente y me
dijo: ‘Pobre cultura’. Cuando nosotros hablamos de Va-
rela el reformador, y juzgamos la reforma de Varela, no
sabemos que fue una reforma inconclusa, hecha por un
tipo durante tres años… Varela mencionaba muchísimo
más que una reforma escolar. Varela quería reformar
toda la educación.”
Sobre la Biblioteca Nacional:
“Varela le daba una gran importancia a una biblioteca
popular. De este tipo de biblioteca decía en el capítulo
36 de La educación del pueblo –razón por la que vine (a
dirigir la Biblioteca Nacional), por varelianismo, probablemente–: ‘Dicen con razón que este tipo de bibliotecas son Bibliotecas Panteón’. Con mayúscula. Panteón
Nacional. Cultores de la memoria. Arcas que custodian
el tesoro cultural del país. Están para eso, para preservar.”
“La puerta de la misericordia”:
“La famosa frase de Jesús ‘es más fácil que un camello pase por el ojo de una aguja que un rico entre en el
Reino de los Cielos’ parece una hipérbole y una exageración. Pero puede tener un sentido muy simbólico, que
es el que aparece en la novela. Me parece una frase con
un sentido enorme, una defensa enorme del no consumismo, de la negación, del desapego de las cosas, que
marca el mensaje cristiano.”
Hace nueve años Tomás de Mattos vertía estos conceptos desde su cargo de director de la Biblioteca Nacional.
Luego, en 2010 y 2013, publicó dos tomos de El hombre
de marzo, estudio completísimo y profundo sobre la
vida y obra de José Pedro Varela, que todos los uruguayos relacionados con la cultura y la educación deberían
tener como libro de cabecera, sobre todo por la vigencia
y urgencia del tema en estos días. Por último, en 2014,
publica Don Candinho o las doce orejas, referido a un
caso verídico de venganza ocurrido en Caraguatá en el
siglo XIX y que el autor convierte en la narración de un
viaje a través de las contradicciones más desgarradoras
del alma humana.
Un investigador de nuestro ser como uruguayos. Un
estudioso de la condición humana. Un observador crítico del comportamiento de los hombres. Un aporte a
nuestra construcción cultural. Eso es Tomás de Mattos.
ENTREVISTA
Julio Calcagno
“La emotividad es lo
fundamental”
Existen pocos casos de actores que se identifican con la esencia de su pueblo, artistas que
edifican su lenguaje, su personalidad artística a partir de haber nacido en un determinado
lugar; tal es el caso de Julio Calcagno. En el Barrio Sur soñó primero con ser jugador de
fútbol, luego se apasionó con la práctica del boxeo, pero fundamentalmente conoció a esos
personajes singulares que habitaban sus calles y que fueron -ya trasformado en actor- la
materia prima para componer personajes tales como el obrero de “La empresa perdona
un momento de locura”, obra emblemática de la época de la dictadura. En la entrevista
que sigue hicimos un repaso por su rica trayectoria, conocimos su pasión por los grandes
actores del cine mundial -de los cuales también se nutrió para lograr la impronta que lo
caracteriza- y su paso por la Comedia Nacional. Comprobamos que la pasión que lo llevó
a las tablas sigue intacta.
Gerardo Mantero - Luis Vidal Giorgi
28 ABRIL 2016
-En el libro recién editado por
Banda Oriental, llamado Calcagno al Sur, se relatan episodios de tu vida que fueron
desembocando en que terminaras dedicándote al teatro.
¿Cómo se fue desarrollando
ese proceso que llevó a aquel
muchacho de barrio a ser
uno de los mejores actores de
nuestro teatro?
-Fue un accidente estar acá en el
teatro. Yo era jugador de fútbol, de
ahí no salía, pero en aquella época
tenía asma, que era una enfermedad imbancable y no había remedio, así que tuve que dejar todo,
quedarme quieto y tomar algún
remedio que te daban para sobrellevarlo. El asunto del barrio es
muy fuerte para mí, me marcó en
muchos sentidos. Obviamente que
también marcó lo que luego hice en
el teatro, y mucho, en una forma de
ética de vivir. Pero también lo que
me marcó especialmente es el tema
de los personajes del barrio, la gente del barrio. Por ejemplo, muchas
veces me han dicho que La empresa
perdona un momento de locura era
una creación bárbara de parte mía,
y yo creo que no, porque el personaje era alguien que existió y yo lo
copié. Vivía en la calle Paraguay, lo
copié sin anestesia y salió eso. Los
personajes de allá abajo son, además de entrañables, ejemplos muy
fuertes de una determinada forma
de vivir. Incluso cuando mataron
a mi padre muchas familias nos
acogieron a mi madre y a mí, y esas
son cosas que se quedan, que uno
no puede borrar nunca. Eso yo lo
tengo como una película en blanco
y negro que por suerte no se borra.
-También por vivir en ese barrio, Palermo, es que en determinado momento te acercaste
al boxeo, que es un escenario
que también se puede comparar con el teatro.
-Completamente. Para mí el boxeo es un arte... es polémico lo que
puedo decir, pero según cómo se
practique puede entrar en esa clasificación. Desde chico fui al Palermo
Boxing Club, incluso tiré guantes
en la ACJ; al primer golpe que me
dieron caí y dije hasta luego. Pero
el boxeo es completamente teatral
desde el escenario, los cenitales
que caen desde el techo sobre la figura del boxeador son teatrales. El
apagón que hay en la platea y en el
ringside, quedando solamente esa
luz, es teatral. La relación de los
entrenadores con los boxeadores
es también una cosa muy fuerte.
El boxeo me apasiona y por suerte
tuve la oportunidad de hacer Corazón de boxeador.
-¡Al final te sacaste las ganas!
-Sí, igualmente mi ilusión no era
hacer ese tipo de personaje, del veterano retirado. La ilusión mía era
hacer el papel de un boxeador, porque tenía conocimiento y todo eso,
incluso había avanzado mucho en
el asunto, había hablado con Santos Pereyra, un uruguayo campeón
sudamericano de boxeo, para que
interviniera dentro del espectáculo y para hacerlo en el Circular.
No había otro escenario posible.
En definitiva, para mí el boxeo es
teatral, es un deporte que... ¿dónde viste vos que dos tipos que se
estén castigando terminen abrazados de la manera en que lo hacen
los boxeadores, fraternalmente? El
boxeo es noble, es un deporte muy
noble.
Tengo la sensación de
que en general los actores uruguayos -que para
mí en su mayoría son de
primer nivel- le tienen
mucho, demasiado, respeto al texto, sea de quien
sea, y yo pienso que no
tendría que ser tan así.
El actor, según lo veo yo,
es un creador y también
un escritor, interviniendo
eso que recibió para hacer.
-Existieron boxeadores como
Mohamed Alí que pueden avalar esa teoría de que el boxeo
es un arte.
-Igual él era como El Chaná, estaba
fuera de concurso. Alí unió la política, el boxeo, el arte...
-Era un goce estético verlo,
era un bailarín...
-Totalmente, siempre peleaba en
puntas de pie. Incluso en la época
que ya estaba muy jodido siguió en
punta de pie, sin moverse mucho
pero con una intuición y una inteligencia, con un sentido del tiempo,
de cuándo tenía que ir a más... Era
un boxeador pero también era un
artista.
-Vamos a otra pasión tuya. El
cine siempre fue una referencia para vos, desde la época de
las matiné; y también de un
tiempo en que el cine americano vio transformado el estilo de actuación, yendo a lo
más verdadero a partir de la
influencia del Actors Studio.
¿Cómo se fue integrando ese
estilo a tu propia búsqueda?
-Mirá, yo no busqué nada, y si alguien me pregunta cómo fue ese
proceso, yo no sé.
-Pero la referencia del cine...
-La referencia del cine es igual que
el barrio. Lo que te contaba del barrio va paralelamente. Imaginate
que entrábamos a la una y salíamos
a las siete... El cine negro norteamericano me marcó mucho. Pasados
los años uno reflexiona un poquito
y se da cuenta lo que eran los mensajes de ese cine, pero igual no deja
de ser brillante. El cine me marcó
ENTREVISTA
también, igual que el barrio. Totalmente. Yo también imité a muchos
actores. Por eso me cuesta decir
que esto es una creación... Hay algo
de parte mía, pero el centro es la
imitación que yo tenía sobre ciertos actores, que me marcaron más
profundamente que mi paso por la
Emad, ¡pero mucho más! Y el cine y
el boxeo van de la mano, porque ya
te digo: tienen mucho parentesco.
El estilo de actuación al que aludís, eso viene un poquito después
con el descubrimiento de Marlon
Brando. Creo que existe un antes
y un después de Marlon Brando,
es un adelantado en muchos sentidos, incluso políticamente, igual
que Alí. Son referencias que a mí
me importan mucho, son artistas o
boxeadores que muestran su talento arriba de un escenario o arriba
de un ring, pero cuando bajan no
se divorcian de lo que predican, a
mí eso siempre me pareció notable
y es difícil llevarlo a cabo. Tenemos
el caso de Jean María Volonté, que
vino a Uruguay, un actor italiano
notable, con una fuerza política
impresionante. Estuve con él acá
cuando nos visitó y puedo decir que
también me marcó. Más bien son
conductas que te dejan huella.
