Descarga - Documenta Madrid

Transcripción

Madrinazgo de Honor / Honorary Patroness
S.A.R. la Princesa de Asturias / H.R.H. the Princess of Asturias
8
En un tiempo tan complejo y cambiante como el que vivimos, el documental se ha
convertido en un instrumento esencial para descubrir y analizar las múltiples aristas
y los insalvables obstáculos a los que nos enfrenta, con toda crudeza, una realidad
caprichosa e incierta.
Enterarse, estar al tanto, de cuanto sucede, cerca y lejos; sopesar necesidades
e inconvenientes; apoyar o rechazar desde logros espléndidos a abusos intolerables.
Todas estas acciones resumen la labor de un documentalista. Pero, al mismo tiempo,
estos también nos entretienen, nos hacen sonreír, o quizá llorar, con la belleza de
historias ferozmente humanas. Porque el cine documental nos reta a observar la
realidad, imponiéndose como única meta la sinceridad del propio relato. Por ello,
despierta adhesiones, siembra solidaridades y, en definitiva, ayuda a construir nuestro
pensamiento.
Consciente de todo ello, el Área de Las Artes aborda la séptima edición
de Documenta Madrid con la ilusión de seguir creciendo en calidad y prestigio
internacional. Como en años anteriores, el festival se dividirá en dos grandes bloques:
proyecciones y actividades paralelas. Y, junto a una ineludible mirada a lo estético –no
olvidemos que la cinematografía es un arte–, primarán los contenidos éticos, el afán
del artista por evidenciar errores, convencionalismos, injusticias o crueldades.
Documenta Madrid volverá a estar marcado por una potente presencia internacional,
que se refleja en sus cifras. Se han presentado 1.153 trabajos de 92 países diferentes. De ellos,
233 son de nacionalidad española. La suma total de películas que se proyectarán en el festival
asciende a 224 y casi un tercio de las cuales participa en competición.
En cuanto a las secciones informativas, haremos un recorrido por la obra
de la documentalista canadiense Alanis Obomsawin, que ha puesto su experiencia
cinematográfica al servicio de los problemas de los indígenas. Pero, además, seremos
testigos de los enfrentamientos y dificultades que vive Armenia tras su independencia,
a través de los ojos del cineasta Harutyun Khachatryan, y conoceremos al realizador
chino Wang Bing, uno de los documentalistas más relevantes del momento, premiado
por obras como Al oeste de los raíles, Fengming, crónica de una mujer china o El dinero
del carbón.
El festival también dedicará una retrospectiva a Hanns Eisler, uno de los
compositores más importantes de la Alemania de entreguerras. Con la llegada del
nazismo dio el salto a Nueva York, donde puso música a películas de directores tan
afamados como Joris Ivens, Joseph Losey, Alain Resnais. El director catalán Gonzalo
Herralde y el realizador italiano Tommaso Cotronei recibirán especial atención en
Documenta Madrid 2010, además de Joseph Strick y Ben Russell, quienes sorprenderán
por su temática y modernidad.
También se abordará el trabajo del estadounidense Peter Hutton, deudor de
un documentalismo experimental, que filma en blanco y negro. Esta retrospectiva es
la más amplia dedicada a su obra en Europa. Por ello contaremos con la presencia del
propio autor, que desgranará en una clase magistral las claves de su trabajo.
El éxito del festival se basa en la calidad de su programación, pero también en
el compromiso que mantiene con él el resto de la ciudad. Instituciones como Filmoteca
Española, Academia de Cine, Círculo de Bellas Artes, Casa de América, Casa Árabe,
Instituto Goethe, Instituto Francés o los Cines Princesa acogen cada año intensas
jornadas de cine.
En esta edición, además de todos estos espacios, contamos con nuevas
sedes, que han decidido franquear sus puertas al género documental, como el Museo
Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Cine Palafox, Casa Asia, el Centro HispanoMarroquí o el Centro Cultural San Juan Bautista. Quiero agradecer a todas ellas, así
como al resto de colaboradores del certamen, la generosidad con la que año tras año
nos brindan su apoyo.
Y quiero también mostrar mi gratitud a los profesionales que componen
los diferentes jurados y al resto de invitados, por el entusiasmo con el que siempre
responden a nuestra llamada. Pero, sobre todo, quiero dar las gracias al público, que,
cada edición en mayor número, asiste a las citas que les preparamos, evidenciando la
necesidad de un festival de estas características en la ciudad.
Espero que, un año más, Documenta Madrid les depare gratas sorpresas
cinematográficas.
Alicia Moreno
Delegada de Las Artes
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At a time as complex and changing as the one we live in, documentary film has become
a key element in discovering and analyzing of the numerous worldviews and obstacles
set before us, in all its rawness, by a whimsical and uncertain reality.
To be informed of what is happening, from up close and far away; to weigh
needs and disadvantages; to support or reject from marvelous achievements to
intolerable abuses. All these actions make up the work of the documentary maker. But
at the same time these also entertain us, they make us smile or perhaps cry, with the
beauty of fiercely human stories. Because documentary film challenges us to observe
reality by setting its only goal as sincerity in telling the story itself. For this reason, it
awakens interest, raises solidarity and, in short, helps in shaping our thoughts.
Aware of all this, the Department of the Arts undertakes this seventh year
of Documenta Madrid in the hope of continuing to grow its quality and international
prestige. As in previous years, the festival is divided into two main sections: screenings
and parallel activities. And while keeping an eye on aesthetics (let us not forget
filmmaking is an art form), ethical content will be key, the artist’s eagerness for
demonstrating errors, conventionalisms, injustice or cruelty.
Documenta Madrid will once feature a significant international presence, as
is shown in its numbers. 1,153 films from 92 different countries have been submitted.
Of those, 233 are Spanish productions. The total number of films to be screened at the
festival comes to 224, a third of which are in competition.
As far as informative sections, we will do an overview of the films by Canadian
director Alanis Obomsawin, who has devoted her film work to issues faced by indigenous
peoples. We will also get a chance to witness the confrontations and difficulties faced by
Armenia after its independence, through the eyes of filmmaker Harutyun Khachatryan.
We will get to know the Chinese director Wang Bing, one of today’s most important
documentary filmmakers and award-winner for such films as Tie Xi Qu: West of the
Tracks, Fengming: A Chinese Memoir and Coal Money.
The festival will also put on a retrospective of Hanns Eisler, one of the most
important German composers in the inter-war period. With the arrival of the Nazis, he
made the leap to New York, where he did soundtracks for such famous directors as
Joris Ivens, Joseph Losey, Alain Resnais. The Catalan director Gonzalo Herralde and the
Italian filmmker Tommaso Cotronei will get special attention at Documenta Madrid 2010,
as will Joseph Strick and Ben Russell, who will surprise with their subject matter and
modernity.
The work of the American filmmaker Peter Hutton will also be featured, with
his experimental documentary filmmaking in black and white. This retrospective is the
most comprehensive ever of his work in Europe. For that reason, the director himself
will be joining us for a master class, in which he will flesh out the keys to his style of
filmmaking.
Every year the festival’s success is based on the quality of its programming, as
well as the commitment it holds with the rest of the city. Such institutions as Filmoteca
Española, Academia de Cine, Círculo de Bellas Artes, Casa de América, Casa Árabe,
the Goethe Institute, French Institute and the Princesa Cinemas host intensive days of
programming every year.
This time, in addition to these places, new venues have opened their doors to
the documentary genre, such as the Reina Sofía National Art Museum, Cine Palafox,
Casa Asia, the Spanish-Moroccan Center or the Cultural Center San Juan Bautista.
I would like to thank all of them, as well as everyone who has collaborated with the
competition; their generosity provides us support every year.
And I would also like to give my thanks to the professionals on the different
juries and the other invited guests, for the enthusiasm with which they always answer
our call. But most of all I would like to thank the annually increasing public attending the
events we organize, who bear witness to the need this city has for a festival of this kind.
I hope that once again, Documenta Madrid affords you pleasant surprises.
Alicia Moreno
Delegate of the Arts
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DE SAPOS Y DOCUMENTALES
(Leopoldo María Panero es el autor de todos los poemas que aparecen en estas páginas)
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I
No insertos en un plan, los sapos
existen sin objeto.
Cálido el sol de la mañana los envuelve,
suavemente los acaricia el viento.
Como la vida de un árbol
o del viento
así es la vida del sapo
sin objeto.
II
No busques ojos al sapo
que no tiene.
No le busques las orejas
que no tiene.
De qué le sirve la boca
no lo entiende.
III
Un sapo es un círculo, un sol hacia adentro.
Como los bueyes camina –lento como el tiempo.
No hay cielo que no se vuelva
de espaldas cuando levanta
hacia arriba su mirada.
IV
Vienen los sapos del Norte
a buscar a los del Sur.
Encuentran un mismo rostro
y la misma baba azul.
V
No hablan del sapo los hombres
que viven en la ciudad.
Se refugian en sus casas
cuando le oyen pasar.
VI
Como un geranio se pudre
los sapos viven su vida.
Escuchan pasar las moscas
las espantan cuando pueden.
Como a los cuervos la noche
les es siempre favorable.
VII
Tienen miedo de los niños
y de las aves, los sapos.
Un color puede matarlos
acostumbrados al negro.
VIII
Surge en el cielo la aurora,
se esconde el sol tras los montes.
Igual el paso del sapo
por los bosques.
IX
Los sapos y las culebras
levantan la piedra y salen
cuando el día se oscurece
y llueve fuego del cielo.
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X
Son hermanos de los buitres,
se parecen a los cuervos,
con las serpientes se hablan
y enmudecen ante un mirlo.
XI
No tienen fe en el futuro
los sapos como las aves.
Caminan sobre las tumbas
dejando en ellas su baba.
XII
Los días de luna llena
se esconde el sapo en los bosques.
Cuando amanece, la aurora
lo persigue por los montes.
Qué sentido tiene el cielo
que habita en los ojos de un sapo
de un sapo que ladra y babea
esperando que los muertos concluyan su viaje
y afirmen su odio a la vida
en el cementerio de los sapos.
GREGORIO SAMSA (Kafka)
Todo hombre es una cucaracha
y un poema cercado por los sapos
que ululan en el viento
en el viento feroz del poema
donde reinan los sapos
y se coronan
de estiércol la pálida frente.
XIII
Invade el jazmín los campos
mientras el sapo se arrastra
con una espina en el flanco.
RILKIANA
XIV
No tienen los sapos nombre
cuando mueren en el monte.
Dios es la simetría de un sapo
y sus ojos me buscan en la oscuridad
como una serpiente que buscase el corazón de la tiniebla
mientras un japonés atisba en la esquina
en la esquina cruel del poema
en donde las águilas se vuelven para mirar
y no encuentran sino la nada, mi única terrible compañera
la nada que se vuelve para mirar.
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En otro de sus poemas, el titulado “Parábola del diccionario”, Leopoldo María Panero escribió:
Una palabra reenvía a otra palabra, un sentido a
otro sentido: el sentido se extiende como la
cabellera de una dama rubia, en la orilla,
tocando el mar y los barcos.
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Durante estos días de cierre del Festival, días en que andamos todo el
equipo rebozados en documentales, por pura necesidad de oxigenarme suelo recurrir
a la poesía en los escasos ratos libres de que dispongo. Últimamente he vuelto
a leer a Panero en la edición de Visor de su Poesía Completa a cargo de Túa Blesa
e, inevitablemente, me ha chocado el aluvión de referencias a los sapos que he ido
encontrando entre sus versos.
Comoquiera que son fechas en las que, por mucho que lo intente, no consigo
evadirme, ya que siempre anda rondándome por el magín el término “documental”, no
es del todo extraño que, de cuando en vez, caiga en episódicos momentos de inusitada
confusión. Hasta tal punto es así que lo que me ocurrió, en esta ocasión, mientras leía
los poemas es que se me fueron embarullando los pensamientos y, en plena disminución
de la capacidad para discernir, mi sesera acabó intercambiando palabras y conceptos,
sustituyendo sapos por documentales y viceversa, de tal suerte que ya no me era fácil
deslindar si andaba leyendo poesías acerca del oscuro e incierto destino del documental o
estaba metido de lleno en la dirección de un festival internacional dedicado a los batracios.
Lo que en principio pudiera parecer tan solo un desatino mental, releyendo
los poemas bajo esta nueva óptica, se me antojó (bien es cierto que de un modo harto
paradójico y un tanto surrealista) que comenzaba a adquirir un cierto sentido…
Con esta son siete ediciones de Documenta, siete años de mi vida laboral
dedicados casi por completo al género de la no ficción, que me han llevado a ver miles
de películas, a conocer a sus directores y, en ocasiones, a sus protagonistas, a viajar a
muchos otros festivales y países y, en definitiva…, a enamorarme del documental.
En este tiempo, el cine de lo real me ha deparado mayores sorpresas y
satisfacciones de las que me haya producido cualquier otro género a lo largo de toda mi vida
como espectador. Me ha hecho consciente de problemas y realidades que ni siquiera sabía
que existían. Me ha abierto los ojos a temas desconocidos para mí. Me ha regalado con
innovaciones, tanto estilísticas y formales como de contenido, que no se están produciendo
con tanta celeridad y generosidad en el territorio de la ficción. En definitiva, me ha abierto
miles de puertas y ventanas y me ha arrastrado a su remolino de espumeante creatividad.
Y, con todo y con eso, la percepción que tengo en los momentos más
pesimistas es de que, para el común de los mortales, continúa siendo…
...¡un sapo!
Como en los versos de Leopoldo María, el documental no parece inserto en
el plan; a veces pienso que, para la mayoría, existen sin objeto, son como un círculo
cerrado, “un sol hacia adentro” del que no hablan “los hombres que viven en la ciudad”;
viven su vida y mueren sin dejar un nombre tras de sí que recordar.
Mientras hay películas inanes y hueras que se ufanan y pasean engreídamente
su vana opulencia por las salas de exhibición de todo el planeta, en la inmensa mayoría de
las ocasiones el documental, instrumento pintiparado de denuncia para gritar los males
que atosigan al mundo, cuando logra llegar a esas mismas pantallas (lo que ya supone
un excepcional triunfo), suele pasar por ellas sin pena ni gloria, algo así como el símil que
establecía la doctrina católica, en el catecismo del papa Pío X, para explicar la virginidad de
María como un rayo de sol que atraviesa el cristal sin romperlo ni mancharlo.
No puedo evitar traer a estas líneas otro poema del mismo autor. Uno que
(curiosa coincidencia) lleva un título que hace referencia a uno de los síntomas que,
por su excesiva repetición, diagnostica con rotundidad la grave enfermedad que viene
aquejando a la ficción actual:
REMAKE
El martirio del sapo
cuyos ojos ya no brillan
cuyas patas tiemblan atravesando el poema
como un dios de la oscuridad
como un sapo que ladra y ladra
a la oscuridad, más feroz
de lo que el hombre puede.
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Ojalá que la situación del documental no alcance tanta gravedad que le
termine llevando a engrosar algún martirologio, pero lo cierto y verdad es que su
destino está totalmente en nuestras manos.
No corren malos tiempos para la producción en el terreno del cine de no ficción. El
aumento en el número de películas que recibimos, tanto nacionales como internacionales,
es una constante que se repite año tras año cuando cerramos el plazo de admisión de
trabajos en Documenta Madrid. Tampoco escasean, sino más bien al contrario, la
creatividad ni la abundancia de temas a tratar. ¿Entonces dónde está el problema?
Pues el quid de la cuestión, lo que en definitiva es el talón de Aquiles de la
proyección en salas comerciales de filmes documentales, es… una pescadilla que se
muerde la cola. Es claro que no existe excesivo interés por parte de la distribución
y la exhibición en incluirlo en las salas, por lo que sería fácil hacerles enteramente
responsables de que los espectadores no tengan suficientes oportunidades de verlo
en los cines de sus ciudades. Pero este sería un diagnóstico precipitado, dado que, en
las escasas ocasiones en que sí se programan, los espectadores raramente responden
al envite con la suficiente afluencia que permita a los responsables cubrir su apuesta
rentabilizándola de una manera holgada.
Si el porcentaje de películas de ficción estrenadas en cines es abrumadoramente
superior al de documentales en cualquier país…, del nuestro, que está comenzando a
remontar su secular falta de tradición y apego hacia estos y su casi inexistente atención al
género…, casi lo mejor es que no hablemos.
Sin embargo, el momento no es tan dramático como podría parecer, ya que es
cierto que va paulatinamente en aumento el número de filmes que, por una u otra razón
(obtención de grandes premios internacionales, empujón de algún que otro intermitente
éxito en las taquillas, avales de señeras figuras de relumbrón…), se van abriendo paso
–a codazos, eso sí– en nuestras salas. Pero el panorama dista mucho de ser halagüeño.
Estoy convencido de que andamos embarcados en un maratón de larga
distancia y de que tenemos que sustituir la energía del esprín por la constancia,
resistencia, paciencia y confianza de los corredores de fondo.
Constatando la buena salud del documental en otros espacios de difusión
(canales televisivos, galerías de arte, museos, ediciones para venta o alquiler y, sobre
todo, en Internet), desde un festival como el nuestro nos sentimos obligados a seguir
reivindicando su hueco en las salas de cine y reclamando que este se vaya ensanchando
cada vez más y más.
Así lo venimos haciendo en nuestra ciudad desde hace siete años. Cada
edición de Documenta es un llamamiento que, tanto el equipo organizador como
nuestro público e invitados, lanzamos a distribuidores, exhibidores y al resto de los
espectadores para que sean osados y apuesten por la diferencia. O, lo que es lo mismo,
para que se atrevan a acercarse a besar al sapo.
Tras el ósculo muchos incrédulos quedarán sorprendidos al ver cómo se
transforma en príncipe ante sus atónitos ojos.
Tengan confianza y recorran junto a nosotros, durante diez días, nuestro pantano.
¡Sus recovecos están llenos de príncipes; arriésguense a encontrarlos!
Antonio Delgado Liz
Director de Documenta Madrid
EL PANTANO
A Toñi, In memoriam
Ven, es de noche, recorramos el pantano
y el ocaso de los reyes
ven, es de noche, todos los reyes han muerto
recorramos como por primera vez el pantano:
el cielo se retuerce en los ojos de la sierpe
y es como si amaneciera para siempre
y nuestros ojos no pudieran cerrarse,
sólo ver y volver a ver el pantano
cuando amanece en los ojos de la sierpe.
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ON TOADS AND DOCUMENTARIES
(Leopoldo María Panero is the author of all the poems appearing in this text)
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I
Not inserted in a plan, toads
exist aimlessly.
The sun’s morning warmth envelopes them,
the wind softly caresses them.
Like the life of a tree
or of the wind
thus is a toad’s life
aimless.
II
Do not look for the eyes the toad
does not have.
Do not look for the ears
it does not have.
What good is a mouth
it does not understand.
III
A toad is a circle, a inward sun.
Like oxen walk – slow like time.
There is no sky that does not turn
its back when raising
its gaze upward.
IV
The Northern toads come
looking for those from the South.
They find a single face
and the same blue slime.
V
Men living in the city
do not speak of toads.
They take refuge in their homes
upon hearing them pass.
VI
Like a geranium rots
toads live life.
They listen to the passing flies
frightening them when they can.
Like for ravens, the night
is always favorable.
VII
They are afraid of children
and of fowl, the toads.
A color can kill them
accustomed to black.
VIII
Dawn looms in the sky,
the sun hides behind the hills.
As does the toad
walking through the forests.
IX
Toads and snakes
lift the stone and leave
when the day darkens
and fire rains from the sky.
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X
They are vultures’ brothers
they resemble ravens,
they speak with serpents
and go dumb before a blackbird.
XI
They have no faith in the future
neither toads nor fowl.
They walk over tombs
trailing behind their slime.
XII
The days of full moon
the toad hides in the forests.
At daybreak, the dawn
chases it through the hills.
What meaning has the sky
inhabiting a toad’s eyes
of a toad that barks and drools
waiting for the dead to conclude their voyage
and state their hatred for life
in the cemetery of toads.
GREGOR SAMSA (Kafka)
Every man is a cockroach
and a poem surrounded by toads
howling in the wind
in the poem’s fierce wind
where toads reign
and crown themselves
with manure on their pallid foreheads.
XIII
Jasmine invades the fields
while the toad drags along
with a thorn in its side.
RILKEAN
XIV
Toads have no name
when they die on the hill.
God is the symmetry of a toad
and their eyes search for me in the darkness
like a serpent looking for the heart of darkness
while a Japanese man watches in the corner
in the cruel corner of the poem
in which the eagles turn back to look
and find but nothingness, my terrible companion
the nothing turning back to look.
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In another one of his poems entitled “Parable from the Dictionary”, Leopoldo María
Panero writes:
24
One word leads to another word, one meaning to
another: meaning is extended like the
hair of a blonde lady, on the shore,
touching the sea and boats.
During these days of closing the Festival, days in which the entire staff is
awash with documentaries, I often turn to poetry during the little free time I have, out
of a sheer need for fresh air. I have been reading Panero of late, the Visor edition of his
Complete Poetry put together by Túa Blesa and, invariably, I have been stunned by the
flood of references to toads found in his verse.
As much as I try to avoid it this time of year, it is something I cannot help as
my mind is beset by the term “documentary”; so it is hardly surprising for me to fall
into sporadic moments of unusual confusion from time to time. This was the case to
such an extent that what occurred to me this time while reading the poems was my
thoughts got mixed up and, just as my capacity for discernment was diminishing, my
brains started switching words and concepts, replacing toads with documentaries and
vice versa, so much so that I could no longer easily make out whether I was reading
poems about the dark and uncertain fate of documentary film, or I was fully immersed
in directing an international festival of batrachians.
What might at first have seemed to be just a mental blunder, re-reading the
poems through this new lens, I got it into my head (indeed in a truly paradoxical and
rather surreal way) that it was starting to make a kind of sense…
This year makes the seventh Documenta, seven years of my working life
dedicated entirely to the genre of non-fiction, which has led me to see thousands of
films, to meet the directors and occasionally the protagonists, to travel to many other
festivals and countries, and, in short… to fall in love with documentary film.
During this time, the cinema of the real has afforded me greater surprises and
satisfaction than has any other genre in my entire life as a spectator. It has made me
aware of problems and situations that I did not even know existed. It has opened my eyes
to issues I knew nothing about. It has provided me with innovations both stylistically,
formally and in content, which is not happening with such speed and generosity in the
field of fiction film. In short, it has opened up thousands of doors and windows, and it
has sucked me into its swirling foam of creativity.
And, with everything and with this, the perception I have at the most pessimistic
of moments is that, for common mortals, it continues to be…
A toad!
Like in Leopoldo María’s verses, the documentary does not seem to be
inserted in a plan, at times I think that for most, they are aimless, they are like a closed
circle, “an inward sun”, about which “men living in the city” do not speak; they live life
and die without leaving a name behind to remember.
While there are inane and vapid films that smugly and boastfully strut through
cinemas all over the world, in most cases documentary films (this instrument so suited
for loudly denouncing the evils befalling the world), when they do end up making it to
these screens (which is already an exceptional achievement), they usually go largely
unnoticed. Something like the simile from the Catholic doctrines in the catechism of
Pope Pius X to explain Mary’s virginity like a sunbeam that passes through the glass
without breaking or staining it.
I cannot help including these lines from another poem by the same author.
One that (odd coincidence) has a title making reference to one of the symptoms that,
because of its excessive repetition, fully diagnoses the serious illness suffered by
present-day fiction:
REMAKE
The martyrdom of the toad
whose eyes no longer shine
whose legs shake crossing the poem
like a god of darkness
like a toad barking and barking
at the darkness, more fiercely
than what man can.
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26
I hope the state of documentary film never reaches such a point of gravity that
it ends up filling the books of martyrs, but it is certainly true that its fate is entirely in
our hands.
The field of non-fiction film production is not experiencing hard times. The
increasing number of both national and international films we receive consistently
repeats itself year after year when the submission deadline for Documenta passes.
Nor is there any shortage in creativity or issues to be treated, on the contrary: So then
where is the problem?
Well the crux of the matter, what is in short the Achilles heel for the screening
of documentaries in commercial cinemas is… a fish biting its own tail. There is clearly no
excessive interest on the part of distribution and exhibition to include them in cinemas,
which would make them easy to blame for the fact that spectators do not have enough
opportunities to see them in cinemas in their cities. But this would be a hasty diagnosis
since on the few occasions that they are programmed, spectators rarely take up the
offer in sufficient numbers to allow those in charge to cover their commitment with a
comfortable margin.
If the percentage of fiction films released in cinemas is vastly superior to the
percentage of documentaries in any country… in Spain, which is starting to take back
up its age-old lack of tradition and reluctance toward it, and its almost non-existent
attention to the genre… we had best not talk about it.
However, things are not as drastic as they might seem, since it is true that little
by little an increasing number of films, for one reason or another (winning international
grand prizes, pushed by some sporadic box-office success, glowing endorsement from
outstanding people…), are pushing and shoving their way into our cinemas. But the
outlook is far from gratifying.
I am convinced that we are embarking on a marathon in which we have to
replace the energy of a sprint with the pacing, stamina, patience and confidence of
long-distance runners.
Noticing the strength of documentary film in other media and spaces
(television channels, art galleries, museums, releases for sale or rent, and especially,
internet), we at the festival feel the need to continue to fight for a place in cinemas and
claim that this needs to become more and more widespread.
And this is what we have set out to do in our city for the past seven years. Every
Documenta Madrid is a call that both the organizational team and our audiences and
guests make to those who distribute, screen and view, to dare to commit to making a
difference. Or, in other words, to dare to lean over to kiss the toad.
After which, many skeptics will be surprised at how it turns into a prince right
before their astonished eyes.
Have faith and join us in our ten day trip through the swamp.
Every nook and cranny is full of princes, take the risk of finding them!
Antonio Delgado Liz
Director of Documenta Madrid
THE SWAMP
For Toñi, In memoriam
Come, it is night-time, let us travel the swamp
and the decline of kings
come, it is night-time, all the kings are dead
let us travel the swamp as though for the first time:
the sky twists in the serpent’s eyes
and it is as though day were breaking forever
and our eyes could not close
just see and see again the swamp
when it dawns in the serpent’s eyes.
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AYUNTAMIENTO DE MADRID
MADRID COUNCIL
ALCALDE DE MADRID
MAYOR OF MADRID
Alberto Ruiz-Gallardón
DELEGADA DE LAS ARTES
DELEGATE OF THE ARTS
Alicia Moreno
COORDINADOR GENERAL DE APOYO A LA CREACIÓN
GENERAL COORDINATOR OF SUPPORT FOR ORIGINAL WORK
Carlos Baztán
COORDINADOR GENERAL DE INFRAESTRUCTURAS CULTURALES
GENERAL COORDINATOR OF CULTURAL INFRASTRUCTURE
Juan José Echeverría
DIRECTOR GENERAL DE ACTIVIDADES CULTURALES
GENERAL DIRECTOR OF CULTURAL ACTIVITIES
Manuel Lagos
DIRECTORA GENERAL DE PROYECTOS CULTURALES
GENERAL DIRECTOR OF CULTURAL PROJECTS
Cristina Conde
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PATROCINIOS
YSPONSORS
COLABORACIONES
AND CONTRIBUTIONS
ORGANIZA ORGANIZE
AYUNTAMIENTO DE MADRID. ÁREA DE GOBIERNO
DE LAS ARTES
CON EL APOYO DE WITH THE SUPPORT OF
MINISTERIO DE CULTURA. ICAA
VICEPRESIDENCIA, CONSEJERÍA DE CULTURA
Y DEPORTE Y PORTAVOCÍA DEL GOBIERNO
DE LA COMUNIDAD DE MADRID
MEDIOS OFICIALES OFFICIAL MEDIA
NOTODO.COM
YACOM
COLABORAN COLLABORATIONS
El Ayuntamiento de Madrid y el Área de Las Artes, organizadora de DOCUMENTA MADRID 10, no se
responsabilizan ni coinciden necesariamente con las opiniones o las producciones incluidas o derivadas del
festival.
The Madrid Council and its Arts Department, organizer of DOCUMENTA MADRID 10, accept no responsibility
and don’t necessarily agree with the opinions or the works included in the festival or deriving from it.
ACADEMIA DE LAS ARTES Y LAS CIENCIAS
CINEMATOGRÁFICAS DE ESPAÑA
AVID
CAFE TEATRO, NAVES DEL ESPAÑOL
CASA ÁRABE
CASA ASIA
CASA DE AMÉRICA
CASBEGA
CENTRAL DE DISEÑO
CENTRO CULTURAL SAN JUAN BAUTISTA
CENTRO GALEGO DE ARTES DA IMAXE. CGAI
CENTRO HISPANO-MARROQUÍ
CHEVROLET
CINE PALAFOX
CINES PRINCESA
CÍRCULO DE BELLAS ARTES
EGEDA
EMBAJADA DE PORTUGAL
EMPRESA MUNICIPAL PROMOCIÓN DE MADRID
FILMAD
FILMOTECA ESPAÑOLA, CINE DORÉ
FILMOTECH.COM
FNAC
INSTITUTO CAMÕES
INSTITUTO FRANCÉS DE MADRID
INSTITUTO GOETHE
INTERMEDIAE
JUNTA MUNICIPAL DE CIUDAD LINEAL
LASER FILMS
LIBRERÍA OCHO Y MEDIO
MADRID FILM COMMISSION
MATADERO MADRID
MUSEO NACIONAL CENTRO DE ARTE REINA SOFÍA
NATIONAL FILM BOARD OF CANADA
PATRONATO DE TURISMO DE MADRID
RESTAURANTE CÁSCARAS
RESTAURANTE LA TABERNA DE LIRIA
TEATRO ESPAÑOL
HOTELES DEL FESTIVAL FESTIVAL HOTELS
HOTEL GRAN LEGAZPI DE MADRID
HOTEL TRYP MENFIS
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ÍNDICE
INDEX
36 PREMIOS AWARDS
323 PANORAMA NACIONAL NATIONAL SCENE
38 COMITÉ ASESOR ADVISORY BOARD
35 PANORAMA INTERNACIONAL INTERNATIONAL SCENE
3
336 Pantalla latinoamericana: Voces diferentes en el documental colombiano
Latin American Film: Different Voices in Colombian Documentary Film
348 Panorama árabe contemporáneo IV Arabic Contemporary Scene 4
360 Panorama asiático Asian Scene
50 MIEMBROS DE LOS JURADOS MEMBERS OF THE JURIES
SECCIONES COMPETITIVAS COMPETITIVE SECTIONS
34
63 Certamen nacional. Cortometrajes National Competition. Short Films
81 Certamen nacional. Cortometrajes. Biofilmografías
National Competition. Short Films. Biofilmographies
91 Certamen nacional. Largometrajes National Competition. Full-length Films
105 Certamen nacional. Largometrajes.Biofilmografías
National Competition. Full-length Films. Biofilmographies
113 Competición Documental Documentary Film Contest
137 Competición Documental. Biofilmografías
Documentary Film Contest. Biofilmographies
151 Concurso Documental de Creación. Cortometrajes Original Documentary Film
Competition. Short Films
173 Concurso Documental de Creación. Cortometrajes. Biofilmografías
Original Documentary Film Competition. Short Films. Biofilmographies
183 Concurso Documental de Creación. Largometrajes Original Documentary Film
Competition. Full-length Films
205 Concurso Documental de Creación. Largometrajes. Biofilmografías
Original Documentary Film Competition. Full-length Films. Biofilmographies
SECCIONES INFORMATIVAS INFORMATIVE SECTIONS
219 NOMBRES PROPIOS PROPER NAMES
221 Homenaje Alanis Obomsawin Alanis Obomsawin Tribute
233 Harutyun Khachatryan
243 Wang Bing
249 Hanns Eisler
263 Gonzalo Herralde
269 Tommaso Cotronei
279 INDEPENDIENTES USA USA INDEPENDENTS
281 Peter Hutton
299 Joseph Strick
303 Ben Russell
315 DOCUMENTA LA CONQUISTA ESPACIAL DOCUMENTA THE SPACE CONQUEST
367 TRABAJO: ¿(R)EVOLUCIONES? WORK: (R)EVOLUTIONS?
373 ACTIVIDADES PARALELAS PARALLEL ACTIVITIES
75 Encuentros Matadero Matadero Encounters
3
378 Clase magistral Peter Hutton: La imagen en el cine y su eclipse Peter Hutton Master Class: The Image and its Eclipse
380Clase magistral Valentina Leduc: Los caminos hacia la construcción de una emoción Valentina Leduc Master Class: Ways Toward Constructing Emotion
384 Conferencia: Hanns Eisler en España Conference: Hanns Eisler in Spain
386Textos Documenta. La casa abierta. El cine doméstico y sus reciclajes
contemporáneos Documenta Texts: The Open House: Home Movies and Contemporary Recycling Thereof
390Espacio ONG. Fundación Cear-Habitáfrica.CineFórum NGO Section. Cear-Habitáfrica
Foundation. Film Forum
394Espacio ONG. Presentación Festival de Cine Invisible NGO Section. Presentation
Festival of Invisible Film
397Presentación Máster Documental de Creación Presentation for Masters in Original
Documentary Filmmaking
399 La noche del Super 8 Super 8 Night
403 Archivo Documenta Documenta Archive
405 REFLEXIONES EN TORNO A UN CONCEPTO MEDITATIONS AROUND A CONCEPT
439 GUÍA DEL FESTIVAL FESTIVAL GUIDE
40 Sedes Festival Venues
4
442 Entradas y abonos Tickets and Voucher
445 Programación Festival Program
461 Equipo Organizador Documenta Madrid 10 Documenta Madrid 10 Organizational Team
464 Agradecimientos Acknowledgements
466 Índice de Realizadores Index by Director
471 Índice de Películas Index by Films
35
PREMIOS
AWARDS
36
Entre todas las películas seleccionadas para las secciones oficiales a concurso, los
jurados formados por profesionales de los medios cinematográficos, artístico y cultural,
y el público que participe con sus votos y,en el caso del PremioFilmotech.com, con sus
visionados legales de películas, decidirán la concesión de los siguientes premios oficiales:
The juries (to be made up of professionals from the worlds of film, art, culture),
the public (who will participate by voting), and in the case of the Filmotech.com Award, the
viewings of its legal downloads, will determine which of the films from among all the
Official Sections of competition are to be granted the following official awards.
FILMOTECH.COM
FILMOTECH.COM
PREMIO FILMOTECH.COM, dotado con 3.000 € y diploma.
FILMOTECH.COM AWARD, to be awarded 3,000 € and a diploma.
CERTAMEN NACIONAL
NATIONAL COMPETITION
CORTOMETRAJES
PRIMER PREMIO DEL JURADO, dotado con 4.000 € y trofeo.
SEGUNDO PREMIO DEL JURADO, dotado con 3.000 € y trofeo.
PREMIO DEL PÚBLICO, dotado con 2.000 € y diploma.
PREMIO AVID al mejor montaje. Dotado con un software Avid.
SHORT FILMS
FIRST PRIZE OF THE JURY, to be awarded 4.000 € and a trophy.
SECOND PRIZE OF THE JURY, to be awarded 3,000 € and a trophy.
AUDIENCE AWARD, to be awarded 2.000 € and a diploma.
AVID AWARD, for Best Editing. To be awarded with Avid software.
LARGOMETRAJES
FULL-LENGTH FILMS
FIRST PRIZE OF THE JURY, to be awarded 8,000 € and a trophy.
COMPETICIÓN DOCUMENTAL
PREMIO HONORÍFICO DEL JURADO, dotado con diploma.
DOCUMENTARY FILM COMPETITION
HONORABLE MENTION OF THE JURY, to be awarded a diploma.
CONCURSO DOCUMENTAL DE CREACIÓN
ORIGINAL DOCUMENTARY FILM COMPETITION
CORTOMETRAJES
SHORT FILMS
LARGOMETRAJES
FULL-LENGTH FILMS
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DOCUMENTA MADRID COMITÉ ASESOR
COMITÉ
ASESOR
ADVISORY BOARD
1. CECILIA BARRIGA
Concepción, Chile, 1957
1
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3
4
38
5
9
6
10
7
11
8
12
Directora hispanochilena de cine y vídeo, lleva más de veinte años trabajando en
la creación audiovisual y ha realizado obras de diversas características, géneros
y formatos. Dentro del género de ficción, destaca su primer largometraje, Time’s
Up!, que obtuvo varios premios en festivales internacionales y fue seleccionado
en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián (2000). En documental
también destacan obras importantes por su arriesgado estilo de creación muy
personal, como La herida de mi ojo, documental realizado en Cuba en 1996, en
un formato radicalmente doméstico que narra un espontáneo paseo por las
calles de La Habana. El camino de Moisés (2003) es uno de los diez documentales
más importantes emitidos por Documentos TV y trata de una forma muy abierta
e innovadora el tema del transgénero. Ni locas ni terroristas (2005) propone un
retrato colectivo de madres que lucharon contra los narcotraficantes en Galicia
y fue emitido por Televisión Española en La noche temática. Dentro del género
experimental destaca su vídeo Meeting Two Queens (Encuentro entre dos reinas,
1991), considerado un trabajo de culto por muchas universidades internacionales
y que ha participado en varias muestras internacionales de arte. El vídeo
experimental El origen de la violencia (2004) participó en la muestra Cárcel de
Amor, del Museo Reina Sofía. Su película Ojo eje (2008) fue presentada en el
Festival Internacional de San Francisco.
Hispanic-Chilean director of film and video, she has been working in audiovisual
creation for more than twenty years and has made films of different kinds, genres
and formats. One of her most notable films in the genre of fiction was her first
feature Time’s Up!, which earned several awards at international festivals and was
selected at the International Film Festival of San Sebastian (2000). In documentary
film, her most important work stands out for its bold and very personal style, such as
La herida de mi ojo, a documentary made in Cuba in 1996 using a radically amateur
format to depict a spontaneous stroll through the streets of Havana. El camino
de Moisés (2003) is one of the ten most important documentaries broadcast by
Documentos TV, and deals with the transgender issue in a very open and innovative
way. Ni locas ni terroristas (2005) is a collective portrait of mothers fighting drug
traffickers in Galicia and was broadcast on Spanish Television on La noche temática.
In the genre of experimental film, her outstanding video Meeting Two Queens (1991)
is considered to be a cult film at many international universities and has taken
part in several international art showings. The experimental video El origen de
la violencia (2004) participated in the Cárcel de Amor showing at the Reina Sofía
Museum. Her film Ojo eje (2008) was presented at the International Festival of San
Francisco.
39
ADVISORY BOARD DOCUMENTA MADRID
2. CRISTINA BERNALDO
Barakaldo, Vizcaya, 1978
Licenciada en Comunicación Audiovisual por la Universidad Carlos III de Madrid,
cursa estudios de doctorado en Historia del Cine en la Universidad Autónoma
de Madrid, especializándose en Documental, Arte y Compromiso Político, y de
posgrado en Formación de Profesorado, en la especialidad de Historia. Ha sido
responsable de la sección competitiva de Documenta Madrid en las ediciones de
2008 y 2009, y de Animadrid de 2007 a 2009. Ha trabajado en la producción de
festivales como el FIB (Benicássim), Almería en Corto, Animacor o Emisión Cero,
así como en el Departamento de Prensa del Festival de Cine Independiente de
Barcelona, l’Alternativa.
40
A graduate in Audiovisual Communication from the Carlos III University of Madrid, she
did her doctorate studies in Film History at the Autonomous University of Madrid, with
a specialization in Documentary film, Art and Political Activism, and she did post-grad
work in Professor Training in History. She was in charge of the competitive section of
Documenta Madrid in 2008 and 2009 and of Animadrid from 2007 to 2009. She has
worked on the production teams for such festivals as the FIB – Benicássim, Almería
en Corto, Animacor and Emisión Cero, as well as in the press department for the
independent film festival l’Alternativa of Barcelona.
3. NOEMÍ GARCÍA DÍAZ
Madrid, 1973
Licenciada en Ciencias de la Imagen (UCM) y en Antropología Social y Cultural
(UAM). Realiza estudios de posgrado en Historia del Cine en la UAM y de Antropología
Visual en la UNAM de México, especializándose en cine documental y etnográfico.
Ha trabajado como realizadora y editora de reportajes documentales para las
televisiones La Cinquième (París), Canal Satélite Digital, Localia TV y Canal +.
Durante el período 2004-2005 fue responsable de la sección competitiva del Festival
Internacional Documenta Madrid. Desde 2006 forma parte del comité asesor de
Documenta Madrid y ha coordinado los siguientes libros de la línea editorial Textos
Documenta: De la foto al fotograma: fotografía y documental, dos miradas sobre la
realidad, editado por Rafael R. Tranche; Espejos rotos. Aproximación al documental
norteamericano contemporáneo, editado por María Luisa Ortega, y Caminar sobre
hielo y fuego. Los documentales de Werner Herzog, editado por Antonio Weinrichter.
Es coeditora del libro Cine directo. Reflexiones en torno a un concepto, editado por
el Festival de las Palmas en colaboración con T&B Editores. Desde 2007 dirige la
Diplomatura de Dirección y Guión Documental del Instituto del Cine. Forma parte
del colectivo de educación audiovisual La Claqueta.
She graduated with majors in Image Sciences (UCM) and Social and Cultural
Anthropology (UAM). She did her post-grad studies in Film History at the UAM and
Visual Anthropology at the UNAM of Mexico, with a specialization in documentary film
and ethnography. She has worked as a director and editor of documentary programs
for the television stations La Cinquième (París), Canal Satélite Digital, Localia TV
y Canal +. From 2004 to 2005 she was in charge of the competitive section of the
International Festival Documenta Madrid. Since 2006 she has been on Documenta
Madrid’s advisory board and has coordinated the following books for the publishing
line Textos Documenta: De la foto al fotograma: fotografía y documental, dos miradas
sobre la realidad, edited by Rafael R. Tranche; Espejos rotos. Aproximación al documental
norteamericano contemporáneo, edited by María Luisa Ortega, and Caminar sobre hielo y
fuego. Los documentales de Werner Herzog, edited by Antonio Weinrichter. She co-edited
the book Cine directo. Reflexiones en torno a un concepto, published by the Festival
of Las Palmas in collaboration with T&B Editores. Since 2007 she has directed the
documentary directing and screenwriting diploma for the Film Institute of Madrid. She
is a member of the audiovisual education collective La Claqueta.
4. LAURA GÓMEZ VAQUERO
Madrid, 1976
Licenciada en Historia del Arte y doctoranda en Historia del Cine en la Universidad
Autónoma de Madrid. Ha participado en diversos congresos nacionales e internacionales
y, desde hace cuatro años, imparte clases sobre cine documental en el Instituto del Cine
(NIC) de Madrid. Ha escrito diversos artículos y reseñas para revistas (Secuencias. Revista
de Historia del Cine, Archivos de la Filmoteca, Tarbiya. Revista de Investigación e Innovación
Educativa), catálogos y libros colectivos: Nada es lo que parece. Falsos documentales,
hibridaciones y mestizajes del documental en España, coordinado por M.ª Luisa Ortega
para Documenta Madrid (2005); Miradas para un nuevo milenio. Fragmentos para una
historia futura del cine español, coordinado por Hilario J. Rodríguez para el Festival de
Cine de Alcalá de Henares (2006); y David Lean, coordinado por Jesús Angulo, Roberto
Cueto y Antonio Santamarina para la editorial Nosferatu (2008), entre otros. Es miembro
del Consejo de Redacción de Secuencias. Revista de Historia del Cine (UAM / Ocho
y Medio) y, desde 2006 hasta 2009, ha sido responsable de la edición del catálogo de
Documenta Madrid. Recientemente, ha coordinado dos volúmenes en torno al cine:
Piedra, papel y tijera: collage y cine documental, junto a Sonia García López, y El espíritu
del caos. Representación y recepción de las imágenes durante el franquismo, con Daniel
Sánchez Salas. Actualmente se encuentra finalizando su tesis sobre la entrevista en el
documental durante la Transición española (Universidad Autónoma de Madrid).
With a BA in Art History and doing PhD work in Film History at the Autonomous University
of Madrid, she has participated in different national and international conferences and
41
42
for the past four years has been giving classes on documentary film at the Film Institute
(NIC) of Madrid. She has written articles and reviews for magazines (Secuencias.
Revista de Historia del Cine, Archivos de la Filmoteca, Tarbiya. Revista de Investigación
e Innovación Educativa), catalogues and collective books: Nada es lo que parece. Falsos
documentales, hibridaciones y mestizajes del documental en España, coordinated
by M.ª Luisa Ortega for Documenta Madrid (2005); Miradas para un nuevo milenio.
Fragmentos para una historia futura del cine español, coordinated by Hilario J. Rodríguez
for the Film Festival of Alcalá de Henares (2006); and David Lean, coordinated by Jesús
Angulo, Roberto Cueto and Antonio Santamarina for the publishing company Nosferatu
(2008), among others. She is on the Editor’s Board for Secuencias. Revista de Historia
del Cine (UAM / Ocho y Medio) and from 2006 through 2009 she was in charge of the
catalogue for Documenta Madrid. She has recently coordinated two publications on
cinema: Piedra, papel y tijera: collage y cine documental, along with Sonia García López,
and El espíritu del caos. Representación y recepción de las imágenes durante el franquismo,
with Daniel Sánchez Salas. She is currently finishing her dissertation on the interview
in documentary films during Spain’s transition to democracy (Autonomous University
of Madrid).
5. ANDREA GUZMÁN URZÚA
Madrid, 1969
De origen chileno, creció y estudió en La Habana. Diplomada en Dirección de
Fotografía por la Escuela Internacional de Cine y TV de San Antonio de los Baños
(Cuba) y licenciada en Ingeniería Informática en La Habana, trabaja como profesional
del medio audiovisual desde 1993. Ha sido ayudante y operadora de cámara, así
como foto fija en rodajes durante más de doce años, y ayudante de dirección y
directora de producción en largometrajes documentales junto a Patricio Guzmán.
Desde la fundación del Festival Internacional de Documental Fidocs (Chile), en 1997,
hasta 2007 ha colaborado en la programación y producción del mismo. A partir de
2005 trabaja en el equipo de Documenta Madrid como coordinadora del jurado y
de actividades paralelas. Desde 2009 ha formado parte del Comité de Selección
del festival. Fue la coordinadora y jefa de producción del primer pitching forum
(encuentro entre creadores y productores audiovisuales) en Docusur Market 2006
(Tenerife). También fue coordinadora del mercado en 2007 y formó parte del comité
de selección en las dos primeras ediciones del festival. Ha trabajado, además,
en la sección oficial de documentales del Festival de Málaga-Cine Español. En
2007, junto a varios profesionales del documental, funda Docma, Asociación de
Cine Documental, que preside, creada con los objetivos de difundir este género
cinematográfico y apoyar la creación de documentales en España, así como la
formación en este ámbito. Como parte de las actividades de Docma, ha coordinado
varios seminarios en Madrid impartidos por prestigiosas figuras del género y ha
contribuido enormemente a la divulgación del cine documental, distribuyendo
información de gran interés y manteniendo una permanente colaboración con
entidades que programan y promocionan este tipo de cine.
Of Chilean origin, she grew up and studied in Havana. She got a diploma in Direction
of Photography from the San Antonio de los Baños International School of Film and TV
(Cuba). She majored in computer engineering in Havana. She has been working as an
audiovisual professional since 1993. She has been an assistant and camera operator
on both still photo and film shoots for more than twelve years. She was assistant
director and production director on full-length documentaries by Patricio Guzmán.
Since it was founded in 1997, through to 2007, she collaborated on the programming
and production of the International Documentary Festival Fidocs (Chile). Starting in
2005, she has been working on the Documenta Madrid team as coordinator of the juries
and parallel activities. She has been on the festival’s Selection Committee since 2009.
She was coordinator and production manager of the first pitching forum at Docusur
Market 2006 (Tenerife). She was also the market coordinator in 2007 and on the selection
committee the first two times the festival was held. She has also worked on the official
selection of documentaries for the Spanish Film Festival of Malaga. In 2007 she and
other documentary professionals founded Docma, the Documentary Film Association,
which she oversees and created for the purpose of disseminating this kind of cinema
and for aiding in the creation of, and training in, documentary filmmaking in Spain.
As part of her activities in Docma, she has coordinated several seminars in Madrid
given by prestigious figures in the genre, and has contributed enormously to teaching
about documentary film through spreading highly interesting information and through
keeping up continuous collaboration with entities that program and promote this kind
of cinema.
6. CARLO MAGNESI
Turín, Italia / Turin, Italy, 1979
Ha estudiado en la Beijing Language and Culture University de Pekín, en la Universidad
Jean Moulin de Lyon y en la Universidad Ca’ Foscari de Venecia, donde se licenció en
Historia del Arte Oriental. En 2004, después de regresar de China, se trasladó a España,
donde trabaja desde hace más de cuatro años como coordinador del Departamento de
Cultura y Exposiciones en Casa Asia.
He studied at the Beijing Language and Culture University of Beijing, at the Jean Moulin
University of Lyon and at the Ca’ Foscari University of Venice, where he finished his
studies with a major in History of Oriental Art. In 2004, after returning from China, he
moved to Spain where he has been working for over four years as coordinator of the
Culture and Exhibitions Department at the Casa Asia.
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7. LOLA MAYO
Villanueva de la Serena, 1970
8. BASEL RAMSIS
El Cairo, Egipto / Cairo, Egypt, 1973
Es licenciada en Ciencias de la Información. En 1996 creó junto a Javier Rebollo y Damián
París la productora Lolita Films, cuya filmografía ha cosechado más de un centenar de
premios en festivales de todo el mundo. Es coguionista de los cinco cortometrajes de Javier
Rebollo, En medio de ninguna parte (1997), ¡Hola, desconocido! (1998), El equipaje abierto
(1999), El preciso orden de las cosas (2000) y En camas separadas (2002). Estos cortometrajes
reúnen numerosos premios nacionales e internacionales, entre ellos dos nominaciones a los
Premios Goya. Entre 1991 y 1998 fue redactora de programas informativos y documentales
en la televisión autonómica Telemadrid (El semanal, 7 días, 30 minutos). Desde 1998 ha
escrito y dirigido varios documentales de gran formato para Documentos TV, de TVE. En
2006 coprodujo a través de Lolita Films el primer largometraje de Javier Rebollo, Lo que sé
de Lola, de cuyo guión es coautora. La película, estrenada en la Sección Oficial del Festival
Internacional de Cine de San Sebastián, ha sido nominada al Goya a la Mejor Dirección
Novel y ha obtenido, entre otros, el Premio FIPRESCI en el Festival de Cine de Londres y
el Gran Premio del Festival de Seúl. En 2006 recibió el prestigioso Premio Reina Sofía de
Periodismo, por su documental A través del cristal. Es premio de poesía Ángel Urrutia por su
libro Perfil del abordaje y finalista del Premio Bruguera de Novela en 2007. En 2009 escribió
y produjo el largometraje de Javier Rebollo La mujer sin piano, que ganó la Concha de Plata
en el Festival de Cine de San Sebastián.
Realizador y productor cinematográfico, estudió cine en El Cairo y Madrid. Ha realizado
y producido varios cortometrajes de ficción, videoarte y documentales como El otro
lado… Un acercamiento a Lavapiés (2002) y Columpios (2007). Ambos largometrajes han
participado en festivales de cine tanto en España como en el extranjero. Ha participado
como tutor en cursos, talleres y jornadas sobre cine documental, cine egipcio o cine de
inmigración, en diferentes universidades españolas y extranjeras. Desde comienzos
de 2003 ha impartido talleres prácticos de documental y de análisis cinematográfico en
distintas ciudades españolas, así como en Egipto, Jordania, Chile y Cuba. Ha sido miembro
del jurado en diversos festivales de cine, tanto de ámbito nacional como internacional.
Es comisario del programa Panorama del Documental Árabe Contemporáneo, que se
celebra en Casa Árabe desde septiembre de 2007, y forma parte del equipo asesor de
proyectos de la European Cultural Foundation (Ámsterdam, Holanda) desde 2008.
A graduate in Information Sciences. In 1996 she and Javier Rebollo and Damián Paris
created the production company Lolita Films, which has earned more than a hundred
awards at festivals worldwide. She was co-screenwriter on five short films by Javier
Rebollo, En medio de ninguna parte (1997), ¡Hola, desconocido! (1998), El equipaje abierto
(1999), El preciso orden de las cosas (2000) and En camas separadas (2002). These short
films have won numerous national and international awards, including two Goya Award
nominations. From 1991 to 1998 she was a writer for news programs and documentaries
at the local television station Telemadrid (El semanal, 7 días, 30 minutos). Since 1998 she
has written and directed several large-format documentaries for Documentos TV on TVE.
In 2006 she co-produced, through Lolita Films, Javier Rebollo’s first feature film Lo que
sé de Lola, which she also co-wrote. The film, which premiered in the Official Section
of the International Film Festival of San Sebastián, was nominated for the Goya Award
for Best New Director and has won, among others, the FIPRESCI Award at the London
Film Festival and the Grand Prize at the Seoul Film Festival. In 2006 she receive the
prestigious Reina Sofía Award for Journalism for her documentary A través del cristal.
She won the Ángel Urrutia Award for poetry for her book Perfil del abordaje and was a
finalist for the Bruguera Novel Award in 2007. In 2009 she wrote and produced Javier
Rebollo’s feature film La mujer sin piano, which won the Silver Shell at the San Sebastián
Film Festival.
Film director and producer, he studied film in Cairo and Madrid. He has directed and
produced several fiction short films, video art pieces and documentaries such as El
otro lado… Un acercamiento a Lavapiés (2002) and Columpios (2007). Both full-length
films have participated at film festivals in Spain and abroad. He has been a tutor for
courses, workshops and work sessions on documentary film, Egyptian film and cinema
about immigration at different Spanish and foreign universities. Since early 2003 he has
given practical workshops in documentary filmmaking and on film analysis in different
Spanish cities, as well as in Egypt, Jordan, Chile and Cuba. He has been a member of
the jury at different national and international film festivals. He organizes the program
Panorama del Documental Árabe Contemporáneo, which has been held at the Casa
Árabe since September 2007 and has been on the advisory board for projects of the
European Cultural Foundation (Amsterdam, Netherlands) since 2008.
9. JAVIER REBOLLO
Madrid, 1969
Creó en 1996, junto a Lola Mayo y Damián París, Lolita Films, con la que ha producido
sus trabajos y los de otros directores. Entre 1997 y 2002 dirigió los cortometrajes En
medio de ninguna parte (1997), ¡Hola, desconocido! (1998), El equipaje abierto (1999), El
preciso orden de las cosas (2000) y En camas separadas (2002). Con ellos obtuvo dos
nominaciones a los Premios Goya y ganó un centenar de premios. Su trabajo ha sido
objeto de retrospectivas en festivales como Brest y Essone (Francia), Tubinga (Alemania)
y Bruselas (Bélgica), entre otros. En 2006 dirigió el largometraje Lo que sé de Lola, que
se estrenó en la Sección Oficial del Festival Internacional de Cine de San Sebastián y
participó en cincuenta festivales internacionales. La película fue nominada al Goya a
45
la Mejor Dirección Novel y obtuvo el Premio FIPRESCI de la crítica internacional en el
London Film Festival, el Premio a la Mejor Ópera Prima en los festivales de Chicago
(Estados Unidos), Guadalajara (México) y Madridimagen (España), el Premio Julio Verne
del Festival de Cine Español de Nantes (Francia), el Gran Premio del Festival de Cine
Español de Marsella (Francia) y el Gran Premio del Festival de Cine de Seúl (Corea),
entre otros. En el año 2004 Documenta Madrid dedicó una retrospectiva a sus trabajos
documentales para la televisión en colaboración con Lola Mayo. Por sus documentales
para el programa Documentos TV, de La 2 de Televisión Española, ha recibido, entre
otros, el Premio Reina Sofía de Periodismo en el año 2006. En 2009 dirigió su segundo
largometraje, La mujer sin piano, con el que ganó la Concha de Plata en el Festival de
San Sebastián.
46
In 1996 he and Lola Mayo and Damián París created Lolita Films, with which he has
produced six of his own films and those made by other directors. Between 1997 and 2002,
he directed the short films En medio de ninguna parte (1997), ¡Hola, desconocido! (1998),
El equipaje abierto (1999), El preciso orden de las cosas (2000) and En camas separadas
(2002). For these he has earned two Goya Awards nominations and won around a
hundred awards. His work has been featured in retrospectives at such festivals as Brest
and Essone (France), Tübingen (Germany) and Brussels (Belgium), among others. In
2006 he directed the feature film Lo que sé de Lola, which premiered in the Official
Section of the International Film Festival of San Sebastián and participated in around
fifty international festivals. The film was nominated for a Goya for Best New Director
and won the FIPRESCI award from the international critics at the London Film Festival,
the Award for Best Opera Prima at the festivals of Chicago (United States), Guadalajara
(Mexico) and Madridimagen (Spain), the Jules Verne Award from the Festival of Spanish
Film of Nantes (France), the Grand Prize at the Festival of Spanish Film of Marseille
(France) and the Grand Prize at the Seoul Film Festival (Korea), among others. In
2004, Documenta Madrid did a retrospective of his documentary work for television
in collaboration with Lola Mayo. For his documentaries for the program Documentos
TV on Channel 2 Televisión Española, he has received, among other awards, the Reina
Sofía Award for Journalism in 2006. In 2009 he directed his second feature-length film,
La mujer sin piano, which won the Silver Shell at the San Sebastián Film Festival.
10. HILARIO J. RODRÍGUEZ
Santiago de Compostela, 1963
Licenciado en Filología Anglogermánica y en Filología Hispánica, ha dado clases de
lengua y literatura en España, República de Irlanda, Gran Bretaña y Estados Unidos.
Se encarga de la sección de cine de Revista de Occidente; colabora habitualmente
con ABC, La Vanguardia, Clarín, Rockdelux e Imágenes de actualidad; y además trabaja
como asesor y programador para varios festivales de cine. Ha escrito estudios sobre
géneros cinematográficos, películas y cineastas, como Eyes Wide Shut: los sueños diurnos
(Ediciones de la Mirada, 1999), Museo del miedo (JC, 2003), Lars von Trier: el cine sin dogmas
(JC, 2003), El cine bélico (Paidós, 2006), Tim Burton (JC, 2006), Después de la revolución.
El cine de los hermanos Taviani (Festival de Cine de Huesca / Calamar Ediciones, 2007) o
Voces en el tiempo. Conversaciones con el último cine español (Festival de Cine de Alcalá
de Henares / Comunidad de Madrid, 2006); y ha coordinado libros colectivos como Las
miradas de la noche (Ocho y Medio, 2005), Miradas para el nuevo milenio. Fragmentos para
una historia futura del cine español (Festival de Cine de Alcalá de Henares / Comunidad de
Madrid, 2006), Elegías íntimas (Documenta Madrid / Ocho y Medio, 2008) o En las ciudades
(Festival de Cine de Cáceres / Notorious Ediciones, 2009). Su obra de ficción la componen
los libros de relatos Aunque vuestro lugar sea el infierno (Ediciones de la Mirada, 1998) y
Mapa mudo (Ediciones Traspiés, 2009) y las novelas Construyendo Babel (Tropismos, 2004)
y El otro mundo (Ediciones del Viento, 2009).
With a BA in Anglo-Germanic Philology and another in Hispanic Philology, he has given
classes in language and literature in Spain, the Republic of Ireland, Great Britain and
the United States. He is in charge of the film section of Revista de Occidente magazine,
is a regular contributor to ABC, La Vanguardia, Clarín, Rockdelux and Imágenes de
actualidad, and also works as an advisor and programmer for several film festivals.
He has written papers on film genres, films and filmmakers, such as Eyes Wide
Shut: los sueños diurnos (Ediciones de la Mirada, 1999), Museo del miedo (JC, 2003),
Lars von Trier: el cine sin dogmas (JC, 2003), El cine bélico (Paidós, 2006), Tim Burton
(JC, 2006), Después de la revolución. El cine de los hermanos Taviani (Festival de Cine de
Huesca / Calamar Ediciones, 2007) and Voces en el tiempo. Conversaciones con el último
cine español (Festival de Cine de Alcalá de Henares / Comunidad de Madrid, 2006).
He has also collaborated on collective books such as Las miradas de la noche (Ocho y
Medio, 2005), Miradas para el nuevo milenio. Fragmentos para una historia futura del cine
español (Festival de Cine de Alcalá de Henares / Comunidad de Madrid, 2006), Elegías
íntimas (Documenta Madrid / Ocho y Medio, 2008) and En las ciudades (Festival de Cine
de Cáceres / Notorious Ediciones, 2009). He has also written fiction, including the
books of stories Aunque vuestro lugar sea el infierno (Ediciones de la Mirada, 1998) and
Mapa mudo (Ediciones Traspiés, 2009) and the novels Construyendo Babel (Tropismos,
2004) and El otro mundo (Ediciones del Viento, 2009).
11. SANDRA RUESGA
Madrid, 1975
Licenciada en Ciencias Políticas por el Institut d’Études Politiques de Toulouse, ciudad
en la que residió desde los 9 años. De regreso a España se licencia en Periodismo por
la Universidad Complutense de Madrid y realiza el postgrado universitario de Guión
de Cine Documental Histórico. Profundiza en el cine documental a través de diversos
47
talleres de la mano de Patricio Guzmán y Michael Rabiger, entre otros. Ha trabajado
en cine y televisión como ayudante de dirección y como realizadora de reportajes y
spots publicitarios. Ha dirigido varios cortometrajes documentales, como Caricaturas
(2003), producido para el IORTV, y 8 años de trabajo bien hecho (2004). Como miembro
del colectivo Discusión14, dirigió el largometraje documental 200 km, estrenado en
el Festival de Cine de San Sebastián y premiado en numerosos festivales, una de las
piezas del largometraje documental Entre el dictador y yo (2005), y el cortometraje
Haciendo memoria. Ha sido responsable de la sección competitiva de Documenta
Madrid en 2006 y 2007. Forma parte del comité de selección de Documenta Madrid
desde su VIII edición. Actualmente compagina su trabajo de realizadora con el de
responsable de relaciones públicas en diversos festivales internacionales, entre ellos
Documenta Madrid.
48
A Political Science graduate of the Institut d’Étude Politiques of Toulouse, she has
been living in that city since the age of 9. In Spain she majored in Journalism at
the Complutense University of Madrid and did her post-graduate work in Historical
Documentary Film Screenwriting. She has furthered her documentary knowledge in
workshops led by Patricio Guzmán and Michael Rabiger, among others. She has worked
in film and television as an assistant director and as a director on reports and advertising
spots. She has directed several documentary short films such as Caricaturas (2003),
produced by IORTV and 8 años de trabajo bien hecho (2004). As a member of the collective
Discusión 14, she directed the full-length documentary 200km, which premiered at the
Film Festival of San Sebastián and won awards at numerous festivals, one of the pieces
in the full-length documentary Entre el dictador y yo (2005) and the short film Haciendo
memoria. She was in charge of the competitive section of Documenta Madrid in 2006
and 2007. She has been on the selection committee for Documenta Madrid since its
8th edition. She is currently combining her work as a director with her job doing public
relations for different international festivals, including Documenta Madrid.
12. JARA YÁÑEZ
Madrid, 1980
Licenciada en Historia del Arte por la Universidad Autónoma de Madrid, obtuvo en esa
misma universidad el DEA (Diploma de Estudios Avanzados), dentro del programa de
doctorado en Historia del Cine, con un trabajo de investigación sobre las relaciones entre
la imagen y la música en el cine de las vanguardias históricas. Comenzó trabajando como
periodista para el grupo PRISA, en el área de Progresa (Promotora General de Revistas),
revista El Dominical, y ha colaborado en otras publicaciones, como Esquire o Clone, además
de la revista académica, especializada de cine, Secuencias. En la actualidad es redactora
en la revista Cahiers du cinéma. España. Ha coordinado el libro Cine español para el nuevo
siglo. La mirada contemporánea (edición bilingüe, 2007) para el Festival Internacional de
Cine de Tesalónica; participó en el libro La piel y la máscara. Entrevistas con actores del
cine español, de Lola Mayo (2009), como autora de la introducción, y es autora del libro
La aritmética de la creación. Entrevistas con productores del cine español contemporáneo
(2009, con la colaboración de Luis L. Carrasco), editado por el Festival Internacional de
Cine de Alcalá de Henares. Ha colaborado como programadora con el Festival de Cine
Chico de Canarias-La Palma (Festivalito) y ha sido jurado en diversos festivales.
With a BA in Art History from the Autonomous University of Madrid, she also got a
DEA (Advanced Studies Degree) in Film History within the PhD program at that same
university, with research work done on the relationship between image and music in
the film work of historical avant garde movements. She started working as a journalist
for the PRISA group in the Progresa area (General Magazine Promotor), the magazine
El Dominical and has contributed to other publications such as Esquire and Clone,
in addition to the academic film journal Secuencias. She is currently a writer for the
magazine Cahiers du cinéma, Spain. She has coordinated the book Cine español para el
nuevo siglo. La mirada contemporánea (bilingual edition, 2007) for the International Film
Festival of Thessaloniki, wrote the introduction to Lola Mayo’s book La piel y la máscara.
Entrevistas con actores del cine español (2009), and authored the book La aritmética
de la creación. Entrevistas con productores del cine español contemporáneo (2009, in
collaboration with Luis L. Carrasco), published by the International Film Festival of
Alcalá de Hernares. She has collaborated as a programmer for the Cine Chico Festival
of Canarias-La Palma (Festivalito) and has served on the jury of different festivals.
49
DOCUMENTA MADRID MIEMBROS DE LOS JURADOS
MIEMBROS
DE
LOS
JURADOS
MEMBERS OF THE JURIES
CERTAMEN NACIONAL NATIONAL COMPETITION
1. CARLOS BERNAL
La Ceja, Colombia, 1960
1
2
3
4
50
5
9
6
10
7
11
8
12
Documentalista, docente, fotógrafo e investigador. Cursó estudios de Comunicación
Social en la Universidad Javeriana. Realiza estudios de doctorado en la Universidad de
la Salle de Costa Rica. Su primera película documental, Son del barro (1986), producida
por Víctor Gaviria, fue censurada por la televisión regional. Ha dirigido, entre otras, las
películas 1.526 metros sobre el nivel del mar (Mención Especial del Jurado de Artrónica),
África tierra madre (emitido en Deutsche Welle y 3 Sat en Alemania), Niños en la vía
(emitido en Televisión Española), El mundo es plano, Portadores de música, Acordeón de
carbón, Cuentos en azul, El pacífico bogotano y Acordeón de papel. Actualmente trabaja
en el proyecto Sinfonía a Santa Marta. Ha publicado el libro Imágenes en movimiento
(2009). Además, es profesor del Programa de Cine y Audiovisuales de la Universidad
del Magdalena, en los campos de cine documental, fotografía, videoarte y narrativa
clásica. La obra cinematográfica de Carlos Bernal ha recibido numerosas distinciones
nacionales e internacionales. En el campo de la fotografía ha expuesto y publicado las
siguientes series: La tercera piel, Reflejos, Hojas e Imágenes en movimiento.
Documentary filmmaker, teacher, photographer and researcher. He did his studies
in Social Communication at Javeriana University. He did his doctorate studies at the
Universidad de la Salle in Costa Rica. His first documentary film, Son del barro (1986),
produced by Víctor Gaviria, was banned by the regional television station. He has directed,
among others, the films 1,526 metros sobre el nivel del mar (Jury Special Mention at
Artrónica), África tierra madre (broadcast on Deutsche Welle and 3 Sat in Germany),
Niños en la vía (broadcast on Televisión Española), El mundo es plano, Portadores de
música, Acordeón de carbón, Cuentos en azul, El pacífico bogotano and Acordeón de papel.
He is currently working on the project Sinfonía a Santa Marta. He has published the book
Imágenes en movimiento (2009). In addition, he is professor of the Film and Audiovisual
Program at the University of Magdalena in the fields of documentary film, photography,
video art and classical narrative. In the field of photography he has shown and published
the following series: La tercera piel, Reflejos, Hojas and Imágenes en movimiento.
2. LUCILA MOCTEZUMA
México D. F. / Mexico City, 1968
Licenciada en Filosofía por la Universidad Iberoamericana, donde impartió clases
de 1991 a 1995, reside en Nueva York desde 1996. Desde entonces ha colaborado
constantemente en la comunidad de cine independiente de Nueva York con
organizaciones de apoyo a las artes audiovisuales, festivales de cine, y como
51
MEMBERS OF THE JURIES DOCUMENTA MADRID
52
asesora de proyectos de cine de ficción y documental. Actualmente es coordinadora
del Tribeca Latin America Media Arts Fund para el Tribeca Film Institute, cuyo fin
es apoyar a cineastas latinoamericanos en la realización de nuevos proyectos.
Anteriormente dirigió las Becas para Artes Audiovisuales de la Fundación
Rockefeller, las cuales brindaron apoyo financiero a cineastas en Estados Unidos y
América Latina de 1988 a 2008. También trabajó con el Independent Feature Project
(IFP) y el Latin American Video Archive (LAVA). Es integrante del consejo directivo
del Flaherty Film Seminar y forma parte del consejo de asesores y el comité de
programación de Rooftop Films. Su colaboración con festivales de cine se extiende
al Festival Margaret Mead en NY, Festival Internacional de Cine de Morelia en
México, Mostra Invideo en Italia y Festival Internacional de Cine de Huesca en
España, para el cual contribuye como delegada en Estados Unidos. Ha participado
como jurado en el festival Media That Matters, los Premios Emmy Internacionales,
el Festival de Cine de Morelia y el Festival Internacional de Cine Contemporáneo de
la Ciudad de México (FICCO). También ha contribuido en equipos de selección para
organizaciones como la Fundación Jerome, el Funding Exchange, el Gucci Tribeca
Documentary Fund y el TFI Sloan Filmmakers Fund en Estados Unidos y la Beca
Gucci Ambulante en México. Ha participado como ponente en mesas redondas en
el Festival de Cine de Guadalajara, el Rose Goldsen Archive de la Universidad de
Cornell, el Fórum Universal de las Culturas en Monterrey y el festival MexicoNow
en NY, entre otros. Su labor como productora asociada comprende las series
documentales The New Americans (2002), para la cadena de televisión PBS, y
Shocking and Awful (2005), de Deep Dish TV, que se exhibió como parte de la Bienal
del Museo Whitney en 2006.
A graduate of Philosophy from the Iberoamerican University where she gave classes
from 1991 through 1995, she has been living in New York since 1996. Since then she
has continuously collaborated with the independent film community of New York
with support organizations for the audiovisual arts, film festivals and as a consultant
on fiction film and documentary projects. She is currently the coordinator of the
Tribeca Latin America Media Arts Fund for the Tribeca Film Institute, whose aim
is to lend support to Latin American filmmakers on new projects. She previously
directed the Audiovisual Arts Fellowships for the Rockefeller Foundation, which
provided financial aide to US and Latin American filmmakers from 1988 to 2008.
She also worked with the Independent Feature Project (IFP) and the Latin American
Video Archive (LAVA). She is on the Board of Directors of the Flaherty Film Seminar
and is on the advisory council and programming committee of Rooftop Films. Her
collaboration on film festivals has included the Margaret Mead Festival in NY, the
International Film Festival of Morelia in Mexico, the Mostra Invideo in Italy and
the International Film Festival of Huesca in Spain, where she served as the US
Delegate. She has been a member of the jury at the festival Media That Matters,
the International Emmy Awards, the Film Festival of Morelia and the International
Festival of Contemporary Film of Mexico City (FICCO). She has also served on the
selection panels for organizations such as the Jerome Foundation, the Funding
Exchange, the Gucci Tribeca Documentary Fund and the TFI Sloan Filmmakers Fund
in the US and the Gucci Ambulante Fellowship in Mexico. She has been a speaker
at round tables at the Film Festival of Guadalajara, the Rose Goldsen Archive of
the University of Cornell, the Universal Forum of Cultures in Monterrey and the
MexicoNow festival of NY, among others. Her work as an assistant producers
includes the documentary series The New Americans (2002) for PBS and Shocking
and Awful (2005) for Deep Dish TV, which was shown as part of the Whitney Museum
Biennale in 2006.
3. JUAN CARLOS VÁZQUEZ VELASCO
Barakaldo, Vizcaya, 1961
Director de la organización no gubernamental para el desarrollo Kultura Communication
y Desarrollo KCD, cuyo fin principal es fomentar la comunicación social y cultural
como herramienta de desarrollo. También es fundador de Filme Sozialak, Festival
Internacional de Cine Invisible de Bilbao y de la red de Comunicación Social CAR.
Desde 1988 trabaja en el ámbito de la cooperación y la sensibilización para el desarrollo
y durante dieciséis años dirigió una muestra de cine social en cuatro ciudades y varios
pueblos del País Vasco. Desde 2005 hasta 2009 fue asesor de CLACPI, Coordinadora
Latinoamericana de Cine y Comunicación de los Pueblos Indígenas. También ha
participado como jurado en el Festival Internacional de Cine y Vídeo de los Pueblos
Indígenas (Wallmapu, Chile, 2004), Festival de Cine Pobre de Gibara (Cuba, 2007),
Festival Internacional de Cine Chico de Canarias “Festivalito” en 2007, y entregando el
Premio Tele Sur en el Festival Internacional de Cine y Vídeo de los Pueblos Indígenas
(Bolivia, 2008).
J. Carlos Vázquez Velasco (Basque Country, Spain) is the Director of the NGO Kultura,
Communication and Development (KCD). KCD’s goal is to utilize communication
as a tool for social and cultural development. Carlos is also the Founder of Filme
Sozialak, the International Invisible Cinema Film Festival in Bilbao and the Network of
Communicators, CAR. Since 1988, Carlos has been working in the area of Cooperation
and Education for Development and for 16 years directed a socially-engaged film
series in four cities and various small towns in the Basque Country. From 2005 to
2009 he was a consultant to the Coordinator for Latin American Indigenous Film and
Communication (CLACPI). Carlos has been a juror at the International Indigenous Film
and Video Festival, Wallmapu (Chile, 2004); Cine Pobre Film Festival, Gibara (Cuba,
2007); International Small Film Festival, Canary Islands, 2007; and awarded the Telesur
Prize at the IX International Indigenous Film and Video Festival (Bolivia, 2008).
53
COMPETICIÓN DOCUMENTAL DOCUMENTARY FILM CONTEST
4. MANE CISNEROS MANRIQUE
Madrid, 1958
54
Licenciada en Geografía e Historia por la Universidad Complutense de Madrid,
especialidad de Antropología Americana, especialización en Antropología Maya
en la Universidad Autónoma de México, doctora en Antropología Cultural por la
EHESS de París. Fundadora del Festival de Cine Africano de Tarifa y del Centro de
Divulgación Cultural del Estrecho Al Tarab, ONGD que lleva a cabo un plan global
para la promoción, divulgación y desarrollo de los cines de África, entendiendo el
cine como una herramienta de desarrollo y progreso. Fundadora de Cinenómada y
Cine Móvil en las Dos Orillas, dos dispositivos destinados a consolidar la difusión
de los cines de África a través de circuitos culturales en España y de equipos
móviles de proyección audiovisual en África. En la actualidad coordina un estudio
de viabilidad para la creación de una red de salas digitales cableadas con fibra
óptica en Mozambique y participa en la creación de una red de festivales de cine
africanos dedicados a la promoción y difusión del género documental.
She majored in Geography and History at the Complutense University of Madrid with
a focus on American Anthropology, did a specialization in Mayan Anthropolgoy at the
Autonomous University of Mexico, and got a PhD in Cultural Anthropology from the
EHESS in Paris. She is the founder of the African Film Festival of Tarifa and the
Centro de Divulgación Cultural del Estrecho Al Tarab, ONGD which develops a global
plan for the promotion, teaching and development of cinema in Africa as a tool for
development and progress. She is the founder of Cinenómada and Cine Móvil en
las Dos Orillas, two initiatives whose purpose is to further the dissemination of film
from Africa throughout Spain and the mobile equipment for audiovisual screenings
in Africa. She is currently coordinating a viability study for the creation of a network
of cinemas outfitted with fiber optic cables in Mozambique and is participating in the
creation of a network of African film festivals for the promotion and dissemination
of the documentary genre.
5. CHEMA RODRÍGUEZ
Sevilla, 1967
Director, guionista y productor de cine y televisión, en 2009 participó en la sección
Panorama de la Berlinale con Coyote, película galardonada con el Segundo Premio del
Jurado Documenta Madrid 2009 y el Primer Premio del Jurado y Premio del Público en
el LAFF de Utrecht. Su largometraje documental Estrellas de la línea recibió el Segundo
Premio del Público en Panorama, Berlinale 2006, el Primer Premio en la Primavera
Cinematográfica de Lorca y tres Ícaros a la Mejor Película Centroamericana en 2006, y
otra docena de premios más en diversos festivales nacionales e internacionales. Como
director, guionista y productor también ha realizado los cortometrajes documentales
Amor callejero y Triste borracha, que recibió el Primer Premio del Jurado en Documenta
Madrid 2009. En el ámbito televisivo ha realizado más de cuarenta documentales
emitidos en TVE y en diversas operadoras internacionales. Entre sus trabajos figuran
las series Sahel, la frontera herida, La llamada de África, Vivir en el agua y Lamerica × 4,
entre otras, así como la TV movie de dos capítulos Maras, para Antena 3 Films y New
Atlantis. También ha sido guionista y realizador de la serie Al filo de lo imposible, de TVE,
además de escribir, dirigir y presentar los programas El barco de Ulises (Geoplaneta,
2002) y Viaje al sur (Canal Sur, 2006). Ha escrito dos libros sobre viajes (El diente de la
ballena [1999] y Anochece en Katmandú [2002]) y varios reportajes para El País Semanal
y El Mundo. Colabora regularmente con la Cadena SER desde 1991 y es el fundador y
director de la revista Cartographica.
He is a director, screenwriter and producer for film and television. In 2009 he participated
in the Berlinale Panorama with Coyote, a film that won the 2009 Documenta Madrid
Second Jury Prize and the First Jury Prize and the Audience Award at the LAFF of
Utrecht. His feature-length documentary Estrellas de la línea received the Second
Audience Award at the 2006 Panorama – Berlinale, the First Prize at the Primavera
Cinematográfica de Lorca and three Ícaros for Best Central American film in 2006,
in addition to another dozen awards at different national and international festivals.
As a director, screenwriter and producer, he has also made the documentary short
films Amor callejero and Triste borracha, which received the First Jury Prize at the
2009 Documenta Madrid. In television, he has made more than forty documentaries
broadcast on TVE and on different international stations. Some of his work includes the
series Sahel, la frontera herida, La llamada de África, Vivir en el agua and Lamerica × 4,
among others, as well as the 2-episode TV movie Maras, for Antena 3 Films and New
Atlantis. He was also the screenwriter and director of the series Al filo de lo imposible
on TVE, in addition to writing, directing and hosting the programs El barco de Ulises
(Geoplaneta, 2002) and Viaje al sur (Canal Sur, 2006). He has written two books on travel
(El diente de la ballena [1999], and Anochece en Katmandú [2002]) and several reports for
El País Semanal and El Mundo. He has been a regular contributor to the Cadena SER
since 1991 and is the founder and director of the magazine Cartographica.
6. KARINA SCARONE RÍOS
Montevideo, Uruguay, 1969
Tras comenzar la carrera de arquitectura en la Universidad de la República Oriental
del Uruguay se traslada a Barcelona para completar sus estudios. En su país de origen
comenzó a colaborar con diferentes cineclubes, en los que se despertó la vocación
55
cinematográfica que, ya en España, desemboca en una estrecha relación con el Festival
de Cinema Independent de Barcelona, l’Alternativa, en el que comienza a trabajar en
1996. Paralelamente realiza un curso de Escritura de Guión Cinematográfico en la ECIB
y cursa la licenciatura en Publicidad y Relaciones Públicas en la Universitat Oberta de
Catalunya. Desde 1997 hasta diciembre de 2006, junto a otros miembros del equipo,
desarrolla en l’Alternativa su labor como programadora de la sección Escuelas de Cine
y Sinergias de la Historia. Formó parte de los comités de selección para las secciones
oficiales y fue la responsable de los contenidos web. En sus últimos años en Barcelona
formó parte del Equipo Directivo del festival. En enero de 2007 llega a Madrid para
poner en marcha el proyecto del Teatro Circo Price como directora de Comunicación,
cargo que delega para continuar con sus proyectos personales. Actualmente es la
responsable de publicidad del mismo.
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After starting her architecture career at the University of the Oriental Republic of
Uruguay, she moved to Barcelona to finish her studies. In her home country, she started
collaborating with different film clubs, which sparked her interest in the film trade and
in turn led her to start up her relationship in Spain with the Independent Film Festival
of Barcelona, l’Alternativa, where she started working in 1996. At the same time she did
a course in Screenwriting at the ECIB and majored in Advertising and Public Relations
from the Universitat Oberta of Catalonia. From 1997 through December 2006, she and
the other members of the team did the programming for l’Alternativa in the section
“Escuelas de Cine y Sinergias de la Historia” (Film Schools and Synergies in History).
She was on the selection committees for the official sections and was in charge of web
content. In her last years living in Barcelona, she was on the festival’s Management
Team. In January 2007 she arrived in Madrid to put into motion the project Teatro Circo
Price as Communications director, a post holds to continue with her personal projects.
She is currently in charge of advertising there.
CONCURSO DOCUMENTAL DE CREACIÓN. CORTOMETRAJES
ORIGINAL DOCUMENTARY FILM COMPETITION. SHORT FILMS
7. MADELEINE BÉLISLE
Ottawa, Canadá / Canada
Directora del Departamento de Festivales del National Film Board of Canada desde 1996, ha
llevado títulos como When the Day Breaks (ganadora de una Palma de Oro en Cannes), Up the
Yangtze (éxito de taquilla) y The Danish Poet (ganadora de un Oscar) a más de 300 festivales
y eventos. Proporciona una programación de cine documental y animación de alta calidad
a prestigiosos festivales de todo el mundo, entre los que figuran Sundance, Cannes, Berlín,
Ámsterdam y Toronto, además de formar parte, entre otros, del comité de selección de los
Oscar a la Mejor Película Extranjera y del jurado del Festival de Cine Científico de Ronda. Su
carrera cinematográfica, que se extiende a lo largo de 27 años, arrancó con papeles clave en
el Festival Internacional de Cine de Montreal, como directora del Mercado Cinematográfico,
y Cinéma Plus Distribution Inc., como directora de Marketing.
She has been running the National Film Board of Canada’s Festivals Office since 1996,
entering films such as When the Day Breaks (Cannes Palme d’Or winner), Up the Yangtze (boxoffice giant) and The Danish Poet (Oscar winner) into over 300 film festivals and events. She
delivers high-calibre programming of animations and documentaries around the world at
prestigious festivals such as Sundance, Cannes, Berlin, Amsterdam and Toronto. She also
sits on the Oscars selection committee for Best Foreign Film, and the jury of the Ronda
International Scientific Film Festival, among other panels. Her career in film spans 27 years
and began with key roles at the Montreal World Film Festival as Director of the Film Market
and Cinéma Plus Distribution Inc as Marketing Director.
8. CARLOS MUGUIRO
Elizondo, Navarra, 1967
Crítico, programador y cineasta. Fundador del Festival Internacional de Cine
Documental de Navarra Punto de Vista, del que fue su director artístico hasta 2009,
profesor de Estética Cinematográfica en la Universidad de Navarra y de Documental
en la Escuela de Cine de Madrid (ECAM), ha sido también coordinador de la Cátedra
de Dirección en la Escuela Internacional de Cine de San Antonio de los Baños de Cuba
(EICTV). Estudioso del cine ruso y de los países del Este, fue comisario del Proyecto Ver
sin Vertov, en La Casa Encendida de Madrid, que reconstruía la tradición documental
ruso-soviética desde la muerte de Dziga Vertov hasta el año 2005. Con motivo del ciclo
publicó Ver sin Vertov. Cincuenta años de no ficción en Rusia y la URSS (1955-2005). Ha
editado también, Ermanno Olmi, seis encuentros y otros instantes; El cine de los mil años.
Una aproximación al cine documental japonés; The Man Without the Movie Camera: The
Cinema of Alan Berliner, y publicado en obras colectivas como Una Diagonale Baltica.
Diplomado en Dirección por la ECAM, ha sido guionista de Notes on the Other (Sundance,
Clermont-Ferrand, Ann Arbour, Varsovia, IDFA, Hot Docs) y Goodbye, America, entre
otras películas. Jurado en FidMarseille, en el Festival dei Popoli (Florencia), en el Doc
BsAs (Buenos Aires) y en Alcances (Cádiz). Actualmente trabaja en su tesis doctoral
en el Departamento de Estudios Eslavos del Instituto Universitari de Cultura de la
Universitat Pompeu Fabra de Barcelona. En la presente edición de Documenta Madrid
ha comisariado la retrospectiva dedicada a Peter Hutton.
Critic, programmer and filmmaker, he founded the International Documentary Film
Festival of Navarra Punto de Vista, of which he was the artistic director until 2009. A
professor of Film Aesthetics at the University of Navarra and of Documentary Film at
57
58
the Film School of Madrid (ECAM), he has also coordinated the Directing professorship
at the San Antonio de Los Baños International Film School in Cuba (EICTV). As a scholar
of Russian and Eastern European film, he was in charge of organizing the Project Ver
sin Vertov in La Casa Encendida of Madrid, which reconstructed the Soviet-Russian
documentary tradition from the death of Dziga Vertov through to 2005. For the purposes
of the series, he published Ver sin Vertov. Cincuenta años de no ficción en Rusia y la URSS
(1955-2005). He has also published Ermanno Olmi, seis encuentros y otros instantes;
El cine de los mil años. Una aproximación al cine documental japonés; The Man Without
the Movie Camera / The Cinema of Alan Berliner, and has been published in collective
books such as Una Diagonale Baltica. With a degree in Film Directing from the ECAM,
he wrote the screenplays of Notes on the Other (Sundance, Clermont-Ferrand, Ann
Arbour, Varsovia, IDFA, Hot Docs) and Goodbye, America, among other films. He served
on the jury at FidMarseille, the Festival of Popoli (Florence), at the Doc BsAs (Buenos
Aires) and in Alcances (Cádiz). He is currently working on his PhD dissertation in the
department of Slavic Studies at the University Institute of Culture at the University
Pompeu Fabra of Barcelona. For this year’s Documenta Madrid, he’s been put in charge
of organizing the retrospective dedicated to Peter Hutton.
9. BEN RUSSELL
Springfield, Massachusetts, 1976
Comisario de exposiciones y artista multimedia itinerante cuyas películas y
presentaciones se han expuesto en espacios que abarcan desde monasterios belgas
del siglo xiv, hasta edificios de la Compañía de las Indias Orientales del siglo xvii,
pasando por sótanos de comisarías, exteriores de casas okupas punk, cinematecas
japonesas y fachadas parisinas. Se han realizado proyecciones individuales de sus
películas en el MoMA y el Festival de Cine de Róterdam. En 2008 recibió una beca
Guggenheim y en 2010 un Premio FIPRESCI. Posteriormente, empezó la serie de
proyecciones “Magic Lantern” en Providence, Rhode Island. En la actualidad es
codirector del espacio artístico Ben Russell de Chicago y profesor de la Universidad
de Illinois, Chicago.
Ben Russell is an itinerant media artist and curator whose films and performances
have been presented in spaces ranging from 14th Century Belgian monasteries
to 17th Century East India Trading Co. Buildings, police station basements to
outdoor punk squats, Japanese cinematheques to Parisian storefronts, and solo
screenings at the Rotterdam Film Festival and the MoMA. A 2008 Guggenheim
Fellowship and 2010 FIPRESCI award recipient, Ben began the “Magic Lantern”
screening series in Providence, Rhode Island, is co-director of the artist-run
space Ben Russell in Chicago, and he currently teaches at the University of Illinois
at Chicago.