-Hay algo en la gestualidad, en
la improvisación, en el ritmo,
que se pueden decir que determinan el estilo de Marlon
Brando...
-Completamente. El problema
(problema entre comillas) es que
resulta difícil tener un conjunto de
actores acorde a lo que uno hace,
porque si yo encaro una determinada locura y los demás no acompañan, bueno, estamos fritos. Me
salgo yo del libreto y los otros no
siguen... es muy difícil porque tiene
que haber una especie de comunión
entre los actores. Tengo la sensación de que en general los actores
uruguayos -que para mí en su mayoría son de primer nivel- le tienen
mucho, demasiado, respeto al texto, sea de quien sea, y yo pienso que
no tendría que ser tan así. El actor,
según lo veo yo, es un creador y
también un escritor, interviniendo
eso que recibió para hacer y en ese
sentido, bueno, por suerte estos
últimos años pude trabajar con directores como Denevi, Héctor Gui-
30 ABRIL 2016
do, que más o menos entienden un
poco la cuestión y no te están atosigando con “andá para acá o andá
para allá”. Yo creo que el actor es
un creador, realmente lo creo.
-En el libro relatás tu encuentro con Margarita Xirgú.
Aquel y éste son dos mundos
muy diferentes. ¿Contanos
qué significó para vos esa experiencia?
-Tuve a Margarita Xirgú como profesora durante seis meses y fueron
un suplicio. Y lo fueron porque yo
sabía que ella era una figura mundial, que era una gran maestra, y yo
estaba ahí de atrevido, no sabía ni
quién era Florencio Sánchez... Salvé no sé cómo, pero salvé. Se puede
decir que la valoré con el tiempo.
En ese momento sinceramente la
odiaba, representaba otro tiempo
y así lo manifestaba ella, tenía un
estilo que hoy día no creo que corriera ni mucho menos. Igual era
una gran profesora y a mí siempre
me trató bien. Me da la impresión
que siempre sospechó de todas mis
limitaciones intelectuales pero no
así de mis condiciones actorales, y
eso lo valoro mucho.
-También la poesía parece tener una presencia permanente en tu vida. Tanto en el hecho de convertirte en un buen
“decidor” como en el hecho de
alimentarte con las imágenes.
-La poesía me encanta. La primera
vez que me enfrenté con el hecho de
hacer una poesía, o decirla fue en la
entrega de los Florencio, del año
1966, en la que se armó un despelote de novela. En aquel entonces era
todo muy ampuloso. Las mujeres
iban de largo, de negro. Yo -de inconsciente, porque la verdad no lo
hice por transgresor- fui de championes y de vaquero y dije unos
poemas muy panfletarios, repito:
muuuuy panfletarios -en la época
de Pacheco- de César Seoane, autor
uruguayo, y de Julio Huasi, autor
argentino. Grandes poetas ambos,
pero elegí lo más panfletario y eso
sí lo hice por gusto. Se armó un
despelote impresionante. Ahí me
di cuenta que me gustaba el asunto.
Fue en ese momento que Zitarrosa, que estaba entre el público, me
encaró para seguir trabajando con
él en Generación 55, en el Canal 5,
para decir poemas. Y ahí seguí, y
luego pasado el tiempo me enamoré y sigo enamorado de Líber Falco.
Hicimos una obra con la Comedia
Nacional con un elenco precioso y
basado en un libro de Mario Arregui que se llama Líber Falco nomás, con esa poesía aparentemente
inocente, aparentemente sencilla,
pero de una hondura muy pero
muy fuerte. Y lo de Alfredo, bueno,
también. Lo que me tocó decir el
otro día fue muy conmovedor...
-Te referís a tu participación
en el espectáculo que se realizó en el Estadio Centenario en
conmemoración del 80° aniversario de Alfredo Zitarrosa,
donde te tocó el recitado nada
menos que de “Guitarra negra”.
-Él lo escribió en un momento durísimo de su existencia. ¿Ustedes lo
escucharon dicho por él?
-Sí, claro.
-A mí no me gusta como lo dice. Lo
dice a ciento veinte kilómetros por
hora y no le da valor a las imágenes
que él mismo creó. Este espectáculo se trataba de que cada artista
diera su versión de sus textos, y yo
creo que es un texto muy, terriblemente, dramático y así lo hice. Es
como para un monólogo teatral.
Hay un momento en que te rompe el pecho lo que dice, sabiendo
además nosotros en qué momento lo escribió; muy, muy duro. La
poesía me sigue gustando: Vallejo,
Gelman... hay tantos. Hay además
la que podemos considerar gran
poesía, y lo son las letras de tango.
Diría que podemos hablar de por
lo menos quince, veinte autores de
tangos que son verdaderos poetas
universales. Obvio que está la música y hay cantores que lo hicieron
bien, pero si un actor decide decir
ese texto puede resultar algo impresionante. Hice algo con eso, intenté hacer algo al menos.
-¿Con Discepolín intentaste
hacer algo?
-Intenté y lo hice, en los barrios
más que nada. Pero sobre todo trabajé con textos que escribió Troilo.
El otro día lo escuché con “Alguien
dijo una vez que me fui de mi ba-
rrio...” Además de ser un músico
extraordinario hay que revisarlo
como poeta, hay que agarrar las letras olvidándose un rato de la música -que el estribillo no te joda, y
eso- y es fantástico. Son letras maravillosas.
-¿En cine, además de El viaje
hacia el mar, hiciste alguna
otra cosa?
-Me gustó mucho, disfruté mucho
ese mes que estuvimos afuera y
todo eso, distinto. Es otra técnica,
obviamente, fue un hermoso trabajo. Pero fue una sola vez, eso no me
habilita mucho para hablar de cine.
-El personaje más emblemático de tu carrera es el obrero de
La empresa perdona un momento de locura, sobre todo
porque se extendió mucho en
el tiempo. Con interrupciones
pero estuvo más de diez años
en cartel, ¿no?
-No, bastante más. Estrenamos en
el ‘81, después la seguimos haciendo muchas veces con distintas psicólogas y la última vez que la pusimos en cartel fue en el año 2000.
-Justamente, se estrenó en
dictadura y tuvo gran repercusión; pero ya que se hizo en
tantos momentos, ¿cómo fue
dándose la reacción del público y tu relación con el personaje?
-En realidad la reacción del público era la misma. Con la puesta de
la obra, [Rodolfo] Santana, su autor, la reescribió varias veces, la
última vez fue en el 2000 con mucho humor, una versión notable,
espectacular. Porque además de lo
dramático, el personaje era cómico
a pesar suyo, y la reacción del público fue siempre la misma. Imaginate que estamos en 2016 y todavía
preguntan por La empresa...
-¿La harías de nuevo?
-No, no creo. Es una obra que llegó
un momento en el que la gente se
sentía reflejada, fue emblemático
realmente el personaje, pero a la
vez no es el personaje que a mí me
atrae más.
-¿Cuál sería ese personaje?
-El personaje que más me atrajo en
todo este tiempo es el de Potestad,
de Eduardo Pavlovsky, que si me da
el físico y la cabeza a lo mejor me
gustaría hacerla, porque lamentablemente sigue teniendo vigencia.
No así La empresa...
-Recordemos de qué va.
-El protagonista de Potestad es un
médico certificador de muertes en
el período sanguinario de la dictadura argentina, que se había afanado una niña, pero pasado un tiempo la vienen a recuperar las fuerzas
revolucionarias y es una obra que
se ve al revés, desde el punto de
vista del torturador, que además
no es “malo”, tiene buenas actitudes y eso es lo que lo hace siniestro
en realidad. Es otra obra que tiene
una primera parte que es cómica.
La estuve viendo en DVD y es muy
La poesía me encanta. La
primera vez que me enfrenté con el hecho de hacer una poesía, o decirla,
fue en la entrega de los
Florencio, del año 1966,
en la que se armó un despelote de novela. En aquel
entonces era todo muy
ampuloso. Las mujeres
iban de largo, de negro. Yo
-de inconsciente, porque
la verdad no lo hice por
transgresor- fui de championes y de vaquero y dije
unos poemas muy panfletarios, repito: muuuuy
panfletarios -en la época de Pacheco- de César
Seoane, autor uruguayo,
y de Julio Huasi, autor argentino. Grandes poetas
ambos, pero elegí lo más
panfletario y eso sí lo hice
por gusto. Se armó un despelote impresionante. Ahí
me di cuenta que me gustaba el asunto.
cómica, es brutal. La segunda parte, claro, es terrorífica, pero sigue
siendo muy actual y se estrenó en
el setenta y pico. Antes de fallecer
Pavlovsky estuvimos en contacto
por los permisos y dijo que no había ningún problema. Había sí que
corregir ciertos lineamientos de la
obra, acortar un poco, y estuvo de
acuerdo. El único problema para
hacer Potestad soy yo, porque es
una obra como para dejar los bofes.
La versión que vi fue en el 87, yo
tenía 50 años y ahora tengo 79. La
energía que le ponía el actor de ese
momento... no la puedo hacer así.
Pero poder hacerlo estaría bárbaro.
-A vos te gusta porque Pavlovsky era boxeador. (risas)
-¡Pah! ¡Pavlovsky era todo un personaje! Acá estuvo varias veces.
Era boxeador, escritor, psicólogo...
Además el físico de Pavlovsky era
grande, inmenso, que se arrastraba... a mí me gustaba mucho.
-Siguiendo con esta línea de
teatro político o vinculado
a temas políticos, como Potestad, también trabajaste
en una obra emblemática de
aquellos tiempos, Los días de
la comuna de París de Bertolt Brecht, dirigida por Omar
Grasso. Eran momentos muy
efervescentes en el teatro y en
el país. ¿Cómo fue ese período
en el teatro, en el que además
vos tuviste una actividad muy
intensa?
-Todo lo que hacíamos lo hacíamos
con miedo. Vivíamos el momento
ése de que uno no sabía qué podía
pasar al otro día. Mejor dicho, no
sabías que pasaba el día ése en que
hacías la función. Cuando hicimos
la comuna no sabías qué te iba a
pasar cuando salías del teatro, que
era el Circular. Fueron momentos
muy intensos que te quedan marcados para el resto de la cosecha,
momentos de mucho sufrimiento
que justamente a mí, personalmente, me motivaban para hacer
cosas como ésa. Hay muchas otras
obras...
-También en dictadura hiciste
El mono y su sombra...
-También, la gente a la salida comentaba cómo era posible que hi-
ENTREVISTA
ciéramos esa obra, cómo nos habían dejado... Fue una época con
cosas buenas y cosas malas; dentro
de las malas estaba algún rumor de
por qué no nos pasaba nada por hacer la obra, pero ta, eso también lo
sufrimos y por parte de algún amigo incluso. Pero bueno, fue un momento terrible, pero con el tiempo
uno reflexiona y dice “bueno, al menos pude estar acá, la aguanté acá”.
Fuera del país yo no hubiera podido
estar, me hubiera pegado un tiro.
-Llegaste
inesperadamente
a la Comedia Nacional y fue
también un período importante para vos, ¿no?
-Muy importante.
-¿Es cierto que te tomó por
sorpresa?
-Claro que sí. Fue Júver Salcedo
quien me invitó a entrar a la Comedia junto con Duilio Borch y Beto
Sobrino. Yo estaba haciendo radioteatro y me acuerdo cuando me lo
dijo, en una escalera del Sodre; me
lo dijo como al pasar y yo, que trabajaba en la Comisión Nacional de
Educación Física desde hacía unos
años, por supuesto que le dije que
sí enseguida. Entrar en la Comedia
me parece que fue un poco el corolario de toda mi carrera. Yo había
trabajado mucho con la Comedia
haciendo bolos -cosa que me sirvió
para aprender mucho- y también
algunos personajes importantes, al
lado de [Alberto] Candeau, [Enrique] Guarnero, Maruja [Santullo],
yo qué sé. Recibí una enseñanza
muy grande. Pasar a ser actor del
elenco estable, además de una gran
responsabilidad, te soluciona la
vida. Podés vivir de tu oficio. En
mi caso renuncié a la Comisión de
Educación Física y además entré
en una época de gran ebullición
de la Comedia, donde veía que por
ejemplo tipos como Delfi Galbiati,
Oscar Serra, además de su oficio
de actor, por supuesto, tenían oficio de sindicalistas, sobre lo que yo
ignoraba todo. Eran tipos que sabían de leyes, todo se discutía con
efervescencia, las asambleas de la
Comedia eran Vietnam y Camboya
en aquel momento. Yo sabía que no
podía hablar porque era “al cuete”,
pero lo que sí sabía era cuándo tenía que levantar la mano, eso sí. Y
32 ABRIL 2016
sabía quién tenía la razón, eso es
importante; pero llegó un momento en que decía “a la mierda”, y ni
cobraba el sueldo. O mejor dicho,
lo cobraba y lo depositaba, no lo
quería gastar pensando “yo acá no
sé si voy a seguir trabajando” si
éstas eran las reglas para entrar y,
por otro lado, la parte artística: ser
un actor que combina el arte con
las cuestiones que hacen a su trabajo de actor, ésa es una cosa que
nunca entendí muy bien. Sabía que
era fantástico lo que habían logrado
los compañeros de la Comedia y era
como que no me sentía a la altura,
siempre creí eso en ese sentido.
Igual fueron catorce o quince años
que estuve ahí y que para mí fueron
fantásticos.
-Artísticamente ¿cuáles son
los momentos o las obras en
que participaste que destacarías?
-Más que de obras, en este caso hablaría de vivencias y de cohabitar
con un elenco de profesionales de
primera línea, como lo sigue sien-
Tengo una sensación...
capaz que estoy equivocado, me pasa con el
cine también; hay mucha cosa que ya se hizo,
que ya está hecha y te
la quieren presentar
como si la estuvieran
inventando. Me parece
que falta un poquito de
humildad, que falta un
poquito de información
de quiénes eran sus predecesores, eso es fundamental. Si vos le preguntás a un chiquilín de una
escuela de teatro quién
era Candeau o quién era
Guarnero, y te preguntan en qué cuadro jugaban, ¡no tienen idea!
do. La Comedia ha tenido que hacer
verdaderos bodrios y sin embargo
vos los ves y decís “qué buen espectáculo”. Como Gardel, que a veces
cantaba cagadas, pero esas cagadas
que cantaba eran maravillosas. La
Comedia también pasaba por eso,
pero se compensaba con la convivencia, el profesionalismo impresionante, el asunto de la puntualidad, de la rutina que a mí me gusta
mucho: 14:30 hay ensayo hasta las
17:30; a las 20:00 es la función de
la noche... a mí eso me encanta, esa
cosa tan ordenada y, no sé, para mí
fue un momento notable y creo que
me lo merecía, me merecía entrar a
la Comedia.
-¿Cómo te llevás con las nuevas generaciones? ¿Cómo ve
el panorama del teatro actual
alguien como vos, que además
de tu trayectoria personal viste tanto teatro?
-Tengo una sensación... capaz que
estoy equivocado, me pasa con el
cine también; hay mucha cosa que
ya se hizo, que ya está hecha y te la
quieren presentar como si la estuvieran inventando. Me parece que
falta un poquito de humildad, que
falta un poquito de información
de quiénes eran sus predecesores,
eso es fundamental. Si vos le preguntás a un chiquilín de una escuela de teatro quién era Candeau o
quién era Guarnero y te preguntan
en qué cuadro jugaban, ¡no tienen
idea! Eso es un problema en las escuelas. Un grave problema te diría,
no inculcarles “mirá que vamos a
estudiar esto, pero sabé que antes
lo mismo hicieron estos y estos”,
es así. Desde el punto de vista de
autor, la verdad que no es que esté
muy enterado, pero lo poco que
vi no me ha gustado mucho, en el
sentido de que está escrito desde
un enfoque muy intelectual; pero
eso no es un problema de ellos, es
un problema mío, Lo mío es mucho más cuadrado, no quiero hacer
esfuerzos para ver qué quiso decir.
Como espectador lo digo. Como
actor tuve una experiencia muy
dura cuando hicimos en el Solís
un espectáculo que dirigía Omar,
se llamaba Grito, en el año 1971.
Éramos China Zorrilla, Nino Tenuta, Armando Halti, Roberto Jones,
Graciela Gelós y yo.
-¡Pero podés hacer lo que
quieras con ese elenco!
-Sí ¿no? Se llamaba Grito la obra.
Beto Paredes había hecho una especie de adaptación, de collage de
textos de Brecht, Strindberg y de
Ibsen. Yo no entendía lo que estábamos haciendo. Nunca pude entender lo que quería el director. Yo
lo hacía porque me lo marcaban,
pero nunca entendí nada...
-Pero igual ¡qué interesante
que en el año 1971 se experimentara!
-Sí, ¡ni hablemos! El primer día el
teatro reventaba, era impresionante, una cosa de locos. Al segundo
día un poquito menos... al cuarto
día tuvimos que bajar (risas) porque realmente, si nosotros no entendíamos nada -al menos yo, no sé
si Roberto entendía o no- el público
no sabía, realmente no sabía lo que
estaba pasando. Me parece que el
teatro es más sencillo, que la escritura es más sencilla, y a veces lo que
es sencillo es mucho más difícil y
hay que lograrlo. Yo voy por el lado
de la emotividad más que nada, no
por el lado del intelecto, que tiene
que haber, pero la emotividad es
fundamental; además el teatro tiene que entretener.
-Pero cuando hiciste El Knack,
también con Omar Grasso, eso
sí que era experimentar, improvisar; el texto y todo lo que
sucedía alrededor era muy
atractivo.
-Si ibas dos días distintos podías
llegar a ver dos obras completamente diferentes. Esos veinticinco
días que pasé ensayando con Grasso en la sala Dos del Circular, que
todavía no se llamaba así, a mí me
impresionó mucho, es de las cosas
que me marcaron mucho también.