CONCURSO DOCUMENTAL DE CREACIÓN. LARGOMETRAJES
ORIGINAL DOCUMENTARY FILM COMPETITION. FULL-LENGTH FILMS
10. WANG BING
Xi’an, China, 1967
Director y productor de cine, entre 1992 y 1995 estudió en el Departamento de
Fotografía de la Escuela de Bellas Artes de Lu Xun y se especializó en el Departamento
de Fotografía Cinematográfica de la Academia de Cine de Pekín. Entre 1997 y 1999
trabajó como operador de cámara para la televisión y para el cine. Desde que empezó a
producir sus propias películas de forma independiente ha realizado varios largometrajes
que han sido premiados en festivales de todo el mundo. Su primera película, Tie Xi Qu
(Al oeste de los raíles, 2003), cuyo rodaje comenzó en 1999 y se prolongaría a lo largo
de cuatro años, obtuvo el Gran Premio del Jurado en DocLisboa 2002 y en FidMarseille
2003, y el Premio Robert y Frances Flaherty en el Yagamata Film Festival 2003, entre
otros. He Fengming (Fengming, Crónica de una mujer china, 2007) fue presentada en la
sección oficial del Festival de Cannes y en el Festival Internacional de Cine de Toronto
en 2007, entre otros festivales internacionales. Su última película, L’argent du charbon
/ Tong Dao (El dinero del carbón, 2008) fue seleccionada en el festival de documentales
Cinéma du Réel de París (Francia) y obtuvo el Premio del Jurado en la VI edición de
Documenta Madrid.
Film director and producer, from 1992 to 1995 he studied in the Photography Department
of the Fine Arts School of Lu Xun and specialized in the Department of Cinematography
at the Film Academy of Beijing. Between 1997 and 1999 he worked as a camera operator
for television and cinema. Since he started producing his own films independently, he
has made several full-length films that have won awards worldwide. His first film Tie Xi
Qu (West of the Tracks, 2003), the shooting of which began in 1999 and lasted four years,
won the Grand Prize of the Jury at DocLisboa 2002 and at FidMarseille 2003 and the
Robert and Frances Flaherty Award at the 2003 Yagamata Film Festival, among others.
He Fengming (Chronicle of a Chinese Woman, 2007) was presented at the official section
of the Cannes Film Festival and the International Film Festival of Toronto in 2007, in
addition to other international festivals. His latest film L’argent du charbon / Tong Dao
(Coal Money, 2008) was selected at the documentary festival Cinéma du Réel of Paris
(France) and won the Jury Award at the 6th Documenta Madrid.
11. FERNANDO LARA
Madrid
Periodista. Trabajó en las revistas Nuestro Cine, Triunfo, Tiempo de Historia, La
Calle y Guía del Ocio, especializado desde un principio en la información y crítica
59
60
cinematográficas. Entre sus publicaciones figuran 18 españoles de posguerra;
España, primera página; 7 trabajos de base sobre el cine español; Valle-Inclán y el cine
y Miguel Mihura, en el infierno del cine. Desde 1984 a 2004 fue director de la Semana
Internacional de Cine de Valladolid, donde en 1997 organizó el Congreso sobre
Promoción y Difusión del Cine Europeo, que dio origen a la Carta de Valladolid.
También desempeñó las labores de delegado en España del Festival de Cine de
Berlín y de coordinador de las actividades cinematográficas de los Cursos de
Verano de la Universidad Complutense, en El Escorial. Fue, en 1994, uno de los
fundadores de la Coordinadora Europea de Festivales de Cine, para cuyo Comité
Ejecutivo resultó elegido. En 2002 coordinó el Encuentro sobre el Cine Europeo
“El autor y su obra”, organizado con ocasión de la elección de Salamanca como
Ciudad Europea de la Cultura. Ha formado parte de los jurados internacionales de
los festivales de Berlín, Cannes (Cámara de Oro), Karlovy-Vary, Bruselas, Florencia
y Guadalajara (México), así como de diversos certámenes españoles. Desde enero
de 2005 a abril de 2009, ha sido director general del Instituto de la Cinematografía y
de las Artes Audiovisuales (ICAA), en el Ministerio de Cultura. Durante ese tiempo,
elaboró la Ley del Cine (diciembre de 2007) y el real decreto que la desarrolla
(diciembre de 2008). Posee la distinción de Caballero de la Orden de las Artes y las
Letras de Francia, otorgada en 2007.
Journalist. He has worked at the magazines Nuestro Cine, Triunfo, Tiempo de
Historia, La Calle and Guía del Ocio, with a specialization at first in information
and film critique. Some of his publications include 18 españoles de posguerra,
España, primera página, 7 trabajos de base sobre el cine español, Valle-Inclán y el
cine and Miguel Mihura, en el infierno del cine. From 1984 through 2004 he was the
director of the International Film Week of Valladolid, where in 1997 he organized
the Congress on the Promotion and Dissemination of European Cinema, which
led to the creation of the “Valladolid Charter”. He was also the Spanish Delegate
at the Berlin Film Festival and the coordinator for film activities for the Summer
Courses at the Complutense University in El Escorial. In 1994 he was one of the
founders of the European Coordinator of Film Festivals and was elected to its
Executive Committee. In 2002 he coordinated the Meeting on European Cinema
(Filmmakers and Their Work), organized on the occasion of the election of
Salamanca as the European City of Culture. He has been on the International
Juries at the Festivals of Berlin, Cannes (Caméra d’Or), Karlovy-Vary, Brussels,
Florence and Guadalajara (Mexico), as well as at different Spanish competitions.
From 2005 to 2009 he was General Director of the Institute of Cinematography
and of the Audiovisual Arts (ICAA) in the Ministry of Culture. During this time, he
drew up the Cinema Law (December 2007) and the Royal Decree that carried it out
(December 2008). He was made a Knight of Order of Arts and Letters of France
in 2007.
12. JAVIER PACKER-COMYN
Bruselas, Bélgica / Brussels, Belgium, 1969
Director del Festival Internacional de Cine Documental Cinéma du Réel de París desde
hace dos años. Nacido en 1969, de padre inglés y madre española, creció y estudió
principalmente en Bélgica. De 1992 a 2004 trabajó en el Festival de Cine Documental
Filmer à tout Prix de Bruselas y, durante doce años, estuvo también al frente de P’tit
Ciné, una empresa de distribución y proyección de cine documental que abarca diversas
zonas de Bélgica. Durante varios años trabajó como docente en el IHECS (Instituto de
Altos Estudios en Comunicación Social) de Bruselas, en el ISCAP y en la Universidad
de Lille. Ha publicado numerosas entrevistas a cineastas de la talla de Claire Simon,
Denis Gheerbrant y Jean-Louis Comolli, y trabajado en diversas películas y programas
de televisión del canal Arte y la RTBF. En 2008 obtuvo el Premio Coq de la Comunidad
Francesa por su trabajo en el campo de la distribución documental.
Director of Cinéma du Réel International Documentary Festival in Paris for the past
two years. Born in 1969 of British and Spanish parents, he grew up and studied mainly
in Belgium. From 1992 to 2004 he worked for the Filmer à tout Prix (Shoot or die)
Documentary Film Festival in Brussels. For 12 years he also headed the P’tit Ciné, a
documentary screening and distribution company that programs documentary film in
various locations in Belgium. He also taught several years at the Institut des Hautes Etudes
en Communications Sociales (IHECS) in Brussels, at the ISCAP and at the University in
Lille. He has published various interviews with filmakers such as Claire Simon, Denis
Gheerbrant, Jean-Louis Comolli and worked on several films and TV programs for Arte
and the RTBF. In 2008, he was awarded the Prix Coq by the Communauté Française for
his work in documentary distribution.
61
CERTAMEN
NACIONAL.
CORTOMETRAJES
NATIONAL COMPETITION. SHORT FILMS
Sección Oficial Competitiva Nacional
National Competitive Section
NATIONAL COMPETITION: SHORT FILMS COMPETITIVE SECTION
1929-2009
ABIERTO 24 HORAS (MIANTIAO)
El escritor F. Scott Fitzgerald vivió el crac del 29 y muchas más cosas. ¿Qué mejor momento
para recuperar su reflexión sobre la ruina de su vida?
En el norte de Shanghái se encuentra un pequeño restaurante con mucha personalidad donde
se pueden degustar unos excelentes fideos chinos las 24 horas. Está regentado por una familia
de musulmanes de la etnia hui procedentes de la provincia de Qinghái, al noroeste de China.
Tomando como leitmotiv el cautivador proceso de confección a mano de los fideos, penetramos
en la vida de esta familia retratada sobre el telón de fondo de su establecimiento. A través de
sus declaraciones y sus comportamientos, nos adentramos en su universo de costumbres y
tradiciones y en su mentalidad.
DIEGO HERRANZ ANDÚJAR – Betacam / 5´ / 2009 / España / Spain
V. O. INGLÉS / ENGLISH. SUBT. ESPAÑOL / SPANISH
64
SECCIÓN COMPETITIVA CERTAMEN NACIONAL: CORTOMETRAJES
The writer F. Scott Fitzgerald experienced the bust of 1929 and much more. What better time
then to take back up his reflection on the downfall of his life?
OPEN 24 HOURS
XAVI CAMPRECIÓS – Betacam / 29´ / 2009 / España / Spain
V. O. CHINO / CHINESE. SUBT. ESPAÑOL, INGLÉS / SPANISH, ENGLISH
In northern Shanghai there is a small restaurant with great personality, where fantastic Chinese
noodles can be had 24 hours a day. It is run by a Muslim family of the Hui ethnicity from the
province of Qinghai in northeastern China. The handmade process of noodle-making as our
leitmotiv, we delve into the life of this family, with their business as the background setting.
Through their statements and behavior, we gain insight into their universe of customs and
traditions and their way of thinking.
Estreno mundial / World Premiere
DIRECCIÓN, PRODUCCIÓN, GUIÓN, FOTOGRAFÍA, MONTAJE / DIRECTION, PRODUCTION, SCRIPT,
CINEMATOGRAPHY, EDITINGΩ Diego Herranz Andújar
SONIDO, MÚSICA / SOUND, MUSICΩ Federico Ruiz
LOCUCIÓN / VOICEΩ Betsy Joana
DIRECCIÓN, PRODUCCIÓN, GUIÓN, FOTOGRAFÍA, MONTAJE, SONIDO / DIRECTION, PRODUCTION, SCRIPT,
CINEMATOGRAPHY, EDITING, SOUNDΩ Xavi Campreciós
DIEGO HERRANZ ANDÚJAR
Amparo, 78, 3.º B. 28012 Madrid, España. Tel. +34 676 676 135. [email protected]
XAVI CAMPRECIÓS
Ptge. Alió 30, bxos 1.ª. 08037 Barcelona, España. Tel. +34 654 696 021. [email protected]
CINE PALAFOX Sala 2 / Theater 2
Domingo 9, 19:30 h, y miércoles 12, 17:00 h / Sunday 9th, 7:30 pm, and Wednesday 12th, 5:00 pm
Domingo 9, 19:30 h, y miércoles 12, 17:00 h / Sunday 9th, 7:30 pm, and Wednesday 12th, 5:00 pm,
65
ARQUITECTOS DEL CUERPO
CAMERUN, BREU HISTÒRIA D’UN EMBARÀS
Salón de actos del colegio Obispo Perelló en Madrid, Campeonato de España 2009 de
Culturismo. Las imágenes muestran la preparación física y estética el día de la competición:
las poses y las coreografías, la rivalidad de hombres y mujeres en el escenario, y finalmente
al ganador absoluto.
Durante un tiempo quisimos viajar a Camerún, pero un embarazo nos lo impidió… Crónica de
una ilusión y un desencanto.
ARCHITECTS OF THE BODY
CRISTINA HORTIGÜELA – Betacam / 16´ / 2009 / España / Spain
V. O. ESPAÑOL / SPANISH. SUBT. INGLÉS / ENGLISH
66
Assembly Hall at the Obispo Perelló school in Madrid for the 2009 Bodybuilding Championship of
Spain. The images show the physical and aesthetic preparation on the day of the competition: the
poses, choreography and rivalry of the men and women on stage, and finally the overall winner.
CINEMATOGRAPHY, EDITING, SOUNDΩ Cristina Hortigüela
MÚSICA / MUSICΩ Ryoji Ikeda, Toru Takemitsu
CAMERÚN, BREVE HISTORIA DE UN EMBARAZO / CAMEROON, SHORT HISTORY OF A PREGNANCY
DOMÉNEC BORONAT CASANOVA – Betacam / 13´ / 2009 / España / Spain
V.O. CATALÁN / CATALAN. SUBT. ESPAÑOL, INGLÉS / SPANISH, ENGLISH
For a while we wanted to travel to Cameroon, but a pregnancy got in the way… an account of a
hope and a disappointment.
DIRECCIÓN, PRODUCCIÓN, GUIÓN, FOTOGRAFÍA, MONTAJE, SONIDO, MÚSICA, LOCUCIÓN / DIRECTION,
PRODUCTION, SCRIPT, CINEMATOGRAPHY, EDITING, SOUND, MUSIC, VOICEΩ Doménec Boronat Casanova
CRISTINA HORTIGÜELA
Avda. El Peñalar, 19. Torrelodones 28250, Madrid, España. Tel. +34 639 159 978. [email protected]
DOMÉNEC BORONAT CASANOVA
Cami de Sa Roca Roja, 8, 07100 Baleares, España. Tel. +34 636 210 162. [email protected]
Sábado 8, 22:00 h, y martes 11, 17:00 h / Saturday 8 th, 10:00 pm, and Tuesday 11th, 5:00 pm
Viernes 7, 19:30 h, y lunes 10, 17:00 h / Friday 7th, 7:30 pm, and Monday 10th, 5:00 pm
67
EL PABELLÓN ALEMÁN
EL PLIEGUE
En 1929 los Reyes de España inauguraron uno de los más relevantes edificios del siglo xx, el
pabellón de Alemania en la Exposición Universal de Barcelona, del arquitecto Mies van der Rohe.
Muchos años después, el narrador de esta historia, obsesionado por el pabellón alemán, busca en
las viejas fotos un misterio oculto, un enigma a resolver, tal vez la posibilidad de un crimen.
Reflexión sobre el tiempo y el recuerdo y la percepción que de ellos tenemos a base de imágenes
Super 8 de los años 70 a dos tiempos: uno semidinámico, que da paso a otro, estático, que es
a la vez el futuro del primero y nuestro pasado. ¿Hasta qué punto es real nuestra memoria?
THE GERMAN PAVILION
JUAN MILLARES – Betacam / 14´ / 2009 / España / Spain
68
In 1929 the King and Queen of Spain inaugurated one of the most important buildings of the
20th century, the German Pavillion at the Universal Expo of Barcelona by the architect Mies
van der Rohe. Many years later, the narrator of this story, obsessed by the German Pavillion,
searches for a hidden mystery in the old photos, a puzzle to be solved, perhaps the possibility
of a crime.
THE FOLD
paula noya, IVÁN DEL REY DE LA TORRE – Betacam / 5´ / 2009 / España / Spain
SIN DIÁLOGOS / WITHOUT DIALOGUES
Reflection on time and memory and the perception that we have of them, through Super 8
images from the 70s at two rates: a semi-dynamic one that overtakes a static one, which is at
the same time the future of the first and our past. To what extent is our memory real?
DIRECCIÓN, GUIÓN / DIRECTION, SCRIPTΩ Juan Millares
PRODUCCIÓN / PRODUCTIONΩ María José Díez, Mercè Sampietro
FOTOGRAFÍA / CINEMATOGRAPHYΩ Emili Sampietro
MONTAJE / EDITINGΩ Irene Blecua
CINEMATOGRAPHY, EDITING, SOUNDΩ Paula Noya, Iván del Rey de la Torre
MÚSICA / MUSICΩ Justo Aparicio
LAVORAGINE P. C.
Plaza Luca de Tena 13, 4.º E. 28045 Madrid, España. Tel. +34 915 213 398. [email protected]
IVÁN DEL REY DE LA TORRE
Valdecaleras 4, 2.º A. 28043 Madrid, España. Tel. +34 917 590 271. [email protected]
Viernes 7, 22:00 h, y lunes 10, 19:30 h / Friday 7th, 10:00 pm, and Monday 10th, 7:30 pm,
69
ELEMENTIME
ESPÍRITUS DE DRASSANES
Reflexión sobre el tiempo a través de los cuatro elementos (fuego, aire, agua, tierra), analizados
en objetos simples.
Es en los extremos de las cosas donde usualmente podemos aprender más de su equilibrio.
Retrato de un día de los yonquis en el Raval de Barcelona. Una película muda, filmada en
Super 8 blanco y negro que, a través de un collage de paisajes urbanos y retratos de los adictos,
nos muestra la detención del tiempo y cómo se vive desde el interior. Un retrato metafórico del
purgatorio y sus espíritus.
RICARD CARBONELL I SAURÍ – Betacam / 11´ / 2009 / España / Spain
70
A reflection on time vis-a-vis the four elements (Fire, Water, Air, Land), which are analyzed in
simple objects.
DRASSANES SPIRITS
SIMÓN HERNÁNDEZ ESTRADA, CRISTIAN JARA FERNÁNDEZ – Betacam / 14´ / 2009 / España / Spain
It is usually when things are taken to the extremes that we can learn more about their middle
point. Portrait of a day for the junkies in the Raval of Barcelona. A silent film in black and white
Super 8 in which, through a collage of urban landscapes and portraits of the addicts, we are
shown the suspension of time and are given insight into how they live. A metaphorical portrait
of purgatory and its spirits.
CINEMATOGRAPHY, EDITING, SOUNDΩ Ricard Carbonell i Saurí
DIRECCIÓN, GUIÓN, FOTOGRAFÍA, MONTAJE / DIRECTION, SCRIPT, CINEMATOGRAPHY, EDITINGΩ Simón
Hernández Estrada, Cristian Jara Fernández
PRODUCCIÓN / PRODUCTIONΩ Silvia Lorenzini
SONIDO, MÚSICA / SOUND, MUSICΩ Camilo Sanabria-Amós Piñeros
RICARD CARBONELL I SAURÍ
Avda. Sarrià, 86, 1.º A. 08017 Barcelona, España. Tel. +34 666 810 386. [email protected]
SIMÓN HERNÁNDEZ ESTRADAI
Cirera, 6, 3.º puerta 1. 08003 Barcelona, España. Tel. +34 933 190 908. [email protected]
71
HAMBRE/HACHÍS
I LOVE BENIDORM
Acompañamos a Driss, un pequeño traficante, desde Tetuán hasta su aldea, en un lugar remoto
en las montañas. La cámara le sigue mientras visita a su familia y a los amigos del pueblo,
recoge la cosecha de quif y la transforma en hachís. Pero el rodaje incomoda a varios habitantes
de la aldea. Sin que lo puedan evitar, los dos cineastas dejarán de ser testigos y se convertirán
en protagonistas de la historia que habían venido a contar.
La vida en el Cabanyal ha cambiado mucho tras el fuerte proceso de urbanización que ha sufrido
la ciudad de Valencia. El progreso está borrando el antiguo “Poble de la Mar”. El turismo es el
principal motor de renovación del Estado, pero también es causa de destrucción del patrimonio
ambiental, humano y cultural de la nación.
HUNGER/HASCHISH
ENRIQUE BOCANEGRA – Betacam / 18´ / 2009 / España / Spain
V. O. ESPAÑOL, ÁRABE / SPANISH, ARABIC. SUBT. ESPAÑOL, INGLÉS / SPANISH, ENGLISH
72
We follow Driss, a small-time trafficker, from Tetuan to his hometown off in the mountains. The
camera follows him as he visits his family and friends in town, as he harvests the kief and turns
it into hash. But the filming makes several of the town’s inhabitants uncomfortable. Without
meaning to, the two filmmakers will cease to be onlookers and will become protagonists in the
story they came to tell.
GAETANO CRIVARO, MARIO ROMANAZZI – Betacam / 28´ / 2009 / España, Italia / Spain, Italy
V. O. ESPAÑOL, VALENCIANO / SPANISH, VALENCIAN. SUBT. ESPAÑOL, INGLÉS / SPANISH, ENGLISH
Life in the Cabanyal has changed a lot since the city of Valencia began its intense process
of urbanization. This progress is doing away with the old coastal part of town. Tourism is the
main impulse driving state renovation projects, though it is also causing the destruction of the
nation’s environmental, human and cultural heritage sites.
Premio del Jurado / Jury Prize, Festival Eolie in Video (Italia / Italy, 2009)
Mejor Fotografía / Best Cinematography, Festival del Cinema Invisibile (Italia / Italy, 2009)
Mejor Documental / Best Documentary, Pentedattilo Film Festival (Italia / Italy, 2009)
Estreno en España / Premiere in Spain
DIRECCIÓN, PRODUCCIÓN, GUIÓN / DIRECTION, PRODUCTION, SCRIPTΩ Enrique Bocanegra
FOTOGRAFÍA / CINEMATOGRAPHYΩ Arturo Solís di Miele
MONTAJE / EDITINGΩ Julian Salvadores
SONIDO / SOUNDΩ Marco de Gregori
MÚSICA / MUSICΩ Naseer Shamma
DIRECCIÓN, PRODUCCIÓN, GUIÓN, SONIDO / DIRECTION, PRODUCTION, SCRIPT, SOUNDΩ Gaetano Crivaro,
Mario Romanazzi
FOTOGRAFÍA, MONTAJE / CINEMATOGRAPHY, EDITINGΩ Gaetano Crivaro
MÚSICA / MUSICΩ Mario Romanazzi
ENRIQUE BOCANEGRA
Ercilla, 52, esc. izq, planta 7, puerta 1. 28005 Madrid, España. Tel. +34 606 569 473. [email protected]
GAETANO CRIVARO
Via Chisimaio, 2. 00185 Roma, Italia. Tel. +39 3 201 935 243. [email protected]
Sábado 8, 17:00 h, y martes 11, 19:30 h / Saturday 8th, 5:00 pm, and Tuesday 11th, 7:30 pm
73
LA MORT DU PETIT LÉZARD
LA MUERTE DE LA LAGARTIJA / THE DEATH OF THE SMALL LIZARD
JOSEP FERRÁN FOZ, ALVAR JIMÉNEZ – Betacam / 31´ / 2009 / España / Spain
V. O. FRANCÉS, ESPAÑOL / FRENCH, SPANISH. SUBT. ESPAÑOL, INGLÉS / SPANISH, ENGLISH
74
Todos los años, David y su hermana Alice viajan desde París hasta Mallorca para pasar junto a
Frank, su padre, las vacaciones de verano. Éste vive en Banyalbufar, un pequeño pueblo de la
sierra de la Tramuntana. Como apasionado del arte, fomenta la faceta más creativa de David,
diagnosticado de autismo.
Every year, David and his sister Alice travel from Paris to Majorca to spend the summer
vacations with Frank, their father. He lives in Banyalbufar, a small town in the Tramuntana
mountains of Majorca. Passionate about art, Frank fosters creativity in David, who has been
diagnosed with autism.
PRIMO-ARRIVANTS: LA CLASSE PASSARELLE DES
ENFANTS DE L’ÉCOLE 10
PRIMO-ARRIVANTS: EL CURSO PUENTE DE LOS NIÑOS DE LA ESCUELA NÚMERO 10 / PRIMO-ARRIVANTS:
THE STEPPING STONE CLASS FOR CHILDREN IN SCHOOL NUMBER 10
ARTURO SOLÍS DI MIELE – Betacam / 16´ / 2010 / España, Bélgica / Spain, Belgium
V. O. FRANCÉS / FRENCH. SUBT. ESPAÑOL, INGLÉS / SPANISH, ENGLISH
“Primo-arrivants”, ‘recién llegados’, es el nombre francés con el que se viene bautizando a
los ciudadanos extranjeros que se instalan de forma permanente en Bélgica. De distintas
nacionalidades, culturas y procedencias, cada individuo debe pasar por un personal proceso
de adaptación con el objetivo de integrarse dentro de la comunidad. Nos sumergimos en las
situaciones de aprendizaje cotidianas de los niños que asisten por primera vez a la Escuela
Número 10 del barrio popular de Schaerbeek en Bruselas.
“Primo-arrivants”, the new arrivals, is the French name given to foreign citizens who have just
recently settled permanently in Belgium. Of different nationalities, cultures and origins, each
individual must pass through a personal process of adaptation in order to assimilate into the
community. We immerse ourselves into the everyday learning situations of children attending for
the first time School Number 10 in the working class neighborhood of Schaerbeek in Brussels.
DIRECCIÓN, GUIÓN, FOTOGRAFÍA, MONTAJE / DIRECTION, SCRIPT, CINEMATOGRAPHY, EDITINGΩ Josep
Ferrán Foz, Alvar Jiménez
PRODUCCIÓN / PRODUCTIONΩ Alvar Jiménez (8000t Producciones), Josep Ferran Foz (B2 Video)
SONIDO / SOUNDΩ Juanjo Amengual
MÚSICA / MUSICΩ Jordi Tugores
8000t PRODUCCIONES
Carrer de sa Serradora 13. 07190 Esporles, Islas Baleares, España. Tel. +34 647 147 561.
[email protected]
ARTURO SOLÍS DI MIELE
82 Avenue Clays / 82 Clayslaan Schaerbeek. 1030 Bruselas, Bélgica. Tel. +32 476 096 719. [email protected]
Viernes 7, 17:00 h, y martes 11, 22:00 h / Friday 7th, 5:00 pm, and Tuesday 11th, 10:00 pm,
Sábado 8, 19:30 h, y lunes 10, 22:00 h / Saturday 8th, 7:30 pm, and Monday 10th, 10:00 pm
CINEMATOGRAPHY, EDITING, SOUNDΩ Arturo Solís di Miele
75
RECORDANDO LOS ROSTROS DE LA MUERTE
SI YO FUERA TÚ, ME GUSTARÍAN LOS CICATRIZ
La muerte se aproxima, y a la memoria erosionada del agonizante la asaltan fragmentos de
vivencias. Entre ellos busca el rostro de la Muerte.
“Heme aquí, ya al final, y todavía no sé qué rostro le pondré a la Muerte”. Rosario Castellanos.
En las calles de Vitoria, sus habitantes me recitan canciones de un grupo de punk vasco de los
años 80 y 90: Cicatriz.
REMEMBERING THE FACES OF THE DEATH
LOIS PATIÑO LAMAS – Betacam / 39´ / 2009 / España / Spain
76
Death is approaching, and fragments of life experiences barrage the eroded memory of the one
dying. Among them, he searches for the face of Death.
“Here I am, now at the end, and I still do not know what face I will give to Death.” – Rosario
Castellanos.
IF I WERE YOU, I WOULD LIKE CICATRIZ
JORGE TUR MOLTÓ – Betacam / 22´ / 2010 / España / Spain
On the streets of Vitoria, its residents recite songs by the Basque punk band from the 80s
and 90s: Cicatriz.
CINEMATOGRAPHY, EDITING, SOUNDΩ Lois Patiño Lamas
CINEMATOGRAPHY, EDITINGΩ Jorge Tur Moltó
SONIDO / SOUNDΩ Martín Sappia
LOIS PATIÑO LAMAS
Espíritu Santo, 33, 2.º izq. 28004 Madrid, España. Tel. +34 652 315 417. [email protected]
JORGE TUR MOLTÓ
Tel. +34 678 437 154. [email protected]
Viernes 7, 19:30 h, y lunes 10, 17:00 h / Friday 7th, 7:30 pm, and Monday 10th 5:00 pm
77
SIRIMAN
YA VIENE, AGUANTA, RIÉGUEME, MÁTAME
Escrita a lo largo de caminos y viajes, es una historia de hombres venidos de otra parte, del otro
lado del mar, de los ríos o de las montañas. La historia de los que han dejado un pueblo, una
familia para ir a trabajar a algún lugar remoto. Y, algunas veces, para empezar otra vida.
Revisitación estética de cuatro secuencias icónicas de la historia del cine español. Una
búsqueda estrictamente geográfica que coloca la cámara en los puntos exactos en los que
se rodaron los planos de las películas originales. Sin iluminación. Sin edición de sonido. Sin
actores. Simplemente, lo que haya delante de la cámara.
JOSEPH GORDILLO – Betacam / 15´ / 2009 / España / Spain
78
Written on roads and journeys, this is the story of men from another place, from the other side
of the sea, of the rivers and of the mountains. The story of those who have left their towns, their
families to go work far away. And sometimes, to start another life.
IT´S COMING, HOLD ON, SPRAY ME, KILL ME
COLECTIVO AUDIOVISUAL LOS HIJOS – Betacam / 10´ / 2009 / España / Spain
Aesthetic throwback to four iconic scenes in the history of Spanish film. A strictly geographical
search in which the camera is situated in the exact same places where the shots from the
original films were taken. Without lighting. Without sound editing. Without actors. Simply what
happens in front of the camera.
DIRECCIÓN, PRODUCCIÓN, GUIÓN / DIRECTION, PRODUCTION, SCRIPTΩ Joseph Gordillo
FOTOGRAFÍA / CINEMATOGRAPHYΩ Laetitia Giroux
MONTAJE / EDITINGΩ Elsa F. van Trier
SONIDO / SOUNDΩ Bela da Costa
JOSEPH GORDILLO
Ponzano, 18, 5.º C. 28010 Madrid, España. Tel. +34 655 704 386. [email protected]
CINEMATOGRAPHY, EDITING, SOUNDΩ Colectivo Audiovisual Los Hijos / Audiovisual Collective Los Hijos
COLECTIVO AUDIOVISUAL LOS HIJOS
Velarde, 10, 2.º A. 28004 Madrid, España. Tel. +34 678 656 554. [email protected]
Domingo 9, 22:00 h, y miércoles 12, 19:30 h / Sunday 9, 10:00 pmth and Wednesday 12th, 7:30 pm
79
CERTAMEN NACIONAL: CORTOMETRAJES
BIOFILMOGRAFÍAS
NATIONAL COMPETITION: SHORT FILMS. BIOFILMOGRAPHIES
ENRIQUE BOCANEGRA hambre / hachís
Nacido en Sevilla en 1973, es periodista y gestor cultural. Su familia emigró
a Rabat (Marruecos), donde estudió bachillerato en el Lycée Saint-Exupéry
de la capital marroquí. Posteriormente regresó a Sevilla, en cuya facultad
de Ciencias de la Información se licenció en 1998. Inició su trayectoria
profesional en medios de comunicación de Sevilla. En 1999 se marchó a
México, donde colaboró con la revista de actualidad mexicana Viceversa mientras ejercía
como redactor de Internacional en la agencia de noticias Notimex. Posteriormente,
durante 2001, trabajó como corresponsal de esta agencia en España. También ha
trabajado en el Departamento de Comunicación de la CEOE y en los informativos de
Antena 3 TV (área Internacional, edición del fin de semana). Desde 2003 se dedica a la
gestión cultural de cine en instituciones como el Círculo de Bellas Artes de Madrid o
la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España. Se inició en 2003
en el mundo del cortometraje.
Ω
80
Born in Sevilla in 1973, he is a journalist and culture consultant. His family emigrated
to Rabat (Morocco), where he went to high school at the Lycée Saint-Exupéry in the
Moroccan capital. He then returned to Sevilla, where he majored in Information Sciences
in 1998. He started his professional career in communication media in Sevilla. In 1999
he went to Mexico, where he collaborated on the Mexican current events magazine
Viceversa, while also working at the news agency Notimex as writer in the international
section. Then, in 2001 he became the correspondent in Spain for this agency. He has also
worked in the Communications Department of the CEOE and on the news for Antena 3
TV (International Section, weekend edition). Since 2003 he has providing film consulting
for institutions such as the Círculo de Bellas Artes of Madrid and the Academy of Film
Sciences and Arts of Spain. In 2003 he started off in the world of short films.
FILMOGRAFÍA FILMOGRAPHY Última parada: Tánger (2008), Protección (2006), Paisa
(2005), Huellas (2003).
DOMÉNEC BORONAT CASANOVA camerun, breu història d´un embaràs
Nacido en Gandía (Valencia) en 1970, Doménec Boronat es licenciado en
Bellas Artes y profesor de Educación Plástica y Visual en las Baleares.
Ω
Born in Gandia (Valencia) in 1970, Doménec Boronat has a BA in Fine Arts
and is a Professor of Plastic and Visual Education in the Balearic Islands.
FILMOGRAFÍA FILMOGRAPHY Marc (2000), P. M. E deixant una mort (1998).
81
NATIONAL COMPETITION: SHORT FILMS BIOFILMOGRAPHIES
BIOFILMOGRAFÍAS CERTAMEN NACIONAL: CORTOMETRAJES
XAVI CAMPRECIÓS abierto 24 horas (miantiao)
Graduado en la ESCAC, desarrolla su experiencia profesional en el campo
de la producción. En 2006 recibe una beca para estudiar chino en Pekín y
Shanghái. Abierto 24 horas es su ópera prima.
Ω
A graduate of the ESCAC, he has done his professional work in the field
of production. In 2006 he received a fellowship to go to Beijing and Shanghai to study
Chinese. Open 24 hours is his debut film.
RICARD CARBONELL I SAURÍ elementime
Es licenciado en Bellas Artes por la Universitat de Barcelona (UB) y
diplomado en Cine por la ECAM (Madrid) y Microobert (Barcelona). También
ha estudiado música, materia en la que ha obtenido el Título Superior de
Flauta Travesera, el de Teoría y Lenguaje musical, y el de Piano. Su obra se
ha presentado en 70 festivales internacionales de todo el mundo. Ganó varios
premios internacionales por 200 km (obtuvo el Golden Gate de San Francisco, se presentó
en San Sebastián y ha sido estrenado en salas comerciales), Don Giovanni (que le valió
el Golden Accord de Viena), o El Porquet (premiado en Sitges en 1998). Recientemente
desarrolla su tesis cinematográfica, tras obtener la diplomatura de estudios avanzados
(DEA) en Teoría del Cine por la Universidad Complutense de Madrid.
In 2008, Javier Fernández (1980), Luis López Carrasco (1981), and Natalia Marín
(1982) founded the artistic collective Los Hijos. Their work, which alternates between
documentary film and formal experimentation, lies somewhere on the border area of
where avant garde film, ethnographic research and video art meet. Their first work El
sol en el sol del membrillo (The Sun in the Quince Tree of the Sun) was selected in the
International Official Section of Festival Internacional de Cine Documental, Documenta
Madrid, and other festivals, in addition to art galleries such as La Fábrica in Barcelona.
Their first feature-length film Los materiales (The Materials), won the Jean Vigo Prize
for Best Direction in Punto de Vista International Film Festival 2010.
Ω
82
A BFA from the University of Barcelona (UB) and a degree in Film from the ECAM
(Madrid) and Microobert (Barcelona), he has also studied music, a field in which he
has obtained a Superior Degree in Flute, another in Musical Language and Theory,
and another in Piano. His work has been shown at 70 international festivals worldwide.
He has won several international awards for 200 km (which won the Golden Gate of
San Francisco, was presented at San Sebastian and has been released in cinemas),
for Don Giovanni (which earned the Golden Accord of Vienna), and El Porquet (which
won an award in Sitges in 1998). He has recently completed his dissertation in film,
after getting his Advanced Studies Diploma (DEA) in Film Theory from the Complutense
University of Madrid.
FILMOGRAFÍA FILMOGRAPHY Don Giovanni (2005), Études Schaefferiennes (2005),
Dentro de sí (2003), 200 km (2003), Banda sonora (2003), Visions Fugitives (2002), El
porquet (1998).
COLECTIVO AUDIOVISUAL LOS HIJOS ya
Ω
aguanta, riégueme, mátame
viene,
En 2008, Javier Fernández (1980), Luis López
Carrasco (1981) y Natalia Marín (1982) fundan el
colectivo artístico Los Hijos. Su trabajo, que alterna
el registro documental con la experimentación
formal, se ubica en el terreno fronterizo en que se dan cita el cine de vanguardia,
la investigación etnográfica y el videoarte. Con su primera obra, El sol en el sol
del membrillo, compitieron en la sección oficial de la pasada edición del Festival
Internacional de Documentales de Madrid (Documenta Madrid). El recorrido de dicho
cortometraje continúa en otros festivales, así como en galerías de arte como La
Fábrica de Barcelona. Su primer largometraje, Los materiales, ganó el Premio Jean
Vigo a la Mejor Dirección en el Festival Internacional Punto de Vista de Navarra 2010. FILMOGRAFÍA FILMOGRAPHY Circo (2009), Los materiales (2009), El sol en el sol del
membrillo (2008).
GAETANO CRIVARO, MARIO ROMANAZZI i love benidorm
Nacido en Crotone en 1983, Gaetano Crivaro vive desde 2001
en Roma. Allí, gracias al documental Kyterion, ganó una beca
para la Scuola di Cinema Sentieri Selvaggi. En 2006 empezó
a trabajar para la agencia de publicidad Guerrilla Marketing,
donde ha realizado trabajos para National Geographic y
Ω
Discovery Channel.
Mario Romanazzi es licenciado en Cinematografía por la Universidad de Bolonia y
trabaja como operador de cámara y proyeccionista.
Born in Crotone in 1983, Gaetano Crivaro has been living in Rome since 2001. There, thanks
to the documentary Kyterion, he won a grant to attend the Sentieri Selvaggi Documentary
Film School. In 2006 he started working for the advertising agency Guerrilla Marketing,
where he has done work for National Geographic and the Discovery Channel.
Mario Romanazzi majored in Film at the University of Bolognia and works as a camera
operator and projectionist.
FILMOGRAFÍA FILMOGRAPHY Gaetano Crivaro: Postelevision (2008), Moka & Cigarettes
(2007), Kyterion (2006). Mario Romanazzi: I giardini di villa Maria (2007), Night’s Circle
(2003), Cattive amicizie (2001).
josep ferrán foz, ALVAR JIMÉNEZ la mort du petit lézard
Josep Ferrán Foz nació en Barcelona en 1977. Es graduado
en montaje audiovisual por la ESCAC (Escola de Cinema i
Audiovisuals de Catalunya). Actualmente reside en Mallorca,
donde ha trabajado como cámara y montador de programas
y documentales para la televisión local y autonómica. En
2008 realizó su primer cortometraje de ficción, Despertar enlloc, con el que gana el
premio de artes plásticas Rei en Jaume. La mort du petit lézard es su primer trabajo en
el campo del documental.
Ω
Alvar Jiménez nació en Málaga en 1981, tras obtener la licenciatura en Comunicación
Audiovisual en dicha ciudad se trasladó a Barcelona. Allí obtuvo la diplomatura en la
83
especialidad de Operador de Cámara y Director de Fotografía por el CECC (Centre
d Estudis Cinematográfics de Catalunya). En Barcelona ha trabajado como director
de fotografía en numerosos cortometrajes realizados en formato cinematográfico y
digital. Desde hace cuatro años reside en Mallorca, donde combina su trabajo como
operador de cámara para la televisión autonómica, con la producción independiente
de documentales y programas para la televisión local. La mort du petit lézard es su
primera película documental como director.
Josep Ferrán Foz was born in Barcelona in 1977. He graduated in audiovisual editing
from the ESCAC (Escola de Cinema i Audiovisuals de Catalunya). He is currently living
in Majorca, where he has worked as a camera operator and editor on programs and
documentaries for local and regional television. In 2008 he made his first fiction short
film, Despertar Enlloc, for which he won the Rei en Jaume award for plastic arts. La
mort du petit lézard is his first film in the field of documentary film.
Alvar Jiménez was born in Málaga in 1981. After studying Audiovisual Communication
in the same city, he moved to Barcelona. There he got a degree in the specialization of
Camera Operator and Director of Photography from the CECC (Center for Film Studies
of Catalonia). In Barcelona he has worked as director of photography on numerous
short films made in film and digital formats. He has been living in Majorca for four
years, where he combines his work as a camera operator for the local television
station with independent production of documentary and programs for local TV. La
mort du petit lézard is his first documentary film as a director.
84
FILMOGRAFÍA FILMOGRAPHY Josep Ferrán Foz: Despertar enlloc (2008). Alvar
Jiménez: El retorno, un viaje al origen (2008), Integrantes (2007)
JOSEPH GORDILLO siriman
Nacido en 1965 en Metz, Francia, comparte nacionalidad francesa y
española. Periodista desde 1989, comenzó su carrera en la Radiotelevisión de
Luxemburgo (RTL), cubriendo los principales acontecimientos de la época,
como el conflicto de Ruanda en 1994. Poco a poco, fue obteniendo mayor
reconocimiento con sus fotografías documentales e investigaciones,
que desembocaron en un primer libro sobre los mineros del hierro (Ediciones Klopp,
Francia). Publicó un segundo libro: Passion charbon (Ediciones Serpenoise, Francia)
sobre los mineros de la Lorena, por el que recibió el Premio de la Academia Nacional
de Metz en 2002 y el Premio de los Consejos Generales de Lorena en el mismo año. En
1998 comenzó a trabajar en el canal Arte como enviado especial, ocupación que ahora
desempeña desde España, cubriendo también Portugal y el norte de África. Para esta
cadena ha cubierto acontecimientos como la guerra de Irak, la situación en Darfur o
el conflicto palestino-israelí en Gaza. Continúa trabajando, además, como cámara de
documentales para Gingko Productions (Francia). En 2007 escribió y realizó su primera
película como director: Le mur des oublies / El muro de los olvidados, que aborda la
amnesia de todo un país para hacer frente a su pasado histórico más reciente: la guerra
civil española. Gordillo la revive mientras va en busca de su abuelo, republicano fusilado
durante la guerra y enterrado en una fosa común, como tantos otros, situada en un
pequeño pueblo de Andalucía. Este trabajo ha tenido gran difusión en salas de cine de
toda Europa y ha sido premiado en el Festival de Clermont-Ferrand, Traces de Vies y
seleccionado para FIGRA Le Touquet y Cinespaña de Toulouse.
Ω
Born in 1965 in Metz, France, he has both French and Spanish nationalities. A
journalist since 1989, he started off at RTL Television in Luxembourg, covering the
major events from that period, such as the Rwanda conflict in 1994. Little by little he
gained renown for his documentary photographs and research, resulting his first book
about iron mining (Éditions Klopp, France). He published his second book, Passion
charbon (Éditions Serpenoise, France) about miners in Lorena, which received the
National Academy of Metz Award in 2002 and the General Council Award of Lorena
that same year. In 1998 he started working at the Arte television channel as a special
correspondent, a post he now holds in Spain, also covering Portugal and North Africa.
For this channel he has covered events such as the Iraq war, the situation in Darfur
and the Palestine-Israeli conflict in Gaza. He is also still working as a camera operator
on documentaries for Gingko Productions (France). In 2007 he wrote and made his
first film as a director: Le mur des oublies / The Wall of the Forgotten, which deals with
an entire country's amnesia regarding its most recent history: the Spanish Civil War.
Gordillo revives it while in search of his grandfather, a Republican executed turing
the war and buried in a mass grave, like so many others, located in a small town in
Andalusia. This work has been widely screened at cinemas throughout Europe and
has won awards at the Festival of Clermont-Ferrand, Traces de Vies and selected for
the FIGRA Le Touquet and Cinespaña of Toulouse.
FILMOGRAFÍA FILMOGRAPHY Le mur des oubliés (2007), Histoires de nature (codirector,
serie de TV de seis episodios de 26´ cada uno / co-director, TV series of six episodes,
26’ each, France 3, 2003).
SIMÓN HERNÁNDEZ ESTRADA, CRISTIAN JARA FERNÁNDEZ
85
Ω
espíritus de drassanes
Simón Hernández es realizador independiente de cine y vídeo,
con una marcada tendencia hacia la experimentación visual y
narrativa, y en su producción predominan el cine documental,
el videoclip y el videoarte. Sus trabajos han sido exhibidos en
diferentes países de América y Europa.
Cristian Jara nació en Santiago de Chile. Se desempeña como director de cortometrajes,
entre los cuales Gente común en lugares comunes ha obtenido varios premios
internacionales. En 2006 realizó Garage, su primer largometraje.
Simon Hernández is an independent film and video director with a clear tendency for
visual and narrative experimentation. His production has mainly been in the field of
documentary film, music videos and video art. His works have been showen in several
countries of America and Europe.
Cristian Jara was born in Santiago de Chile. He has worked as a documentary film
director, most notably on Gente común en lugares comunes, for which he has won
several international awards. In 2006 he made Garage, his first full-length film.
FILMOGRAFÍA FILMOGRAPHY Simón Hernández Estrada: 4 vías (2008), Marca registrada
(2007), El vicio TV (2006), Al aire!!! (2005), Plástica (2005), Tiempos de paz (2003). Cristian
Jara Fernández: Garage. Música para matar el tiempo (2006), Gente común en lugares
comunes (2005), Los chicos quieren su rampla (2004), Motel Catedral (2003).
DIEGO HERRANZ ANDÚJAR 1929-2009
Licenciado en Sociología en el año 2001, trabaja en diversos campos de
estudio desde ese mismo año. En 2006 se diplomó por la ECAM (Madrid)
en la especialidad de Dirección. Desde entonces intenta combinar estas
dos profesiones.
Ω
A 2001 graduate of Sociology, he has since that year been working in different fields of
study. In 2006 he graduated in film Directing from the ECAM (Madrid). Since then, he
has tried to combine those two professions.
FILMOGRAFÍA FILMOGRAPHY Una noche (2006), Distancia (2005).
CRISTINA HORTIGÜELA arquitectos del cuerpo
Artista visual que principalmente trabaja con la fotografía y el vídeo,
desarrollando este hacia instalaciones o documentales. Nacida en Burgos,
ejerció como bailarina profesional durante quince años en el Nederlands
Dans Theater, en los Países Bajos, y en la Compañía Nacional de Danza,
en Madrid. Hace 5 años comenzó a estudiar vídeo y ha realizado un máster
de Film / Vídeo en el California Institute of the Arts.
teacher, researcher and filmmaker, and he has directed several research projects and
PhD courses. He has also lectured and published work on art and new technology,
virtual reality, techniques in teaching audiovisuals and new areas of fiction, and other
subjects at conferences, universities and festivals. As a filmmaker, his career started
in 1979 with the direction of short films, and culminated in 2005 with the documentary
feature film Cuadernos de contabilidad de Manolo Millares, which won 1st Prize in
the “Tiempo de Historia” section of the 50th International Film Week of Valladolid.
FILMOGRAFÍA FILMOGRAPHY Cuadernos de contabilidad de Manolo Millares (2005),
Campamento (2002), La calle móvil (1993), Mucho cuento (serie de trece capítulos para
TVE / TV series of thirteen chapters for TVE, 1990), El armario de luna (1986), Salida de
misa de doce del Pilar (1982), La basca se impacienta (1979).
Ω
86
She is a visual artist working mainly in photography and video by way of installations
and documentary films. Born in Burgos, she started out as a professional dancer,
dancing for fifteen years in the Nederlands Dans Theater, in The Netherlands, and the
National Dance Company of Madrid. She started studying video five years ago and did a
Masters at the California Institute of the Arts in Film/Video.
FILMOGRAFÍA FILMOGRAPHY Colossal (2009), E.quil.i.brist (2008), A Registered Patent
(2008), Trans-sex (instalación, 2008), La Voix Humaine (2008), Underconstruction (2008),
Exactly Do They Do (2008), The Red Fall (2008), From A to B (instalación, 2007), Turning
Monkeys (2007) 3 Hallways (instalación, 2007), ¿De qué estábamos hablando? (2006),
Choreography (2006), Sauna (2004), Bridge (2004), The Garden of Earthly Delights (2004).
JUAN MILLARES el pabellón alemán
Nació en Las Palmas de Gran Canaria en 1950, es doctor en Arquitectura
y, desde 1986, profesor titular de la Cátedra de Audiovisuales de la Facultad
de Bellas Artes de la Universidad Complutense de Madrid. Se ha vinculado
de manera definitiva al mundo de la imagen como docente, investigador
y cineasta y ha dirigido varios proyectos de investigación y cursos de
doctorado. También ha dictado y publicado ponencias sobre arte y nuevas tecnologías,
realidad virtual, técnicas de enseñanza del audiovisual y nuevos espacios de ficción,
entre otros temas, en congresos, universidades y festivales. Como cineasta, su carrera
arranca en 1979 con la dirección de cortometrajes y culmina en 2005 con el largometraje
documental Cuadernos de contabilidad de Manolo Millares, que ganó el 1.er Premio de
la sección “Tiempo de Historia” de la 50 Semana Internacional de Cine de Valladolid.
Ω
Born in Las Palmas de Gran Canaria in 1950, he has a PhD in Architecture and since 1986
has been a Professor of Audiovisuals in the Fine Arts Department of the Universidad
Complutense de Madrid. He has established himself in the world of the image as a
PAULA NOYA, IVÁN DEL REY DE LA TORRE el pliegue
Iván del Rey de la Torre nació en Segovia en 1975. Tras
licenciarse en Historia del Arte en la Universidad de
Salamanca, cursó estudios de posgrado en la UAM y obtuvo
el diploma de Estudios Avanzados en Historia del Cine con el
trabajo de investigación El film de Arte en España, fruto de su
estancia como becario en los Archivos de la Filmoteca de la Generalitat de Cataluña.
Dedicado a la docencia, ha impartido cursos y seminarios en diversas instituciones,
como el CMAGEC-Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Murcia o la ECAM.
En la actualidad es profesor de Cine y Vídeo Documental en la Escuela de Blank
Paper de Madrid. En el campo de la creación destacan sus trabajos en vídeo, en los
que expresa un interés por la realidad y su particular percepción de la misma. Su
última obra presentada al público es Estadio, dentro de la muestra videomix Fútbol
Replay, de La Casa Encendida (Madrid, abril 2010). Es miembro fundador del colectivo
de videoarte Haz!
Ω
Paula Noya es licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Salamanca y realizó
un Máster en Estética y Teoría de las Artes en la Universidad Autónoma de Madrid.
Su trayectoria artística se desarrolla dentro del campo de la pintura, la fotografía y
el videoarte. Ha participado en diferentes exposiciones colectivas, como la Bienal de
Facultades de Bellas Artes de Europa, Maastrich ‘93, Holanda; ARCO 2000, caseta Círculo
de Bellas Artes de Madrid; Circuitos 2001, en Spanish Institute, Nueva York; Focale 20002001, Junta de Castilla y León; Sobre el Sexo, en Sala de exposiciones de Canal de Isabel
II, 2002, Madrid; Estampa 2003, caseta CMAGEC, Madrid; Fotonoviembre VI, Santa Cruz
de Tenerife; Madrid, Madrid, Madrid, en Espaciomenosuno, 2007, Madrid; Toys & Us,
en Sala Cruce, 2008, Madrid; A Perfect Day, en La Laboral, 2009, Gijón; Do it Yourself,
en Espacio OffLimits, 2009, Madrid; Mulier, Mulieris, en Museo de la Universidad de
Alicante, 2009; Proyecto Circo (Performances & Audiovisuales), 2010, La Habana, Cuba;
Fútbol Replay, videomix en La Casa Encendida, 2010, Madrid.
Iván del Rey de la Torre was born in Segovia in 1975. After graduating in Art History
from the University of Salamanca, he did his post graduate studies at the UAM, where
he got a Superior Studies Degree in Film History with his research paper El film de
Arte en España, the result of a fellowship stay in the Film Archives of the Catalonia
Government. As a teacher, he has taught courses and seminars at various institutions
such as the CMAGEC-Fine Arts Department at the University of Murcia and in the
87
ECAM. He is currently professor of Documentary Video and Film at the Blank Paper
School of Madrid. Some of his most notable creative work was done on video, in which
he expresses interest in reality and the perception of it. His most recent work presented
publicly is Estadio, as part of the Fútbol Replay videomix at the Casa Encendida (Madrid,
April 2010). He is a founding member of the video-art collective Haz!
Paula Noya has a BA in Fine Arts from the University of Salamanca and did a Masters
in Aesthetics and Art Theory at the Autonomous University of Madrid. Her art career
has been carried out in the fields of painting, photography and video art. She has
participated in different collective exhibits such as the Biennale of European Fine Arts
Academies, Maastrich ‘93, Netherlands; ARCO 2000, Stand Círculo de Bellas Artes of
Madrid; Circuitos 2001, Spanish Institute, New York; Focale 2000-2001, Junta de Castilla
y León; “Sobre el sexo”, Exhibition Hall at Canal de Isabel II, 2002, Madrid; Estampa
2003, Stand CMAGEC, Madrid; Fotonoviembre VI, Santa Cruz de Tenerife; “Madrid,
Madrid, Madrid”, Espaciomenosuno, 2007, Madrid; “Toys & Us”, Sala Cruce, 2008,
Madrid; “A Perfect Day”, La Laboral, 2009, Gijón; “Do it Yourself”, Espacio OffLimits,
2009, Madrid; “Mulier, Mulieris”, Museum of the University of Alicante, 2009; Proyecto
Circo (Performances & Audiovisuales), 2010, Havana, Cuba; “Fútbol Replay”, videomix,
La Casa Encendida, 2010, Madrid.
FILMOGRAFÍA FILMOGRAPHY Estadio (2009), Los Titirimundi (2008), El verbo dictador
(2007).
88
LOIS PATIÑO LAMAS recordando los rostros de la muerte
Nacido en Vigo en 1983, es licenciado en Psicología por la Universidad
Complutense de Madrid y estudió cine en la Escuela Tai de Madrid, en la
NYFA de Nueva York y en la UdK de Berlín. Ha realizado talleres con Víctor
Erice y José Luis Guerín, entre otros. Realizó el Máster de Documental de
Creación de la Universidad Pompeu Fabra, en Barcelona, y actualmente
trabaja en la segunda película de la directora Mercedes Álvarez.
Ω
Born in Vigo in 1983, he graduated in Psychology from the Complutense University of
Madrid and studied film at the Tai School of Madrid and at the NYFA of New York and
the UdK in Berlin. He has done workshops with Víctor Erice and José Luis Guerín,
among others. He did a Masters in Original Documentary Filmmaking at the Pompeu
Fabra University of Barcelona and is currently working on the second film by the
director Mercedes Álvarez.
FILMOGRAFÍA FILMOGRAPHY Paisaje Interior 3. L’Aquatic (2009-2010), Paisaje Interior
2. Calvet (2009), Rostros de arena 3. Zuma, embajador del Sol (2008-2009), Paisaje Interior
1. Ribeira Sacra (2008), Rostros de arena 2. Rayito (2008), Rostros de arena 1. Profesor
Tejero (2006-2007).
ARTURO SOLÍS DI MIELE primo-arrivants: la classe passarelle des enfants de
l’école 10
De origen venezolano, se licenció en 2006 en Comunicación Audiovisual.
Realizador de cortometrajes documentales, también colabora como cámara
o director de fotografía en cine. Actualmente realiza un Máster en Estudios
del Cine Documental en la Universidad de Saint Lukas de Bruselas.
Ω
Of Venezuelan origin, he graduated in Audiovisual Communication in 2006. As director
of documentary short films, he has also collaborated as a camera operator and director
of cinematography. He is currently doing a Masters in Documentary Film Studies at the
University of Saint Lukas in Brussels.
FILMOGRAFÍA FILMOGRAPHY Deconstruidos (2007)
JORGE TUR MOLTÓ si yo fuera tú, me gustarían los cicatriz
Nacido en 1980 en Alcoy, Alicante, es licenciado en Psicología con un
Máster en Documental Creativo por la Universitat Autònoma de Barcelona
(UAB). En 2006 dirigió De función, una coproducción de Televisió de
Catalunya y el Máster en Documental de la UAB que resultó ganadora de
diferentes premios internacionales como el Manoel de Oliveira al Mejor
Documental Internacional en el Festival Internacional de Cine Curtas Vila Do Conde
o al Mejor Director en la sección “Nova Autoria” del Festival de Sitges. Ha realizado
otros documentales, entre los que destaca Castillo (Mención Especial del Jurado en
el Festival Internacional de Cine de Las Palmas de Gran Canaria, 2009) y una serie
de diarios (Diarios #1-4) y documentales sobre viajes (Viaje a Rusia: el futuro de los
años 80). Ha trabajado como ayudante de dirección en el campo de la ficción con el
director Santos Hevia, y como educador y coordinador del taller de audiovisuales
de un hospital psiquiátrico. Actualmente es docente en el Máster de Documental
Creativo de la Universitat Autònoma de Barcelona.
Ω
Born in 1980 in Alcoy, Alicante, he graduated in Psychology with a Masters in Documentary
Filmmaking from the Autonomous University of Barcelona (UAB). In 2006 he directed
De función, a co-production of Televisió de Catalonia and the UAB Documentary Film
Masters program, which won different international awards such as the Manoel de
Oliveira for Best International Documentary at the International Film Festival Curtas
Vila Do Conde and Best Director in the Nova Autoria section of the Festival of Sitges. He
has made other documentaries, most notably Castillo (Special Mention of the Jury at the
International Film Festival of Las Palmas de Gran Canaria, 2009) and a series of diaries
(Diarios #1-4) and travelogues (Viaje a Rusia: El futuro de los años 80). He has worked as an
assistant director in the field of fiction with the director Santos Hevia and as an educator
and coordinator of the audiovisual workshops at a psychiatric hospital. He is currently a
teacher of the Original Documentary Filmmaking Masters program at the Autonomous
University of Barcelona.
FILMOGRAFÍA FILMOGRAPHY Diario ruso: el futuro de los años 80 (2010-2011, en
posproducción / in post-production), Castillo (2009), Diarios #1-4 (2007-2008), De función
(2006).
89
CERTAMEN
NACIONAL.
LARGOMETRAJES
NATIONAL COMPETITION. FULL-LENGTH FILMS
Sección Oficial Competitiva Nacional
National Competitive Section
NATIONAL COMPETITION: FULL-LENGTH FILMS COMPETITIVE SECTION
CENTRO
CIRCO
Sinfonía urbana rodada durante un año en el cruce de Florida y Lavalle, dos calles críticas y
emblemáticas del centro de Buenos Aires. Allí convive un universo colmado de disonancias, de
incompatibilidades, de absurdo. La ciudad como territorio de intercambio, de cálculo, como un
gran espejo de las relaciones con el otro y con el poder. La ciudad, también, vista como una gran
maquinaria. A partir de una orquestación del tiempo y el espacio, y a través de la utilización de
los signos y símbolos estéticos propios de la urbe, observamos el latido de la ciudad.
circo (Del lat. circus). 1. m. Edificio o recinto cubierto por una carpa, con gradería para los
espectadores, que tiene en medio una o varias pistas donde actúan malabaristas, payasos,
equilibristas, animales amaestrados, etc. 2. m. Este mismo espectáculo. 3. m. Conjunto de
artistas, animales y objetos que forman parte de este espectáculo. 4. m. Lugar destinado entre
los antiguos romanos para algunos espectáculos, especialmente para la carrera de carros o
caballos. 5. m. coloq. Confusión, desorden, caos.
An urban symphony shot over one year at the intersection of Florida and Lavalle, two critical and
emblematic streets in downtown Buenos Aires. There, a universe of dissonance, incompatableness
and absurdness comes together. The city as a place for exchange, for reckoning, like a huge mirror
of the relationships with the other and with power. The city is also seen as a great machine.
Through the orchestration of time and space, and by using aesthetic symbols and signs belonging
to the metropolis itself, we observe the heartbeat of the city.
circus (from the Latin circus) 1. A building or covered tent with bleachers for the audience and
with one or several rings in the middle where jugglers, clowns, acrobats, animal trainers and
others perform. 2. This show itself. 3. The group of artists, animals and objects performing in
this show. 4. The place the Ancient Romans designated for shows, especially chariot and horse
races. 5. coll. Confusion, disorder, chaos.
DOWNTOWN
SEBASTIÁN MARTÍNEZ PIÑEIRO – Betacam / 86´ / 2009 / España / Spain
92
SECCIÓN COMPETITIVA CERTAMEN NACIONAL: LARGOMETRAJES
CIRCUS
COLECTIVO AUDIOVISUAL LOS HIJOS / AUDIOVISUAL COLLECTIVE “LOS HIJOS” – Betacam / 80´ / 2009 /
España / Spain
DIRECCIÓN, GUIÓN, FOTOGRAFÍA / DIRECTION, SCRIPT, CINEMATOGRAPHYΩ Sebastián Martínez Piñeiro
PRODUCCIÓN / PRODUCTIONΩ Mario Durrieu (Observatorio de Cine), Walter Tiepelmann (996films)
MONTAJE / EDITINGΩ Alejandra Almirón
SONIDO / SOUNDΩ Jésica Suárez (Andasonido)
CINEMATOGRAPHY, EDITING, SOUNDΩ Colectivo Audiovisual Los Hijos / Audiovisual Collective “Los Hijos”
OBSERVATORIO DE CINE
Valencia, 334. 08009 Barcelona, España. Tel. +34 934 460 668. [email protected]
COLECTIVO AUDIOVISUAL LOS HIJOS
Valverde 41, 4.º A. 28004 Madrid, España. Tel. +34 679 728 427. [email protected]
93
EL MAR DE BARCELÓ
EL REGRESO
Proceso creativo de la obra de Miquel Barceló para la cúpula de la Sala de los Derechos
Humanos y la Alianza de las Civilizaciones de la ONU en Ginebra.
En el verano de 2008 un grupo de niños palestinos pasó sus vacaciones en España. Regresamos
con ellos a Palestina y comprobamos cómo viven ellos y el resto de los palestinos bajo la
ocupación israelí de su territorio.
BARCELÓ’S SEA AGUSTÍ TORRES DOMENGE — Betacam / 88´ / 2009 / España / Spain
V. O. ESPAÑOL, CATALÁN, FRANCÉS / SPANISH, CATALAN, FRENCH. SUBT. ESPAÑOL, INGLÉS / SPANISH, ENGLISH
94
The creative process of Miquel Barceló for the dome ceiling of the Chamber for Human Rights
and the Alliance of Civilizations of the UN building in Geneva.
THE RETURN
GUSTAVO GIL PÉREZ – Betacam / 77´ / 2009 / España / Spain
V. O. ÁRABE, HEBREO, INGLÉS, ESPAÑOL / ARABIC, HEBREW, ENGLISH, SPANISH. SUBT. ESPAÑOL, INGLÉS /
SPANISH, ENGLISH
In the summer of 2008, a group of Palestinian children spent their vacations in Spain. We go
back to Palestine with them to see how they and all the other Palestinians living under the
Israeli occupation of their territory live.
Primer Premio / First Prize, VI Encuentro Hispanoamericano de Cine y Vídeo Documental (México / Mexico, 2010)
Mención Especial del Jurado / Jury Special Mention, Festival de Cine Pobre de Gibara (Cuba, 2010)
DIRECCIÓN, FOTOGRAFÍA / DIRECTION, CINEMATOGRAPHYΩ Agustí Torres Domenge
PRODUCCIÓN / PRODUCTIONΩ Agustí Torres Domenge (Wildside Produccions S. L.)
GUIÓN / SCRIPTΩ Agustí Torres Domenge, Miguel Ángel Abraham
MONTAJE / EDITINGΩ Miguel Ángel Abraham
SONIDO / SOUNDΩ Rafa Rigo
MÚSICA / MUSICΩ Eduardo Arbide, Angelo Borrás
DIRECCIÓN, PRODUCCIÓN, GUIÓN, MONTAJE / DIRECTION, PRODUCTION, SCRIPT, EDITINGΩ Gustavo Gil Pérez
FOTOGRAFÍA / CINEMATOGRAPHYΩTacho Horta
SONIDO / SOUNDΩ Antonio Astray
MÚSICA / MUSICΩ Luis Fuente, Christian Chiloé
AGUSTÍ TORRES DOMENGE
Carrer Nou, 44, 1.º. 07570 Artá, Mallorca, España. Tel. +34 670 084 486. [email protected]
GUSTAVO GIL PÉREZ
Islas Filipinas, 48, 8.º izq. 28003 Madrid, España. Tel. +34 686 829 762. [email protected]
95
EL ÚLTIMO TROVADOR
LA CIUDAD DE LOS MUERTOS
En Marruecos, los trovadores llevan más de 1.000 años contando historias. Uno de los pocos
lugares en los que aún se puede ver alguno es la plaza Jemaa el Fna de Marrakech. Antiguamente
había decenas de ellos, pero hoy solo quedan cuatro. Esta es la historia de Mohamed Bariz, el
último trovador.
En la ciudad de El Cairo, la mayor metrópolis del mundo árabe, viven hoy más de quince millones
de personas. Es un verdadero hormiguero humano. De ellas, al menos quinientas mil (que están
entre los más pobres) habitan dentro de los cementerios. Nacerán, crecerán, se casarán y muchos
morirán dentro de las construcciones funerarias, rodeadas de muertos.
Storytellers have been telling stories in Morocco for more than 1000 years. One of the places
you still find them is the Jemaa el Fna in Marrakech. In the past, there were dozens, today there
are only four. This is the story of Mohamed Bariz, the last storyteller.
More than fifteen million people live in Cairo, the largest city of the Arab world. It is literally
swarming with people. Of those fifteen million, at least five hundred thousand of the city’s
poorest people live in cemeteries. They are born, grow up, get married and many die within the
confines of the funeral buildings, surrounded by the dead.
THE LAST STORYTELLER
GUSTAVO VIZOSO RODRÍGUEZ – Betacam / 56´ / 2009 / España
V. O. ÁRABE / ARABIC. SUBT. ESPAÑOL, INGLÉS / SPANISH, ENGLISH
96
CITY OF DEAD / CIDADE DOS MORTOS
SÈRGE TRÈFAUT – Betacam / 62´ / 2009 / España, Portugal / Spain, Portugal
CINEMATOGRAPHY, EDITINGΩ Gustavo Vizoso Rodríguez
SONIDO / SOUNDΩ David Rabinad
MÚSICA / MUSICΩ Mar Vizoso
DIRECCIÓN, GUIÓN / DIRECTION, SCRIPTΩ Sèrge Trèfaut
PRODUCCIÓN / PRODUCTIONΩ José Sánchez-Montes González (Ático 7)
FOTOGRAFÍA / CINEMATOGRAPHYΩ Nancy Abdell-Fattah, Inde Gonçalves, Carlo Lo Giudice
MONTAJE / EDITINGΩ Pedro Marques
SONIDO / SOUNDΩ Sameh Gamal
MÚSICA / MUSICΩ Caetano Veloso
LOCUCIÓN / VOICEΩ Ashraf Fakhoury
GUSTAVO VIZOSO RODRÍGUEZ
Bonavista, 49-53, ático 1.ª. 08960 Barcelona, España. Tel. +34 620 108 859. [email protected]
ÁTICO 7
Cortijo La Marquesa. Carretera de la Zubia, s/n. 18008 Granada, España. Tel. +34 958 135 555
[email protected]
97
MUSEO
MY BEAUTIFUL DACIA
“En el reino de lo visible, todas las épocas coexisten fraternalmente, aunque estén separadas
por siglos o milenios”. John Berger, El tamaño de una bolsa.
Ensayo humorístico de la odisea rumana del comunismo al capitalismo, visto desde la
perspectiva de uno de los símbolos más carismáticos de Rumanía: el Dacia, un automóvil
sencillo y discreto, pero también el reflejo de la sociedad rumana. La película acompaña a
varios rumanos cuyas vidas están conectadas por este humilde coche, y muestra el proceso
de transformación de la sociedad. ¿Podría ser este coche la respuesta a los cambios sociales
de Rumanía?
MUSEUM
CHUS DOMÍNGUEZ – Betacam / 51´ / 2009 / España / Spain
98
“In the realm of the visible all epochs co-exist and are fraternal, whether separated by centuries
or millenia.” – John Berger, The Shape of a Pocket.
MI HERMOSO DACIA / DACIA, DRAGOSTEA MEA
STEFAN CONSTANTINESCU, JULIO SOTO – Betacam / 72´ / 2009 / España, Rumanía / Spain, Romania
V. O. RUMANO / ROMANIAN. SUBT. ESPAÑOL, INGLÉS / SPANISH, ENGLISH
A humorous essay on the Romanian odyssey from communism to capitalism as seen from
the perspective of one of Romania’s most charismatic symbols: Dacia, a simple and discreet
automobile, but also a mirror of Romanian society. The film follows several Romanians whose
lives are interconnected by this humble car, thus showing the transformation of society from past
to present. Could this car be the answer to Romania’s social changes?
DIRECCIÓN, PRODUCCIÓN, GUIÓN, FOTOGRAFÍA / DIRECTION, PRODUCTION, SCRIPT, CINEMATOGRAPHYΩ
Chus Domínguez
MONTAJE / EDITINGΩ Chus Domínguez, Tomás Álvarez
SONIDO / SOUNDΩTomás Álvarez, Xavier Souto, Juan Ferro Foley, Jorge Pérez
MÚSICA / MUSICΩ Pablo Rega
DIRECCIÓN, GUIÓN / DIRECTION, SCRIPTΩ Stefan Constantinescu, Julio Soto
PRODUCCIÓN / PRODUCTIONΩ Adriana Malfatti Chen, Alexandru Solomon, Julio Soto (The Think Lab, HiFilm
Productions)
MONTAJE / EDITINGΩ Julio Soto
FOTOGRAFÍA / CINEMATOGRAPHYΩ Alexander Stikich
CHUS DOMÍNGUEZ
Pza. Conde Luna 6, 1.º. 24003 León, España. Tel. +34 619 035 557. [email protected]
JULIO SOTO (THE THINKLAB MEDIA)
Rafael Salazar Alonso, 13, 3 i. 28007 Madrid, España. Tel. +34 677 683 347. [email protected]
99
RETOUR AU PAYS DES ÂMES
TRAGOVI
Entrado el siglo xxi, muchas creencias ancestrales luchan por sobrevivir en un mundo hostil
y cambiante. En el sureste de Costa de Marfil algunas comunidades continúan manteniendo
contacto con los espíritus, a través de los komián o sacerdotes animistas que, en estado de
trance, son poseídos por los genios del bosque y del agua. Yéo Douley emprenderá un viaje en
el que asistirá a los rituales de iniciación de tres elegidos por los espíritus del bosque y a la
entronización de uno de ellos como gran sacerdote animista.
En una tierra que se reconstruye a duras penas entre los rastros de un trágico pasado, los
jóvenes intentan vivir su presente más allá de la desesperanza que parece acechar tras cada
esquina.
RETORNO AL PAÍS DE LAS ALMAS / RETURN TO THE LAND OF SOULS
JORDI ESTEVA – Betacam / 70´ / 2009 / España, Costa de Marfil / Spain, Côte d’Ivoire
V. O. FRANCÉS, DIALECTOS AFRICANOS LOCALES / FRENCH, LOCAL AFRICAN DIALECTS. SUBT. ESPAÑOL,
INGLÉS / SPANISH, ENGLISH
100
GUILLERMO CARRERAS-CANDI – Betacam / 97´ / 2009 / España / Spain
V. O. BOSNIO, SERBIO, CROATA, INGLÉS / BOSNIAN, SERBIAN, CROATIAN, ENGLISH. SUBT. ESPAÑOL,
In a land struggling to rebuild itself from the traces left of its tragic past, the young people try
to live in the present, beyond the hopelessness that seems to lurk around every corner.
As they enter the 21st century, many ancient beliefs are struggling for survival in a hostile and
changing world. In southeast Ivory Coast, some communities still keep contact with the spirits
through the komian, or animist priests, who go into a trance and are possessed by the spirits of
the forest and water. Yéo Douley undertakes a journey in which he will attend the initiation rites for
three people chosen by the forest, and the throning of one of them as the great animist priest.
DIRECCIÓN, GUIÓN / DIRECTION, SCRIPTΩ Jordi Esteva
PRODUCCIÓN / PRODUCTIONΩ Jordi Esteva (Siwa Productions)
FOTOGRAFÍA / CINEMATOGRAPHYΩ Jordi Esteva, Albert Serradó, Jordi Vendrell
MONTAJE / EDITINGΩ Jordi Esteva, Albert Serradó
SONIDO / SOUNDΩ Jordi Tresserras
LOCUCIÓN / VOICEΩYéo Douley
DIRECCIÓN, PRODUCCIÓN, GUIÓN/ DIRECTION, PRODUCTION, SCRIPTΩ Guillermo Carreras-Candi
FOTOGRAFÍA / CINEMATOGRAPHYΩ Emilio Guerra
MONTAJE / EDITINGΩ Diana Toucedo
SONIDO / SOUNDΩ Oriol Gallart
MÚSICA / MUSICΩ Francesco Tristano Schlimé, Bachar Khalife
SIWA PRODUCTIONS
La Vila, 31, Foixa. 17132 Girona, España. Tel. +34 666 480 484. [email protected]
GUILLERMO CARRERAS-CANDI
Vendrell 5, ático 2. 08022 Barcelona, España. Tel. +34 635 414 182. [email protected]
Viernes 7, 19:30 h, y lunes 10, 17:00 h / Friday 7th, 7:30 pm, and Monday 10th 5:00 pm
101
VIATJANTS
VIAJANTES / TRAVELLERS
RAQUEL CORS MUNT – Betacam / 51´ / 2009 / España / Spain
V. O. CATALÁN, ESPAÑOL / CATALAN, SPANISH. SUBT. ESPAÑOL, INGLÉS / SPANISH, ENGLISH
102
Muerte de un viajante es la próxima obra que va a dirigir Mario Gas… Esta fue la noticia que
dio comienzo a este viaje, que transcurre entre las primeras lecturas del texto, en una sala
de ensayos del Teatre Lliure, y su estreno. Un recorrido que nos permitirá ser espectadores
privilegiados del proceso de creación de una obra de teatro, con todo lo que eso conlleva:
ilusión, dificultades, fantasía, contradicciones y, por supuesto, algo de locura, la necesaria para
que Willy, Linda, Biff, Happy… cobren vida.
103
Death of a Traveler is the next play to be directed by Mario Gas… This is the announcement that
starts off this journey. From the first readings of the text in a rehearsal space in the Lliure Theater,
through to its premiere. A trip that will make us priveledged spectators to the process of creating
a play, and everything that goes along with it: hopes, difficulties, fantasies, contradictions and, of
course, a bit of craziness, just enough to bring Willy Linda, Biff, Happy to life.
DIRECCIÓN, GUIÓN, FOTOGRAFÍA, SONIDO / DIRECTION, SCRIPT, CINEMATOGRAPHY, SOUNDΩ Raquel Cors
Munt
PRODUCCIÓN / PRODUCTIONΩ Benjamín Arraou (Dokia Films)
MONTAJE / EDITINGΩ Irene Coll
MÚSICA / MUSICΩ Oriol Cors
Todo personaje en un documental debe ser consciente de que está siendo filmado, dar
su consentimiento, saber de qué trata el proyecto; debería poder dar sus opiniones
y sugerencias sobre este proyecto y tener acceso al visionado del trabajo terminado.
DOKIA FILMS
Paseo San Juan 38, 1.º. 08010 Barcelona, España. Tel. +34 932 459 240. [email protected]
Everyone who appears as a character in a documentary film must be aware they are
being filmed, to give their agreement, to know what the project is about and should be
able to offer their opinions and suggestions about the project and to have access to
viewing the finished work.
Jill Daniels
CERTAMEN NACIONAL: LARGOMETRAJES
BIOFILMOGRAFÍAS
NATIONAL COMPETITION: FULL-LENGTH FILMS. BIOFILMOGRAPHIES
GUILLERMO CARRERAS-CANDI tragovi
Nacido en Barcelona en 1979, tras estudiar Historia en la Universitat de
Barcelona se graduó en Sonido por la ESCAC (Escola Superior de Cinema
i Audiovisuals de Catalunya) en 2006. Participó en el programa Portraits,
de Montreal, donde realiza el retrato documental Snagga Shee, una
coproducción entre la ESCAC y la INIS (Institut National de l’Image et du Son).
Debido a su experiencia personal y sus estrechos vínculos con la ex-Yugoslavia, en
2006 se fue a vivir a Sarajevo, donde comenzó a desarrollar el proyecto Tragovi.
Actualmente es codirector de la joven productora catalana Centset y director de
contenidos audiovisuales del portal de música playgroundmag.net.
Ω
104
Guillermo Carreras-Candi was born in Barcelona in 1979. After studying History at the
University of Barcelona he graduated in Sound from the ESCAC (Superior School of
Film and Audiovisuals of Catalonia) in 2006. He participated in the Portraits program
of Montreal, where he did the documentary portrait Snagga Shee, a co-production
between ESCAC and the INIS (National Institute of Sound and Image).
Because of his personal experience and close ties to the former Yugoslavia, in 2006 he
went to live in Sarajevo where he started development on the Tragovi project.
He is currently co-director of the young production company in Catalonia Centset and
director of audiovisual content for the music website playground.net.
FILMOGRAFÍA FILMOGRAPHY Snagga Shee (2007).
COLECTIVO AUDIOVISUAL LOS HIJOS circo
En 2008, Javier Fernández (1980), Luis López
Carrasco (1981) y Natalia Marín (1982) fundan el
colectivo artístico Los Hijos. Su trabajo, que alterna
el registro documental con la experimentación
formal, se ubica en el terreno fronterizo en que se
dan cita el cine de vanguardia, la investigación etnográfica y el videoarte. Con su primera
obra, El sol en el sol del membrillo, compitieron en la sección oficial de la pasada edición
del Festival Internacional de Documentales de Madrid (Documenta Madrid). El recorrido
de dicho cortometraje continúa en otros festivales, así como en galerías de arte como
La Fábrica de Barcelona. Su primer largometraje, Los materiales, ganó el Premio Jean
Vigo a la Mejor Dirección en el Festival Internacional Punto de Vista de Navarra 2010.
Ω
In 2008, Javier Fernández (1980), Luis López Carrasco (1981), and Natalia Marín
(1982) founded the artistic collective Los Hijos. Their work, which alternates between
documentary film and formal experimentation, lies somewhere on the border area of
where avant garde film, ethnographic research and video art meet. Their first work El
105
NATIONAL COMPETITION: FULL-LENGTH FILMS BIOFILMOGRAPHIES
BIOFILMOGRAFÍAS CERTAMEN NACIONAL: LARGOMETRAJES
sol en el sol del membrillo (The Sun in the Quince Tree of the Sun) was selected in the
International Official Section of Festival Internacional de Documentales de Madrid
(Documenta Madrid) and other festivals, in addition to showing at art galleries such as
La Fábrica in Barcelona. Their first feature-length film Los materiales (The Materials) won
the Jean Vigo prize for best direction in Punto de Vista International Film Festival 2010.
FILMOGRAFÍA FILMOGRAPHY Ya viene, aguanta, riégueme, mátame (2009), Los
materiales (2009), El sol en el sol del membrillo (2008).
STEFAN CONSTANTINESCU, JULIO SOTO my beautiful dacia
Nacido en Bucarest en 1968, Stefan Constantinescu es artista
visual y director de cine. Este año representa a Rumanía en
la Bienal de Venecia junto a Andrea Faciu y Ciprian Muresan
con las películas Passagen y Troleibuzul 92. Actualmente
trabaja en la película de ficción Seven Steps to Paradise. Vive
y trabaja a caballo entre Estocolmo y Bucarest.
Ω
106
Julio Soto nació en España y se trasladó a Nueva York en 1998, donde trabajó en la
realización de vídeos publicitarios y musicales para conocidos artistas como Common,
Macy Gray y The Roots, que le valieron una nominación para los MTV Awards en 2001.
En su faceta de cineasta en el ámbito del documental, sus trabajos como director y
productor se han emitido en canales como National Geographic Channel, TVE España,
Channel 4 Reino Unido, MDR Alemania, SVT Suecia, History Channel, Aljazeera y Planète,
entre otros. Radiophobia, una conmovedora mirada al desastre de Chernóbil, recibió
apoyo del ICAA y fue presentado en más de una treintena de prestigiosos festivales,
como el Full Frame Film Festival de 2007 y los Hollywood Awards de 2006. Asimismo, la
película ha recibido los premios al Mejor Documental en el 9th Brooklyn International
Film Festival de Nueva York, en el XXIII Festival de Cine de Bogotá, en el ECU Europeo
de Cine Independiente de París, en el Festival Internacional de Cine de Castilla-La
Mancha y en el GFFS de Seúl, además de recibir en 2006 el Premio del Público en
Documenta Madrid y el del Festival Internacional Punto de Vista de Pamplona. Destaca,
también, por haber recibido una beca de la prestigiosa New York Foundation for the
Arts, además de otros premios cinematográficos en el Toronto Latin Film Festival de
2005, el Rio de Janeiro VideoArt Festival de 2005, el Brooklyn International Film Festival
de 2002, el NAP Video Bienal Pasadena y el Media Arts Festival de Japón de 2003.
Sus instalaciones han sido exhibidas en instituciones como el Instituto Cervantes de
Nueva York, PhotoEspaña PhE 2005, el Museo de Arte de Queens, el Museo de Arte
de Brooklyn, en Nueva York, los Museos de Arte Contemporáneo de Chicago, Río de
Janeiro y Bucarest y el Instituto de Arte Contemporáneo de Londres. Tras vivir más de
ocho años en Nueva York y cinco en Suecia, actualmente reside en España.
Born in Bucarest in 1968, Stefan Constantinescu is a visual artist and film director. This
year he is representing Romania at the Venice Biennale along with Andrea Faciu and
Ciprian Muresan with the films Passagen and Troleibuzul 92. He is currently working
on the fiction film Seven Steps to Paradise. Stefan Constatinescu lives and works in
Stockholm and Bucharest.
Julio Soto was born in Spain and moved to New York in 1998, where he worked in
advertising and on music videos for such well known artists as Common, Macy Gray and
The Roots, which earned him a nomination at the MTV Awards in 2001. As a documentary
filmmaker, his work as a director and producer has appeared on such channels as
National Geographic Channel, TVE Spain, Channel 4 in the United Kingdom, MDR
Germany, SVT Sweden, the History Channel, Aljazeera, and Planète, among others.
Radiophobia, a moving look at the Chernobyl disaster, received aid from the ICAA and was
presented at more than thirty prestigious festivals, such as Full Frame Film Festival 2007
and the Hollywood Awards in 2006. Likewise, the film has received the Best Documentary
Awards at the 9th Brooklyn International Film Festival of New York, the 23rd Film Festival
of Bogota, at the European ECU of Independent Film of Paris, at the International Film
Festival of Castilla-La Mancha and at the GFFS of Seoul, in addition to receiving the
Audience Award at Documenta Madrid in 2006 and the International Festival Punto de
Vista of Pamplona. Another highlight has been receiving a fellowship from the prestigious
New York Foundation for the Arts, in addition to other film awards from the 2005 Toronto
Latin Film Festival, the 2005 Rio de Janeiro VideoArt Festival, the 2002 Brooklyn
International Film Festival, the NAP Video Bienal Pasadena and the 2003 Media
Arts Festival of Japan. His installations have been shown at such institutions as the
Cervantes Institute of New York, PhotoEspaña PhE 2005, the Queens Art Museum,
the Brooklyn Art Museum in New York, the Contemporary Art Museums of Chicago,
Rio de Janeiro and Bucharest, and the Institute of Contemporary Arts in London.
After living in New York for more than eight years and five in Sweden, he is currently
residing in Spain.
FILMOGRAFÍA FILMOGRAPHY Stefan Constantinescu: Seven Steps to Paradise (en
preproducción / in pre-production), Troleibuzul (2009), Passagen (2005), Dacia 1300,
My Generation (2003), The Baron (2002). Julio Soto: Señor X (2008), Radiophobia (2006),
Posibilidad de una utopía (2004), Ciudades invisibles (2002).
RAQUEL CORS MUNT viatjants
Nació en Barcelona en 1985. Entre 2004 y 2007 realizó estudios superiores
de cine en el CECC (Centre d’Estudis Cinematogràfics de Catalunya).
Desde 2007 cursa estudios universitarios de Psicología en la Universitat
de Barcelona. En 2009 obtuvo el Premio al Mejor Documental del Festival
Internacional Filmets de Badalona por su mediometraje Dia d’agost.
Ω
Born in Barcelona in 1985. From 2004 to 2007 he did advanced film studies at the CECC
(Center for Film Studies of Catalonia). Since 2007 he has been studying Psychology at
the University of Barcelona. In 2009 he won the best documentary film award from the
International Festival Filmets of Badalona for his medium-length film Dia d’agost.
FILMOGRAFÍA FILMOGRAPHY Cisco (en desarrollo / in development); Making of de la
película El alma de la Roja, de Santiago Zannou (2009); Making of de la película El truco
del manco, de Santiago Zannou (2008); Dia d’agost (2008).
CHUS DOMÍNGUEZ museo
Nacido en León en 1967, es un artista visual que utiliza el vídeo y el
cine como herramientas y el documental como lenguaje. Trabaja con
elementos provenientes directamente de la realidad para construir a partir
de ellos narrativas que se encuentran entre lo experimental y lo poético.
Sus videocreaciones y piezas cinematográficas han recorrido numerosos
festivales internacionales. Imparte diversos talleres sobre creación audiovisual. Desde
Ω
107
2009 colabora con el Máster en Prácticas Escénicas y Cultura Visual de la Universidad
de Alcalá, y desde 2007 colabora como programador de cursos y ciclos de cine y vídeo
en el MUSAC (Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León).
ocean with their Monsoon-propelled sailboats along the routes that have hardly changed
at all since the times of Simbad. Retour au pays des âmes is his first documentary.
GUSTAVO GIL PÉREZ el regreso
Nació en Las Palmas de Gran Canaria en 1965. Licenciado en Ciencias
de la Información en la Universidad Complutense, actualmente cursa
la licenciatura de Antropología Social y Cultural en la UNED. También
ha estudiado Montaje de Vídeo y Posproducción en el Centro de Medios
Audiovisuales de la Universidad Complutense. Tras terminar sus estudios
universitarios fue becado por el Gobierno Canario para cursar estudios de posgrado
en Cinematografía en IFTWS, Maine, EE.UU. En 1993 se trasladó a Luxemburgo,
donde trabajó como supervisor de emisión de los canales temáticos de Canal Satélite.
A su regreso a España en 1996 comenzó a trabajar como realizador para Canal+. En
2000 realizó el curso Dirección de Documentales en la EICTV de San Antonio de los
Baños, Cuba. Actualmente comparte su actividad como realizador de televisión con la
docencia en la Universidad Antonio de Nebrija de Madrid y con su faceta de productor
independiente en Conspiradores Producciones Audiovisuales.
Ω
Born in León in 1967, he is a visual artist who uses video and film as tools, and
documentary film as a language. He works with elements that come straight out of
reality to construct narratives that lie somewhere between experimental and poetic.
His video creations and film pieces have traveled to numerous international festivals.
He has led workshops about audiovisual creation. Since 2009 he has been collaborating
with the Masters in stage performing and visual culture at the University of Alcalá and
since 2007 he has been collaborating as a programmer of courses and film and video
series at the MUSAC (Museum of Contemporary Art of Castilla y León).
FILMOGRAFÍA FILMOGRAPHY Villa 31 (2009), La Sortie (2008), Impregnaciones en la
señorita nieve y guitarra (2008), Los campos del silencio (2007) Ciudadano inmigrante
(2006) Lekuz Leku (2005), O tempo dos bullós (2005) Retrato n.º 2, Cuaderno de ensayos
(2005), No ámbito do Cauca (2004), Chamamento (2004), Cepillo de dientes, esquina de
gong (2004), O prezo da dote (2003), Felipe vuelve a casa con las ovejas sonando (2001).