Omar me impresionó mucho, él sí
que experimentaba, al menos ahí
con nosotros. En esa ocasión yo
tampoco entendía bien lo que estaba haciendo y cada noche era una
obra diferente, pero lo importante
y por suerte es que se daba algo
que yo te señalaba hace un rato:
los cuatro actores estábamos todos
en la misma sintonía y entonces no
había problemas, y vos no estabas
traicionando la obra.
-Fue con música de Walter Venencio en vivo.
-Impresionante era, ponía unas botellas ahí, tocaba, era muy fuerte.
Había actores que venían de la calle
y entraban así, como venían vestidos. El vestuario era distinto según
el día, de acuerdo a cómo estuviera
el actor ese día y Omar lo permitía.
-El primer ensayo les leyó el
texto y después no se los dio
nunca ¿no?
-Exactamente, nos dio el texto, hicimos la lectura y ta, lo recogió y
luego lo único que hicimos fue improvisar, sólo improvisación, y creo
que fue dos o tres días antes del es-
treno que nos volvió a dar el texto
para partir de algo más o menos
fijo. Pero fijo no teníamos nada más
que la situación general. Era bárbaro. Lo que teníamos era la situación
pero no sabíamos qué iba a pasar
en ese momento. Yo sabía que era
el villano, el otro era el maestro y el
otro, no me acuerdo. Y cuando nos
pegábamos, nos pegábamos en serio. Lo hicimos en el teatro del Palacio Salvo. Para mí fue muy fuerte.
-¿En qué año se hizo?
-En 1975, esa forma de encarar los
ensayos por parte de Omar para mí
fue revolucionaria.
TEATRO POR EL MUNDO
LA COMEDIA NO ES FINITA
Darío Fo (1926) acaba de cumplir noventa años en el mes de
marzo; el gran actor, dramaturgo, director y bufón italiano
sigue activo y siempre polemizando. Teatro Circular estrena dentro de poco su obra “La marihuana más rica es la de
mamá” título escrito en los años setenta pero impensable de
representar en nuestro país hace unos años.
Luis Vidal Giorgi
Así como fue impensable, fue justo
que la Academia Sueca premiara
con el Nobel en 1997 a este artista
anarquista que nunca ha realizado
concesiones en sus propuestas y
ha utilizado el humor en todas sus
variantes, desde la parodia a lo sarcástico, como un arma de denuncia
a la injusticia y el poder establecido.
Junto a su esposa Franca Rame
(1929-2013) formó una pareja de
artistas contestatarios y trashumantes, inspirados en la Comedia
del Arte y en los juglares y bufones,
retomando una tradición de teatro
popular. En nuestro país el año pasado estuvo en cartel una obra que
ya conocíó otras versiones en nuestro medio y es de las más representadas en el mundo, se trata de “Pareja abierta”, donde desde la rutina
matrimonial se buscan salidas para
recuperar el amor apagado. También hubo versiones de algunas de
sus otras obras más representadas,
como “Muerte accidental de un
anarquista” basado en un hecho
real y desgraciadamente repetido,
donde un activista político de izquierda se “suicida” al caer por la
ventana de una estación de Policía,
interpretada acertadamente por
Julio Calcagno. También se escenificó “Misterio Bufo”, una lectura
irreverente pero plena de ternura
de los Evangelios, con la actuación
de Jorge Esmoris. Ambas obras
fueron dirigidas por Marcelino Duffau. También fue censurada una
34 ABRIL 2016
Franca Rame y Dario Fo
CUANDO LA ACADEMIA
SUECA SE RIÓ
obra de Fo a principios de la dictadura, en el año 1974, cuando iba a
ser estrenada en la Comedia Nacional, prohibida por “agraviante para
la tradición hispánica” según señalaba el decreto. La obra era “Isabel,
tres carabelas y un charlatán”, en
cuyo título ya se nota el inicio del
“agravio”.
Otra de sus obras, representada en
el Teatro del Notariado, presenta
una rebelión de amas de casa, se
llama claramente “Aquí no paga
nadie” y fue premonitoria de los
asaltos a los supermercados de grupos empobrecidos en la Argentina
de Alfonsín, del Partido Radical.
Quizás hoy, con los fondos buitres
ganando la partida, algún grupo la
quiera reponer en Argentina.
Hablando de radicales, cuando Darío Fo estuvo en Argentina en 1984
hubo manifestaciones de sectores
de ultraderecha ante la presentación de la pareja Rame-Fo en el
Teatro San Martín, con incidentes
violentos que dejaron pintadas, las
cuales decían refiéndose al teatro y
su director Kive Staiff: “Se va a acabar la sinagoga radical”.
CÓMO HACER
SEXOLOGÍA EN
PERO RIENDO
SERIO,
Volviendo a la actualidad, si bien es
un autor político, y quizás por eso
menos representado en los últimos
tiempos, también ha sido muy escenificada su obra “Tengamos el sexo
en paz” en base a un manual que
mos machistas en América Latina
y en unos países más que en otros.
En sexo estamos apenas gateando.
Todo es una cadena y un papá no
habla de sexo con su hijo porque su
padre no lo hizo, y así, pero hay que
romper esa cadena para dejar atrás
la represión”.
¿HUBO
ALGUNA
VEZ
ONCE MIL BANQUEROS
HONESTOS?
escribió el hijo de Rame y Fo, de
nombre Jacopo, que es sexólogo. Se
señala que “la obra está compuesta por un conjunto de monólogos
que tratan temas como el aborto, el
sida, la impotencia, la frigidez o el
orgasmo con gran libertad y desde
un punto de vista cómico”.
El director brasileño pero radicado
en México, Marcus Ornerllas, que
la escenificó hace poco, señaló: “El
hecho de que hablemos de sexo con
libertad de expresión, llamando
a las partes íntimas por su nombre, como pene, vagina o clítoris,
sin pena, refleja lo hermosa que es
nuestra sexualidad, la cual a veces
tenemos tan escondida por los tabúes. Los mexicanos estamos, y
yo me considero mexicano porque
llevo aquí nueve años, atados. So-
En el encabezado parafraseamos
la obra de Jardiel Poncela “¿Hubo
alguna vez once mil vírgenes?”. Es
que tanto en México como en España se ha presentado la obra “El
secuestro de la banquera” de Fo,
que tiene un antecedente en otra
que escribiera el autor donde el secuestrado era Agnelli, el dueño de
la Fiat. En la de la banquera cuenta, según se señala: “La historia de
un disparatado secuestro en el que
todo se trastoca porque la secuestrada es mucho más despiadada y
lista de lo que se podía suponer y los
secuestradores mucho más torpes e
ingenuos de lo que se podía esperar.
Con una trama casi policiaca, donde las cosas no son lo que parecen y
en la que, salvo los patéticos captores, todos los personajes tienen un
doble juego, la obra discurre con un
ritmo trepidante, situaciones llenas
de giros inesperados, de continuos
gags cómicos, de acción y sorpresas
para el espectador”. Aquí los políti-
cos y los banqueros reciben los dardos de Fo, con una temática que las
crisis hacen siempre vigente y en el
estilo mordaz que ha caracterizado
su obra.
Para terminar, dejamos las palabras de Fo en el discurso que pronunció al recibir el Premio Nobel,
al referirse a la tarea de contribuir
a transmitir una herencia creativa especialmente a los jóvenes:
“Nuestra misión como intelectuales, como personas que se suben a
un estrado o a un escenario y que,
lo que es aun más importante, se
dirigen a la gente joven, nuestra
misión no es simplemente enseñarles un método, cómo usar los brazos, cómo controlar la respiración,
cómo usar el estómago, la voz, el
falsete, el contracampo. No basta
con enseñar una técnica o un estilo:
tenemos que enseñarles lo que está
ocurriendo a nuestro alrededor.
Tienen que ser capaces de contar
su propia historia. Un teatro, una
literatura, una expresión artística
que no hable de su propio tiempo
no tiene relevancia”.
Si además lo hace con maestría actoral y con humor como en el caso
de Fo, será un arte de juglares y
bufones que recordando verdades
permanecen en el corazón de los
pueblos, haciendo que esta comedia de risa y burla al poderoso sea
infinita.
NOTA
El teatro habla: Guillaume Vincent
“Vivimos en una época que se proclama eufórica
pero que es en realidad profundamente melancólica.”
Jean Clair
Joven promesa de la escena francesa contemporánea, el actor,
director y dramaturgo Guillaume Vincent ingresa a la cartelera
montevideana con Encuentros en la Estación del Este, estreno del
texto en español dirigido por Margarita Musto e interpretado por
Dahiana Méndez.
Formado en dirección teatral en la prestigiosa escuela
del Teatro Nacional de Estrasburgo con maestros como
Krystian Lupa, Romeo Castelucci, Stéphane Braunshweig u Olivier Py, Vincent (1977) se afirma desde hace
unos años como director y autor en su Francia natal y
en el resto de Europa.