JORDI ESTEVA retour au pays des âmes
Escritor y fotógrafo, es un apasionado de las culturas orientales y
africanas, a las que ha dedicado la mayor parte de su trabajo periodístico
y fotográfico. Redactor jefe y director de arte de la revista Ajoblanco entre
1987 y el verano de 1993. Vivió durante cinco años en Egipto, trabajando en
Radio Cairo Internacional. Estudió la vida cotidiana en el desierto, trabajo
que se recoge en el libro Los oasis de Egipto (Ed. Lunwerg, 1995). En 1998 apareció Mil y
una voces (El País-Aguilar, 1998; Círculo de Lectores, 1999), un libro de conversaciones
con dieciséis artistas e intelectuales de ambas orillas del Mediterráneo acerca de
las sociedades árabes enfrentadas al desafío de la modernidad. Entre sus diversos
libros destaca Viaje al país de las almas (Pre-Textos, 1999), un acercamiento al mundo
del animismo africano, en el que documenta los rituales iniciáticos y los fenómenos
de posesión. En 2006 apareció Los árabes del mar (Península-Altair), que narra la
búsqueda de los antiguos marineros de las costas de Arabia que recorrían los puertos
del océano Índico con sus veleros propulsados por los monzones, siguiendo unas rutas
que apenas habían variado desde los tiempos de Simbad. Retour au pays des âmes es
su primer documental.
Ω
108
A writer and photographer, he is passionate about Asian and African cultures, a subject
to which he has devoted most of his journalism and photography career. Editor in chief
and art director of the magazine Ajoblanco between 1987 and summer of 1993. He lived
in Egypt for five years working at Radio Cairo International. He studied everyday life in the
desert, a job he tells about in the book Los oasis de Egipto (Ed. Lunwerg, 1995). In 1998
the book Mil y una voces (El País-Aguilar, 1998; Círculo de Lectores, 1999) was published,
which included conversations with sixteen artists and intellectuals from both sides of the
Mediterranean about Arabic societies facing the challenge of modernity. One of his most
notable books is Viaje al país de las almas (Pre-Textos, 1999), a close up look at the world
of African animism, in which he documents initiation rites and the phenonomenon of
possession. In 2006 Los árabes del mar (Península-Altair) came out, which tells about the
search for old sailors on the coasts of Arabia, who travel from port to port on the Indian
Born in Las Palmas de Gran Canaria in 1965. He majored in Information Sciences from
the Complutense University and is currently studying Social and Cultural Anthropology
at the UNED. He also estudied Video Editing and Post-production studies at the Center
for Audiovisual Media at the Complutense University. After finishing his university
studies, he got a grant from the Canarian Government to do post graduate studies in
Cinematography at IFTWS, Maine, USA. In 1993 he moved to Luxembourg, where he
worked as a broadcast supervisor for the theme-based channels of Canal Satélite. Upon
returning to Spain in 1996, he started working as a director for Canal+. In 2000 he did
a Documentary Film Directing course at EICTV of San Antonio de los Baños. He is
currently complimenting his work as a television director with teaching at the Antonio
de Nebrija University of Madrid, and with independent production work at Conspiradores
Producciones Audiovisuales.
FILMOGRAFÍA FILMOGRAPHY Rafah, frontera de Gaza (2010), El regreso (2009), La
Habana escrita (2001), Habana particular (2000), África (1993), A Story (1992).
SEBASTIÁN MARTÍNEZ PIÑEIRO centro
Nacido en Buenos Aires, Argentina, en 1967, realizó estudios en la
Fundación Universidad del Cine entre 1992 y 1994. En 2000-2001 obtuvo
una Licence en Études Cinématographiques et Audiovisuelles en la
Université Paris 8, Francia. En 2002 cursó el Máster en Documental de
Creación en la Universidad Pompeu Fabra de Barcelona. Participó de
seminarios y talleres de cine documental dictados por Patricio Guzmán y Claire Simon.
Trabaja en la industria cinematográfica argentina desde 1994.
Ω
Born in Buenos Aires, Argentina in 1967, he did his studies between 1992 and
1994 at the Fundación Universidad del Cine. In 2000/2001 he majored in Film
and Audiovisual Studies from the Université Paris 8, France. In 2002 he did a Masters
in Original Documentary Filmmaking at the Pompeu Fabra University of Barcelona. He
participated in seminars and workshops on documentary film led by Patricio Guzmán
and Claire Simon. He has been working in the film industry of Argentina since 1994.
109
FILMOGRAFÍA FILMOGRAPHY Pernoctantes (2008), París Marsella (2005), El reino
(2003), El después (2001).
AGUSTÍ TORRES DOMENGE el mar de barceló
Fotógrafo y realizador, combina su trabajo profesional con su propia
obra artística desde 1983. Ha expuesto en diversos países de Europa y
Estados Unidos. Ha colaborado como director de fotografía o realizador
en más de 140 programas documentales para televisión. En 2003 inició
su colaboración con el artista Miquel Barceló, de la que resultó un
primer documental, Mar de Fang, que codirigió con Luis Ortas. Su nuevo documental,
El mar de Barceló, refleja la complejidad creativa y técnica de una de las mayores
obras pictóricas del arte contemporáneo.
Ω
Photographer and director, he has been combining his professional work with his
own art work since 1983. He has shown in different countries in Europe and the
United States. He has collaborated as director of photography or director on more
than 140 documentary programs for television. In 2003 he started collaborating with
the artist Miquel Barceló, which resulted in the first documentary Mar de Fang, codirected with Luis Ortas. His most recent documentary, El mar de Barceló, reflects the
creative and technical complexity of one of the greatest paintings in contemporary art.
110
FILMOGRAFÍA FILMOGRAPHY Artà, una altra mirada (2009), Balears des de l’aire (serie
de TV / TV series,2005-2006), Mar de Fang (codirigido con / co-directed with Luis Ortas,
2005), Quatre Estacions a Mallorca (codirigido / co-directed, 2005).
SÈRGE TRÈFAUT la ciudad de los muertos
Nacido en Brasil en 1965, vive en Lisboa desde 1977. Tras cursar un
Máster de Filosofía en la Universidad de La Sorbona (París), comenzó su
carrera como periodista en Lisboa. Consagrado al cine desde su primer
trabajo como ayudante de dirección en 1989, compatibiliza las funciones de
director y productor. Actualmente dirige el Festival Internacional de Cine
Documental DocLisboa.
Ω
Born in Brazil in 1965, he has been living in Lisbon since 1977. After getting a Master
of Philosophy from the University of the Sorbonne (Paris), he started his career as a
journalist in Lisbon. Since his first job as an assistant director in 1989, he has dedicated
himself to film as a director and producer. He currently directs the International
Documentary Film Festival DocLisboa.
FILMOGRAFÍA FILMOGRAPHY Lisboners (2004), New Lisboners (2003), Fleurette (2002),
Another country (1999), Alcibíades (1992).
GUSTAVO VIZOSO RODRÍGUEZ el último trovador
Realizador y productor independiente que autogestiona sus películas. Su
primer documental, Hermanos Mseya, seleccionado por ocho festivales de
todo el mundo, era una película de veintisiete minutos sobre una familia
de huérfanos que viven por su cuenta en Tanzania. El último trovador es
su segundo documental. Actualmente trabaja en su tercer proyecto, El
Ω
médico y la madre, que se rueda en México, con el apoyo de dos productoras: Irusoin
y Pato Films. Gracias a ello, comienza a ganarse la vida con aquello que realmente le
gusta: el cine documental.
He is an independent producer and director who self-manages his films. His first film,
Hermanos Mseya (selected at eight festivals worldwide) was a 27-minute film about
a family of orphans living on their own in Tanzania. El último trovador is his second
documentary. He is currently working on his third project, El médico y la madre, which
is being filmed in Mexico with support from two production companies: Irusoin and
Pato Films. Thanks to that, he is starting to make a living doing what he truly enjoys:
documentary film.
FILMOGRAFÍA FILMOGRAPHY El médico y la madre (en producción / in production),
Hermanos Mseya (2007).
111
Competición
Documental
Documentary Film Contest
Sección Oficial Competitiva Internacional
International Competitive Section
Documentary Film Contest COMPETITIVE SECTION
ADDICTED IN AFGHANISTAN
AMERICAN GREYHOUNDS
Se estima que un millón de afganos son adictos a las drogas, especialmente a la heroína.
Alarmantemente, el 40% de ellos son mujeres y niños. Este trabajo ofrece una mirada íntima a
la desgarradora realidad que hay detrás del titular, desde la perspectiva de Jabar y Zahir, dos
drogadictos de quince años que viven en Kabul.
En Estados Unidos, solo la clase más desfavorecida se ve obligada a utilizar el autobús como
medio de transporte. Sus pasajeros viajan con la esperanza de mejorar su situación laboral o
social. Al mismo tiempo el propio país se halla inmerso en un viaje histórico: el comenzado en
las elecciones presidenciales de 2008 que dieron como vencedor a Barack Obama. En su figura
están depositadas las esperanzas y los sueños de los pasajeros de estos autobuses.
ADICTOS EN AFGANISTÁN JAWED TAIMAN – Betacam / 78´ / 2009 / Afganistán, Países Bajos, Reino Unido / Afghanistan, The Netherlands, UK
V. O. DARÍ, PERSA, PASHTO / DARI, FARSI, PASHTO. SUBT. ESPAÑOL, INGLÉS / SPANISH, ENGLISH
114
SECCIÓN COMPETITIVA Competición Documental
One million Afghans are estimated to be addicted to drugs, especially heroin. Alarmingly, 40%
of these are women and children. This is an intimate observational work that explores the
heartbreaking reality behind the headlines as seen through the eyes of Jabar and Zahir, two 15
year old drug addicts living in Kabul.
Mejor Director de Documental / Best Director of Documentary, Asian First Film Festival (República de Singapur /
Singapore, 2009)
DIRECCIÓN, FOTOGRAFÍA / DIRECTION, CINEMATOGRAPHYΩ Jawed Taiman
PRODUCCIÓN / PRODUCTIONΩ Sharron Ward (Katalyst Productions Ltd.)
GUIÓN / SCRIPTΩ Jawed Taiman, Sharron Ward
MONTAJE / EDITINGΩ Jason Brooks, Sharron Ward, Nigel Taylor
SONIDO / SOUNDΩ Adrian Scott
MÚSICA / MUSICΩ Elias Shahna, Deen Mohammed Ghamkhwar
AUTOBUSES AMERICANOS
MARIO ARANGUREN, HÉCTOR MUNIENTE – Betacam / 78´ / 2009 / España / Spain
V. O. INGLÉS, ESPAÑOL / ENGLISH, SPANISH. SUBT. ESPAÑOL, INGLÉS / SPANISH, ENGLISH
In the United States, only the lowest income classes are forced to use the bus as a means of
transportation. Passengers travel in the hope their work or social situation will improve. At the
same time, the country itself has embarked on a historic journey: the beginning of the 2008
presidential elections won by Barack Obama. The passengers of these busses have pinned their
hopes and dreams onto him.
DIRECCIÓN, FOTOGRAFÍA / DIRECTION, CINEMATOGRAPHYΩ Mario Aranguren, Héctor Muniente
PRODUCCIÓN / PRODUCTIONΩ Ramón Campos (Bambú Producciones)
GUIÓN / SCRIPTΩ Moncho Fernández, Héctor Muniente, Mario Aranguren
MONTAJE / EDITINGΩ Moncho Fernández
SONIDO / SOUNDΩ Agustín Peinado
MÚSICA / MUSICΩ David Ovejero, Mario Aranguren
KATALYST PRODUCTIONS LTD.
200 Lionel Road North, TW8 9QU Londres, Reino Unido. Tel. +44 2 087 582 113. [email protected]
BAMBÚ PRODUCCIONES
Juan Díaz Mula, 8 B. 28223 Pozuelo de Alarcón (Madrid), España. Tel. +34 917 992 541. [email protected]
CINES PRINCESA Salas 7 y 9 / Theaters 7 and 9
Lunes 10, 22:00 h, y martes 11, 17:00 h / Monday 10th, 10:00 pm, and Tuesday 11th, 5:00 pm,
115
AT HOME WITH THE JEDI
BE WATER, MY FRIEND
En algún lugar de una lejana galaxia (bueno, Gales en realidad), dos hermanos han establecido
un sistema de creencias basado en La guerra de las galaxias que, según aseguran, tiene 3.000
adeptos. Las aspiraciones galácticas de Daniel y Brandon contrastan de forma radical con el
entorno del pueblecito en el que viven. Mientras Daniel se deleita con la atención mediática, las
burlas han obligado a Brandon a dimitir del Alto Consejo. Un retrato doméstico que nos permite
conocer a los fundadores de la religión más nueva del Reino Unido y a una familia extraordinaria
cuyas esperanzas de salvación se extienden más allá del mundo que conocemos…
“Lo que es hoy, no es lo que era ayer ni lo que será mañana”. Esta frase resume la desesperación
y la resignación de los antiguos pescadores de Muynaq, una pequeña ciudad situada en la costa
del mar de Aral. La ahora ciudad fantasma y sus habitantes son víctimas de un imparable
desastre medioambiental desde hace décadas.
EN CASA CON EL JEDI
R. F. SIMPSON – Betacam / 10´ / 2009 / Reino Unido / UK
116
On the edge of a galaxy far, far away (well Wales, actually) two brothers have established a Star
Wars-based belief system that claims 3,000 followers. Daniel and Brandon’s galactic aspirations
are in stark contrast to their small-town surroundings. And while Daniel revels in the media
attention, local ridicule has forced Brandon to step down from the High Council. A domestic
portrait that meets the founders of the UK’s newest religion and reveals an extraordinary
family whose hopes of salvation extend far beyond the world as we know it…
SÉ AGUA, AMIGO MÍO
ANTONIO MARTINO – Betacam / 14´ / 2009 / Italia, Uzbekistán / Italy, Uzbekistan
V. O. ITALIANO, KARAKALPAKO / ITALIAN, KARAKALPAK. SUBT. ESPAÑOL, INGLÉS / SPANISH, ENGLISH
“What is today, is not what it was yesterday nor what it will be tomorrow.” In this sentence
the despair and the resignation of the ex fishermen of Muynaq, a little city on the coast of the
Aral Sea. The city, practically a ghost town by now, and its inhabitants are the victims of an
unstoppable environmental disaster that has been going on for decades.
Mejor Cortometraje / Best Short Film, InGiardino Short Film Contest, Biella (Italia / Italy, 2009)
Mejor Documental / Best Documentary, Clorofilla Film Festival, Grosseto (Italia / Italy, 2009)
Premio del Público / Audience Award “Cantine Pellegrino”, Festival SiciliAmbiente, San Vito Lo Capo (Italia /
Italy, 2009)
DIRECCIÓN, FOTOGRAFÍA, SONIDO / DIRECTION, CINEMATOGRAPHY, SOUNDΩ R. F. Simpson
PRODUCCIÓN / PRODUCTIONΩ Sarah Tierney (Clarity Productions)
MONTAJE / EDITINGΩ Richard Crawford
MÚSICA / MUSICΩ Rob J. Madin
DIRECCIÓN, GUIÓN, FOTOGRAFÍA, MONTAJE, SONIDO / DIRECTION, SCRIPT, CINEMATOGRAPHY, EDITING,
SOUNDΩ Antonio Martino
PRODUCCIÓN / PRODUCTIONΩ Serena Gramizzi (Videoinflussi)
MÚSICA / MUSICΩ Antonio Martino, Marco Pianges, Leonida Maria, Caterina Pettiti, Davide Severi
CLARITY PRODUCTIONS
57-59 Woodside Terrace Lane. G3 7YW Glasgow, Reino Unido. Tel. +44 1 413 326 400. [email protected]
ASSOCIAZIONE CINEMATOGRAFICA VIDEOINFLUSSI
Via La Farina 24. 95018 Riposto (CT), Italia. Tel. +39 3 463 906 111. [email protected]
117
BUDRUS
CORUMBIARA
Un líder palestino une a Fatah, Hamas y a israelíes en un movimiento sin armas para salvar a su
pueblo de la destrucción. El éxito les es esquivo hasta que su hija de 15 años entra en acción.
En 1985, el indigenista Marcelo Santos se propuso denunciar una masacre de indios en la Gleba
Corumbiara (Rondônia), con Vincent Carelli a cargo de filmar las pocas pruebas que quedaban.
Marcelo y su equipo tardaron años en encontrar a los supervivientes. Dos décadas después, el
relato de esa búsqueda y la versión india de los hechos.
JULIA BACHA – BTC Digital PAL / 78´ / 2009 / Palestina, Israel, Estados Unidos / Palestina, Israel, USA
V. O. ÁRABE, HEBREO, INGLÉS / ARABIC, HEBREW, ENGLISH. SUBT. ESPAÑOL, INGLÉS / SPANISH, ENGLISH
118
A Palestinian leader unites Fatah, Hamas and Israelis in an unarmed movement to save his village
from destruction. Success eludes them until his 15-year-old daughter jumps into the fray.
CORUMBIARA – THEY SHOOT INDIANS, DON’T THEY?
VINCENT CARELLI – Betacam / 117´ / 2009 / Brasil / Brazil
V. O. PORTUGUÉS / PORTUGUESE. SUBT. ESPAÑOL, INGLÉS / SPANISH, ENGLISH
In 1985, the indigenist Marcelo Santos set out to denounce a massacre of Indians in Corumbiara
Gleba (RO), with Vincent Carelli filming what little remained of the evidence. Marcelo and his
team take years to find the survivors. Two decades later come the depiction of that search and
the Indians’ version of what happened.
Mención de Honor / Honourable Mention, It’s All True – International Documentary Film Festival, São Paulo
(Brasil / Brazil, 2009)
DIRECCIÓN, GUIÓN / DIRECTION, SCRIPTΩ Julia Bacha
PRODUCCIÓN / PRODUCTIONΩ Ronit Avni, Rula Salameh, Julia Bacha
FOTOGRAFÍA / CINEMATOGRAPHYΩ Shai Pollack, Monalisa Sundbom, Jonathan Massey, Julia Bacha, Riyad Deis,
Mohammed Fawzi
MONTAJE / EDITINGΩ Geeta Gandbhir, Julia Bacha
SONIDO / SOUNDΩ Iyad Al-Attyat, Scott Freiman
MÚSICA / MUSICΩ Kareem Roustom
DIRECCIÓN, GUIÓN, FOTOGRAFÍA, SONIDO, LOCUCIÓN / DIRECTION, SCRIPT, CINEMATOGRAPHY, SOUND,
VOICEΩVincent Carelli
PRODUCCIÓN / PRODUCTIONΩVincent Carelli (Vídeo nas Aldeias)
MONTAJE / EDITINGΩ Mari Correa
JULIA BACHA
18W 27th Street, FL2 10001 Nueva York, Estados Unidos. Tel. +19 174 122 674. [email protected]
VÍDEO NAS ALDEIAS
Rua de São Francisco, 162. 53120-070 Olinda, Brasil. Tel +55 8 134 933 063. [email protected]
119
COUNTRYSIDE 35 × 45
ENTRE LA GLORIA Y EL INFIERNO
Rusia, no hace mucho. En todo el país, los viejos pasaportes soviéticos se cambian por los
rusos. Un fotógrafo de provincias va de un pueblo siberiano a otro tomando fotos de pasaporte
de 35 × 45 mm...
En mayo de 2009, en la comunidad de La Gloria, en el estado de Veracruz, se diagnosticó el primer
caso de gripe porcina. Mientras toda la atención política y mediática se centraba en este “paciente
cero”, los habitantes del valle de Perote denunciaban la contaminación del medio ambiente y los
problemas de salud provocados por las granjas porcinas Carroll. Después de años de procesos
penales tras ser demandados por difamación por la empresa, los habitantes de la región siguen
luchando contra la corrupción de las autoridades y el derecho a un ambiente sano.
CAMPO 35 × 45 / GLUBINKA 35 × 45
EVGENY SOLOMIN – Betacam / 43´ / 2009 / Rusia / Russia
V. O. RUSO / RUSSIAN. SUBT. ESPAÑOL, INGLÉS / SPANISH, ENGLISH
120
Russia. Not long ago. Throughout the country, old Soviet passports are being exchanged for the
new Russian ones. A provincial photographer travels from one Siberian village to another taking
35 × 45 mm passport photos of the villagers...
Gran Premio / Grand Prize, Open Documentary Film Festival, Yekaterinburg (Rusia / Russia, 2009)
Mejor Documental en 35 mm, Mejor Película Artística / Best Documentary Shooted on 35mm, Best Art Film,
Premios Nacionales de Documental “Lavrovaya Vetv” / National Awards for Documentary Films “Lavrovaya
Vetv” (Rusia / Russia, 2009)
Mejor Documental / Best Documentary, Potenza International Film Festival (Italia / Italy, 2009)
DIRECCIÓN, GUIÓN, MONTAJE / DIRECTION, SCRIPT, EDITINGΩ Evgeny Solomin
PRODUCCIÓN / PRODUCTIONΩ Elizaveta Solomina (Kino-Siberia)
FOTOGRAFÍA / CINEMATOGRAPHYΩVladimir Ponomaryov
SONIDO / SOUNDΩ Andrey Popov
BETWEEN LA GLORIA AND HELL / LA GRIPPE DU “LAISSEZ-FAIRE”
ARTHUR RIFFLET – Betacam / 26´ / 2009 / Francia / France
In May 2009, the first case of swine flu was diagnosed in the community of La Gloria in the
state of Veracruz. While all the political and media attention was focused on this “patient
zero”, the inhabitants of the Perote Valley were denouncing the pollution of the environment
and the health problems caused by the Carroll pig farms. After years of criminal trials in which
they were sued by the company for defamation, the inhabitants of the region continue fighting
against the corruption of the authorities and for the right to healthy surroundings.
Estreno internacional / International Premiere
DIRECCIÓN, GUIÓN, FOTOGRAFÍA, MONTAJE / DIRECTION, SCRIPT, CINEMATOGRAPHY, EDITINGΩ Arthur Rifflet
PRODUCCIÓN / PRODUCTIONΩ Jonathan Cadiot (Mille Plateaux Productions)
SONIDO / SOUNDΩ Kai Kraatz
KINO-SIBERIA
Novogodnaya, 41, apt. 6. 630087 Novosibirsk, Rusia. Tel. +79 139 104 664. [email protected]
Mille Plateaux Productions
107 rue de la Réunion. 75020 París, Francia. Tel. +33 6 797 097. [email protected]
CINE ESTUDIO CÍRCULO DE BELLAS ARTES
Viernes 7, 19:30 h / Friday 7th, 7:30 pm
CINES PRINCESA Sala 9 / Theater 9
Domingo 9, 17:00 h / Sunday 9th, 5:00 pm
Lunes 10, 22:00 h / Monday 10th, 10:00 pm
121
FOREST OF CROCODILES
HOW GREEN WAS OUR VALLEY
¿Qué decisiones toman los blancos de Sudáfrica a la hora de enfrentarse a su miedo a la
delincuencia, a la violencia y a los negros? Algunos disponen de recursos y otros de una
imaginación desbordante. Las consecuencias son la regresión y el aislamiento o la libertad del
miedo. Como los cocodrilos, estas personas han ido evolucionando según sus propias leyes.
El nivel del agua sigue subiendo y 63 pueblos situados en la línea de un verde valle quedarán
anegados. Los habitantes, que deben abandonar sus hogares, esperan un milagro del santuario
de uno de los municipios.
SELVA DE COCODRILOS
MARK AITKEN – Betacam / 52´ / 2009 / Reino Unido / UK
122
What choices do white South Africans make when addressing their fears of crime, violence
and black people? Some are well resourced while others are ingeniously resourceful. The
consequences are regression and isolation or freedom from fear. Like crocodiles, these people
have been left to evolve according to their own laws.
QUÉ VERDE ERA NUESTRO VALLE / CHE SAR SABZ BOOD DAREH MA
FERESHTEH JOGHATAEI – Betacam / 32´ / 2009 / Irán / Iran
V. O. PERSA / FARSI. SUBT. ESPAÑOL, INGLÉS / SPANISH, ENGLISH
The water is rising and 63 villages in a green valley will be flooded and their residents must
leave. There is a holy shrine in one of the villages and people are waiting for a miracle from
the holy shrine.
Mejor Documental / Best Documentary, International Fajr Film Festival (Irán / Iran, 2009)
Mejor Director / Best Director, Tehran International Short Film Festival (Irán / Iran, 2009)
Mejor Fotografía / Best Cinematography, Asa International Film Festival (Irán / Iran, 2009)
DIRECCIÓN, MONTAJE / DIRECTION, EDITINGΩ Mark Aitken
PRODUCCIÓN / PRODUCTIONΩ Mark Aitken (Flux Film)
FOTOGRAFÍA / CINEMATOGRAPHYΩ Nora Agapi
SONIDO / SOUNDΩ Nadine Richardson
MÚSICA / MUSICΩ Leafcutter John
DIRECCIÓN, GUIÓN / DIRECTION, SCRIPTΩ Fereshteh Joghataei
PRODUCCIÓN, FOTOGRAFÍA / PRODUCTION, CINEMATOGRAPHYΩTouraj Aslani
MONTAJE / EDITINGΩ Amir Adib Parvar, Fereshteh Joghataei
SONIDO / SOUNDΩ Amir Adib Parvar, Mahmood Khorsand
FERESHTEH JOGHATAEI
No. 20 (38 new) Shaghayegh Alley, Iranpars Ave. North Janat Abad 1477968433 Teherán, Irán. Tel. +98 9 329 159 817.
[email protected]
FLUX FILM
5 Hambridge Way SW2 2NJ Londres, Reino Unido. Tel. +44 7 957 588. [email protected]
Sábado 8, 19:30 h / Saturday 8th, 7:30 pm
123
JAFFA, THE ORANGE’S CLOCKWORK
LA TAREA
Historia de los famosos cítricos procedentes de Palestina, conocidos mundialmente durante
siglos como “naranjas Jaffa”. La historia de la marca Jaffa es la historia de esta tierra. En un
análisis sobre la representación visual de esta marca, Sivan reflexiona acerca de las fantasías
occidentales sobre Oriente, la Tierra Santa y el Estado de Israel. Describe la codicia colonial,
los procesos de destrucción, nacionalización y rechazo, y desvela la historia de lo que una vez
fue un símbolo y una industria comunes para árabes y judíos en Palestina.
Una niña de 8 años debe escribir para la escuela un cuento sobre su familia. En el proceso,
la pequeña redescubre su núcleo familiar: papá, mamá… y la novia de mamá. Poco a poco,
comienza a entender que su familia no es como las otras. Ella ama a su madre y quiere mucho
a la compañera de esta, y aunque entiende que su familia es distinta, no quiere ser vista como
alguien diferente.
JAFFA, EL MECANISMO DE LA NARANJA /
EYAL SIVAN – Betacam / 88’ / 2009 / Bélgica, Francia, Israel / Belgium, France, Israel
V. O. HEBREO, ÁRABE, FRANCÉS, INGLÉS / HEBREW, ARABIC, FRENCH, ENGLISH. SUBT. ESPAÑOL, INGLÉS /
SPANISH, ENGLISH
124
The history of the famous citrus fruit originating from Palestine and known worldwide for
centuries as “Jaffa oranges”. The history of the Jaffa brand is the history of this land. In his
analysis of the visual representation of this brand, Sivan reflects on Western fantasies of “the
Orient”, the “Holy land” and the state of Israel. It describes the colonial covetousness, the
processes of obliteration, nationalization and repudiation, and unveils the story of what was
once both a common symbol and a common industry to Arabs and Jews in Palestine.
THE HOMEWORK
MILAGRO FARFÁN – Betacam / 27´ / 2009 / Cuba, Perú
An eight-year-old girl must write a story about her family for school. In doing so, the child
rediscovers her immediate family: daddy, mommy… and mommy’s girlfriend. Little by little she
starts understanding that her family is not like other families are. She loves her mother and loves
her mother’s partner a lot, and even though she understands her family is different, she does not
want to be seen as someone different.
DIRECCIÓN GUIÓN / DIRECTION, SCRIPTΩ Eyal Sivan
PRODUCCIÓN / PRODUCTIONΩ Osnat Trabelsi (Trabelsi Productions Ltd.)
FOTOGRAFÍA / CINEMATOGRAPHYΩ David Zarif, Vincent Fooy, Rémi Lainé, Shafir Sarusi
MONTAJE / EDITINGΩ Audrey Maurion
SONIDO / SOUNDΩ Oren Raviv, Jean-Jacques Quinet, Asher Saraga
DIRECCIÓN / DIRECTIONΩ Milagro Farfán
PRODUCCIÓN / PRODUCTIONΩTanya Valette (EICTV)
GUIÓN / SCRIPTΩ Daniel Tabares
FOTOGRAFÍA / CINEMATOGRAPHYΩ Neudel York
MONTAJE / EDITINGΩ Domingo Lemus
SONIDO / SOUNDΩ Macías Jonathan, Albán Henríquez
TRABELSI PRODUCTIONS LTD.
12 Tiomkin St. 65783 Tel Aviv, Israel. Tel. +97 235 660 398. [email protected]
TANYA VALETTE, ESCUELA INTERNACIONAL DE CINE Y TV
Fca. San Tranquilino, km 4,500. San Antonio de los Baños 40/41, La Habana, Cuba. Tel +53 47 383 152.
[email protected]
125
NO BATHING
OIL ROCKS – CITY ABOVE THE SEA
En marzo de 2009, el ayuntamiento de Nevers decidió cerrar la piscina descubierta de La
Jonction, situada entre la orilla del río Loira y la del canal de Nivernais. Dicha decisión se tomó
sin consultar a los consejos asesores establecidos después de las elecciones municipales
de 2008 (el Consejo del Distrito, el Consejo de la Tercera Edad y el Consejo de Desarrollo
Sostenible). Esta es la historia de un lugar y de una instalación pública situada fuera de pista.
Tras el enigmático nombre yace la primera y mayor plataforma petrolera mar adentro jamás
construida, una vasta ciudad en medio del mar Caspio levantada por Stalin en 1949. Sesenta
años después, Oil Rocks sigue operativa y por primera vez se permite el acceso a un equipo
occidental de rodaje. Imagínense: 300 kilómetros de puentes, miles de trabajadores, cientos de
plataformas, edificios de hasta nueve pisos, un parque y una cancha deportiva. Una auténtica
Atlántida petrolífera, solo que real. Imágenes de archivo de la era soviética y nuevo material
exclusivo se combinan para relatar la historia de un lugar atemporal y sus habitantes.
PROHIBIDO BAÑARSE / BAIGNADES INTERDITES
CÉCILE RAVEL – Betacam / 22´ / 2009 / Francia / France
126
In March 2009, the Nevers City Council decided to close down the open air swimming pool of
“La Jonction”, located in between the bank of the Loire river and that of the Nivernais region
canal. That decision was made without notifying the advisory committees set up after the
2008 town elections (the District Committee, the Senior Citizens Advisory Committee and the
Committee for Sustained Development). This is the story of a place and of a public facility
located at an outlanding site.
OIL ROCKS: CIUDAD SOBRE EL MAR / CITÉ DU PETROLE
MARC WOLFENSBERGER – Betacam / 52´ / 2009 / Suiza / Switzerland
V. O. AZERÍ, RUSO / AZERBAIJANI, RUSSIAN. SUBT. ESPAÑOL, INGLÉS / SPANISH, ENGLISH
Behind the enigmatic name lies the first and largest offshore oil-platform ever built, a vast city in
the middle of the Caspian Sea, built by Stalin in 1949. 60 years on, Oil Rocks is still operational
and the first Western film crew ever receives access. Just imagine: 300 kilometres of bridges,
thousands of oil workers, hundreds of platforms, up to nine-storey buildings, a park and sports
field, nothing less then an oil-rig Atlantis, only real. Combining archive footage from the Soviet era
and the exclusive new footage, this is the story of this timeless place and its inhabitants.
CINEMATOGRAPHY, EDITING, SOUNDΩ Cécile Ravel
MÚSICA / MUSICΩ Mikaël Lopinto
CÉCILE RAVEL
9, rue de Loire. 58000 Nevers, Francia. Tel. +33 3 863 687. [email protected]
DIRECCIÓN, GUIÓN, FOTOGRAFÍA / DIRECTION, SCRIPT, CINEMATOGRAPHYΩ Marc Wolfensberger
PRODUCCIÓN / PRODUCTIONΩ Isabelle Gattiker
MONTAJE / EDITINGΩ Patrick Léger, Peter Entell
SONIDO, MÚSICA / SOUND, MUSICΩ Igor Cubrilovic
AUTLOOK FILMSALES
Trappelgasse 4/17. A-1040 Viena, Austria. Tel. +43 720 346 934. [email protected]
CINE PRINCESA Sala 7 / Theater 7
Martes 11, 22:00 h / Tuesday 11th, 10:00 pm
Lunes 10, 22:00 h, y martes 11, 17:00 h / Monday 10th, 10:00 pm, and Tuesday 11th, 5:00 pm
127
P-STAR RISING
PRESUNTO CULPABLE
Cuando Jesse descubre que su hija pequeña sabe rapear y bailar, ve en ello una forma de
redención de su truncada carrera musical y la salvación económica para su familia, y dedica
su vida a convertirla en una estrella. Acompañamos a padre e hija por el glamuroso mundo de
la industria musical, capturando la lucha diaria de un padre que cría solo a sus dos hijas, y los
sacrificios de una niña por hacer que su padre se sienta orgulloso.
En diciembre de 2005, Toño rogó a Dios: “Mátame o méteme en la cárcel”. Días después es
detenido y conducido a prisión. Sin pruebas, un juez lo condena a veinte años de prisión por el
homicidio de un hombre al que nunca conoció. Toño luchó durante dos años por recuperar su
libertad y dos abogados documentaron las contradicciones de un sistema judicial en el que, de
entrada, todos somos culpables y es casi imposible demostrar lo contrario.
When Jesse discovers that his youngest daughter, Priscilla, can rap and perform, he sees
redemption for his own failed music career and financial salvation for his family and commits
his life to making her a star. We follow the father-daughter duo through the grit and glamour
of the music industry, capturing the daily struggles of a single parent raising his two children
alone, and the sacrifices a child makes in order to make her daddy proud.
In December 2005, Toño begged God: “Kill me or put me in jail.” Days later, he was arrested and
taken to prison. Lacking evidence, the judge sentenced him to twenty years for killing a man he
never even met. Toño fought for two years to win back his freedom and two lawyers documented
the contradictions of a judicial system in which, from the outset, we are all presumed guilty and it
is almost impossible to prove otherwise
Mejor Documental / Best Documentary, Heartland Film Festival (Estados Unidos / USA, 2009)
Mejor Documental / Best Documentary, Festival Internacional de Cine de Morelia (México / Mexico, 2009)
P-STAR: JOVEN PROMESA
GABRIEL NOBLE – Betacam / 84´ / 2009 / Estados Unidos / USA
128
PRESUMED GUILTY
ROBERTO HERNÁNDEZ, geoffrey smith – Betacam / 86´ / 2009 / México / Mexico
DIRECCIÓN, GUIÓN, FOTOGRAFÍA / DIRECTION, SCRIPT, CINEMATOGRAPHYΩ Gabriel Noble
PRODUCCIÓN / PRODUCTIONΩ Marjan Tehrani
MONTAJE / EDITINGΩ David Abelson
SONIDO, MÚSICA / SOUND, MUSICΩ Ion Furjanic & B. Satz All-Stars
DIRECCIÓN / DIRECTIONΩ Roberto Hernández, Geoffrey Smith
PRODUCCIÓN / PRODUCTIONΩ Martha Sosa (Abogados con Cámaras), Layda Negrete
FOTOGRAFÍA / CINEMATOGRAPHYΩ Amir Galván, John Grillo, Damián Sánchez, Lorenzo Hagerman
MONTAJE / EDITINGΩ Felipe Gómez
SONIDO / SOUNDΩ Martín Hernández
MÚSICA / MUSICΩ Camilo Froidevela, Raúl Vizzi
ROBERTO HERNÁNDEZ
Ohlone Ave, Bldg 101-966. Albany, CA 94706, Estados Unidos. Tel. +1 5 105 588 233. [email protected]
AUTLOOK FILMSALES
Trappelgasse 4/17, 1040 Viena, Austria. Tel. +43 720 346 934. [email protected]
Lunes 10, 17:00 h, y miércoles 12, 22:00 h / Monday 10th, 5:00 pm, and Wednesday 12th, 10:00 pm
129
REZAGADOS
THE COVE
A unos pasos de la plaza Echaurren de la ciudad de Valparaíso, Chile, se encuentra el Ejército de
Salvación, una institución encargada de mitigar las necesidades de las personas indigentes que
acuden a ella. El capitán Jorge Aicón es increpado por un indigente, quien dice ser expulsado de
este lugar cada vez que no tiene dinero.
Un grupo de activistas, liderados por un entrenador de delfines, tratan de infiltrarse en una
comunidad próxima a Taiji (Japón) que se dedica a la caza del delfín para su explotación.
OUTCASTS
YERKO RAVLIC ELAL – Betacam / 25´ / 2009 / Chile
130
Just steps away from Echaurren square in the city of Valparaíso, Chile, there is the Ejército de
Salvación (The Salvation Army), an institution in charge of meeting the needs of the destitute
people who go there. The head, Jorge Aicón, is reprimanded by a destitute man who says he is
thrown out of that place every time he runs out of money.
LA CALA
LOUIE PSIHOYOS – 35 mm / 92´ / 2009 / Estados Unidos / USA
V. O. INGLÉS, JAPONÉS / ENGLISH, JAPANESE. SUBT. ESPAÑOL / SPANISH
A group of activists led by a dolphin trainer, tries to infiltrate a community near Taiji (Japan) where
dolphins are hunted for profit.
Oscar al Mejor Largometraje Documental / Best Documentary Feature Film, Academy Awards (EE UU / USA, 2010)
Mejor Documental, Premio del Público / Best Documentary, Audience Award, Sundance Film Festival (EE UU /
USA, 2009)
Premio del Público / Audience Award, Sydney Film Festival (Australia, 2009)
Premio del Público / Audience Award, Amsterdam International Documentary Film Festival (Países Bajos / The
Netherlands, 2009)
Premio del Público / Audience Award, Hot Docs Canadian International Documentary Festival (Canadá / Canada, 2009)
DIRECCIÓN / DIRECTION ΩYerko Ravlic Elal
PRODUCCIÓN / PRODUCTIONΩ Roxana Guerrero (Universidad de Valparaíso)
GUIÓN / SCRIPTΩ Katherine Medel, Yerko Ravlic
FOTOGRAFÍA / CINEMATOGRAPHYΩ Álvaro Matamala Riquelme
MONTAJE, SONIDO / EDITING, SOUNDΩ Natalia Araya
DIRECCIÓN / DIRECTIONΩ Louie Psihoyos
PRODUCCIÓN / PRODUCTIONΩ Fisher Stevens, Paula DuPré Pesmen
GUIÓN / SCRIPTΩ Mark Monroe
SONIDO / SOUNDΩ Robert Fernandez
MONTAJE / EDITINGΩ Geoffrey Richman
FOTOGRAFÍA / CINEMATOGRAPHYΩ Brook Aitken
MÚSICA / MUSICΩ J. Ralph
ROXANA GUERRERO (CARRERA DE CINE, UNIVERSIDAD DE VALPARAÍSO)
Avda. Gran Bretaña 1041, C.º Playa Ancha, Valparaíso, Chile. Tel. +56 322 508 451. [email protected]
A CONTRACORRIENTE FILMS
Lincoln, 11. 08006 Barcelona, España. Tel. +34 935 398 536. [email protected]
131
THE MOST DANGEROUS MAN IN AMERICA:
DANIEL ELLSBERG AND THE PENTAGON PAPERS THE ONE WHO SAID NO… THE ONE WHO SAID YES!
En 1971, Daniel Ellsberg, estratega de la guerra de Vietnam, concluye que esta se basa en décadas
de mentiras. Filtra 7.000 páginas de documentos de alto secreto a The New York Times, un acto de
conciencia que desembocaría en el Watergate, la dimisión de Nixon y el fin de la guerra.
Dado que Irán es un país religioso y tradicional, la elección del cónyuge se suele llevar a cabo de
manera tradicional. Pero a algunos les gustaría elegir a su consorte de una manera menos clásica
y más acorde con las costumbres modernas, lo cual contrasta con las tradiciones iraníes.
In 1971, Daniel Ellsberg, a leading Vietnam War strategist, concludes the war is based on
decades of lies. He leaks 7,000 pages of top-secret documents to The New York Times, a daring
act of conscience that leads directly to Watergate, Nixon’s resignation and the end of the war.
Since Iran is a religious and traditional country, choosing a spouse is usually done the traditional
way. But some people would like to choose their spouse in a less traditional manner and more
in line with today’s customs, which is in contrast with the traditional Iranian customs.
Nominado al Oscar al Mejor Largometraje Documental / Nominated for the Oscar for Best Documentary
Feature Film (Estados Unidos / USA, 2010)
Mejor Documental, Premio del Público / Best Documentary, Audience Award, Palm Springs International Film
Festival (Estados Unidos / USA, 2010)
Premio Especial del Jurado / Special Jury Award, Amsterdam International Documentary Film Festival (Países
Bajos / The Netherlands, 2009)
Mejor Película / Best Film, International Documentary Film Festival (Irán / Iran, 2009)
EL HOMBRE MÁS PELIGROSO DE ESTADOS UNIDOS: DANIEL ELLSBERG Y LOS DOCUMENTOS DEL PENTÁGONO
JUDITH EHRLICH, RICK GOLDSMITH – Betacam / 94´ / 2009 / Estados Unidos / USA V. O. INGLÉS / ENGLISH. SUBT. ESPAÑOL / SPANISH 132
LA QUE DIJO QUE NO… ¡LA QUE DIJO QUE SÍ!
HOUMAN EINOLLAHI – Betacam / 39´ / 2009 / Irán / Iran
V. O. PERSA / FARSI. SUBT. ESPAÑOL, INGLÉS / SPANISH, ENGLISH
DIRECCIÓN, PRODUCCIÓN / DIRECTION, PRODUCTIONΩ Judith Ehrlich, Rick Goldsmith
GUIÓN / SCRIPTΩ Lawrence Lerew, Rick Goldsmith, Judith Ehrlich, Michael Chandler
SONIDO / SOUNDΩ Nick Bertoni, Rick Goldsmith
MONTAJE / EDITINGΩ Michael Chandler, Rick Goldsmith, Lawrence Lerew
FOTOGRAFÍA / CINEMATOGRAPHYΩVicente Franco
MÚSICA / MUSICΩ Blake Leyh
LOCUCIÓN / VOICEΩ Daniel Ellsberg
PARADIGM PRODUCTIONS
2530 Tenth St #7, 94710 Berkeley, Estados Unidos. Tel. +1 5 108 430 789. [email protected]
DIRECCIÓN, FOTOGRAFÍA, MONTAJE, SONIDO/ DIRECTION, CINEMATOGRAPHY, EDITING, SOUNDΩ Houman
Einollahi
PRODUCCIÓN / PRODUCTIONΩ Houman Einollahi, Amir Abedi
HOUMAN EINOLLAHI
Unit 20. 156 No. Mozafarikhah Alley. Amir Abad St. 1413643678 Teherán, Irán. Tel. +98 2 188 027 220.
[email protected]
133
THE WORLD RECORD HOLDER IN THE LIGHTHOUSE
WHICH WAY HOME
Los fareros son una especie en extinción en todo el mundo, ya que los sistemas automáticos
están convirtiendo su trabajo en algo obsoleto. La de Óskar, el último farero de Islandia, es
la extraordinaria historia de un ermitaño que ha pasado toda su vida en el faro de Storhöfdi,
la estación meteorológica más expuesta al viento de toda Islandia, además de establecer un
récord mundial en anillado de aves.
Olga y Freddy, de 9 años, intentan reunirse con sus padres en Estados Unidos. Kevin, un joven de
14 años, pretende alcanzar “el país de las oportunidades” y enviar dinero a su madre. De quienes,
como ellos, atraviesan México en solitario con la intención de superar la frontera raramente oímos
hablar: son los invisibles.
EL FARERO QUE OSTENTA UN RÉCORD MUNDIAL / HEIMSMETHAFINN Í VITANUM
JÓN KARL HELGASON – Betacam / 52´ / 2009 / Islandia / Iceland
V. O. ISLANDÉS / ICELANDIC. SUBT. ESPAÑOL, INGLÉS / SPANISH, ENGLISH
134
Lighthouse keepers are a dying breed all over the world, as automated equipment has been
making their job obsolete. The story of Óskar – Iceland’s last lighthouse keeper –, is the unique
story of a recluse who has spent his entire life in Storhöfdi-Lighthouse, the windiest weather
station in Iceland, in addition to setting a world record in bird tagging.
¿CUÁL ES EL CAMINO A CASA?
REBECCA CAMMISA – Betacam / 83´ / 2009 / Estados Unidos / USA
The nine-year-old children Olga and Freddy are trying to rejoin their parents in the USA. Kevin, a
young fourteen-year-old is trying to reach the “land of opportunity” and send money to his mother.
We rarely hear about, the children who cross Mexico alone as they attempt to cross the border:
the invisible ones.
Nominado al Oscar al Mejor Largometraje Documental / Nominated for the Oscar for Best Documentary Feature
Film (Estados Unidos / USA, 2010)
Premio Especial del Jurado por los Derechos Humanos / Special Jury Prize for Human Rights, Traverse City
Film Festival, Michigan (Estados Unidos / USA, 2009)
Premio UNICEF de Documental / UNICEF Award for Documentary Film, Festival Internacional de Cine de La
Habana (Cuba, 2009)
DIRECCIÓN, FOTOGRAFÍA, MONTAJE / DIRECTION, CINEMATOGRAPHY, EDITINGΩ Jón Karl Helgason
PRODUCCIÓN / PRODUCTIONΩ Jón Karl Helgason (JKH Filmproduction)
GUIÓN / SCRIPTΩ Kristín Jóhannsdóttir
SONIDO / SOUNDΩ Gunnar Árnason
MÚSICA / MUSICΩ Arnar Ólafsson, Birgir Hilmarsson
DIRECCIÓN / DIRECTIONΩ Rebecca Cammisa
PRODUCCIÓN / PRODUCTIONΩ Lianne Halfon (Mr. Mudd)
FOTOGRAFÍA / CINEMATOGRAPHYΩ Lorenzo Hagerman, Eric Goethals, Rebecca Cammisa
MONTAJE / EDITINGΩ Pax Wassermann, Madeleine Gavin
SONIDO / SOUNDΩ Luis Mercio, Gabriel Coll Barberis, Jesús Sánchez Padilla, Eduardo Trejo
MÚSICA / MUSICΩ James Lavino, Alberto Iglesias
MR. MUDD
6333W, 3rd St. #902. 90036 Los Ángeles, Estados Unidos. Tel. +1 3 239 325 656. [email protected]
JÓN KARL HELGASON
Mávahlíð 1. 105 Reikiavik, Islandia. Tel. +354 661 7655 / 5526. [email protected]
Viernes 7, 17:00 h, y Lunes 10, 19:30 h / Friday 7th, 5:00 pm, and Monday 10th, 7:30 pm
135
competición documental. BIOFILMOGRAFÍAS
Documentary Film Contest. BIOFILMOGRAPHIES
MARK AITKEN forest of crocodiles
Nacido en Nueva Zelanda en 1964, ha realizado películas durante veinte
años, principalmente de manera independiente, pero también dentro de la
industria. Ha realizado cortometrajes, vídeos promocionales, publicidad y
películas digitales. Actualmente realiza documentales de temática social
y enseña cine en universidades y escuelas del Reino Unido.
Ω
Born in New Zealand in 1964, he has been making films for twenty years, independently
for the most part, though with a few industry films as well. He has made short films,
promotional videos, advertising and digital films. He is currently making documentaries
about social issues and teaches film at universities and schools in the United
Kingdom.
136
FILMOGRAFÍA FILMOGRAPHY River Lea Documentary Project (2008), El botellón (2008),
Until When You Die (2006), As Above so Below (2005), Where is Morton Valence? (2005),
Vegas Shift (2004 remix), La última viva (2003), Same Same But Different (2002), Vegas
Shift (1996), Small Room No View (1992), Love in a Cooler Climate (1990).
MARIO ARANGUREN, HÉCTOR MUNIENTE american greyhounds
Mario Aranguren estudió Comunicación Audiovisual en Madrid.
En 2008 grabó en Senegal y Gambia el documental Barça o
Barsa, que resultó seleccionado a competición en Documenta
Madrid. Entonces decidió fundar la Productora Troika. En 2009
se marchó a Estados Unidos para grabar las elecciones a
bordo de una compañía de autobuses de largo recorrido.
Ω
Graduado por la Escuela Superior de Cine y Audiovisuales (ESCAC) de Barcelona,
Héctor Muniente se estrena oficialmente en el mundo del documental con Bella Terra,
seleccionado por Documenta Madrid en su edición de 2008. Actualmente, escribe un
largometraje en marco del Máster de Guión de la ESCAC.
Mario Aranguren studied Audiovisual Communication in Madrid. In 2008 he shot the
documentary Barça o Barsa in Senegal and Gambia, which went on to be selected for
competition at Documenta Madrid. He then decided to found the production company
Troika. In 2009 he went to the United States to film the elections while on board an
intercity bus line.
A graduate of the Higher School for Film and Audiovisuals of Barcelona (ESCAC), Héctor
Muniente official made his debut in the documentary world with Bella Terra, which was
137
Documentary Film Contest BIOFILMOGRAPHIES
selected for the 2008 Documenta Madrid. He is currently writing a feature-length film
as part of a Masters program in screenwriting at the ESCAC.
FILMOGRAFÍA FILMOGRAPHY Mario Aranguren: Cuando estés muerto (2009), El Norte
(2008), Barsa o Barça (2008). Héctor Muniente: Bellaterra (2008), Cuando estés muerto (2009).
JULIA BACHA budrus
Documentalista brasileña cuyo trabajo se centra en Oriente Próximo y
es directora de comunicación de Just Vision. Sus galardonadas películas
sobre Irak y el conflicto palestino-israelí se han proyectado en los festivales
internacionales de cine de Sundance, Tribeca, Berlín, Jerusalén y Dubái,
entre otros. Ha recibido varios premios internacionales y fue nominada al
Premio del Sindicato de Guionistas de Estados Unidos en 2005. Sus documentales se
han emitido en los canales de televisión BBC, HBO, Sundance, CBC y Al Arabiya. Más
recientemente, codirigió el galardonado largometraje documental Encounter Point
(Typecast Films, 2006), que plasma el valiente esfuerzo de unos civiles palestinos e
israelíes que encabezan un movimiento no violento por la justicia y la paz en Oriente
Próximo. Encounter Point obtuvo el Premio del Público al Mejor Documental en el
Festival Internacional de Cine de San Francisco y el Festival de Cine Rencontres. Entre
sus demás galardones figuran el Premio Spirit of Freedom del Festival de Cine de
Las Bahamas, Mejor Documental en el Festival Internacional de Cine Documental
de Barcelona - Docúpolis y el Gran Premio del Jurado en el Festival de Cine Judío
de São Paulo. También escribió y montó Control Room (Magnolia Pictures, 2004), un
documental aclamado por la crítica sobre la cobertura de Al Jazeera durante la última
guerra de Irak. Control Room obtuvo tres importantes premios en el Festival de Cine
Full Frame y se convirtió en uno de los documentales de mayor recaudación de todos
los tiempos. La revista estadounidense Time Out New York la calificó como la “mejor
película del verano”, y The New York Times publicó varias colaboraciones y artículos
de opinión sobre ella. Ha participado en multitud de paneles de todo el mundo, entre
ellos el de “Documentales de guerra” (Los Ángeles, 2004), de The New York Times; el
de Naciones Unidas sobre Al Jazeera Internacional (Nueva York, 2005); “Construyendo
puentes culturales”, del Festival Internacional de Cine de Dubái (Dubái, 2006);
“Usos innovadores de los medios de comunicación para promover el entendimiento
intercultural”, del Primer Foro de Alianza de Civilizaciones (Madrid, 2008) y “Paz e
interculturalidad en Oriente Medio”, del Fórum Intercultural de Córdoba (España,
2009). Se trasladó a Nueva York en 1998 para estudiar Historia de Oriente Medio en
la Universidad de Columbia. Culminó sus estudios con Magna cum laude y recibió el
prestigioso Premio Phi Beta Kappa.
Ω
138
Julia Bacha is a Brazilian documentary filmmaker focusing on the Middle East,
and the Media Director at Just Vision. Her award-winning films about Iraq and the
Palestinian-Israeli conflict have been exhibited at the Sundance, Tribeca, Berlin,
Jerusalem, and Dubai International Film Festivals, among others. She has received
several international prizes and was nominated for the Writers Guild of America
Award in 2005. Her documentaries have been broadcast on the BBC, HBO, Sundance,
CBC, and Al Arabiya television channels. Most recently, Julia co-directed the awardwinning feature documentary Encounter Point (Typecast Films, 2006), which follows
the courageous efforts of Palestinian and Israeli civilians who are at the vanguard
of a non-violent movement for justice and peace in the Middle East. Encounter Point
BIOFILMOGRAFÍAS Competición Documental
won the Audience Award for Best Documentary at the San Francisco International
Film Festival and the Rencontres Film Festival, in Montreal. Other prizes included
the Spirit of Freedom Award at the Bahamas Film Festival, Best Documentary at the
International Documentary Festival of Barcelona - Docúpolis, and the Grand Jury
Prize at the São Paulo Jewish Film Festival. Julia also wrote and edited the critically
acclaimed documentary Control Room (Magnolia Pictures, 2004), about Al Jazeera’s
coverage of the latest war in Iraq. Control Room won three major prizes at Full Frame
Film Festival and became one of the highest grossing documentaries of all times.
The US magazine Time Out New York named Control Room the “Number 1 Movie of
the Summer”, and the New York Times ran several articles and op-eds on the timely
documentary. Julia has participated in numerous panels around the world including
the New York Times’ “War Documentaries” (Los Angeles, 2004), the United Nation’s
panel on Al Jazeera International (New York, 2005), the Dubai International Film
Festival’s “Building Cultural Bridges” (Dubai, 2006), the First Alliance of Civilizations
Forum’s “Innovative Uses of Mass Media to Promote Cross-Cultural Understanding”
(Madrid, 2008), and Córdoba Intercultural Forum’s “Peace and Interculturality in the
Middle East” (Spain, 2009). She moved to New York in 1998 to study Middle Eastern
history at Columbia University. She graduated Magna Cum Laude and was awarded
the prestigious Phi Beta Kappa Prize.
FILMOGRAFÍA FILMOGRAPHY Encounter Point (codirigida con / co-directed with Ronit
Avni, 2006).
REBECCA CAMMISA which way home
Codirigió, coprodujo y rodó el largometraje documental Sister Helen,
que obtuvo el Premio a la Mejor Dirección Documental del Festival de
Sundance 2002, y fue nominada a un Premio Outstanding Directorial
Achievement del Sindicato de Directores de Estados Unidos en la categoría
de Cine Documental, así como a un Emmy de Noticias y Documentales
a la Mejor Programación. En 2003, Cammisa fundó Documentress Films y empezó
su siguiente película, Which Way Home, que recibió una beca de desarrollo del Fondo
Documental del Instituto Sundance, una Fulbright para México y fue emitida en la HBO
en septiembre y octubre de 2009. Which Way Home ha sido nominada para los Oscar de
2010, en la categoría de Largometraje Documental, y acaba de recibir una nominación
a los Premios Independent Spirit, en la categoría de Mejor Documental.
Ω
She co-directed, co-produced, and shot the feature documentary Sister Helen, which won
the 2002 Sundance Film Festival’s Documentary Directing Award, and was nominated
for both an Outstanding Directorial Achievement in Documentary Film Award from the
Directors Guild of America, and a News & Documentary Emmy Award for Outstanding
Programming. In 2003, Ms. Cammisa founded Documentress Films and began her next
film, Which Way Home, which received a Sundance Documentary Fund Development
Grant, a Fulbright Fellowship to Mexico for Filmmaking, and aired on HBO throughout
September and October 2009. Which Way Home has been nominated for the 2010
Academy Award in the Feature Documentary Film category, and has just received a
2010 Independent Spirit Award nomination for Best Documentary film.
FILMOGRAFÍA FILMOGRAPHY The Tricky Part (2004), Sister Helen (2002), Second-Hand
Rose (2000).
139
VINCENT CARELLI corumbiara
Tras treinta años de activismo indigenista, y con el objetivo de poner el
vídeo al servicio de los proyectos culturales y políticos de los indígenas,
creó en 1987 el proyecto Vídeo nas Aldeias y produjo una serie de 16
documentales sobre los métodos y los resultados del trabajo. A Arca dos
Zo’e recibió varios premios, entre ellos el otorgado por el XVI Tokyo Video
Festival y el de Cinéma du Réel de París. O Espírito da TV y Eu já fui seu Irmão fueron
emitidos por Canal+ en Francia y en cadenas de televisión del resto del mundo. En
1999, Carelli recibió el Premio de la VI Mostra Internacional do Filme Etnográfico por
el respeto a la diversidad cultural y la lucha por las relaciones interétnicas pacíficas, y
en el año 2000 realizó la serie Índios no Brasil, diez vídeos para el canal TV Escola del
Ministerio de Educación de Brasil. Con 10.000 copias distribuidas en escuelas públicas,
la serie fue emitida regularmente en cadenas de televisión públicas y vista por millones
de brasileños. En la actualidad Vincent Carelli es coordinador de la ONG Video nas
Aldeias de Olinda y trabaja como profesor de realizadores y productores indígenas,
labor orientada a que estos acaben por dirigir sus propias películas, al tiempo que
continúa dedicado a la realización documental. En 2008 dirigió Filming Manã Bai, así
como Back to the good land con Mari Corrêa.
Ω
140
After thirty years of pro-indigenous activism and for the purpose of using video on
the cultural and political projects of indigenous peoples, he created the Video nas
Aldeias project and produced a series of 16 documentaries about the methods and
results of that work. A Arca dos Zo’e received several awards from such festivals
as the XVI Tokyo Video Festival and the Cinéma du Réel of Paris. O Espírito da TV
and Eu já fui seu Irmão were broadcast on Canal+ in France and on other television
channels elsewhere in the world. In 1999 Carelli received the International Festival
of Ethnographic Film award for respecting cultural diversity and the struggle for
peaceful inter-ethnic relations, and in 2000 he made the series Índios no Brasil,
ten videos for the Escola TV channel of the Brazilian Ministry of Education. With
10,000 copies distributed in public schools, the series was regularly shown on public
television and seen by millions of Brazilians. Vincent Carelli is currently coordinator
for the NGO Video nas Aldeias de Olinda and works as a professor teaching indigenous
directors and producers how to make their own films, while he also continues his
documentary film work. In 2008 he directed Filming Manã Bai and co-directed Back
to the Good Land with Mari Corrêa.
FILMOGRAFÍA FILMOGRAPHY Back to the good land (2008), Iauaretê, Waterfall of the
jaguars (2006), Jota Borges (2004), Agenda 31 (codirigida con / co-directed with Mari
Corrêa, 2003), Vídeo in the villages presents itself (codirigida con / co-directed with
Mari Corrêa, 2002), serie Índios no Brasil (TV Escola do Ministério da Educação, 2000):
Quem são Eles?; Nossas Línguas; Boa Viagem Ibantu!; Quando Deus visita a Aldeia; Uma
Outra História; Primeiros Contatos; Nossas Terras; Filhos da Terra; Do Outro Lado do Céu;
Nossos Direitos; Jungle Secrets (1998), Signs don´t speak (1996), Programa de Índio, 1,
2, 3 y 4 (TV Universidade, UFMT/Cuiabá,1995/1996), YÃKWA, The banquet of the spirits
(1996), Antropofagia visual (1994), Meeting Ancestors (1993), Boca livre no Sararé (1992),
Mieko e Kimiko (1991), Antonio Carelli (1991), Ninguém come carvão (codirigida con / codirected with Murilo Santos, 1991), Qual é o jeito Zé? (codirigida con / co-directed with
Murilo Santos, 1990), The Spirit of TV (1990), Vídeo in the Villages (1989), Pemp (1988), The
Girl Celebration (1987).
JUDITH EHRLICH, RICK GOLDSMITH the most dangerous man
in america: daniel ellsberg and the pentagon papers
Judith Ehrlich nació en Brooklyn, Nueva York, y se crió en
Napa, California. Es licenciada en Ciencias Políticas por la
Universidad de California, Berkeley, y tiene un máster en
Educación de la Universidad de Vermont, en ambos casos
con matrícula de honor. Ehrlich va a trabajar en bicicleta casi todos los días al Berkeley
City College, donde enseña Cine Documental. Está casada con su técnico de grabación
y tiene un hijo, estudiante de primer año de la Universidad de California, Santa Cruz.
Ω
Rick Goldsmith nació y se crió en Long Island, Nueva York, y llegó a la mayoría de edad
durante la guerra de Vietnam. Estudió Arquitectura y tuvo sus primeros escarceos con
el cine en la Escuela de Diseño de Rhode Island. En 1975 emigró al oeste y desde
entonces vive en la bahía de San Francisco.
Judith Ehrlich was born in Brooklyn, New York, and grew up in Napa, California. She
graduated from UC Berkeley with honours in Political Science and holds a Masters
in Education with honours from University of Vermont. Ehrlich rides her bike to work
most days and teaches Documentary film at Berkeley City College. She is married
to her recording engineer and has a son who is a mountain bike racer and UC Santa
Cruz freshman.
Rick Goldsmith was born and raised on Long Island, New York, and came of age during
the war in Vietnam. He studied architecture and dabbled in film at the Rhode Island
School of Design. In 1975 he travelled west and has lived in the Bay Area ever since.
FILMOGRAFÍA FILMOGRAPHY Judith Ehrlich: The Good War and Those Who Refused
to Fight It (2001). Rick Goldsmith: So Long Are You Young (2006), Soul of Justice: Thelton
Henderson’s American Journey (2005), Everyday Heroes (2001), Tell the Truth and Run:
George Seldes and the American Press (1996).
HOUMAN EINOLLAHI the one who said no … the one who said yes!
Houman Einollahi es realizador y diseñador gráfico.
Ω
Houman Einollahi is a director and graphic designer.
FILMOGRAFÍA FILMOGRAPHY Tabar (2006).
MILAGRO FARFÁN la tarea
Nació en Perú en 1978. Se graduó en Ciencias de la Comunicación por la
Universidad Nacional San Antonio Abad de Cuzco y estudió el Máster en
Investigación de las Comunicaciones en la Universidad Pontífica Católica
de Perú. Actualmente cursa el último año de Dirección de Documental en
la EICTV de San Antonio de los Baños, Cuba. Se interesa por los estudios
de género y culturales, así como al uso de las nuevas tecnologías en el montaje. En 2005
produjo un programa en la radio dirigido a mujeres líderes, con la ONG Flora Tristán
en Lima. En Cuzco trabajó en la dirección y producción de un programa radiofónico
educativo y otro cultural. Entre 2003 y 2005, fue realizadora de varios reportajes
televisivos para el programa de la Universidad San Antonio Abad. Ha sido asesora
Ω
141
en proyectos de comunicación para la Editorial Magdala (2005) y para la ONG antes
citada. Ha publicado artículos sobre cine en distintas revistas digitales. Desde 2004
hasta 2006 se involucra en la producción y realización independiente de audiovisuales.
Roberto Hernández is a lawyer by profession and filmmaker at heart. In cinema, he
found a medium with which he can skillfully reach the hearts and minds of thousands
of people regarding currently pressing issues of justice.
Born in Peru in 1978. She graduated in Communication Science from the National
University of San Antonio Abad in Cuzco and did a Masters in Communications at the
Catholic University of Peru. She is currently enrolled in her final year of documentary
film directing at the EICTV of San Antonio de los Baños, Cuba. Her professional interests
involve gender and cultural studies, as well as the use of new technology in editing. In
2005 she produced a program about women leaders in radio with the NGO Flora Tristán
in Lima. In Cuzco she worked as a director and producer on two radio programs, one
educational, the other cultural. For television she directed several reports between
2003 and 2005 for the program of the University of San Antonio Abad. She has done
consulting on communications projects for Editorial Magdala (2005) and for the NGO
mentioned earlier. She has published articles on film in different digital magazines.
From 2004 through 2006 she got involved in independent production and direction of
audiovisual work.
Geoffrey Smith was born in Melbourne (Australia). He has explored the art of storytelling
through a series of journeys. In 1987 he moved to Haiti to shoot a documentary on
the country’s first elections in the last thirty one years. While following the murder
of twenty one voters in a school courtyard, he received a bullet wound. After his
recovery, the filmmaker recorded his return to Haiti, where he sought out the
person who almost took his life. The film was acclaimed and broadcast on the
BBC of London. After discovering the power of the camera as a tool for helping to overcome
traumatic experiences, Smith has focused of his projects on those particular uses of
the camera.
FILMOGRAFÍA FILMOGRAPHY Deja que yo cuente la historia (en posproducción / in postproduction), Cadena perpetua (2008), Un lugar en el tiempo (2008), En el reflejo del ojo
(2007), Ámbar (2006), En el taller (2005), Yuyanapaq (performance, 2004).
JÓN KARL HELGASON the world record holder in the lighthouse
Trabaja en la industria cinematográfica desde 1980, desempeñando
funciones tan dispares como maquillador, técnico de sonido, montador,
productor, operador de cámara y director.
Ω
142
He has worked in the film business since 1980 as a make-up artist, sound,
editor, producer, cinematographer and director.
FILMOGRAFÍA FILMOGRAPHY The Sunshine Boy (2009), Condensation (2003),
Mótmælandi Íslands (2003).
ROBERTO HERNÁNDEZ, GEOFFREY SMITH presunto culpable
Roberto Hernández es abogado de profesión y cineasta de
corazón. Encontró en el cine un medio que le permite llevar
ágilmente al corazón y a la mente de miles de personas temas
de justicia de tremenda actualidad.
Ω
Geoffrey Smith nació en Melbourne (Australia). Fascinado por la imagen en
movimiento, ha explorado a través de una serie de viajes el arte de contar una historia.
En 1987 se trasladó a Haití para la filmación de un documental sobre las primeras
elecciones celebradas en el país en treinta y un años. Siguiendo el asesinato de
veintiún votantes en el patio de una escuela, fue herido de bala. Tras recuperarse,
el cineasta documentó con su cámara su regreso a Haití, donde buscó a la persona
que estuvo a punto de quitarle la vida. La película fue aclamada y transmitida por la
cadena BBC de Londres. Tras descubrir el poder de la cámara como herramienta
que ayuda a sobrellevar episodios traumáticos, Smith ha centrado la mayor parte de
sus proyectos en estos particulares usos de la cámara.
FILMOGRAFÍA FILMOGRAPHY Roberto Hernández: El túnel (2005). Geoffrey Smith:
P.O.V., serie de televisión / TV series (capítulos / chapters: English Surgeon [2009], The
English Surgeon [2007]); Your Life in Their Hands, serie de televisión / TV series (2004).
FERESHTEH JOGHATAEI how green was our valley
Nacida en Teherán en 1977, se graduó en Teatro de Marionetas por la
Universidad Sooreh de Teherán. Ha trabajado como artista de performance
y diseñadora de efectos especiales, script, maquilladora, diseñadora de
decorados y de vestuario. Ha participado como diseñadora en diversas
películas.
Ω
Born in Tehran in 1977, she graduated from the Puppet Theater at Sooreh University
in Tehran and has worked as a performance artist and special effects designer, as a
script, a make-up artist, a set and wardrobe designer. She has worked as a designer
on several films.
ANTONIO MARTINO be water, my friend
Realizador independiente, en 2007 ganó el Premio Ilaria Alpi, uno de
los más importantes en el ámbito periodístico. Desde hace años realiza
documentales sobre las difíciles relaciones entre el hombre y su entorno.
Ω
He is a independent filmmaker. In 2007 he won the Ilaria Alpi award, one of
the most important journalism awards. He has been making documentaries for years
on the difficult relationships humankind has with its environment.
FILMOGRAFÍA FILMOGRAPHY Niguri (2009), Pancevo_mrtva grad (2007), Gara de Nordcopii pe strada (2006), Blu Panorama (2005), Noi siamo l’aria, non la terra (2004), Fatma
aba Ad (2004), Siamo Fatti Così (2003), Colorado (2001).
GABRIEL NOBLE p-star rising
Licenciado por el Departamento de Teatro, Cine y Televisión de UCLA, fundó
y fue director artístico de Equal Opportunity Productions, una organización
artística cuyo cometido era utilizar la educación artística para capacitar a
jóvenes de Los Ángeles, Cuba y Sudáfrica. Ha establecido programas de
residencia artística de teatro, música y cine en aulas de todo el mundo, y ha
Ω
143
dirigido producciones bilingües en el Teatro Apollo de Nueva York y el Teatro Nacional
de La Habana. Después de trasladarse a Nueva York, se sumergió en el mundo del
cine independiente. Trabajó como ayudante de dirección en la película narrativa On The
Outs, nominada a un Premio Indie Spirit y a un Gotham, y ganadora del Gran Premio
del Festival de Slamdance. Es el productor de Death of Two Sons, un análisis político,
espiritual y personal de la muerte de Amadou Diallo. Su debut como director fue el
largometraje documental Autumn’s Eyes, un filme estrenado en el South by Southwest
y distribuido por Indiepix Films. Posteriormente dirigió un largometraje documental
para MTV News and Docs, I Won’t Love You to Death, y trabajó cinco temporadas como
productor de campo en dLife, un programa de debate sobre diabetes y salud de la
CNBC. Además de dirigir su tercer largometraje documental, P-Star Rising, Gabriel
ha estado trabajando en el guión y la preproducción de un largometraje de ficción, que
prevé empezar a producir en junio de 2010. Se ha encargado de la fotografía de todas
sus películas. Continúa enseñando Cine en la Fundación Pearson.
144
As a graduate of the Theater, Film, and Television department at UCLA, Gabriel founded
and served as Artistic Director of Equal Opportunity Productions, an arts outreach
organization whose mission was to use arts education to empower youth in Los
Angeles, Cuba, and South Africa. He established theater, music, and film residencies in
classrooms around the world and directed bilingual productions at the Apollo Theater
in New York and at the National Theater in Havana, Cuba. Upon moving to New York,
Gabriel immersed himself into independent film, serving as Assistant Director on the
narrative film On The Outs, nominated for IFP Indie Spirit award, Gotham Award, and
recipient of the Grand Prize Slamdance Festival. He produced Death of Two Sons, a
political, spiritual, and personal exploration of the death of Amadou Diallo. Gabriel’s
directorial debut was with the feature documentary Autumn’s Eyes, which premiered
at South by Southwest, and is being distributed by Indiepix Films. He went on to direct
a feature documentary for MTV News and Docs, I Won’t Love You to Death, and serve
as Supervising Field Producer for a CNBC diabetes and health talk show, dLife, for 5
seasons. In addition to directing his third feature documentary, P-Star Rising, Gabriel
is in development as a writer/producer for a feature fiction film, set for production in
Summer 2010. He has served as Cinematographer for all his feature films. He continues
to teach Film for the Pearson Foundation.
FILMOGRAFÍA FILMOGRAPHY I Won’t Love You to Death: The Story of Mario and His Mom
(TV, 2007), Autumn’s Eyes (2006).
coleccionistas privados de todo el mundo. En 2005 creó, junto a Jim Clark, The Oceanic
Preservation Society (OPS). Esta organización sin ánimo de lucro ofrece una visión
exclusiva al público y a los medios de comunicación sobre la belleza y la destrucción de
los océanos, a la vez que incita al cambio. The Cove es su primera película.
Widely regarded as one of the top photographers in the world, he was hired directly out
of college to shoot for National Geographic and created images for the yellow-bordered
magazine for 18 years. His ability to bring humanity and wit to complicated science
stories carries over to his filmmaking. An ardent diver and dive photographer, he feels
compelled to show the world the decline of our planet’s crucial resource, water. He has
been on contract for Fortune Magazine and shot hundreds of covers for other magazines
including Smithsonian, Discover, GEO, Time, Newsweek, The New York Times Magazine,
New York Magazine, Sports Illustrated and Rock and Ice. His work has also been seen
on the Discovery Channel, National Geographic Television and the History Channel.
Museums and private collectors around the world have sought Psihoyos’ photography.
With Jim Clark, he created The Oceanic Preservation Society (OPS), in 2005. The nonprofit organization provides an exclusive lens for the public and media to observe the
beauty as well as the destruction of the oceans, while motivating change. The Cove is
his first film.
CÉCILE RAVEL, no bathing
Nació en Sète (Francia) en 1964. Estudió cine con Larry Jordan en el San
Francisco Art Institute (1990). Se doctoró en Bellas Artes, especializándose
en “La proyección como medio poético” en 1993. Sus últimos trabajos
abordan la memoria de su familia de Túnez y Argelia, países de los que
es originaria.
Ω
Born in Sète (France) in 1964. She studied film with Larry Jordan at the San Francisco
Art Institute (1990). She got a PhD in Fine Arts with a specialization in “La proyección
como medio poético” (“Projection as a poetic medium”). Her most recent work deals
with the memory of her family from Tunisia and Algeria, the countries from which her
family originally comes.
FILMOGRAFÍA FILMOGRAPHY Water, air and dreams (2009), Back to London (2008),
2006-2007 a notebook (2008), Cyclamen Persicum (2007).
YERKO RAVLIC ELAL rezagados
Es oriundo de Copiapó (Chile) y de familia de origen croata y libanés. Su
familia se dedicó durante muchos años a la minería. Estudió en el Liceo
Católico Atacama. Actualmente cursa la carrera de Cine en la Universidad
de Valparaíso, donde pretende especializarse en Documental Social.
Ω
LOUIE PSIHOYOS the cove
Considerado por muchos uno de los mejores fotógrafos del mundo, fue
contratado por National Geographic nada más terminar sus estudios y
estuvo creando imágenes para la revista durante 18 años. Su capacidad de
aportar humanidad e ingenio a complicadas historias científicas se aprecia
también en su trabajo cinematográfico. Su pasión por el submarinismo
y la fotografía submarina le ha impulsado a mostrar al mundo el declive del recurso
más importante de nuestro planeta: el agua. Ha trabajado para Fortune Magazine y es
el autor de cientos de portadas de otras revistas, entre las que figuran Smithsonian,
Discover, GEO, Time, Newsweek, The New York Times Magazine, New York Magazine, Sports
Illustrated y Rock and Ice. Su trabajo también se ha emitido en Discovery Channel, National
Geographic Television y History Channel. Su fotografía ha sido solicitada por museos y
Ω
He is originally from Copiapó (Chile) and has family origins from Croatia and Lebanon.
His family worked in mining for many years. He studied at the Liceo Católico de
Atacama. He is currently studying film at the University of Valparaíso, where he hopes
to continue with social documentary film.
FILMOGRAFÍA FILMOGRAPHY Rezagados (2009), En primera línea (2008), Entre clases
(2007).
145
ARTHUR RIFFLET entre la gloria y el infierno
Realizador francés especializado en investigación social y política en
América Latina y, más concretamente, en México.
Ω
A French filmmaker, he has specialized in social and political research on
Latin America, and more specifically, on Mexico.
FILMOGRAFÍA FILMOGRAPHY Sin maíz no hay país: las semillas de la dignidad (2009).
RICHARD F. SIMPSON at home with the jedi
Es un converso reciente al cine documental, pero tiene 20 años de
experiencia como periodista de prensa y radio, y una carrera paralela aún
más larga como fotógrafo histórico. Ha realizado numerosos cortometrajes
para 4Talent, FourDocs y BBC Film Network y, más recientemente, en
junio de 2009, filmó y montó la serie Art Against the Odds para el espacio 3
Minute Wonder de Channel 4.
Ω
He is a recent convert to documentary filmmaking, but has 20 years experience as a
newspaper and radio journalist, with an even longer parallel career as a documentary
photographer. He has made a number of short films for 4Talent, FourDocs and BBC
Film Network, and he recently filmed and edited the short series Art Against the Odds
for the Channel 4 strand 3 Minute Wonder in June 2009.
146
FILMOGRAFÍA FILMOGRAPHY Art Against the Odds (2009), At Home with the Jedi (2009),
What Are You Hugging? (2007), New Pants and Socks: On the Road with Frank Turner
(2007), The Mild Bunch (2007), The Curried Bride (2007).
EYAL SIVAN jaffa, the orange’s clockwork
Nacido en Haifa, Israel, y criado en Jerusalén, es realizador y ensayista.
Actualmente codirige el Máster Artístico de Cine, Vídeo y Nuevos Medios
de la School of Humanities and Social Sciences (UEL). Tras ejercer como
fotógrafo profesional en Tel-Aviv, se estableció en París en 1985, y desde
entonces vive a caballo entre Europa e Israel. Famoso por sus controvertidas
películas, Sivan ha dirigido más de diez documentales premiados en certámenes
internacionales y ha producido otros muchos. Su obra cinematográfica ha sido premiada
en prestigiosos festivales y proyectada en salas y espacios artísticos de todo el mundo.
Ω
Born in Haifa, Israel and grown up in Jerusalem, he is a documentary director and essayist.
He is currently co-directing the Artistic Film, Video and New Media Masters program at
the School of Humanitites and Social Sciences (UEL). After working as a professional
photographer in Tel-Aviv, he settled down in Paris in 1985, and ever since has been
spending half his time in Europe and half in Israel. Famous for his controversial films,
Sivan has directed more than ten documentaries that have won awards at international
competitions, and he has produced many others. His film work has been awarded at
prestigious festivals and screened in cinemas and art spaces all over the world.
FILMOGRAFÍA FILMOGRAPHY Happy birthdays, towards a common archive (instalación
de vídeo multicanal / multi-channel video installation, 2008), Citizens K – The twin
brothers (2007), Faces of the Fallen Documentary (2005), I Love You All (codirigida
con / co-directed with Audrey Maurion, 2004), Route 181, Fragments of a Journey in
Palestine-Israel (codirigida con / co-directed with Michel Khleifi, 2003), On the Top of the
Descent Fiction (2001), The Specialist, Documentary (1999), Burundi, under Terror (1997),
Itsembatsemba, Rwanda one Genocide later (1997), Aqabat-Jaber, Peace with no Return?
(1995), Jerusalem(s), Borderline Syndrome (1994), Itgaber, he will Overcome (1993),
Israland (1991), Izkor, Slaves of Memory (1990), Aqabat-Jaber: Passing Through (1987).
EVGENY SOLOMIN countryside 35 × 45
Nacido en Kaluga, Rusia, en 1972, es guionista, director y montador de
documentales. En 1995 se licenció por la Universidad Estatal de Novosibirsk,
departamento de Lengua y Literatura Rusa y en 1998 cursó estudios de
posgrado en Dirección y Guión Cinematográfico, especialidad de Dirección
de Documentales, en Moscú.
Ω
Born in Kaluga, Russia in 1972, he is a screenwriter, director and editor of documentaries.
In 1995 he graduated from the State University of Novosibirsk in the Department of
Language and Russian Literature, and in 1998 he did graduate studies in Moscow in Film
Directing and Screenwriting, with a specialization in documentary film directing.
FILMOGRAFÍA FILMOGRAPHY Katorga (2001), 2 1/2 Weeks in Paradise (1997).
JAWED TAIMAN addicted in afghanistan
Nació en Kandahar (Afganistán) y vive en Londres. Zendan (Prison), su
primer cortometraje documental, fue emitido en Tapesh TV (Estados
Unidos) y en 2006 fue galardonado con el Premio al Mejor Cortometraje
Documental de la escuela de cine EICAR de París. También fue proyectado
en el Short Film Corner de Cannes en 2007. Addicted in Afghanistan es su
primer largometraje.
Ω
Born in Kandahar (Afghanistan) and lives in London. Zendan (Prison), his first
documentary short film, was broadcast on Tapesh TV (United States) and in 2006 was
granted the Award for Best Documentary Short Film from the EICAR film school in
Paris. Zendan was also shown at the Short Film Corner of Cannes in 2007. Addicted in
Afghanistan is his first full-length film.
FILMOGRAFÍA FILMOGRAPHY Zendan (Prison, 2006).
MARC WOLFENSBERGER oil rocks – city above the sea
Nacido en 1971, es periodista y director de cine. Durante los últimos diez
años ha trabajado cubriendo noticias de última hora de la antigua Unión
Soviética y Oriente Próximo. Ha sido destinado a Asia Central, Afganistán
y Cáucaso sur por diversos medios de comunicación de habla francesa.
Este suizo francófono, que habla inglés y alemán con fluidez, también
abrió y dirigió la agencia Bloomberg de Teherán durante casi 3 años. En 2006 fundó
su propia productora, y desde entonces trabaja con cadenas de televisión europeas
como ARTE y Swiss Television. Oil Rocks – City Above the Sea es su primer largometraje.
Ω
Born in 1971, he is a journalist and film director. Over the past 10 years, he has mainly
covered breaking news in the former Soviet Union and the Middle East. Wolfensberger
147
was posted in Central Asia, Afghanistan and South Caucasus by a series of Frenchspeaking print and broadcast media companies. A French-speaking Swiss national,
fluent in English and German, he also opened and managed the Bloomberg News
bureau in Tehran for almost three years. In 2006, he set up his own production company
and has since worked with European TV networks such as ARTE and Swiss Television.
Oil Rocks – City Above the Sea is his first full-length film.
148
149
A los personajes de un documental se les brinda la posibilidad de hablar hacia el futuro
y la distancia infinita al coste ineludible de desnudar su alma y desmenuzarla ante el
objetivo.
A documentary’s characters are afforded the chance to speak to the future over infinite
distances, at the unavoidable cost of exposing their soul and having it scrutinized on
camera.
David Yáñez
CONCURSO
DOCUMENTAL
DE CREACIÓN.
CORTOMETRAJES
ORIGINAL DOCUMENTARY FILM COMPETITION.
SHORT FILMS
ORIGINAL DOCUMENTARY: SHORT FILMS COMPETITIVE SECTION
DIVERSIONS
EL OSCURO VIENTRE DE UNA BALLENA BLANCA
Empieza el siglo xx, gente despreocupada deambula de una atracción a otra, ríe, coquetea,
alquila barcas y carruajes, hace apuestas, juega en la arena, se cambia de ropa. Se congrega
en parques y calles de la costa en busca de más diversiones. Intentan encontrar maneras de
distraerse del hecho de que la guerra está a punto de empezar, de que el verano está llegando
a su fin, de que hace tiempo que están muertos.
Una noche, en el pueblo de pescadores más antiguo de Brasil, sucede algo por primera vez.
DIVERSIONES
HELGA LANDAUER – Betacam / 15´ / 2009 / Estados Unidos / USA
V. 0. INGLÉS / ENGLISH. SUBT. ESPAÑOL / SPANISH
152
SECCIÓN COMPETITIVA CREACIÓN DOCUMENTAL: CORTOMETRAJES
THE DARK BELLY OF A WHITE WHALE
NICOLÁS TESTONI – Betacam / 6´ / 2009 / Argentina
One night, in the oldest fishing village in Brazil, something happens for the first time.
The 20th Century begins. Carefree people roam from one attraction to another, laughing, flirting,
renting boats and carriages, betting, smoking, playing with sand, changing clothes, flirting. As
they circle around seashore parks and streets, they look for more diversions. They are seeking
ways to distract themselves from the fact that the war is about to start, that the summer is coming
to an end, that they are long dead.
DIRECCIÓN, PRODUCCIÓN, GUIÓN / DIRECTION, PRODUCTION, SCRIPTΩ Helga Landauer
MONTAJE / EDITINGΩ Dmitriy Rozin
SONIDO / SOUNDΩ David Nelson
DIRECCIÓN, GUIÓN, FOTOGRAFÍA, MONTAJE, SONIDO / DIRECTION, SCRIPT, CINEMATOGRAPHY, EDITING,
SOUNDΩ Nicolás Testoni
PRODUCCIÓN / PRODUCTIONΩ Ana Miravalles
HELGA LANDAUER
151 Churchill Ave. 94301 Palo Alto, Estados Unidos. Tel. +1 6 505 210 655. [email protected]
NICOLÁS TESTONI
Tucumán 120. 8000 Buenos Aires, Argentina. Tel. +54 2 914 523 207. [email protected]
153
ENTRETIEN AVEC ALMIRO VILAR DA COSTA
FOR HOME VIEWING
El director pregunta a su padre acerca de su pasado y su infancia en un lugar misterioso.
Con él, que emigró de Portugal a Suiza para trabajar, evoca los distintos periodos de su vida,
revelando y cuestionando su relación.
La escuela soviética, el oso olímpico, la muerte de Brezhnev, la Perestroika, la esperada vida
adulta. Los árboles que hay bajo mi ventana solían ser pequeños, y ahora apenas te dejan ver
lo que hay detrás.
The director questions his father about his own past and his chilhood in a mysterious place. He
evokes with him, who came from Portugal to Switzerland to work, the different periods of his
life. They reveal their relationship and question it.
The Soviet school, Olimpic Bear, the death of Brezhnev, Perestroyka, the long awaited adult
life. The trees under my window used to be so small, and now it’s difficult to see anything
beyond them.
ENTREVISTA CON ALMIRO VILAR DA COSTA / INTERVIEW WITH ALMIRO VILAR DA COSTA
SERGIO DA COSTA – Betacam / 29´ / 2009 / Suiza / Switzerland
V. O. FRANCÉS, PORTUGUÉS / FRENCH, PORTUGUESE. SUBT. ESPAÑOL, INGLÉS / SPANISH, ENGLISH
154
PARA VERLO EN CASA / DLIA DOMASHNEGO PROSMOTRA
MIKHAIL ZHELEZNIKOV – Betacam / 29´ / 2009 / Rusia / Russia
Mención Especial / Special Mention, Doclisboa (Portugal, 2009)
DIRECCIÓN, GUIÓN, MONTAJE / DIRECTION, SCRIPT, EDITINGΩ Sergio Da Costa
PRODUCCIÓN / PRODUCTIONΩ José Michel Buhler (Haute École d’Art et de Design – Genève)
FOTOGRAFÍA / CINEMATOGRAPHYΩ Lionel Rupp, Elsa Ventura, José Coelho
SONIDO / SOUNDΩ Didier Crepey, Maya Kosa, Adrien Kessler
DIRECCIÓN, PRODUCCIÓN, GUIÓN, MONTAJE, LOCUCIÓN / DIRECTION, PRODUCTION, SCRIPT, EDITING,
VOICEΩ Mikhail Zheleznikov
FOTOGRAFÍA / CINEMATOGRAPHYΩ Dmitry Frolov, Solmaz Guseynova
SONIDO / SOUNDΩ Alexander Dudarev
MÚSICA / MUSICΩ Denis Sladkevich
SERGIO DA COSTA
Ruelle de l’Eglise 11. 1091 Grandvaux, Suiza. Tel +41 765 197 573. [email protected]
MIKHAIL ZHELEZNIKOV
Ul. Ak. Konstantinova 12-80. 195427 San Petersburgo, Rusia. Tel +79 052 600 535. [email protected]
Viernes 7, 22:00 h, y sábado 8, 22:00 h / Friday 7th, 10:00 pm, and Saturday 8th, 10:00 pm
155
FORMOL
I KNOW WHERE I’M GOING
En un pueblo abandonado, aparentemente desierto, pasado, presente y futuro se confunden y
las huellas de cientos de vidas permanecen conservadas en el formol del tiempo.
Lo que empezó como una peregrinación al escenario de una película de Powell y Pressburger se
convirtió en un viaje fragmentado por las carreteras secundarias de Gran Bretaña, que empieza
en Londres, tras un misterioso acontecimiento, y acaba en algún momento del futuro en la
isla de Mull. La carretera está desierta y el paisaje vacío de gente; tan solo en ocasiones,
adentrándonos en parajes recónditos, encontramos algún superviviente solitario. En la banda
sonora se oye esporádicamente al geólogo Jan Zalasiewicz hablando de la tierra dentro de cien
millones de años.