Ha escrito por ahora solamente tres textos teatrales muy
bien recibidos por crítica y público: La Nuit tombe (Cae
la noche, 2012), Rendez-vous Gare de lÉst (Encuentros en la Estación del Este, 2013) y Forêt intérieure
(Bosque profundo, 2014); aunque su experiencia como
director de escena incluye un vasto recorrido muy personal y atractivo que va desde la puesta de Marivaux,
pasando por Lagarce, Wedekind, Fassbinder o Dennis
Kelly, la régie de ópera y textos de su propia pluma. En
2002 crea, junto a la dramaturgista Marion Stoufflet, su
compañía de teatro, MidiMinuit, que recorre Francia y
otros países europeos con sus creaciones.
La versatilidad de su escritura sorprende, la construcción de su dramaturgia parece fuertemente inspirada
en el trabajo del actor, en lo que se desprende de los
procesos de búsqueda que se dan en la escena o fuera de
ella y en las influencias estéticas provenientes de otros
campos del arte, como el cine o las artes visuales por
ejemplo. El espectador uruguayo tendrá la oportunidad
de conocer la calidad y originalidad de su teatro en una
puesta en escena de Margarita Musto en el Teatro Circular. Se trata de Encuentros en la Estación del Este,
segunda obra de Guillaume Vincent, un monólogo que
aborda un género muy poco frecuentado en nuestro
país tanto a nivel de dramaturgia local como extranjera: el teatro documental. “Este proyecto se basa en una
serie de encuentros que mantuve con una joven mujer
maníaco-depresiva en algunos bares cerca de la Gare
de lÉst. Nos vimos unas diez veces durante seis meses y, después de cada cita, yo retranscribía fielmente
su contenido, con todas las particularidades del lenguaje hablado, las repeticiones, las vacilaciones, todo
ese balbuceo. Lo que me interesaba al principio era la
enfermedad y su corolario, las internaciones, la medi-
36 ABRIL 2016
Foto: Elizabeth Caricchio
Laura Pouso
cación, las crisis. Esta mujer tenía ganas de explicar la
enfermedad, que ella conoce muy bien y a través de la
que se define de manera lúcida y al mismo tiempo casi
afectiva. Nuestras entrevistas fueron interrumpidas por
una internación; ella atravesó distintas fases, al principio más bien estables y luego bastante agudas”, comenta el autor, quien luego de haber acumulado una
suma consecuente de grabaciones decide transformar
el material en un espectáculo que él mismo pone en escena en 2013.
Una actriz que actúa un documento. Lejos del
universo fantástico o más barroco que otras producciones de Vincent, el dispositivo en este caso se centra en
una base documental a partir de la que -con gran sensibilidad, precisión y humor- el autor extrae con mano
maestra un texto teatral que conserva la oralidad, los
lapsus, las digresiones, las asociaciones de ideas naturalmente ligadas a una conversación al punto de transgredir, por momentos, lo límites del pacto ficcional entre la obra y los espectadores.
Una mujer se cuenta. Con solidez y un sentido del
humor por momentos devastador, el texto abre un espacio de reflexión sobre las enfermedades mentales,
con un acento mayor puesto en el trastorno maníaco-depresivo o bipolar del que mucho se banaliza y poco
se conoce. La locura ha sido uno de los grandes temas
del teatro de todas las épocas, la particularidad de esta
obra radica quizá en el uso de un excepcional material
documental y en la capacidad de transformar lo real en
poesía, sin artificios. La obra habla de un encuentro, el
hilo sensible que lo anima es el deseo de vivir, de atrapar una vida normal que se escapa. El camino que encuentra el autor para ponerlo en escena es restituir la
palabra a esta joven mujer que padece una enfermedad
psiquiátrica, poniendo sobre el tapete algunos aspectos como la vergüenza social vinculada a los trastornos
mentales, los problemas ligados al mundo laboral y familiar, la maternidad, la relación con la medicación y
también el rol del hospital psiquiátrico en la vida de la
paciente. La joven mujer evoca sus internaciones en el
Hospital Saint-Anne de París de manera positiva: “Esas
estadías le hicieron bien -comenta Guillaume Vincent-,
se pudo relajar. Para ella lo real es insostenible. Es el
mundo que ella tiene en su cabeza y el mundo exterior
lo que ya no soporta. Ella dice: la sociedad me rechaza
porque es complicado ser como soy yo: paranoica, depresiva… la cuestión central reside en saber lo que es
un loco para una sociedad o bien cómo la experiencia
del maníaco depresivo aporta una mirada más lúcida y
singular sobre lo que nos rodea”. En momentos en que
en nuestro país se discute a nivel parlamentario la nueva ley de salud mental, la experiencia desde lo teatral
puede significar tal vez un elemento que enriquezca el
debate.
El testimonio es bruto y fragmentado, la forma en que
el autor da lugar a la auto-descripción de una salud
mental precaria es realista, casi documental, al estilo
de Raymond Depardon. La cronología no está indicada, pero el tiempo pasa. Todo aquel que ha conocido,
convivido, tomado contacto con la inestabilidad mental
podrá comprender el velo que opaca la relación con el
otro, la vigilancia extrema para detectar la menor señal
de alarma, el encierro, la soledad y también la exclusión
progresiva e irremediable provocada por las enfermedades cónicas, sean mentales o no.
Guillaume Vincent asume una forma de hacer teatro y
la transita plenamente, de manera poética y despojada,
tal vez política, pero sobre todo profundamente humana. Ofrece una forma de teatro contemporáneo menos
focalizada en hablar de sí mismo y de la ruptura de las
formas sino que se construye a partir de un universo
íntimo donde lo que prima es el encuentro con el otro.
No es poco.
LIBROS
Doble break point
Tanto como novela “de deporte” o como drama familiar, la novela de Manuel Soriano “¿Qué se sabe de Patricia Lukastic?” es
una estupenda construcción dramática y narrativa de personajes tan alienados como creíbles.
Rodolfo Santullo
Patricia Lukastic supo ser una gran
promesa del tenis argentino (e internacional) en la década de los noventa, pero desapareció del circuito
deportivo y público a los 21 años,
al parecer producto de una persistente lesión. No se sabe más nada
de ella en los siguientes años hasta
que un escritor es convocado por la
propia ex deportista para que cuente su historia, para que escriba su
biografía. Así, un alter ego del propio Manuel Soriano se traslada hasta la alejada residencia de la tenista
en Uruguay y durante un fin de semana reconstruye su historia. Pero
si bien no faltarán -en absoluto, su
recreación es minuciosa- entrenamientos, competencias, ranking,
viajes por los distintos circuitos
del mundo, disciplinas, etcétera, la
reconstrucción de la historia de Patricia Lukastic girará en su mayoría sobre su relación con su padre,
Elián, quien era a su vez (y como se
acostumbra en este deporte) el entrenador profesional de su hija.
Así, Soriano nos va contando las
dos historias. La de Patricia (o Luka
como se la empieza a conocer) desde su niñez en La Pampa y cómo
descubre el tenis, cómo comienza
a perfeccionar su carrera profesional; y la de Elián, hijo de inmigrantes polacos, fanático jugador de
ajedrez, quien pondría en la historia de su hija sus propias obsesiones, anhelos y pasiones. A medida
que estas dos historias avanzan y
eventualmente se vuelven la misma
-que es cuando la novela toma además mayor potencia ya que hasta
entonces, y dependiendo del gusto
del lector, se echa en falta una u
38 ABRIL 2016
otra historia- lo contrarrestamos
desde un posible “presente”, donde -durante el Abierto de Australia,
enfrentando a tenistas como Mónica Seles o Lindsay Davenport, Luka
juega el que será su último torneola protagonista repasa a su manera
su propia historia, la mujer en que
se ha convertido, y los sacrificios y
pérdidas que ha tenido que hacer
o ha sufrido a lo largo de todo este
recorrido.
Cabe advertir para todos aquellos
que crean (incluso, que teman) que
la novela sólo versa sobre tenis que
están equivocados. Si bien es verdad que el deporte ocupa mucho
espacio en “¿Qué se sabe de Patricia Lukastic?” y tiene su relevancia,
Soriano repite en cierto modo lo
que ya había hecho con su anterior
novela “Rugby”. Esto es, tomar la
excusa de un deporte para poder
desarrollar otra cosa. En “Rugby”
eran las diferencias de clase entre
los distintos componentes de un
equipo durante un “tercer tiempo”
que se torcía para mal, y en la novela que aquí nos ocupa presenta
la relación alienada que padre e
hija Lukastic irán construyendo a
lo largo de los años, una relación
con poco cariño o afecto, pero con
mucha obsesión, posesión e incluso
rasgos escatológicos (que sorprenden).
Sin dudas es la mejor novela de
Soriano hasta el momento -un escritor que nunca defrauda-. “¿Qué
se sabe de Patricia Lukastic?” fue
la reciente ganadora del Premio
Clarín de Novela en Argentina.
Soriano, argentino de nacimiento
pero radicado en Montevideo desde 2005, no es ajeno a los premios.
Ya su libro de cuentos “Variaciones
de Koch” había ganado en 2012 el
Premio Nacional Narradores de la
Banda Oriental y conforma, junto
a la ya mencionada “Rugby” y a su
novela de 2013 “Fundido a blanco”
(Criatura Editora) una sólida carrera literaria construida en pocos
años, siendo sin lugar a dudas uno
de los autores a seguir de nuestro
presente literario.
CINEMATECA
Festival y más en
Cinemateca Uruguaya
Hasta el próximo domingo 3 de abril continúa el 34º
Festival Cinematográfico Internacional del Uruguay en
las salas de Cinemateca Uruguaya y Cine Universitario.
215 películas de 56 países llegaron a Montevideo. Entre ellas: Cabra (Koza) de Ivan Ostrochovský (Eslovaquia, República Checa, 2015), con las actuaciones de
Peter Baláž, que compitió en los Juegos Olímpicos de
1996 en Atlanta, y Ján Franek, medallista olímpico de
Moscú 1980, como su entrenador. El filme difumina la
línea entre representación y ficción a través de las poderosas performances de los actores no profesionales,
que mezclan datos de su vida real con ficción. Recibió el
Works in Progress Award para el proyecto más prometedor en el Festival de Karlovy Vary en 2014 y fue estrenada en el Forum del Festival de Berlín en 2015. Demonio, de Marcin Wrona (Polonia, Israel 2015),
Piotr y Zaneta van a casarse. Mientras deambula por la
casa de campo de la familia descubre restos humanos.
Durante la fiesta, comienza a comportarse de manera
extraña.
Hotel, de Lisa Langseth (Suecia, 2013), con la actuación de Alicia Vikander, recientemente ganadora del
Premio Oscar como actriz secundaria de La Chica
Danesa. Hotel nos cuenta la historia de Erika, quien
pierde el rumbo y el control de sus emociones tras una
experiencia traumática. Lo que era una realidad en apariencia feliz y acomodada se desmorona, sacando a relucir sus miedos y flaquezas.
Suite Armoricaine de Pascale Breton (Francia,
2015), un filme coral, construido como una suite, en
distintos movimientos a modo de contrapunto, una
obra polifónica en donde los temas del amor, el arte, el
tiempo y la muerte circulan y se ramifican, como una
vaga epifanía que obedece a los misterios de la memoria y del olvido. Imposible no evocar a Jean Eustache, a
Jacques Rivette, y, sobre todo, este filme remite exquisitamente a la obra de Marcel Proust. Premio Fipresci
en la última edición del Festival de Locarno.
Ayotzinapa: crónica de un crimen de Estado, de
Xavier Robles (México, 2015), documental sobre la desaparición de los 43 alumnos de la Escuela Normal Rural
de Ayotzinapa. Por las calles, los manifestantes gritan
«Los asesinos están en Palacio».
Entre dos luces. Suarez, 1ª parte, de Fernando M.
Blanco (Argentina, 2016). Suárez es sin duda la banda
más influyente de la escena indie argentina de los 90.
Este documental trata de sus primeros años.
Taxi Teherán, de Jafar Panahi (Irán, 2015). Con
nada, el realizador proscripto, el que fue encarcelado y
al que se le prohibió seguir haciendo películas, lo cuenta todo: el estado actual de esa sociedad que es la suya,
su condición de cineasta maldito y que, más que nunca,
es libre, político y humanista. Sonreímos al comienzo
ante las tribulaciones de este chofer que no conoce bien
el mapa de la ciudad y se vuelve, a su pesar, cómplice
de un traficante de dvds piratas -y es la ocasión para
el cineasta de mencionar a Nuri Bilge Ceylan, Woody
Allen o Kim Ki-duk-. Nos conmueve luego, cuando se
instala en el coche una niña que sueña con el cine y los
frapuccinos pero que no comprende el significado de
ese realismo sórdido prohibido por los Mollah. La secuencia con el niño resume la poesía del filme, esa dulce
ternura resignada. Desentrañar qué es lo verdadero y lo
falso es imposible en un cineasta que se ha convertido
en el maestro del falso documental. En suma, esto es
cine, del grande, del bello, del verdadero.
Estas son solamente algunas de las películas del festival, la programación completa puede consultarse en
el sitio web de la institución. Pero como hay vida después de los festivales, a partir del 4 de abril repasaremos la obra de John Huston y de Marcello Matroianni,
y tendremos los estrenos de Liv & Ingmar (Noruega,
2012); El último autocine (Brasil, 2014); Omar (Palestina, 2013) y Choele (Argentina, 2013).
Como siempre toda la programación pueden consultarla en www.cinemateca.org.uy
o llamando al 24195795. Los esperamos
CINEMATECA
Sala Cinemateca
Marcello
(Desde el 4 al 14 de abril)
La asombrosa versatilidad de Marcello Mastroianni pudo abarcar con talento el drama y la
comedia, y no en vano la mayoría de los cineastas italianos (y algunos internacionales) hicieron
uso de ella. Una lista incompleta incluye a Mario Monicelli, Luchino Visconti, Vittorio de Sica,
Federico Fellini y Michelangelo Antonioni, aunque otros nombres puedan agregarse. De todos
modos, si hay un nombre de director con el que vincular al actor es Fellini: fue para él lo que
Toshiro Mifune para Kurosawa o John Wayne para Ford (para citar apenas dos de las duplas
más creativas de la historia del cine). El propio Fellini pudo bromear al respecto: cuando el
nombre de Mastroianni aparecía en los créditos de “La ciudad de las mujeres” (uno de los
filmes menos convincentes de Fellini), una voz en off pudo protestar: “¡Maestro!: ¿otra vez
Marcello?”. El ciclo que se presenta ahora dista de presentar todo lo que hizo el actor, pero da
abundante cuenta de su talento.
Lunes 4 de abril
17.30, 19.15 y 21 hs
PUENTE ENTRE DOS VIDAS. Dir:
Luchino Visconti. Libre adaptación
de “Las noches blancas” de Dostoievskii, y uno de los grandes filmes románticos de todos los tiempos.
Martes 5 de abril
17 y 20.05 hs
LA DOLCE VITA. Dir: Federico Fellini. Un cuadro de aristocracia decadente, periodismo sensacionalista
y gente que espera milagros. Una
vasta, riquísima fauna humana,
observada por Fellini con espíritu
crítico, compasión y piedad.
Jueves 7 de abril
17.10, 19.15 y 21.20 hs.
LA NOCHE. Dir: Michelangelo
Antonioni. Segunda entrega de la
“trilogía de la incomunicación”. Un
adulterio, una búsqueda de sentido
para la vida.
Viernes 8 de abril
17.45 y 20.15 hs.
OCHO Y MEDIO. Dir: Federico Fellini. Un director que se parece a
Fellini enfrenta una crisis de creatividad, cuestiona su trabajo y sueña
con un harem.
Sábado 9 de abril
17.05, 19.15 y 21.25 hs
AYER, HOY Y MAÑANA. Dir: Vittorio de Sica. Tres episodios de comedia al servicio del estrellato de
40 ABRIL 2016
Sophia y Marcello. Sobre todo de
Sophia pero Marcello es un adecuado cómplice.
Domingo 10 de abril
17.30, 19.15 y 21 hs.
MATRIMONIO A LA ITALIANA. Dir:
Vittorio De Sica. La clásica comedia
dialectal de Eduardo De Filippo. De
Sica divierte con el material, mientras al fondo corre un sabroso cuadro costumbrista.
Lunes 11 de abril
17.20, 19.15 y 21.10 hs.
EL EXTRANJERO. Dir: Luchino Visconti. Los herederos de Albert Camus obligaron a no alejarse demasiado de la novela original y limitaron la creatividad del director, que
hubiera deseado una adaptación
más libre.
Martes 12 de abril
17.10, 19.15 y 21.20 hs
OJOS NEGROS. Dir: Nikita Mikhalkov. Cuatro cuentos de Chéjov entrelazados en una historia unitaria,
con italiano casado y mitómano
que se apasiona por la dama del
perrito.
Jueves 14 de abril
18 y 20.20 hs.
PRÊT-À-PORTER. Dir: Robert Altman. Una sátira al universo de la
moda, y un pretexto para uno de
esos cuadros colectivos llenos de
personajes característicos del director Altman.
Sala Dos
¡Pronto, listas, ya! (62)
(Desde el 4 al 14 de abril)
Lunes 4 de abril
17.55, 19.30 y 21.05 hs
FRAUDE. Dir: Orson Welles. Un
juego de verdades e ilusiones, sobre dos falsificadores auténticos,
una historia con Picasso que debe
ser mentira, y la sombra de un manipulador mayor (el propio Welles)
que proporcionó aquí su última real
obra maestra.
Martes 5 de abril
17.50, 19.30 y 21.10 hs.
EL PLACER. Dir: Max Ophüls. Tres
cuentos de Maupassant con el
tema del título, y el estilo elegante
y refinado del maestro Ophüls, que
combina humor y drama, ironía y
melancolía.
Jueves 7 de abril
17.25, 19.30 y 21.35 hs.
TOOTSIE. Dir: Sydney Pollack. Hoffman no tiene éxito como actor, y
prueba convertirse en actriz. Divertida comedia de equívocos, y
un verdadero tour de force para el
intérprete.
Viernes 8 de abril
17.30, 19.30 y 21.30 hs
LA SOMBRA DE UNA DUDA. Dir:
Alfred Hitchcock. El encantador tío
Charlie llega de visita, y su sobrina
comienza a sospechar que puede
ser un buscado asesino de viudas
ricas. Uno de los filmes mayores de
Hitchcock.