NOELIA RODRÍGUEZ DEZA – Betacam / 15´ / 2009 / España / Spain
156
In an abandoned, apparently deserted town, past, present and future blur together and the
traces of hundreds of people are conserved in the formaldehyde of time.
SÉ A DÓNDE VOY
BEN RIVERS – Betacam / 29´ / 2009 / Reino Unido / UK
What began as a pilgrimage to the location of a Powell and Pressburger film, soon became a
fragmented road trip through Britain on the peripheries – starting in London after a mysterious
event, ending somewhere in the future, on the Isle of Mull. The road is empty and the landscape is
bereft of people, only occasionally do we go off into the wilderness to find a lone survivor. On the
soundtrack we sometimes hear geologist Jan Zalasiewicz talking about the Earth in one-hundred
million years’ time.
DIRECCIÓN, GUIÓN, MONTAJE / DIRECTION, SCRIPT, EDITINGΩ Noelia Rodríguez Deza
PRODUCCIÓN / PRODUCTIONΩ Ismael Martín, ECAM
FOTOGRAFÍA / CINEMATOGRAPHYΩ Alberto Martín Sanchidrián
SONIDO / SOUNDΩ Marcos Sánchez Vaquerizas
ECAM
Juan de Orduña, 3. 28223 Pozuelo de Alarcón – Ciudad de la Imagen, Madrid, España. Tel. +34 915 111 060.
[email protected]
CINEMATOGRAPHY, EDITING, SOUNDΩ Ben Rivers
BEN RIVERS
34 Westbrook House, E2 0PB Londres, Reino Unido. Tel. +44 (0) 208 981. [email protected]
CINES PRINCESA Salas 7 y 9 / Theater 7 and 9
157
JUST TO CALL YOU DAD
K 11 – CONFESSIONS OF A SEX TOURIST
“No conozco a mi padre. Lo único que tengo de él es una fotografía, un artículo de periódico,
una caricatura, unas cartas de amor que le escribió a mi madre cuando estaba embarazada
y una cinta de música. Solo sé que es británico y pianista. Esta es la historia de mi viaje
personal para encontrarlo, para entender esa parte de quien soy”. Patricia Delso
Un empresario de unos cuarenta años habla abiertamente de su actividad como turista sexual,
ajeno al hecho de que está siendo grabado por una cámara oculta. Comenta sus trucos para
llevarse a chicas jóvenes al hotel, sus perversas escapadas, ignorando las leyes internacionales
que protegen a las jóvenes trabajadoras del sexo. Su historia proporciona una mirada única a
una masa oculta de hombres occidentales que viajan por el mundo para hacer realidad sus
sueños pervertidos, sin temor a que les caiga encima el peso de la ley y sin pensar ni por un
momento en las decenas de mujeres a las que han violado.
SOLO PARA LLAMARTE PAPÁ
PATRICIA DELSO LUCAS – Betacam / 16´ / 2009 / España, Reino Unido / Spain, UK
V. O. INGLÉS, ESPAÑOL / ENGLISH, SPANISH. SUBT. ESPAÑOL, INGLÉS / SPANISH, ENGLISH
158
“I don’t know my father. The only things I’ve got from him are: a photograph, a newspaper
article, a caricature, some love letters that he wrote to my mother when she was pregnant,
and a music cassette. I only know that he is British and a piano player. This is the story of my
personal journey to find him, to understand that part of who I am.” – Patricia Delso
DIRECCIÓN, PRODUCCIÓN, GUIÓN / DIRECTION, PRODUCTION, SCRIPTΩ Patricia Delso lucas
FOTOGRAFÍA / CINEMATOGRAPHYΩ Marta Martínez Falcón, Gayle Baird
MONTAJE / EDITINGΩ Patricia Delso Lucas, Johanna Wagner
SONIDO / SOUNDΩ Andrew Connor
MÚSICA / MUSICΩ Neil MacDougall
K 11: CONFESIONES DE UN TURISTA SEXUAL
PUJA KHOSCHSORUR – Betacam / 30’ / 2009 / Austria
V. O. ALEMÁN / GERMAN. SUBT. ESPAÑOL, INGLÉS / SPANISH, ENGLISH
A business man in his forties openly talks about his activities as a sex tourist, unaware of the
hidden camera. About his tricks to lure young girls into his hotel, his perverse slip-offs, while
he ignores international laws that protect young sex workers. His story gives a rare insight into
a hidden mass of Western men travelling around the globe to live out their perverted dreams.
Without any fear of prosecution and without losing a thought on these dozens of women they
have violated.
CINEMATOGRAPHY, EDITINGΩ Puja Khoschsorur
SONIDO / SOUNDΩ Christian Mausser
PUJA KHOSCHSORUR
Brockmanngasse, 57. 8010 Graz, Austria. Tel. +43 6 504 337 580. [email protected]
PATRICIA DELSO LUCAS
1/5 Inglis Court, 15 West Port EH1 2JA. Escocia, Reino Unido. Tel. +44 789 172 788. [email protected]
Domingo 9, 19:30 h, y martes 11, 17:00 h / Sunday 9th, 7:30 pm, and Tuesday 11th, 5:00 pm
159
LA MAREA
LES VARIATIONS DIELMAN
Un hombre rechazado por la sociedad vive en un viejo barco abandonado, anclado en un lugar
olvidado de la bahía de Santiago de Cuba. Un día recibe una misteriosa llamada que le provoca
la necesidad de relacionarse con los otros.
Espacio y tiempo.
THE TIDE
ARMANDO CAPÓ – Betacam / 25’ / 2009 / Cuba
V. O. ESPAÑOL / SPANISH
160
LAS VARIACIONES DIELMAN / DIELMAN VARIATIONS
FERNANDO FRANCO – Betacam / 12´ / 2009 / España / Spain
Space and time.
A man rejected by society lives in an old abandoned boat anchored in a forgotten place in the
bay of Santiago de Cuba. One day he receives a mysterious call that makes him have to interact
with other people.
DIRECCIÓN / DIRECTIONΩ Armando Capó
PRODUCCIÓN / PRODUCTIONΩTanya Valette (Escuela Internacional de Cine y TV)
GUIÓN / SCRIPTΩ Armando Capó, Alberto Valhondo
FOTOGRAFÍA / CINEMATOGRAPHYΩ Germán Peters
MONTAJE / EDITINGΩ Ilka Valdez
SONIDO / SOUNDΩ Nicolás Tsabertidis
TANYA VALETTE, ESCUELA INTERNACIONAL DE CINE Y TV
Fca. San Tranquilino, km 4,500. San Antonio de los Baños 40/41 La Habana Cuba Tel +53 47 383 152
[email protected]
DIRECCIÓN, GUIÓN, MONTAJE, SONIDO / DIRECTION, SCRIPT, EDITING, SOUNDΩ Fernando Franco
PRODUCCIÓN / PRODUCTIONΩ Fernando Franco (Ferdydurke)
FERNANDO FRANCO
Hortaleza, 62, 3.º. 28004 Madrid, España. Tel. +34 696 828 616. [email protected]
161
MY LOST GENERATION
OH, NO, NOT YOU AGAIN!
“Esta película surgió de mi propia desesperación a la hora de comprender y procesar las
consecuencias de la guerra de la antigua Yugoslavia en mí y en mi generación. Visité Bosnia
y Herzegovina en numerosas ocasiones para filmar el escenario del horror durante la guerra.
Esta experiencia me sumió en una gran depresión, pero también me llevó a comprender mejor
la sociedad y la política. En todo caso, me introduje en el lado oscuro de la naturaleza humana
e intenté plasmarlo”. Vladimir Tomic
Jovial odio hacia uno mismo sobre la nieve reciente.
MI GENERACIÓN PERDIDA / MY LOST GENERATION
VLADIMIR TOMIC – Betacam / 32´ / 2009 / Dinamarca / Denmark
162
¡OH, NO, OTRA VEZ TÚ NO!
STUART POUND – Betacam / 4´ / 2009 / Reino Unido / UK
Joyful self-hate in the recent snow.
“This film was born out of my personal desperation to understand and deal with the
consequences that the war in former Yugoslavia had left on me as well as on my generation.
On various occasions I visited Bosnia and Herzegovina and filmed the places where during the
war many horrible things have taken place. This experience led me in to a great depression, but
also in greater understanding of society and politics. Nevertheless, I entered the darker side of
human nature and tried to depict it.” – Vladimir Tomic
DIRECCIÓN, PRODUCCIÓN, GUIÓN, FOTOGRAFÍA, LOCUCIÓN / DIRECTION, PRODUCTION, SCRIPT,
CINEMATOGRAPHY, VOICEΩVladimir Tomic
MONTAJE / EDITINGΩ Martin Friis
SONIDO / SOUNDΩ Aleksandar Alex Pavlovic, Anne Gry Friis Kristensen, Thomas Hannibal
MÚSICA / MUSICΩ Dino Pehilj
DIRECCIÓN, PRODUCCIÓN, FOTOGRAFÍA, MONTAJE, SONIDO / DIRECTION, PRODUCTION, CINEMATOGRAPHY,
EDITING, SOUNDΩ Stuart Pound
VLADIMIR TOMIC
Cancar Fyensgade 5, 1. 2200 Copenhague, Dinamarca. Tel. +45 30 744 780. [email protected]
STUART POUND
34 Blondin Avenue. W5 4UP Londres, Reino Unido. Tel. +44 208 840 9421. [email protected]
163
PARALLAX
RABBIT À LA BERLIN
Hansen filmó los tejados de Linz con una perspectiva “inversa”. Con su técnica de stop-motion
impregna los fenómenos naturales, como el tiempo, las horas del día, la luz y las sombras, con
una presencia peculiar. La visión invertida de los tejados hace que el espectador se desoriente
y tenga a la vez la sensación de estar flotando. Evoca el casco de una nave al pasar, con la que
se exploran zonas desconocidas del universo. No lleva al espectador a otro mundo, pero en su
lugar le muestra hasta qué punto el mundo real puede ser de ficción.
La historia jamás contada sobre los conejos salvajes de los muros de Berlín. Durante 28 años, la
“Zona de la Muerte” era su hábitat más seguro, tapizado de hierba, sin depredadores y con guardas
protegiéndoles de la presencia humana. Estaban encerrados, pero felices. Desafortunadamente,
un día el muro cayó y se vieron obligados a abandonar su cómodo sistema. Siguen aprendiendo a
sobrevivir en el mundo libre, como nosotros, los ciudadanos de Europa del Este.
INGER LISE HANSEN – Betacam / 5´ / 2009 / Austria
164
Hansen shot over the rooftops of Linz with an “inverse” perspective. Using “stop-motion” technique,
it imbues natural phenomena like weather, time of day, light and shadow with a peculiar presence.
The upside-down view across the rooftops causes the viewer to lose orientation and conveys a
sense of floating at the same time. The view evokes the hulk of a passing spaceship, in which
unknown areas of the universe are explored. It does not beam the viewer into a different world but
instead shows how fictional the real world can be.
CONEJO A LA BERLINESA / MAUERHASE
BARTEK KONOPKA / Betacam / 39´ / 2009 / Alemania, Polonia / Germany, Poland
The untold story of the wild rabbits of the Berlin Walls. For 28 years Death Zone was their safest
home. Full of grass, no predators, guards protecting them from human disturbance. They were
closed in, but happy. But the rabbits survived and stayed there. Unfortunately one day the wall
fell down. The rabbits had to abandon their comfortable system. They are still learning how to
live in the free world, just as we are, the citizens of Eastern Europe.
Nominado al Oscar al Mejor Cortometraje Documental / Nominated for the Oscar for Best Documentary Short
Film (Estados Unidos / USA, 2010)
Mejor Cortometraje Documental / Best Short Documentary, Hot Docs Toronto (Canadá / Canada, 2009)
Mejor Cortometraje / Best Short Film, Warsaw Planete Doc Review (Polonia / Poland, 2009)
SIXPACKFILM
Neubaugasse 45/13. P. O. Box 197. A-1071 Viena, Austria. Tel. +43 15 260 990. [email protected]
DIRECCIÓN / DIRECTIONΩ Bartek Konopka
PRODUCCIÓN / PRODUCTIONΩ Anna Wydra (MS Films), Heino Deckert (ma.ja.de. filmproduktion)
GUIÓN / SCRIPTΩ Bartek Konopka, Piotr Rosolowski
FOTOGRAFÍA / CINEMATOGRAPHYΩ Piotr Rosolowski
MONTAJE / EDITINGΩ Mateusz Romaszkan
SONIDO / SOUNDΩ Franciszek Kozlowski
MÚSICA / MUSICΩ Maciej Cieslak
DECKERT DISTRIBUTION
Marienplatz 1. 04103 Leipzig, Alemania. Tel. +49 3 412 156 638. [email protected]
CINEMATOGRAPHY, EDITING, SOUNDΩ Inger Lise Hansen
165
SALIDA DE LOS OBREROS DE LA FÁBRICA
UPE
Tributo al cine, a los Lumière y a las construcciones de la resistencia obrera en la Argentina
actual.
Historia de la dura vida emocional y física de los habitantes de un pueblo remoto junto al río,
lo único que une a esa comunidad con el mundo que hay en la otra orilla.
A tribute to cinema, to the Lumière brothers and the building of a worker resistance movement
in present day Argentina.
This story is about the emotionally and physically hard life of the people in a remote village by
the river. The river is the only path linking villagers with the world on the other bank.
WORKERS LEAVING THE FACTORY
CARMEN GUARINI – Betacam / 1´ / 2009 / Argentina
166
EL RÍO / THE RIVER
RIMANTAS GRUODIS – Betacam / 30´ / 2009 / Lituania / Lithuania
V. O. LITUANO, RUSO / LITHUANIAN, RUSSIAN. SUBT. ESPAÑOL, INGLÉS / SPANISH, ENGLISH
Premio del Público / Audience Prize, Festival dei Popoli, Firenze (Italia / Italy, 2009)
DIRECCIÓN, GUIÓN / DIRECTION, SCRIPTΩ Carmen Guarini
PRODUCCIÓN / PRODUCTIONΩ Carolina M. Fernández
FOTOGRAFÍA / CINEMATOGRAPHYΩ Iván Gierasinchuk
MONTAJE / EDITINGΩ Hernán Buffa, Salvador Savarese
DIRECCIÓN, PRODUCCIÓN / DIRECTION, PRODUCTIONΩ Rimantas Gruodis
GUIÓN / SCRIPTΩ Julija Gruodiene, Rimantas Gruodis
FOTOGRAFÍA / CINEMATOGRAPHYΩViktoras Radajevas
MONTAJE / EDITINGΩTomas Bielskis, Rimantas Gruodis
SONIDO / SOUNDΩVidmantas Kazlauskas
MÚSICA / MUSICΩ Zita Vilutyte, Zemyna Trinkunaite, Jorige Jurgutyte
CARMEN GUARINI
Tel. +54 114 371 6449. [email protected]
RIMANTAS GRUODIS
Klaipedos 5-8. LT-01117 Vilnius, Lituania. Tel. +370 5261 4816. [email protected]
Viernes 7, 22:00 h, y sábado 8, 22:00 h / Friday 7th, 10:00 pm, and Saturday 8th,10:00 pm
Viernes 7, 22:00 h, y sábado 8, 22:00 h / Friday 7th, 10:00 pm, and Saturday 8th,10:00 pm
167
WAITING FOR THE SNOW
WHAT COMES BETWEEN
Todos los inviernos, las estaciones de esquí de Ifrane reciben a miles de visitantes que vienen
a disfrutar de la nieve y de sus deportes favoritos. Se percaten o no, no tienen en cuenta a la
población que vive allí en la más absoluta pobreza. Ismaïl es un niño de la zona que también
espera la nieve, pero no para disfrutar como los otros niños; para él la nieve aporta unos ingresos
vitales para su familia. Este relato es la voz de los niños de esta ciudad olvidada de Marruecos.
Análisis de la pérdida y los recuerdos personales vinculados a la tierra natal de la directora, Chile,
y su partida del país hace mucho tiempo. La obra es un collage creado con imágenes recicladas
de fuentes personales e históricas, e imágenes originales pintadas a mano y tintadas.
ESPERANDO LA NIEVE /
YASSINE EL IDRISSI – Betacam / 38´ / 2009 / Marruecos / Morocco
V. O. ÁRABE, BEREBER / ARABIC, AMAZIGH. SUBT. ESPAÑOL, INGLÉS / SPANISH, ENGLISH
168
Every winter the ski resorts in Ifrane receive thousands of visitors who come to enjoy the snow
and their favorite sports. Whether they realize it or not, they are not conscious of the local
population that lives there in poverty. Ismaïl is a local boy who also waits for the snow but not
to enjoy like the other children; for him the snow brings a vital family income. This story is the
voice of the children of the forgotten village in Morocco.
LO QUE SEPARA
CECILIA ARANEDA / Betacam / 6´ / 2009 / Canadá / Canada
An examination of personal memory and loss rooted in the filmmakers birth place – Chile – and
her departure from that country long ago. The work is a collage film created with found footage
from personal and historic sources, and original hand-printed and tinted footage.
Premio del Jurado / Jury Prize, Khouribga International Documentary Film Festival (Marruecos / Morocco, 2009)
CINEMATOGRAPHY, EDITINGΩYassine El Idrissi
SONIDO / SOUNDΩ Mohammed Zekane
MÚSICA / MUSICΩ Mohamed Rouicha
DIRECCIÓN, PRODUCCIÓN, GUIÓN, FOTOGRAFÍA / DIRECTION, PRODUCTION, SCRIPT, CINEMATOGRAPHYΩ Cecilia
Araneda
MONTAJE / EDITINGΩ Alek Rzeszowski
SONIDO / SOUNDΩ Joe Silva, Alek Rzeszowski, Michel Germain
MÚSICA / MUSICΩ Joe Silva, Alek Rzesowski
YASSINE EL IDRISSI
Amal 3, bloc P, n. 163 c.y.m. Rabat, Marruecos. Tel. +212 665 244 347. [email protected]
CECILIA ARANEDA
131 Carmen Avenue, R2L 0E5 Winnipeg MB, Canadá. Tel. +1 2 042 977 000. [email protected]
Miércoles 12, 19:30 h / Wednesday 12th, 7:30 pm
169
YO, NATALIA
ME, NATALIA
GUILLERMINA PICO – Betacam / 30’ / 2009 / Argentina
170
Natalia Kohen, artista de reconocida trayectoria, millonaria y mecenas, denuncia haber sido
secuestrada por sus hijas e internada en un conocido neuropsiquiátrico. Las causas girarían
alrededor de intereses económicos centrados en su fortuna. “Mis hijas me han quitado todo
y me quieren hacer pasar por loca” declara a los diarios. Mientras se enfrenta a un juicio por
insania iniciado por sus hijas, un grupo de estudiantes de cine realiza un documental e intenta
conocer al personaje detrás del caso.
171
A well-known artist, millionaire and patron of the arts, Natalia Kohen claims she was kidnapped
by her daughters and committed to a famous mental hospital. The reasons revolve around
economic interests eying her fortune. “My daughters have taken everything away from me
and they want to make it look like I’m crazy,” she states to the newspapers. As she undergoes
a trial initiated by her daughters to determine her sanity, a group of film students make a
documentary and try to get to know the character in the case.
Mejor Cortometraje, Premio del Público / Best Short Film, Audience Award, BAFICI Festival Internacional de
Cine Independiente de Buenos Aires (Argentina, 2009)
DIRECCIÓN, GUIÓN / DIRECTION, SCRIPTΩ Guillermina Pico
PRODUCCIÓN / PRODUCTIONΩ Mariano García (PGA Producciones)
FOTOGRAFÍA / CINEMATOGRAPHYΩ Diego Arroyo
MONTAJE / EDITINGΩ Guillermina Pico, Balt
SONIDO / SOUNDΩ Agustín Arzamendia
MÚSICA / MUSICΩ Andrés Alberto
Los personajes son como lagos. Funcionan como espejos reflejando la realidad que
les rodea.
PGA PRODUCCIONES
[email protected]
The characters are like lakes. They function as mirrors reflecting the reality surrounding
them.
Amaury Santana Marrero
CREACIÓN DOCUMENTAL: cortoMETRAJES
BIOFILMOGRAFÍAS
ORIGINAL DOCUMENTARY: short FILMS. BIOFILMOGRAPHIES
CECILIA ARANEDA what comes between
De origen chileno y residente en Winnipeg (Canadá), es licenciada en
Bellas Artes por la Universidad de Nueva York, en la especialidad de
Teatro (Dramática), y tiene un máster en Escritura Creativa (Guión) por
la Universidad de Columbia. Ha realizado ocho cortometrajes como
directora y guionista, que le han valido varios premios y se han proyectado
en festivales, programas especiales y salas de arte y ensayo de tres continentes,
en ciudades como Nueva York, Chicago, París, Madrid, Leeds, Colonia, Santiago,
Montevideo, Toronto y Montreal.
Ω
172
Chilean-born, Winnipeg, Canada, based filmmaker Cecilia Araneda holds a B.F.A.
(hons) in Theatre (playwriting) from York University and an M.F.A. in Creative Writing
(screenwriting) from Columbia University. She has completed eight short films as a
director and writer, which have won awards and screened at film festivals, curated
programs and art house cinema across three continents – including in New York,
Chicago, Paris, Madrid, Leeds, Cologne, Santiago, Montevideo, Toronto and Montreal.
FILMOGRAFÍA FILMOGRAPHY Imprint (2007), In Reflection (2007), Halley’s Comet (2005),
Amnesia (2003), Memory (2002), Unwoven (2001), Chile: A History in Exile (1998).
ARMANDO CAPÓ RAMOS la marea
Nació en Gibara (Cuba) en 1979. Se graduó por la EICTV en 2009.
Ω
Born in Gibara (Cuba) in 1979. He graduated from the EICTV in 2009.
FILMOGRAFÍA FILMOGRAPHY La ausencia (en postproducción / in postproduction), La revolución es un automóvil que avanza siempre (2009), Nos quedamos
(2009), Entre la luz y la fe (2008), Revelación (2008), La inercia (2008), Todos los
pantógrafos van al cielo (2008), El huésped (2007), El proceso (2007), Fisonomía de un
campeón (2007), El ansia (2007), Te quiero mucho (2007), Descubriendo Pancha (2004).
SERGIO DA COSTA entretien avec almiro vilar da costa
Portugués nacido en 1984 en Lausana, ha recibido formación como diseñador
multimedia. Estudia en la Haute École d’Arts et de Design, Ginebra.
Ω
Portuguese born in Lausanne in 1984, he has a background in multimedia
design. He studied at the Haute École d’Arts et de Design, Geneva.
FILMOGRAFÍA FILMOGRAPHY Corps incompris (2007).
173
ORIGINAL DOCUMENTARY: SHORT FILMS BIOFILMOGRAPHIES
PATRICIA DELSO LUCAS just to call you dad
Licenciada en Comunicación Audiovisual por la Universidad Carlos III
de Madrid, estudios que compaginó con su labor como técnica en
una productora de televisión madrileña, realizó varios cortometrajes
documentales mientras estudiaba Cine Documental en el NIC, Instituto
de Cine de Madrid. En la actualidad cursa un Máster de Dirección
Cinematográfica en la Escuela de Arte de Edimburgo (Screen Academy Scotland),
donde ha colaborado en numerosos proyectos y terminado su primera película, Just to
Call You Dad, y trabaja en su siguiente proyecto.
Ω
Graduated in Visual Communication at University Carlos III of Madrid while working as
a technician in a television production company in Madrid. She then completed several
short documentary films while finishing her Diploma in Documentary Filmmaking
at NIC Film Institute of Madrid. She is currently studying a MFA in Film Directing at
Edinburgh College of Art (Screen Academy Scotland), where she has collaborated
on many film projects and finished her first film, Just to Call You Dad. She is already
working on the development of her next project.
YASSINE EL IDRISSI waiting for the snow
Tras descubrir su pasión por la fotografía a la edad de 16 años, Yassine El
Idrissi (que tiene ahora 26) ha adquirido una amplia experiencia profesional
en poco tiempo. Después de trabajar como fotoperiodista para varios
medios de comunicación nacionales e internacionales, como la agencia de
prensa holandesa ANP y el periódico independiente Al Jarida Al Oula, pasó
a formar parte del equipo de Al Massae, el diario más importante de Marruecos, donde
trabaja en la actualidad. Waiting for the snow es su primer documental.
Ω
174
Having discovered his passion of photography at the age of 16, Yassine El Idrissi (now
26 years old) has gained broad professional experience in a short time. After having
worked as a photo-journalist for several national and international news organizations
such as the Dutch Press Agency (ANP) and the independent newspaper Al Jarida Al
Oula, he is currently working for Morocco’s leading daily Al Massae. Waiting for the snow
is El Idrissi’s first documentary film.
FERNANDO FRANCO les variations dielman
Licenciado en Comunicación Audiovisual y titulado en Montaje por la
ECAM, ha montado una quincena de largometrajes en la última década.
Sus tres cortometrajes han cosechado premios en festivales de todo el
mundo. Es jefe de la especialidad de Montaje en la ECAM y colabora como
profesor de documental en la Escuela Internacional de Cine y Televisión
de San Antonio de los Baños, Cuba.
Ω
A graduate in Audiovisual Communication and a degree-holder in Editing from the
ECAM, he has edited around fifteen full-length films over the past decade. His three
short films have earned awards at festivals worldwide. He is the head of the Editing
Specialization at the ECAM and collaborates as a documentary professor at the San
Antonio de los Baños International Film and Television School, Cuba.
FILMOGRAFÍA FILMOGRAPHY Tu(a)mor (2009), The End (2008), Mensajes de voz (2007).
BIOFILMOGRAFÍAS CREACIÓN DOCUMENTAL: CORTOMETRAJES
RIMANTAS GRUODIS upe
Nació en Siauliai, Lituania, en 1946. Entre 1964 y 1990 trabajó en los
Estudios Cinematográficos Lituanos. Desde 1991 desarrolla labores de
director, productor y operador de cámara independiente.
Ω
Born in Siauliai, Lithuania in 1946. From 1964 to 1990 he worked in film
studios in Lithuania. Since 1991 he has been doing work as an independent director,
producer and camera operator.
FILMOGRAFÍA FILMOGRAPHY The Way of Milk. Milky Way (2007), The Brass Band (2006),
The Tiny Birds of God (2005), The Master (2004), Scarecrow (2002), Household (2001),
Territory (1999), The Bathhouse (1997), The Pain (1995), The Waste (1993), The Dirge
(1991), Ona and Mykolas (1990).
CARMEN GUARINI salida de los obreros de la fábrica
Licenciada en Ciencias Antropológicas por la Universidad de Buenos Aires en
1980. En 1988 obtuvo el Doctorado en Estudios Teatrales y Cinematográficos,
con especialidad en Cine Antropológico, en la Universidad de París I-Sorbona
y París X-Nanterre (Francia). Su tesis doctoral fue dirigida por Jean Rouch.
Desde 1992 es investigadora del Consejo Nacional de Investigaciones
Científicas y Técnicas (CONICET, Argentina). Ese mismo año creó y comenzó a dirigir
el Programa de Antropología Visual en el Instituto de Ciencias Antropológicas de la
Universidad de Buenos Aires, en la que trabaja como docente desde 1984. Ha dictado
y dicta numerosos cursos de Cine Documental en diversas instituciones, como la
Fundación Universidad del Cine (Maestría en Cine Documental), TEA Fotoperiodismo,
EICTV de Cuba, en la Universidad de Santiago de Compostela y en Barcelona. También
fue profesora invitada en l’École des Hautes Études en Sciences Sociales de París. Desde
1988 es socia fundadora y codirectora de la productora de cine documental pionera en
Argentina Cine Ojo. En 2000 creó y comenzó a codirigir, junto a Marcelo Céspedes y
Luciano Monteagudo, el DocBuenos Aires, Muestra Internacional de Cine Documental
y Fórum de Coproducción Internacional. En la actualidad es miembro de la comisión
directiva de DAC (Directores Argentinos Cinematográficos) y de la de ASAECA (Sociedad
Científica Argentina de Estudios de Cine). Integra también la Comisión Asesora de Historia,
Antropología y Geografía de CONICET y ha sido miembro del Comité de Evaluación de
Proyectos Documentales del INCAA. En 2001 fue nominada por la Fundación Konex de
Argentina como una de las mejores cineastas documentalistas del país y ha recibido
becas y subsidios del Gobierno de Canadá, CONICET, Fondo Nacional de las Artes,
Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales, Soros Documentary Found, Jan Vrijman
Fund, entre otras. Ha participado como jurado en diversos festivales de cine nacionales
e internacionales, como Friburgo (Suiza), Lisboa (Portugal), La Habana (Cuba), Trieste
(Italia), Bahía, É Tudo Verdade (Brasil) y Documenta Madrid, entre otros. Ha dirigido y
codirigido numerosos largometrajes documentales, todos estrenados comercialmente
en Argentina y difundidos tanto en diversos festivales internacionales de cine como
en muestras retrospectivas. Ha dirigido también numerosos cortometrajes y vídeos.
Ω
She graduated in Anthropological Sciences from the University of Buenos Aires in 1980. In
1988 she got her PhD in Theater and Film Studies, with a specialization in Anthropological
Film from the Univerisity of Paris I-Sorbonne and Paris X-Nanterre (France). Her
dissertation was directed by Jean Rouch. Since 1992 she has been a reasercher at the
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176
National Council of Scientific and Technical Research (CONICET, Argentina). That same
year she created and started directing the Visual Anthropology Program at the Institute of
Anthropological Sciences of the University of Buenos Aires, where she has been working
as a teacher since 1984. She has given and continues to give courses in documentary film
at different institutions such as the University Film Foundation (Masters in Documentary
Film), TEA Fotoperiodismo, EICTV of Cuba, the University of Santiago de Compostela and
in Barcelona. She was also a guest professor at the l’École des Hautes Études en Sciences
Sociales, Paris.She is a founding member and codirector of the pioneering documentary
production company in Argentina Cine Ojo. In 2000 she created and started directing,
along with Marcelo Céspedes and Luciano Monteagudo, the International Documentary
Film Festival and International Coproduction Forum, DocBuenos Aires.She is currently
a member of the executive commission of the DAC (Argentinean Film Directors) and of
ASAECA (Argentinean Scientific Society of Film Studies). She is also on the CONICET
Advisory Board of History, Anthropology and Geography, and has been a member of the
INCAA Evaluation Committee for Documentary Projects. In 2001 she was nomimated by the
Konex Foundation of Argentina as one of the best documentary filmmakers in the country
and has received fellowships and subsidies from the Goverment of Canada, CONICET, the
National Arts Fund, the National Institute of Film and Audiovisual Arts, Soros Documentary
Fund, Jan Vrijman Fund, and others. She has served on the juries of several national and
international festivals, such as Fribourg (Switzerland), Lisbon (Portugal), Havana (Cuba),
Trieste (Italy), Bahia, É Tudo Verdade (Brazil) and Documenta Madrid, among others. She
has directed and co-directed numerous full-length documentaries, all of which were
released commercially in Argentina and disseminated to different international film
festivals and at retrospectives. She has also directed numerous short films and videos.
FILMOGRAFÍA FILMOGRAPHY Gorri (2010), Meykinof (2005), El diablo entre las flores
(2003), H.I.J.O.S, el alma en dos (2002), Silencio roto (2001), “Ecuador” (10´): segmento
de / segment of Partition par voix des femmes (2001), Tinta roja (1998), Jaime de Nevares,
último viaje (1995), Una sola voz (1995), La voz de los pañuelos (1992), La noche eterna
(1990), Buenos aires, crónicas villeras (1988), A los compañeros la libertad (1988), Hospital
borda: un llamado a la razón (1985).
INGER LISE HANSEN parallax
Nacida en 1966 en Noruega, estudió en la North East London Polytechnic
y en St. Martin’s College of Art, Londres, y realizó un máster de Cine en
el Instituto de Arte de San Francisco. Ha dirigido numerosas películas
experimentales de animación con el apoyo del Consejo de Artes de
Inglaterra, Film London y el Instituto Noruego de Cine, que le han valido
varios premios internacionales, entre los que figuran un Mikeldi de Oro de Animación
del Festival de Cine Documental y Cortometraje de Bilbao y un Premio Chris Frayne
a la Mejor Animación del Festival de Cine Ann Arbor. Sus anteriores películas se han
exhibido en la Tate Modern de Londres, el Instituto de Arte Contemporáneo de Londres,
el Centro Georges Pompidou de París, el Museo de Arte Moderno de Estocolmo y el
Festival de Animación de Hiroshima.
Ω
Born 1966 in Norway, was educated at North East London Polytechnic, St. Martin’s
College of Art, London, and received a Masters of Fine Art Filmmaking from San
Francisco Art Institute. She has made a number of experimental animation films with
support from Arts Council England, Film London and the Norwegian Film Institute,
and has won several international prizes such as Gold Prize for animation at the Bilbao
Festival of Documentary and Short Films, Chris Frayne Award for Best Animation at
Ann Arbor International Film Festival. Her earlier films have been screened at the Tate
Modern, London, Institute of Contemporary Art, London, Centre Georges Pompidou,
Paris, Museum of Modern Art, Stockholm and Hiroshima Animation Festival.
FILMOGRAFÍA FILMOGRAPHY Travelling Fields (2009), Casting the Shadows (2007),
Proximity (2006), Here After (2004), Adrift (2004), Triptych (2001), Hus (1998), Static (1995),
lking to a Stone (1993), Tilt (1991).
PUJA KHOSCHSORUR k 11 – confessions of a sex tourist
Nacido en 1977 en Graz, Austria, vivió en Irán hasta 1980. Se licenció en
Derecho por la Universidad de Graz (Austria) y Ámsterdam (Holanda) y
ha realizado numerosas estancias en el sudeste asiático. Ha fundado la
asociación Le Donja.
Ω
Born in 1977 in Graz, Austria, Puja Khoschsorur lived in Iran until 1980. He graduated in
Law from the University of Graz (Austria) and Amsterdam (Netherlands) and has been
to Southeast Asia on numerous occasions. He founded the association Le Donja.
BARTEK KONOPKA rabbit à la berlin
Nacido en 1972, estudió Dirección Cinematográfica en la escuela Krzysztof
Kieślowski WriTV de Katowice y en la Andrew Wajda Master School of Film
Directing. Es uno de los cineastas polacos más premiados. Su película
Trójka do wziecia (Three for Taking) ya ha ganado doce premios en todo el
mundo (entre ellos el Gran Premio y el Premio al Mejor Actor en Brest, y
el Premio al Mejor Debut en el Festival Internacional de Cine Message to Man, de San
Petersburgo). Su anterior documental, The Goat Walker, recibió el Premio Planete en
la Berlinale de 2004. En 2009, Konopka dirigió su primer largometraje, Le,k wysokości:
Acrophobia (The Fear of Heights).
Ω
Born in 1972, he studied Film Directing at the Krzysztof Kieślowski WriTV school
of Katowice and at the Andrew Wajda Master School of Film Directing. He is one of
Poland’s most award-winning filmmakers. His movie Trójka do wziecia (Three for Taking)
has won twelve awards worldwide including the Grand Prize and the Award for Best
Actor in Brest and the Award for Best Debut at the Message to Man International Film
Festival of St Petersburg. His previous documentary The Goat Walker received the
Planete Award at the 2004 Berlinale. In 2009 Konopka directed his first feature film
Acrophobia (The Fear of Heights).
FILMOGRAFÍA FILMOGRAPHY The Fear of Heights (2009), Kings of Downtown (2007), Three
for the Taking (2006), Scenes from the Warsaw Uprising (2005), The Goat Walker (2004).
HELGA LANDAUER diversions
Nació en Moscú, y estudió en el Instituto Estatal Ruso de Cine (VGIK)
de dicha ciudad. Ha escrito numerosos guiones para largometrajes,
animación y documentales, además de trabajar en la Televisión Nacional
Rusa dirigiendo programas de difusión. Desde 1996 reside con su familia
en California, Estados Unidos, donde continúa su labor como escritora,
Ω
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poeta y cineasta. Sus películas se han proyectado en festivales internacionales de
cine como Documenta Madrid, Full Frame (Estados Unidos) o FIFA (Canadá), y en
importantes espacios culturales como el Auditorio del Louvre, el Queen Elizabeth Hall,
el Carnegie Hall y el Baryshnikov Art Center. Sus poemas se han publicado y reseñado
en importantes antologías y revistas literarias rusas, y se han traducido al sueco, al
inglés y al vietnamita. Ha escrito tres libros bajo su nombre de soltera, Helga Olshvang:
96, de la editorial Composer, The Reed y Poetry Works, de la editorial Pushkinsky Fond.
She was born in Moscow, where she graduated from the Russian State Institute of
Cinematography (VGIK). She has written numerous screenplays for feature, animation
and documentary films, and worked at Russian National Television directing programs
for broadcast. Since 1996 Helga Landauer has lived the United States, continuing to
work as a writer, poet and a filmmaker. Her films have been screened at international
film festivals such as Documenta Madrid, (Spain), Full Frame (USA), FIFA (Canada) and
significant cultural venues such as Louvre Auditorium, Queen Elizabeth Hall, Carnegie
Hall and Baryshnikov Art Center. As a poet, Landauer has been published and reviewed
in major Russian literary magazines and anthologies, and her work has been translated
into Swedish, English and Vietnamese. Writing under her maiden name Helga Olshvang,
she authored three books: 96 book was published by Composer Publishing House, both
The Reed and Poetry Works were published by Pushkinsky Fond.
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FILMOGRAFÍA FILMOGRAPHY A Film About Anna Akhmatova (2008), A Journey of Dmitry
Shostakovich (2006), Objects in Mirror are Closer than They Appear (2002), Being Far from
Venice (1998).
GUILLERMINA PICO yo, natalia
Nació en 1985 en Santa Rosa, La Pampa, Argentina. Estudió Realización de
Cine en Córdoba. Se desempeñó como fotógrafa freelance y como ayudante
de dirección en productoras de cine publicitario. Sus trabajos de fotografía
fija y vídeo experimental han sido mostrados en diversas exposiciones
individuales y colectivas. Colabora para revistas culturales de Argentina y
España. Actualmente vive y estudia en Barcelona, donde se especializa en vídeo digital.
Ω
Born in 1985 in Santa Rosa, La Pampa, Argentina, she studied Film Directing in Córdoba.
She worked as a freelance photographer and director’s assistant for production
companies of advertising films. Her still photography work and experimental videos
have participated in different individual and collective exhibitions. She contributes
to cultural magazines in Argentina and Spain. She is currently living and studying in
Barcelona, where she is specializing in digital video.
(París), la Tate Modern, el Festival de Cine de Londres, el Centro Cultural Pablo de
la Torriente Brau de La Habana, el Festival de Split, VIPER (Basilea), Vidéoformes
Clermont-Ferrand, Media Forum, el Festival Internacional de Cine de Moscú, prog:ME,
el Centro Cultural Telemar de Río de Janeiro, KunstFilmBiennale Köln, Saison Vidéo
Lille, Microwave International Media Art son algunos de los lugares donde se han
podido ver sus trabajos.
Based in London, he has a background in film-making and computing, and digital
video, which he brought together. Over the past 14 years he has collaborated with the
poet Rosemary Norman on a number of videos. His work has been shown in many
international festivals and on the internet. Selected screenings include the MoMA
(Paris), Beaubourg – Centre Georges Pompidou (Paris), Tate Modern, London Film
Festival, Centro Cultural Pablo de la Torriente Brau (Havana), Split Festival, VIPER
(Basel), Vidéoformes Clermont-Ferrand, Media Forum, Moscow International Film
Festival, prog:ME, Centro Cultural Telemar, Rio de Janeiro, KunstFilmBiennale Köln,
Saison Vidéo Lille, Microwave International Media Art.
FILMOGRAFÍA FILMOGRAPHY Retro disk chunter (2009), The crying of the forest (2009),
Speech (2009), Henri Rousseau: The poet and his muse, 1909 (2008), SF (2008), Venusseparated (2008), This is not a landscape (2008), Life on Mars (2007), Camouflage with white
shirt (2007), Dominant culture (2007), Reverberations in time (2006), Square fragments
(2006), Hotel Sevilla (2006), Chez Pigeon (2006), Bus stop (2006), Der Doppelgänger (2005)
Birdsong marimba (2005), Tehran trace (2005), Kissing in hats (2005), Writing behaviour
(2004), Quadrant (2004), English lessons (2004), The phantom city (2003), Postcard (2003),
The fish in the Machine #1, #2 & #3 (2003), Plaza Continuum (2002), Satara (2002), Time’s
frequencies (2002), Exposure (2002), Ventura California (2001), Kaleidoscopics (2001),
Counting to 100 (2001), Song of the Nobird (2000), Porno Neutrinos (2000), Ghost & the
Crystal (2000), White fade symmetries (1999), 9½ Weeks in 8 minutes (1999), Cuba libre
(1999), Mother Child & Crab (1998), Eating Disorder (1998), Père Lachaise (19979, Alarm
(1997), L’Amour Fou (1997), Codex 60 minutes (1979), Clocktime 80 minutes (1972).
BEN RIVERS i know where i’m going
Nació en Somerset en 1972 y estudió Bellas Artes en la Escuela de Arte de
Falmouth de 1990 a 1993. Sus trabajos se han proyectado en multitud de
festivales internacionales de cine y galerías, y le han valido varios premios.
Ha recibido numerosos encargos, entre los cuales uno del programa
London Artist’s Film and Video Award.
Ω
FILMOGRAFÍA FILMOGRAPHY Ad Libitum (2007), 15 primaveras (2006), A un paso (2005),
Cáscara (2004).
Born in Somerset, 1972, he studied Fine Arts at the Falmouth School of Art from 1990
to 1993. He has exhibited at many international film festivals and galleries, and won
various awards. He has been the recipient of a number of commissions, including a
London Artist’s Film and Video Award.
STUART POUND oh, no, not you again!
Afincado en Londres, en su trabajo confluye su experiencia en cine,
informática y vídeo digital. Durante los últimos 14 años ha colaborado
con la poeta Rosemary Norman en numerosos vídeos. Su trabajo se ha
proyectado en multitud de festivales internacionales, además de publicarse
en Internet. El MoMA (París), Beaubourg – Centro Georges Pompidou
FILMOGRAFÍA FILMOGRAPHY May Tomorrow Shine the Brightest of all your Many Days
as it will Be your Last (2009), A World Rattled of Habit (2008), Origin of the Species (2008),
Sørdal (2008), Ah, Liberty! (2008), House (2007), Dove Coup (2007), Greenhouse (2007),
Terror! (2006), The Coming Race (2006), Astika (2006), This Is My Land (2006), The Bomb
with a Man in his Shoe (2005), The Hyrcynium Wood (2005), We The People (2004), The
Ironworks (2004), Old Dark House (2003).
Ω
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NOELIA RODRÍGUEZ DEZA formol
Nació en 1983 en Madrid. Ingresó en la Facultad de Ciencias de la
Información de la Universidad Complutense de Madrid para estudiar
Comunicación Audiovisual, licenciatura que completaría en 2006.
Paralelamente, cursó estudios avanzados de Fotografía en la Universidad
Politécnica de Madrid y realizó dos cortometrajes de ficción, Desde tu
armario y Mi cama, tu cama, el cortometraje documental 7 paraguas y varias piezas de
videoarte y series fotográficas. En 2006 ingresa en la ECAM (Escuela de Cinematografía
y del Audiovisual de la Comunidad de Madrid) en la especialidad de Montaje. Durante
sus tres años en la ECAM se interesó especialmente por la no ficción y realizó varias
incursiones en el videoarte y en la fotografía poético-documental. En 2008 completó
un curso de Realización de Documental en la EICTV (Escuela Internacional de Cine
y Televisión San Antonio de los Baños, Cuba), donde dirigió el documental Flores de
tango. De vuelta a Madrid, realizó Formol, que será su tesis de fin de carrera en la
ECAM, donde obtendrá la diplomatura en 2010. Actualmente, se encuentra en fase de
desarrollo de un nuevo proyecto documental.