Sábado 9 de abril
17.30, 19.30 y 21.30 hs
YOJIMBO. Dir: Akira Kurosawa. La
fría recepción de su filme anterior
obligó a Kurosawa a volver al género histórico. El resultado vuelve
a parecerse a un western, con un
samurai solitario atrapado en medio de una lucha de dos clanes.
Domingo 10 de abril
17.35, 19.30 y 21.25 hs
EL LADRÓN DE BAGDAD Dir: Ludwig Berger, Michael Powell, Tim
Whelan. El universo de “Las Mil y
una Noches” cobra vida con adecuados valores de producción que
sobreviven muy decentemente más
de siete décadas después.
Lunes 11 de abril
17.55, 19.30 y 21.05 hs.
PINOCHO. Dir: Hamilton Luske,
Ben Sharpsteen. El clásico relato infantil de Collodi sobre muñeco de
madera que quiere ser niño. La animación es con frecuencia excelente.
Sophia Loren, Marcello Mastroianni, Julia Roberts. 132 min.
sabiamente humor negro y horror
trágico. La presencia de Buñuel tras
la cámara es inconfundible.
Miércoles 13 de abril
17.40, 19.30 y 21.20 hs
OCTUBRE. Dir: Sergei M. Eisenstein. El poema épico soviético oficial
de la Revolución de Octubre, con
deslumbramientos de fotografía y
montaje característicos de Eisenstein.
Martes 12 de abril
17.40, 19.30 y 21.20 hs
ÉL. Dir: Luis Buñuel. La historia del
caballero que llega virgen al matrimonio y pierde la razón equilibra
Actores
Ricardo Couto
María Varela
-¿Qué te llevó a hacer teatro y
dónde empezaste?
-En realidad hasta los 18 años no
tenía ni idea de qué iba a ser de mi
vida. Después me di cuenta que lo
artístico me gustaba. En 1971 (año
electoral) hicimos un espectáculo
en Durazno (lugar donde nací y viví
hasta los 19 años) para el Frente
Amplio que se llamó Pororoca. Ahí
cantábamos y hacíamos pequeñas
obritas sobre diferentes temas: el
telón era una colcha de retazos en
alusión a lo que decían del Frente,
que era una colcha de retazos. Ahí
descubrí que el escenario me gustaba, pero pensé que lo mío era el
canto. Me vine a Montevideo en
1972, con casi 20 años, con la idea
de vincularme a El Galpón, para
luego vincularme con gente del
canto. En setiembre de 1974 pasé
por el teatro y me atendió Norma
Quijano, querida compañera. Me
acuerdo que le pregunté por la escuela de teatro y me dijo que empezaban en febrero. Pasaba el tiempo
y me iba desilusionado, hasta que
me llamó Norma y me dijo si quería actuar en una obra. ¡Me quedé
perplejo! Ahí empecé haciendo un
bolo en Heredarás el viento en la
sala grande y tuve la suerte de trabajar con Juan Manuel Tenuta, Ruben Yáñez, Dardo Delgado, Andrés
Pazos, Norma Quijano… en fin,
todo el plantel principal. Yo hice un
heladero que voceaba al final de la
obra… En 1975 empecé la escuela
de El Galpón y a la semana me olvidé que quería cantar…
-¿Qué considerás que tiene
más importancia, el talento o
el esfuerzo?
-Creo que son dos características
que van de la mano. Sin esfuerzo el
talento vale poco, sin talento a veces se llega igual, pero claro, tener
el don ayuda muchísimo. Cuando le
dije a mi vieja que quería estudiar
teatro me dijo: “Si ves que vas a ser
mediocre, dedicate a otra cosa”. No
sé si le hice caso, creo que sí…
42 ABRIL 2016
hoy el teatro trabaja más sobre la
imagen y no sobre el texto. Es una
lástima, porque con la imagen que
te da el cine, la televisión, es imposible competir para el teatro. Creo
que hay dificultades en el “decir”
cuando se actúa un texto. No reniego de lo visual, pero creo que sigo
pensando que el teatro es un actor
en un escenario, en un espacio escénico.
-Además de trabajar como actor en teatro, trabajás mucho
en cine. ¿Cuál es la diferencia
más grande entre cine y teatro?
-En cine no tenés público mientras
actúas, parecería más frío, pero la
adrenalina que me provoca una
cámara es una experiencia única.
Como actor, creo que el tema es
que son diferentes lenguajes. A mí
me hace mucha gracia cuando hay
escuelas que ofrecen “actuación
en cámara”. El actor es integral y
si tenés una buena escuela es fácil
adaptarse al lenguaje. Es como en
un deporte, si practicás mucho encontrás rápidamente el lenguaje.
El problema es que en este país se
hace poco cine. Es una industria y
nosotros no tenemos muchos espectadores que lo sustenten. Tenemos que hacer co-producciones y
eso dificulta la apertura al trabajo
nacional.
-Hace mucho tiempo que estás transitando en el mundo
artístico, ¿cómo ves hoy el
teatro nacional con respecto
a tus inicios?
-Tengo miedo de contestar como
viejo (que lo soy). Pero creo que
-Entre tus hijos tenés una
hija que siguió el camino de
sus padres, ¿qué significa eso
para vos?
-En realidad son dos hijas, la mayor
y la menor. Tamara siguió el camino del títere y Manuela, la menor,
ingresó en Bachillerato Artístico
este año, le gusta cantar y creo que
lo hace bien. Además estudia canto. Es un orgullo para un padre que
sus hijos sigan el mismo camino, el
sueño de cualquier padre es que sus
hijos sean mejores que uno, y sería
muy feliz si así sucediera.
-¿Tenés algún proyecto para
este año?
-Estoy ensayando una obra de
Hugo Burel. Una adaptación de
su propio libro: Los Inmortales
que ganó el Bartolomé Hidalgo en
2004. Es un encuentro ficticio entre Aparicio Saravia y Batlle y Ordoñez. Vivieron en la misma época, se enfrentaron en la guerra de
1904 y nunca se vieron las caras...
Eso lo motivó a Hugo a escribir el
libro. Estrenamos el 8 de abril en el
Teatro Alianza, en Paraguay entre
Soriano y Canelones.
Hay algún proyecto de cine, pero
eso está muy “verde” todavía.
Aline Rava
María Varela
-¿Dónde comenzó tu formación teatral?
-Comencé haciendo un taller con
Beatriz Massons en el Teatro del
Centro, luego me presenté a la
Emad, Escuela Multidisciplinaria
de Arte Dramático Margarita Xirgú, allí fue donde hice toda la escuela y también el post grado con
Amanecer Dotta. Con él hicimos un
trabajo de investigación muy enriquecedor sobre cuentos de Juan
Carlos Onetti.
-Además de actriz sos bailarina y docente de expresión
corporal, ¿en las escuelas y
los talleres de teatro se le da
la importancia que realmente
tiene al entrenamiento corporal?
-Por lo pronto te puedo decir qué
importancia se le da desde el momento que todas las escuelas y talleres de teatro, o al menos los que
conozco, tienen expresión corporal.
Incluso los bachilleratos artísticos
tienen expresión corporal y teatro
dentro de la misma asignatura.
Ahora, cuánta importancia se le da,
es como todo, depende de cada escuela o taller, es muy variable. De
los estudiantes sí te puedo decir
que algunos en un principio no entienden mucho el porqué de tener
expresión corporal si vienen a hacer teatro, después solos sacan sus
propias conclusiones. Como actriz,
mi carrera como bailarina me complementó. La conciencia que uno
adquiere del cuerpo, del espacio en
la danza y expresión corporal a mi
entender es fundamental a la hora
de interpretar un texto dramático.
Considero que el entrenamiento
corporal del actor es muy necesario. Ni que hablar si en el espectáculo teatral hay una coreografía,
es un recurso expresivo que muy a
menudo se utiliza.
-¿Qué diferencias hay a la
hora de estar en un escenario
entre la bailarina y la actriz?
-Yo lo vivencio de manera simi-
lar. Te diría que me sirvo en cierta
medida de la danza para actuar, y
del teatro para bailar; como te dije
anteriormente, son complementarios. Si bien la danza es un lenguaje expresivo diferente al del teatro,
la vibración, el ida y vuelta con el
público, los resortes internos, el
compromiso y la dedicación son los
mismos. A la hora de subirme al escenario, en ambos casos, es el aquí
y ahora. La forma es consecuencia
en cualquiera de las dos expresiones.
-Trabajaste en cine y televisión, ¿qué experiencia te quedó de esos trabajos?
-Aprendizaje de los códigos, los
tiempos y el ritmo de trabajo; son
completamente diferentes a los del
teatro. Me dio la posibilidad de conocer desde adentro lo que es un
rodaje, las tomas, los planos, los
procesos en general. Cuando he tenido la posibilidad de formar parte
de proyectos de estas características han sido experiencias muy enriquecedoras para mí.
-¿Qué significa pertenecer al
Teatro Circular de Montevideo?
-Es un honor poder formar parte de
una institución con toda la historia
que posee, por lo que fue y lo que
es el Circular. Es una responsabilidad con mis compañeros en primer
lugar, creo que el grupo humano
es fundamental, y es lo que hace
posible que una institución salga
adelante y permanezca. Es una responsabilidad como actriz y con la
institución en general, en la que me
sentí muy cómoda desde un primer
momento. Las primeras obras que
vi fueron en el Circular, nunca me
hubiera imaginado que un día iba a
formar parte del elenco de la institución.
-¿Qué proyectos tenés para
este año?
-Tuve un hijo hace unos meses y
recién ahora estoy volviendo a retomar las actividades. Por ahora
pienso continuar con lo que estaba,
las clases y las funciones en los barrios de la obra No se elige ser un
héroe, dirigida por Eduardo Cervieri.
BANDA ORIENTAL
Alfredo Zitarrosa
El oficio de cantor y Canciones
La obra creadora de Alfredo Zitarrosa transitó diversos
ámbitos (cuentos, poesía, crónicas) además de su reconocida, y excepcional, calidad de cantor.
Precisamente, en el año 2001 el Archivo Zitarrosa y
Banda Oriental encararon una colección que procuró
reunir parte de esa rica, e intensa, tarea creativa publicada en diversos libros y revistas de Uruguay y del
extranjero.
Así surgió la colección Obras de Alfredo Zitarrosa, agotada rápidamente.
44 ABRIL 2016
El primer volumen de dicha serie se reedita ahora con el
título El oficio de cantor y Canciones.
Aquí se reúnen por primera vez la totalidad de las letras
de las canciones escritas por Alfredo hasta 1980 y una
serie de notas también escritas por él, donde analiza diversos aspectos vinculados al canto y al rol social del
artista popular.
Finalmente, un estudio de Washington Benavides, “el
Bocha”, amplio conocedor de la obra de Alfredo, recuerda con escritura honda y sensible las múltiples facetas de su relación con el cantor.
$ 420
$ 1100
$ 580
$ 320
CINE
DEL OSCAR, EL HOLOCAUSTO
Y EL CINE EXTRANJERO
La Academia de Hollywood mete la pata a menudo, pero en el rubro “Mejor
película en lengua no inglesa” suele equivocarse con menos frecuencia que
en otros. Este año le tocó a “El hijo de Saúl”, un valioso filme húngaro.
Guillermo Zapiola
Es probable que cuando se lean estas líneas la película haya bajado
ya de cartelera (en el momento de
escribirla está en una sola vuelta y
en una única sala), lo cual es por
cierto una lástima porque El hijo
de Saúl, producción húngara (en
realidad coproducción, porque en
su financiación intervinieron también capitales franceses, israelíes
y norteamericanos) dirigida por
László Nemes, es un drama que
merece atención. Fue también el
título ganador del Oscar a Mejor
película en lengua no inglesa, lo
que añade, si se quiere, un plus de
interés. El dato habilita por lo menos dos líneas de reflexión: una que
tiene que ver con la película en sí
misma, otra acerca de los criterios
con que la Academia de Hollywood
otorga algunos de sus galardones.
El tema mismo del filme ha dado
lugar a algunas previsibles bromas macabras, no necesariamente antisemitas. También ha
habido premios para películas
sobe otros temas, y en los últimos años la corrección política ha
ampliado la agenda, desde la diversidad racial o sexual hasta la
defensa del equilibrio ecológico.
En realidad, no hay motivos para
creer que El hijo de Saúl fue premiada solamente por su tema, aunque éste pueda haber ayudado. Se
trata, además, de buen cine. Hay
que reconocerle el mérito adicional de contemplar ese tema desde un punto de vista que puede
resultar incómodo para algunos:
no la víctima típica, sino el colaborador obligado. El protagonista
(Géza Röhrig) es un prisionero de
los campos de la muerte que opera
como sonderkommando, un integrante de los grupos que acompañaban a los detenidos cuando bajaban del tren y, luego de gaseados,
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ayudaba a transportar los restos
humanos al crematorio y a lanzar
las cenizas al río. Eso le garantiza,
acaso, algunos meses más de vida
(a cierta altura, los nazis se encargaban de eliminar también a los
sonderkommandos y reemplazarlos por otros), pero el personaje
comienza a cuestionarse cuando
encuentra el cuerpo de un niño y se
empeña en darle un entierro digno.
El director Nemes aplica a su tema
un estilo sobrio, casi documental,
que sigue a su personaje sin discursos (a menudo desde atrás, con
cámara al hombro, en tomas largas
sin corte), y deja que la fuerza del
asunto se imponga a través de la
imagen misma y de un extremadamente inteligente uso del “fuera de
campo”, donde la inquietud surge
justamente de lo que el espectador imagina pero no llega realmente a ver. El resultado revela a
un cineasta realmente en control
de sus medios y golpea poderosamente (y sin golpes bajos) a su espectador. También da cuenta de la
existencia de un gran actor en Géza
Röhrig, un hombre hasta el momento desconocido en estos lares.
También puede servir para reen-
contrar al cine húngaro, un viejo
conocido del aficionado uruguayo
(pensemos en Zoltan Fabri, Miklòs
Jancsó, Marta Mészaros, István
Szabò) al que los azares de la distribución habían alejado en los últimos años. Bienvenido reencuentro.
De hecho, la Academia suele equivocarse menos en el rubro “película
en lengua extranjera” que en otros,
acaso porque el jurado encargado
de otorgar el premio es más reducido que el de los demás, y porque
en él influyen menos los amiguismos y enemiguismos hollywoodenses. El galardón fue creado en
1947 y desde entonces Hollywood
ha sabido llamar la atención sobre mucho cine internacional de
calidad que no suele pasar por las
categorías habituales del Oscar.
En su primer año el triunfador fue
Vittorio de Sica con Lustrabotas,
uno de los títulos inaugurales del
neorrealismo italiano. A la larga, la
Academia supo premiar tres veces
más a De Sica (Ladrones de bicicletas, Ayer, hoy y mañana y
El jardín de los Finzi-Contini),
dos a Akira Kurosawa (Rashomon y Derzú Uzalá), cuatro a Fellini (La strada, Las noches de
Cabiria, Ocho y medio y Amarcord), tres a Bergman (La fuente
de la doncella, Detrás de un
vidrio oscuro y Fanny Alexander), y la lista puede extenderse
hasta Buñuel (El discreto encanto de la burguesía), Truffaut
(La noche americana) y otros
maestros. Por supuesto, el listado
incluye también varias tonterías,
algunas de ellas llamadas Claude
Lelouch (Un hombre y una mujer) o Roberto Benigni (La vida
es bella, casualmente otra película
sobre el Holocausto), pero nadie es
perfecto. Y ciertamente, El hijo de
Saúl no ha sido uno de los errores.
AYUÍ / TACUABÉ
1971- 2016
45 años en la música uruguaya
AYUÍ/TACUABÉ 1971- 2016
45 años en la música uruguaya
En el año en que se cumple su aniversario número 45,
Ayuí/Tacuabé continúa con la difusión de los discos
editados en 2015 y comienza a trabajar en los proyectos
2016.
cal defiende en sus letras el portuñol (misturado) de su
tierra.
-Folcloreando. Elsa Morán vuelve a sus raíces a través
de un espléndido repertorio criollo y edita su cuarto
disco para Ayuí, esta vez con el acompañamiento del
gran guitarrista Julio Cobelli.
Otras novedades 2015: Luis Pasquet: Doce tangos
en piano solo; Benavides/ Benedetti/ Espínola/
Galeano/ Maia/ Quiroga/ Rosencof/ Vilariño:
La voz y la palabra (Libro+CD, coedición con Banda
Oriental).
Distribuciones. Daniel Drexler: Tres Tiempos
(distribución-DVD-Libro); Gato Eduardo: Montevideo en blues; Ricardo Torres: Tiempos.
Sigue despertando gran interés nacional e internacional la antología Montevideo en canciones, dos CDs que
reúnen a treinta artistas interpretando cuarenta y dos
temas dedicados a la ciudad de Montevideo.
Progresivamente el catálogo de Ayuí/Tacuabé se incorpora a las diferentes plataformas de streaming: Spotify,
Deezer y Rdio.
Últimas ediciones 2015
Alma de murga (2 CDs). Antología que reúne a murgas,
grupos y solistas que colocaron a la canción murguera
como género imprescindible de la cultura uruguaya.
CABRERA canta MATEO Y DARNAUCHANS (en
vivo). Fernando Cabrera confirma una vez más la calidad de su arte versionando canciones de sus dos grandes colegas.
Esa costumbre de insistir. Gastón Rodríguez Aroztegui
vuelve al ruedo discográfico; incluye la canción y video
clip premiado por voto popular en el prestigioso Festival Cl’hips de Barcelona.
Próximas ediciones
-Luis Trochón, grabaciones entre 1979 y 1985. Álbum
doble con los tres discos para adultos de este gran compositor.
-Misturado. Primer disco para Ayuí de Chito de Mello,
histórico artista riverense que con gran riqueza musi-
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beneficios - Socio Espectacular

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