Ω
180
She was born in 1983 in Madrid. She joined the Department of Information Sciences at
the Complutense University of Madrid to study Audiovisual Communication, and she
got her degree in 2006. Alongside, she did a Master in Photography in the Polytechnic
University of Madrid and she directed two fiction short films, Desde tu armario
and Mi cama, tu cama, a documentary short film 7 paraguas and several pieces of
video art and photography series. In 2006 she was admitted into the ECAM (School
of Cinematography and Audiovisual of Madrid) in the speciality of Editing. During
the three years that she studied at the ECAM, she got especially interested in nonfiction films and did several pieces of videoart and poetic-documentary photography.
In 2008 she studied Documentary Filmmaking at the EICTV (San Antonio de los
Baños International School of Cinema and Television), Cuba, where she made the
documentary Flores de tango. Back in Madrid, she wrote and directed Formol, that
was her final graduate thesis at the ECAM in 2010. She is currently developing a new
documentary project.
FILMOGRAFÍA FILMOGRAPHY Flores de tango (2008), Hombre negro, hombre blanco
(2007), 7 paraguas (2005), Tu cama, mi cama (2003), Desde tu armario (2003).
NICOLÁS TESTONI el oscuro vientre de una ballena blanca
Realizador de cine y vídeo nacido en Bahía Blanca, Argentina, en 1974.
Su trabajo ha recibido el apoyo de las fundaciones Jan Vrijman y Prince
Claus y ha sido exhibido, entre otros, en los festivales IDFA, International
Documentary Film Festival Amsterdam (Ámsterdam, 2006) y Visible
Evidence (Bristol, 2004).
Ω
A film and video director born in Bahía Blanca, Argentina in 1974. His work has received
aid from the Jan Vrijman and Prince Claus Foundations and has been shown at the
IDFA-International Documentary Film Festival Amsterdam (Amsterdam, 2006) and
Visible Evidence (Bristol, 2004), among others.
FILMOGRAFÍA FILMOGRAPHY A siete kilómetros de acá (2008), Canto de aves pampeanas
(2007), El puerto (2006).
VLADIMIR TOMIC my lost generation
Nació en 1980 en Sarajevo, donde vivió hasta 1992. Desde entonces reside
en Copenhague, Dinamarca. Entre 2003 y 2009 estudió en el Departamento
de Audiovisuales de la Royal Danish Academy of Fine Arts, bajo la dirección
del profesor Thomas Locher. Entre 2008 y 2009 realizó una estancia de
estudios en la Akademie der bildenden Künste Vienna, Media Arts, donde
trabajó con la profesora Constanze Ruhm y con el director Harun Farocki.
Ω
Born in Sarajevo in 1980, where he lived until 1992. Since then he has been living in
Copenhagen, Denmark. From 2003 to 2009 he studied in the Audiovisuals Department
of the Royal Danish Academy of Fine Arts under the direction of professor Thomas
Locher. From 2008 to 2009 he did a residency at the Akademie der bildenden Künste
Vienna, Media Arts, where he worked with the professor Constanze Ruhm and the
director Harun Farocki.
FILMOGRAFÍA FILMOGRAPHY The Valley of Shadows (2006), Echo (2005), The Trilogy:
Dead Nature and Movements, The Pianist, The Mailman (2003-2004).
MIKHAIL ZHELEZNIKOV for home viewing
Nacido en Leningrado en 1972, es realizador independiente.
Ω
Born in Leningrad in 1972, he is an independent filmmaker.
FILMOGRAFÍA FILMOGRAPHY Booths (2008), Timewarp (2008), Collection N1
(2006), Lara, her dogness (2003), Tales on the Marshes (2002), Something in the air (2001).
181
CONCURSO
DOCUMENTAL
DE CREACIÓN.
LARGOMETRAJES
ORIGINAL DOCUMENTARY FILM COMPETITION.
FULL-LENGTH FILMS
ORIGINAL DOCUMENTARY: FULL-LENGTH FILMS COMPETITIVE SECTION
17 AUGUST
AVENIDA ARGENTINA
La primera prisión rusa para los sentenciados a cadena perpetua. Una celda individual. “Recluso
Boris Bezotechestvo. Cadena perpetua. Artículo 102. Triple asesinato”. En íntima comunión con un
Dios indiferente a su destino, reza a pesar de no ser creyente. Sus palabras llenan el aire de la
celda, habla y se escucha a sí mismo. El espacio de la celda le consume. Su mundo son cuatro
paredes y la vista desde la ventana. La prisión le lanza físicamente a los brazos del tiempo, larga
sucesión de días y noches, tras los cuales está el infierno o el cielo.
Una noche en Buenos Aires. Gente joven que entre la caída de la tarde y el alba salen en busca
de basura, amor, justicia o un futuro. Cuatro vidas que se cruzan pero no se tocan. Un mosaico
de interrogantes. ¿A dónde lleva la Avenida Argentina? Bonse explora cuatro mundos opuestos
entre los estratos sociales de la Argentina actual, entre pobres y ricos, la gente con y sin
estudios, los indígenas y los de descendencia europea.
17 DE AGOSTO / 17 AVGUSTA
ALEXANDER GUTMAN – Betacam / 63´ / 2009 / Rusia / Russia
184
SECCIÓN COMPETITIVA CREACIÓN DOCUMENTAL: LARGOMETRAJES
The first prison in Russia for those sentenced to life terms. A single cell. “Prisoner Boris
Bezotechestvo. Life sentence. Article 102. Triple murder.” Communing with a God who is
indifferent to his fate. He prays, but is not a believer. His words fill the air of the cell. He talks
and listens to himself. The space within the cell consumes him. His world is four walls and the
view from the window. The prison physically thrusts the prisoner into time. A long succession
of days and nights, after which comes “hell” or “heaven”.
Mención de Honor / Honorary Mention, Dok-Leipzig (Alemania / Germany, 2009)
DIRECCIÓN, GUIÓN, MONTAJE / DIRECTION, SCRIPT, EDITINGΩ Alexander Gutman
PRODUCCIÓN / PRODUCTIONΩ Alexander Gutman (Atelier-Film-Alexander)
FOTOGRAFÍA / CINEMATOGRAPHYΩ Maxim Efros, Nikolay Volkov, Alexander Gutman
SONIDO / SOUNDΩ Leonid Lerner
MÚSICA / MUSICΩVladimir Tarasov
ARGENTINA AVENUE
LUCÍA-MILENA BONSE – 35 mm / 84´ / 2009 / Alemania / Germany
One night in Buenos Aires. Young people between sunset and sunrise, in search of trash, love,
justice, a future. Four life lines that will cross but won’t touch each other. A mosaic with
question marks. Where does the Avenida Argentina lead? Bonse explores four opposite worlds
along the social ranks of Argentina today: between poor and rich, unschooled and studied,
indigenous and of European descent.
DIRECCIÓN, GUIÓN / DIRECTION, SCRIPTΩ Lucía-Milena Bonse
PRODUCCIÓN / PRODUCTIONΩ Maren Lüthje (Luethje & Schneider Filmproduktion GbR)
FOTOGRAFÍA / CINEMATOGRAPHYΩ Nikolai von Graevenitz
MONTAJE / EDITINGΩ Anja Pohl
SONIDO / SOUNDΩ Andreas Prescher
MÚSICA / MUSICΩ Console
LUETHJE & SCHNEIDER FILMPRODUKTION GbR
Landwehrstrasse 2. D-80336 Múnich, Alemania. Tel. +49 8 985 636 006. [email protected]
ALEXANDER GUTMAN
Kolomenskaya 28, apt. 9. 191119 San Petersburgo, Rusia. Tel. +7 8 129 412 890. [email protected]
Viernes 7, 22:00 h, y sábado 8, 22:00 h / Friday 7th, 10:00 pm and Saturday 8th, 10:00 pm
185
CUATRO PAREDES Y EL MUNDO
EL GAUCHO
Aquel año regresé a la isla de Pico. Quería conocer al escritor José Dias de Melo en su pueblo
natal. Quería pasar algunos días a su lado, ver cómo vivía. Quería oírle hablar, escucharle contar
algunas de las historias que han marcado su vida. Pero cuando llegué a Calheta de Nesquim,
descubrí que estaba enfermo y que había sido hospitalizado en otra isla del archipiélago. Nadie
supo decirme cuándo volvería. Así que decidí esperarle.
El adusto Andrés Retamal, jinete y domador, lleva por primera vez a Gabi, su hijo de cuatro años,
a la temporada de doma a través de la Patagonia argentina. Un viaje iniciático y una exploración
del mundo mítico e intemporal de una figura poco conocida: el gaucho.
FOUR WALLS AND THE WORLD / QUATRE MURS ET LE MONDE
MARC WEYMULLER – Betacam / 53´ / 2009 / Francia / France
V. O. PORTUGUÉS, FRANCÉS / PORTUGUESE, FRENCH. SUBT. ESPAÑOL, INGLÉS / SPANISH, ENGLISH
186
That year I returned to the island of Pico. I wanted to meet the writer José Dias de Melo in his
hometown. I wanted to spend some days with him, to see how he lived. I wanted to hear him speak,
hear him tell some stories that marked his life. But when I arrived to Calheta de Nesquim, I learned
he was ill and had been hospitalized on another island of the archipelago. No one could tell me
when he would return. So I decided to wait for him.
THE GAUCHO
ANDRÉS JARACH – Betacam / 90´ / 2009 / Argentina, Francia / Argentina, France
The harsh horse rider and tamer Andrés Retamal takes his four-year-old son Gabi for the first
time to the horse taming season across the Argentinian Patagonia. A journey of initiation and
an exploration of the mythical and timeless world of a little known figure: the gaucho.
DIRECCIÓN, GUIÓN, MONTAJE, SONIDO / DIRECTION, SCRIPT, EDITING, SOUNDΩ Marc Weymuller
PRODUCCIÓN / PRODUCTIONΩ Marc Weymuller (Le Tempestaire)
FOTOGRAFÍA / CINEMATOGRAPHYΩ Xavier Arpino
MÚSICA / MUSICΩ Maurice Blanchy, Bruno Fleutelot
LOCUCIÓN / VOICΩ Michel Costa, Marc Weymuller
MARC WEYMULLER
Ougy F 71460 Malay, Borgoña, Francia. Tel. +33 951 142 453. [email protected]
DIRECCIÓN / DIRECTIONΩ Andrés Jarach
PRODUCCIÓN / PRODUCTIONΩ Patrick Winocour (Quark Productions)
GUIÓN / SCRIPTΩ Andrés Jarach, Kéthévane Davrichewy
SONIDO / SOUNDΩ Stephan Bauer
MONTAJE / EDITINGΩ Joziane Zardoya
FOTOGRAFÍA / CINEMATOGRAPHYΩ Isabelle Razavet
MÚSICA / MUSICΩ Christoph H. Müller, Eduardo Makaroff
LOCUCIÓN / VOICEΩ Daniel Melingo
QUARK PRODUCTIONS
22 rue du Petit Musc. 75004 París, Francia. Tel. +33 144 543 950. [email protected]
187
EL SUEÑO DEL BAOBAB
EN CAS DE DEPRESSURISATION
Un lugar: África. Un hombre: Samba. Un sueño: el baobab. Un valor: la lucha.
“¿Cómo encajas que te digan que tu hijo tiene una minusvalía? La noticia te golpea como
un tsunami, te vacía de sangre. Todos tus sueños se hacen añicos ante esta tragedia que se
apodera de tu vida. Pero pronto estos sentimientos dan paso a otros. Para sobrevivir, filmé lo
que experimentaba con mi hijo a diario y me fui de gira con un grupo de danza unos días al mes
durante un periodo de dos años. Si quería ayudar a mi hijo, tenía también que cuidarme a mí”.
Sarah Moon Howe
THE DREAM OF THE BAOBAB
LAURA HERNÁNDEZ MANONELLAS – Betacam / 48´ / 2009 / España / Spain
V. O. FRANCÉS, INGLÉS, SUNIKE, WOLOF / FRENCH, ENGLISH, SUNIKE, WOLOF. SUBT. ESPAÑOL, INGLÉS /
SPANISH, ENGLISH
188
One place: Africa. One man: Samba. One dream: the baobab. One value: struggle.
EN CASO DE DESPRESURIZACIÓN / IN CASE OF LOSS OF PRESSURE
SARAH MOON HOWE – Betacam / 46’ / 2009 / Bélgica / Belgium
“How do you cope with being told your child has a handicap? The news hits you like a tidal wave,
drains you of your blood. All your dreams shatter in the face of this tragedy that takes over your
life. But, very quickly, these feelings give way to others. In order to stay alive, I filmed what I
experienced with my son and I toured with a dance troop a few days each month, over a period of
two years. If I wanted to help my son, I also had to take care of myself.” – Sarah Moon Howe
DIRECCIÓN, GUIÓN / DIRECTION, SCRIPTΩ Laura Hernández Manonellas
PRODUCCIÓN / PRODUCTION MaríaΩ José Cardona Costa (Canacosmi Produccions)
FOTOGRAFÍA / CINEMATOGRAPHYΩ María José Cardona Costa
MONTAJE / EDITINGΩ Fernando de Juan
SONIDO / SOUNDΩ Arnau Company
DIRECCIÓN, GUIÓN / DIRECTION, SCRIPTΩ Sarah Moon Howe
PRODUCCIÓN / PRODUCTIONΩ Pierre Levie, Françoise Levie, Sofidoc
FOTOGRAFÍA / CINEMATOGRAPHYΩ Kassim Ahmed
MONTAJE / EDITINGΩ Karim Brusseleers
SONIDO / SOUNDΩ Michaël Ferrasson
MÚSICA / MUSICΩ Ad Cominotto, Daan
SOFIDOC
46, rue Colonel Bourg. 1030 Bruselas, Bélgica. Tel. +32 27 050 990. [email protected]
LAURA HERNÁNDEZ MANONELLAS
Freser, 19. 08026 Barcelona, España. Tel. +34 616 929 400. [email protected]
189
HUNKY BLUES: THE AMERICAN DREAM
IN COMPARISON
Fueron cientos de miles los hombres y mujeres húngaros que llegaron a los Estados Unidos
entre 1890 y 1921. Para contar sus historias, Forgács tejió esta epopeya a partir de películas
americanas antiguas, imágenes recicladas, fotografías y entrevistas, una mirada a los difíciles
momentos de la llegada, la integración y la asimilación, que alimentaron la dicha de las
posteriores generaciones y su cumplimiento del sueño americano.
En África, India y Europa se fabrican ladrillos que se utilizan para construir clínicas, orfanatos,
colegios y edificios residenciales. Los ladrillos se moldean, se cuecen o prensan a mano, con
máquinas o con robots. Dependiendo del país donde se producen, se precisa de un trabajador o
de multitud de ellos. El título revela un aspecto clave: Farocki se limita a ofrecer un material
a los espectadores, que tendrán que hacer sus propias comparaciones entre las sociedades
tradicionales, en vías de industrialización e industrializadas.
HUNKY BLUES: EL SUEÑO AMERICANO / HUNKY BLUES. AZ AMERIKAI ÁLOM
PÉTER FORGÁCS – Betacam / 100´ / 2009 / Hungría / Hungary
V. O. HÚNGARO / HUNGARIAN. SUBT. ESPAÑOL, INGLÉS / SPANISH, ENGLISH
190
A documentary exploring the fate of hundred thousands of Hungarian men and women who
arrived to the United States between 1890 and 1921. To tell their sagas, Forgács wove this epic
from early American cinema, found footage, photographs and interviews. The film shows the
difficult moments of arrival, integration and assimilation, which eventually fed the happiness
of the later generations and their fulfillment of the American dream.
EN COMPARACIÓN / ZUM VERGLEICH
HARUN FAROCKI – Betacam / 62´ / 2009 / Austria, Alemania / Austria, Germany
V. O. INGLES / ENGLISH. SUBT. ESPAÑOL / SPANISH
Bricks are manufactured in Africa, India and Europe and used to build clinics, children’s homes,
schools and residential buildings. Bricks are cast, fired or pressed by hands, machines or robots.
Depending on the country of production, this involves a single worker or a large group. The film’s
title communicates a key aspect: Farocki merely offers material to the viewers, who have to make
their own comparisons between traditional, early industrial, and fully industrialized societies.
Premio ARTE de Documental / Documentary ARTE Prize, Duisburger Filmwoche 2009 (Alemania / Germany)
Fuera de concurso / Out of Competition
DIRECCIÓN / DIRECTIONΩ Péter Forgács
PRODUCCIÓN / PRODUCTIONΩ Gábor Kovács
GUIÓN / SCRIPTΩ Péter Forgács, Krisztina Danka
MONTAJE / EDITINGΩ Péter Sass
SONIDO / SOUNDΩTamás Zátnyi
MÚSICA / MUSICΩ János Másik, Károly Cserepes
DIRECCIÓN / DIRECTIONΩ Harun Farocki
PRODUCCIÓN, SONIDO / PRODUCTION, SOUNDΩ Matthias Rajmann
GUIÓN / SCRIPTΩ Harun Farocki, Matthias Rajmann
FOTOGRAFÍA / CINEMATOGRAPHYΩ Ingo Kratisch
MONTAJE / EDITINGΩ Meggie Schneider
FILMPARTNERS LTD.
Hüvösvölgyi út 62. 1021 Budapest, Hungría. Tel. +36 13 914 800. [email protected]
HARUN FAROCKI FILMPRODUKTION
Gietlstr. 7, 81541 Múnich, Alemania. Tel. +49 892 013 547. [email protected]
CINES PRINCESA Sala 9 / Theaters 9
191
JOB AND THE DUTCH FREE STATE
LA DANSE – LE BALLET DE L’OPÉRA DE PARIS
En 1988 conocí a un hombre discretamente excéntrico que vivía en la calle Conrad de Ámsterdam,
donde se alojaban más de cien okupas, en su mayoría artistas. Job era, en mi opinión, el más
auténtico de todos. Después de que la policía desalojara la calle, los okupas desaparecieron.
Solo Job, el “erudito idiota”, se quedó allí. Job parecía vivir ajeno al espacio y al tiempo y, sin
embargo, veía algo en las piedras y en las virutas de madera que nadie más veía.
En su 38.º trabajo, el maestro documentalista Frederick Wiseman centra su atención en una
de las más grandes compañías de ballet del mundo: el Ballet de la Ópera de París. La danse
consagra la mayor parte de su metraje a la observación de hombres y mujeres de extremada
belleza (entre ellos Nicolas Le Riche, Marie-Agnès Gillot y Agnès Letestu), mientras ensayan la
coreografía de Mats Ek, Wayne McGregor, Rudolf Nureyev y Pina Bausch. Ofrece, así mismo, un
delicioso manjar de momentos exquisitos, a cada cual más glorioso, cuya naturaleza efímera
aumenta aún más su valor.
JOB Y EL ESTADO LIBRE DE HOLANDA / JOB EN DE HOLLANDSE VRIJSTRAAT
ROSEMARIE BLANK – Betacam / 47´ / 2009 / Países Bajos / The Netherlands
V. O. HOLANDÉS / DUTCH. SUBT. ESPAÑOL, INGLÉS / SPANISH, ENGLISH
192
In 1988, I met a quietly eccentric man who lived on Conrad Street in Amsterdam. More than
100 squatters lived there, mostly artists. Job was, in my eyes, the most genuine of them all. After
Conrad Street was cleared by the police, the squatters left. Only Job, the “idiot savant”, stayed
behind. Job apparently lived beyond awareness of time and space yet he seemed to see something
in stones and wood chippings that no one else saw.
LA DANZA, EL BALLET DE LA ÓPERA DE PARÍS / LA DANSE, THE PARIS OPERA BALLET
FREDERICK WISEMAN – 35 mm / 159´ / 2009 / Francia, Estados Unidos / France, USA
Documentary master Frederick Wiseman’s 38th film turns his attention to one of the world’s
greatest ballet companies, the Paris Opera Ballet. La danse devotes most of its time to watching
impossibly beautiful young men and women – among them Nicolas Le Riche, Marie-Agnès
Gillot, and Agnès Letestu – rehearsing the choreography of Mats Ek, Wayne McGregor, Rudolf
Nureyev and Pina Bausch. La danse serves up a scrumptious meal of delectable moments, each
more glorious than the last, made even more precious by their fleeting nature.
DIRECCIÓN, GUIÓN, MONTAJE/ DIRECTION, SCRIPT, EDITINGΩ Rosemarie Blank
PRODUCCIÓN / PRODUCTIONΩ Rosemarie Blank (Casa Film)
FOTOGRAFÍA / CINEMATOGRAPHYΩ Rosemarie Blank, Marieken Verheyen
SONIDO / SOUNDΩ Rokus Hofstede, Ingrid Willems, Louis
DIRECCIÓN, GUIÓN / DIRECTION, SCRIPTΩ Frederick Wiseman
PRODUCCIÓN / PRODUCTIONΩ Idéale Audience
FOTOGRAFÍA / CINEMATOGRAPHY Ω John Davey
MONTAJE / EDITINGΩ Gilles Granier
SONIDO / SOUNDΩ Emmanuel Croset
FILMBANK
Vondelpark 3, 1071 AA Ámsterdam, Países Bajos. Tel. +31 207 582 350/351. [email protected]
DOC&FILM
13, rue Portefoin. 75003 París, Francia. Tel. +33 142 775 687. [email protected]
193
LA PAURA
LA QUEMADURA
Filmada íntegramente con un teléfono móvil, muestra imágenes captadas sobre la marcha
por Pippo Delbono, artista italiano conocido sobre todo por su trabajo teatral. Las diversas
secuencias, caracterizadas por la granulosidad típica de estas cámaras en miniatura, dan vida
a una incisiva poesía.
La madre del director se fue de Chile hace 26 años. Ni él ni su hermana la volvieron a ver.
Desapareció en el silencio familiar, en el del padre y de la abuela que los crió. Su único rastro
fue una pequeña biblioteca de la editorial Quimantú, libros prohibidos y quemados bajo la
dictadura militar chilena. Los niños han crecido: él es documentalista; la hermana, archivista.
Ahora van a intentar comprender, reparar, dar un cuerpo a la voz telefónica de la madre, para
terminar con el hechizo del miembro fantasma de la familia.
PIPPO DELBONO – Betacam / 69´ / 2009 / Francia / France
V. O. ITALIANO / ITALIAN. SUBT. ESPAÑOL, INGLÉS / SPANISH, ENGLISH
194
Shot entirely on a mobile phone, it is composed of moments caught “on the fly” by the Italian
actor – better known for his work in theatre – Pippo Delbono. Over the course of these
sequences, with the graininess so characteristic of those miniature cameras, an incisive poetry
develops.
THE BURN
RENÉ BALLESTEROS – Betacam / 65’ / 2009 / Francia, Chile / France, Chile
V. O. ESPAÑOL, FRANCÉS / SPANISH, FRENCH. SUBT. INGLÉS, ESPAÑOL / ENGLISH, SPANISH
The director’s mother left Chile 26 years ago. Neither he nor his sister heard from her
again. She disappeared into family silence, of the father and grandmother who raised
them. The only trace of her was a small collection from the Quimantú publishing
house, books banned and burned during the Chilean dictatorship. The children grown
up – he, a documentary filmmaker, the sister an archivist. Now they are trying to understand,
repair and give a body to the telephone voice of their mother, to put an end to the spell of the
dissapeared member of the family.
DIRECCIÓN, GUIÓN, FOTOGRAFÍA / DIRECTION, SCRIPT, CINEMATOGRAPHYΩ Pippo Delbono
PRODUCCIÓN / PRODUCTIONΩ Agathe Berman (Les Films d’Ici)
MONTAJE, SONIDO / EDITING, SOUNDΩ Benoît Labourdette
DIRECCIÓN, GUIÓN, MÚSICA / DIRECTION, SCRIPT, MUSICΩ René Ballesteros
PRODUCCIÓN / PRODUCTIONΩ Frédéric Papon (Le Fresnoy – Studio National des Arts Contemporains)
FOTOGRAFÍA / CINEMATOGRAPHYΩ Severine Pin, Jacquesaud Loeuille, Enrique Ramírez, René Ballesteros
MONTAJE / EDITINGΩ Catherine Rascon, Marina Meliande, René Ballesteros
SONIDO / SOUNDΩ Marco Burdiles, Yann-Elie Gorans, René Ballesteros
LES FILMS D’ICI
62, Bld Davout, 75020 París, Francia. Tel. +33 14 452 232. [email protected]
LE FRESNOY – STUDIO NATIONAL DES ARTS CONTEMPORAINS
22 rue du Fresnoy, 59000 Tourcoing, Francia. Tel. +33 (0)320 283 800. [email protected]
195
LATINOAMERICANA 2002, JOURNAUX PARALLÈLES
LES RACINES DU BROUILLARD
“En 1951, Ernesto Guevara, joven estudiante de medicina de 23 años, empezó un viaje a través
de América Latina, que determinará su toma de conciencia política y supondrá la matriz de su
futuro revolucionario. En 2001, acompañado de su diario de viaje a modo de guía, emprendí el
mismo viaje, de Buenos Aires a San Pablo de Loreto, en lo más profundo de la selva amazónica
peruana. Íntegramente filmada en Super 8, es una road movie impresionista que nos hace
descubrir otra América Latina. La que sigue creyendo, luchando y pensando de un modo distinto
al modelo neoliberal generalizado…”. Fabrice Castanier
Ali yace moribundo en un hospital de París. Junto a él está Axelle. En 1954, Ali fue condenado a
muerte por los franceses acusado de luchar por la independencia de Argelia. Axelle le conoció
en 1962 en Argel, recién llegada de Francia y en medio de la euforia de la independencia.
Tras la muerte de Ali, ella vuelve al pueblo argelino donde aún vive la mujer de este. Allí,
enfrentada con los signos de su pasado común, escucha las promesas que resuenan a su
alrededor. Una película de Super 8 en blanco y negro relatada a tres voces: la de Axelle, la de
Ali y la de Dounia, la directora.
“In 1951, the young 23 year-old medical student Ernesto Guevara set out on a journey across Latin
America, leading him to a political realization and the matrix for a future revolution. In 2001 I set
out on the same journey with his travel diary as a guide, from Buenos Aires to San Pablo de Loreto
deep in the Peruvian Amazon. Filmed entirely on Super 8, it is an impressionist road movie that
portrays another Latin America. The one that continues growing, fighting and thinking about a way
that is different from the generalized neo-liberal model.” – Fabrice Castanier
Ali is dying in a hospital in Paris and Axelle is next to him. In 1954, Ali was condemned to death
by the French because of his fight for Algeria’s independence. In 1962, Axelle who just arrived
from France, met him in Algiers in the context of the euphoria of the independence. After Ali’s
death, Axelle goes back to the Algerian village where Ali’s wife still lives. There, faced with the
signs of their common past, she listens to the echoing promises around her. A Super-8 black
and white film told in three voices (Axelle, Ali and Dounia, the director).
LATINOAMERICANA 2002, DIARIOS PARALELOS / LATINOAMERICANA 2002, PARALLEL DIARIES
FABRICE CASTANIER – Betacam / 197´ / 2009 / Francia / France
196
LAS RAÍCES DE LA NIEBLA / IF FOG HAD ROOTS
DOUNIA BOVET-WOLTÈCHE – Betacam / 54´ / 2009 / Bélgica / Belgium
Mención Especial / Special Mention, FID Marseille (Francia / France, 2009)
DIRECCIÓN, GUIÓN, FOTOGRAFÍA / DIRECTION, SCRIPT, CINEMATOGRAPHYΩ Fabrice Castanier
PRODUCCIÓN / PRODUCTIONΩ Etienne Chambolle (Flight Movie)
MONTAJE / EDITINGΩ Fabrice Castanier, Valérie Brégaint
SONIDO / SOUNDΩ Daniel Sobrino
MÚSICA / MUSICΩ Bettina Kee, Emiliano Turi
LOCUCIÓN / VOICEΩ Miguel Benasayag
DIRECCIÓN, GUIÓN, FOTOGRAFÍA / DIRECTION, SCRIPT, CINEMATOGRAPHYΩ Dounia Bovet-Woltèche
PRODUCCIÓN / PRODUCTIONΩ Aurelien Bodinaux (Neon Rouge Production)
MONTAJE / EDITINGΩ Mathias Bouffier
SONIDO / SOUNDΩ Alexandre Davidson
LOCUCIÓN / VOICEΩ Axelle Woltèche
FLIGHT MOVIE PRODUCTION
14 rue Charles V. 75004 París, Francia. Tel. + 33 (0)142 711 976. [email protected]
NEON ROUGE PRODUCTION
3 Petite rue des Secours. 1030 Bruselas, Bélgica. Tel. +32 22 193 575. [email protected]
CINES PRINCESA Salas 7 y 9 / Theater 7 and 9
197
MULHERES XAVANTE SEM NOME
PRETAROUCA – TEMOS QUE IR COM OS TEMPOS
Desde 2002, Divino Tserewahú intenta producir una película sobre el ritual de iniciación
femenino, que ya no se practica en ninguna otra aldea xavante. Sin embargo, hasta el momento,
todos los intentos han sido interrumpidos. Asistimos a un debate entre jóvenes y viejos sobre
las dificultades y resistencias que se presentan a la hora de llevar a cabo la celebración.
Durante dos años, seguimos la construcción de una presa que suministrará agua a los pueblos
vecinos y observamos su influencia en la vida de los habitantes de un aislado pueblecito de
montaña, donde el trabajo rural sigue girando en torno a los animales.
MUJERES XAVANTE SIN NOMBRE / UNNAMED XAVANTE WOMEN
TIAGO CAMPOS TORRES, DIVINO TSEREWAHÚ – Betacam / 56´ / 2009 / Brasil / Brazil
V. O. XAVANTE, PORTUGUÉS / XAVANTE, PORTUGUESE. SUBT. ESPAÑOL, INGLÉS / SPANISH, ENGLISH
198
Since 2002, Divino Tserewahú has been trying to produce a film about the Xavante female
initiation ritual, which is no longer performed in any other Xavante village. But since 2002,
all the attempts have been interrupted. We witness young and elder people debate about the
difficulties and resistance to carry out this celebration.
PRETAROUCA: TENEMOS QUE IR CON LOS TIEMPOS / PRETAROUCA – WE HAVE TO GO WITH THE TIMES
JOSÉ COSTA BARBOSA – Betacam / 84´ / 2009 / Portugal
V. O. PORTUGUÉS / PORTUGUESE. SUBT. ESPAÑOL, INGLÉS / SPANISH, ENGLISH
For two years, we follow the construction of a dam for supplying water to neighboring villages
and the influence it has on the livelihood of the inhabitants of an isolated mountain village,
where rural work still relies on animals.
DIRECCIÓN, FOTOGRAFÍA, SONIDO / DIRECTION, CINEMATOGRAPHY, SOUNDΩTiago Campos Torres, Divino
Tserewahú
PRODUCCIÓN / PRODUCTIONΩVídeo nas Aldeias
GUIÓN / SCRIPTΩTiago Campos Torres, Vincent Carelli, Amandine Goisbault, Divino Tserewahú
MONTAJE / EDITINGΩTiago Campos Torres
LOCUCIÓN / VOICEΩ Divino Tserewahú
VÍDEO NAS ALDEIAS
Rua de Sao Francisco, 162. Carmo 53120-070, Pernambuco, Brasil. Tel. +55 8 134 933 063.
[email protected]
DIRECCIÓN, GUIÓN, FOTOGRAFÍA / DIRECTION, SCRIPT, CINEMATOGRAPHYΩ José Costa Barbosa
PRODUCCIÓN / PRODUCTIONΩ Paula Duarte
MONTAJE / EDITINGΩ Alexandra Oliveira
SONIDO / SOUNDΩVasco Duarte
JOSÉ COSTA BARBOSA
R. Ribeiro da Silva Lote 1049. 1685-721 Famões, Odivelas, Portugal. Tel. +35 1 919 355 098. [email protected]
199
RUPI DEL VINO
TABOU
“Cinco son los motivos para beber: la llegada de un amigo, la excelencia del vino, la sed
presente y la que vendrá, y cualquier otro”. Ermanno Olmi vuelve al cine documental y recorre
valles, rocas vivientes y la cultura de las laderas de la Valtellina.
Thomas tiene 20 años. A la edad en la que otros están empezando su vida, él ha decidido acabar
con ella. Apasionado del cine, filma sus últimos meses y se sincera ante la cámara. Un legado
que dejará a su amiga de la infancia, Orane Burri. Diez años después, convertida en cineasta,
esta se atreve a sumergirse de nuevo en las imágenes de Thomas; para romper un tabú…
ROCAS DEL VINO / WINE’S ROCKS
ERMANNO OLMI – Betacam / 53´ / 2009 / Italia / Italy
200
“There are five reasons for drinking: a friend’s arrival, the excellence of the wine, present and
future thirst, and whatever else you care to add”. Ermanno Olmi has returned to documentary
filmmaking and makes a journey through valleys, living rocks and the culture of the Valtellina
hillsides.
TABÚ / TABOO
ORANE BURRI – Betacam / 52´ / 2009 / Francia / France
Thomas is 20. At the age where others are just beginning their life, he has decided to end
his. Passionate about films, he films the last months of his life, revealing himself in front of
the camera. He will leave this legacy to a childhood friend, Orane Burri. Ten years later as a
filmmaker, she dares to plunge into the images left by Thomas. To break a taboo…
DIRECCIÓN, GUIÓN / DIRECTION, SCRIPTΩ Ermanno Olmi
PRODUCCIÓN / PRODUCTIONΩ Banca Popolare di Sondrio, Fondazione Provinea Onlus, Ipotesi Cinema SRL
FOTOGRAFÍA / CINEMATOGRAPHYΩ Massimiliano Pantucci
MONTAJE / EDITINGΩ Paolo Cottignola, Federica Ravera
SONIDO / SOUNDΩ Francesco Liotard
DIRECCIÓN, GUIÓN / DIRECTION, SCRIPTΩ Orane Burri
PRODUCCIÓN / PRODUCTIONΩ Jean-Michel Carré (Les Films Grain de Sable)
FOTOGRAFÍA / CINEMATOGRAPHYΩ Julien Roussiaux, Orane Burri
MONTAJE / EDITINGΩ Alexis Even
SONIDO / SOUNDΩ Julien Roussiaux, Orane Burri
MÚSICA / MUSICΩ Mathieu Paolini, Julien Goutte-Broze
VIVIANA RONZITTI. KINORAMA SAS
Via Domenichino 4. 00184 Roma, Italia. Tel. +39 333 239 341. [email protected]. www.kinoweb.it
LES FILMS GRAIN DE SABLE
206 rue de Charenton, 75012 París, Francia. Tel. +33 143 441 672. [email protected]
201
THE WOOD FLOATERS
VIDEOMAPPINGS: AIDA, PALESTINE
Un grupo de leñadores tala árboles en los fríos bosques del norte de la región rusa de Kostroma,
a unos 800 kilómetros de Moscú. Para primavera ya habrá 36 enormes balsas construidas. A
finales de abril, la nieve se habrá derretido y sus tripulantes podrán llevárselas. Estos hombres
que flotan sobre maderas son los héroes de la película. Construyen balsas grandes y pequeñas
y emprenden su viaje por el agua.
En algún lugar en medio de una maraña de fronteras, un campo de refugiados. Gente atrapada
en una situación que se vuelve cada día más absurda, intentando llevar una vida humana, con
coraje, astucia e incluso humor. No vemos sus caras, no vemos los lugares de los que hablan;
sin embargo, somos partícipes de su experiencia personal, mientras seguimos, línea a línea,
los mapas que dibujan para mostrar la complejidad de lo que les rodea.
Wood-cutting team fell trees in the cold in the northern woods of Russian Kostroma region, 800
kilometers from Moscow. 36 huge rafts are made by the springtime. The snow must vanish by
the end of April and wood floaters will be able to take these rafts away then. Wood floaters are
the heroes of the film. They prepare small and big rafts and begin their trip on the water.
Somewhere, in the middle of a tangle of borders: a refugee camp. People caught in a situation
that becomes more absurd every day. Just trying to live a human life. With courage, with
craftiness, with humour too. We don’t see their faces. We don’t see the places they talk about.
Yet we are projected closely into their intimate experience, while following line by line the maps
they are drawing to represent the complexity of what surrounds them.
LOS QUE FLOTAN SOBRE MADERAS / PLOTOGONI’
KIRILL MAKARENKOV – Betacam / 109´ / 2009 / Rusia / Russia
202
VIDEOCARTOGRAFÍAS: AIDA, PALESTINA
TILL ROESKENS – Betacam / 46´ / 2009 / Francia / France
Gran Premio (Competición Francesa) / Grand Prix (French Competition), FID Marseille (Francia / France, 2009)
DIRECCIÓN, PRODUCCIÓN, GUIÓN / DIRECTION, PRODUCTION, SCRIPTΩ Kirill Makarenkov
FOTOGRAFÍA / CINEMATOGRAPHYΩ Alexey Gorbatov
MONTAJE / EDITINGΩ Gleb Sereda
SONIDO / SOUNDΩ Alexey Lukashevich
MÚSICA / MUSICΩ Alexey Ostrogor
KIRILL MAKARENKOV
B. Filiovskaya St., 55-2-36. 121433 Moscú, Rusia. Tel. +7 4 991 461 763. [email protected]
TILL ROESKENS
24 rue des Muettes. 13002 Marsella, Francia. Tel. +33 66 476 755. [email protected]
Domingo 9, 19:30 h, y martes 11, 17:00 h / Sunday 9th, 7:30 pm, and Tuesday 11th, 5:00 pm
CINEMATOGRAPHY, EDITING, SOUNDΩTill Roeskens
203
CREACIÓN DOCUMENTAL: LARGOMETRAJES
BIOFILMOGRAFÍAS
ORIGINAL DOCUMENTARY: FULL-LENGTH FILMS. BIOFILMOGRAPHIES
RENÉ BALLESTEROS la quemadura
Nació en Temuco, al sur de Chile. Es psicólogo, especializado en el trabajo
con niños de la calle, y músico. Ha realizado estudios de cine en la EICTV
(Cuba) y en la Université Paris VIII (Francia). Actualmente es residente en Le
Fresnoy, Studio National des Arts Contemporains (Tourcoing, Francia).
Ω
Born in Temuco, southern Chile. He is both a psychologist specializing in working with
children living on the street, as well as a musician. He did his film studies at the EICTV
(Cuba) and at the Université Paris VIII (France). He is currently residing in Le Fresnoy,
Studio National des Arts Contemporains (Tourcoing, France).
204
FILMOGRAFÍA FILMOGRAPHY Las estrellas (2008).
ROSEMARIE BLANK job and the dutch free state
Estudió en la Academia de Arte de Berlín y vive en Ámsterdam desde 1978.
Ha sido miembro del Amsterdam Stadsjournaal, una productora holandesa
fundada por cineastas, periodistas y académicos. En la actualidad dirige
documentales, cortometrajes y largometrajes. Su película Crossing
Borders obtuvo un Becerro de Oro en 1994.
Ω
She studied at the Art Academy in Berlin and has been living in Amsterdam since
1978. She worked at the Amsterdam Stadsjournaal, a Dutch production initiative of
filmmakers, journalists and academics. She makes documentaries, short films and
feature films. Her film Crossing Borders was awarded a Golden Calf in 1994.
FILMOGRAFÍA FILMOGRAPHY Job And The Dutch Free State (2009), Schattenpaar
(2006), The Comedians (2004), Almost Real Life (2003), Now Boarding (2001), Vaarwel
Pavel (1999), Crossing Borders (1994), Transit Levantkade (1991), The Ants (1987), Divided
Earth (1985), Living With A Rubbish Heap (1982).
LUCÍA-MILENA BONSE avenida argentina
Desde 2001 estudió en el Departamento de Cine y Televisión Documental
de la Universidad de Múnich. Entre 2005 y 2006 estudió en la Universidad
del Cine de Buenos Aires, donde realizó numerosos cortometrajes
documentales y participó en varios proyectos Mitarbeit. Se licenció en
2009 con Avenida Argentina.
Ω
205
ORIGINAL DOCUMENTARY: FULL-LENGTH FILMS BIOFILMOGRAPHIES
BIOFILMOGRAFÍAS CREACIÓN DOCUMENTAL: LARGOMETRAJES
She started her studies in the Department of Documentary Television and Film at the
University of Munich. Between 2005 and 2006 she studied at the Film University of
Buenos Aires, where she made numerous documentary short films and participated
on several Mitarbeit projects. She graduated in 2009 with the film Avenida Argentina.
FILMOGRAFÍA FILMOGRAPHY Berlinaletaxi (2008), Bob Jones University (2007),
Königsblau (2004), Nahostkonflikt Ganz Nah (2003), Die Münchner Freiheit (2002).
DOUNIA BOVET-WOLTÈCHE les racines du brouillard
Realizadora belga nacida en Saoula (Tipaza), Argelia, en 1980. En 1997
obtuvo el Diploma de Estudios Avanzados en Arte y Literatura, especialidad
de Cine, por la Universidad de Aix-en-Provence. Entre 1997 y 2002, estudió
en el Institut National Supérieur des Arts du Spectacle et des Techniques
de Diffusion de Bruselas. Entre 2000 y 2001 trabajó en su proyecto
documental de licenciatura, Murs, una historia sobre la migración entre Rumanía y
Bélgica, que fue seleccionado en el festival Songe d’une Nuit DV de París. En 2003
asumió la dirección de producción de La musique, de Cedric LeRoy.
Ω
206
Belgian director born in Saoula (Tipaza), Algeria in 1980. In 1997 she got a Advanced
Studies Diploma in Art and Literature with a specialization in Film from the University of
Aix-en-Provence. Between 1997 and 2002, she studied at the Institut National Supérior
des Arts du Spectacle et des Techniques de Diffusion in Brussels. Between 2000 and
2001 she worked on her final documentary project Murs, a story about migration between
Romania and Belgium, which was selected at the Songe d’une Nuit DV Festival of Paris.
In 2003 she worked as Production Manager on the film La musique, by Cedric LeRoy.
FILMOGRAFÍA FILMOGRAPHY Murs (2001); Tant qu’on est là Nostalghia, Un tram (19972001).
ORANE BURRI tabou
Esta joven directora se licenció en el Instituto Internacional de Imagen y
Sonido (Francia) en 2004. Dirige documentales, vídeos artísticos y películas
de ficción. Grain de Sable produce su primer documental, Tabou, con la
colaboración de RITA Productions y los canales de televisión RTBF y TSR.
Ω
She is a young director who graduated in 2004 from the International Image and Sound
Institute (France). She directs documentaries as well as art video and fiction films. The
Grain de Sable production company produces her first documentary, Tabou, with the
help of RITA Productions, and the television channels RTBF and TSR.
FILMOGRAFÍA FILMOGRAPHY Armes fatales (en producción / in production), Humour
et confidences (2005).
TIAGO CAMPOS TORRES, DIVINO TSEREWAHÚ mulheres
Ω
xavante sem nome
Tiago Campos Torres nació en Belo Horizonte en 1982,
donde vivió hasta los 15 años, edad a la que se trasladó a
Brasilia para comenzar sus estudios de Antropología en la
UNB. Terminó sus estudios en 2008 con una monografía
sobre antropología visual comparada. Junto a Ernesto de Carvalho y Francisco
Nogueira creó el colectivo de producción cinematográfica Zumbayllu, desde el que
dirigió el documental No palácio da rainha. Inspirados por la videocarta Das crianças
Ikpeng para o mundo, de los talleres de “Vídeo nas aldeias”, Tiago y Ernesto llevaron
a cabo un taller de vídeo para un grupo de niños de Brasilia, como resultado del cual
realizaron la película Procurando Aroldo. Desde 2006 trabaja con “Vídeo nas aldeias”
impartiendo talleres de realización, edición (Ashaninka, Guarani, Kisedje, Xavante) y,
sobre todo, editando y finalizando películas. En 2009 finalizó su primera película con
Divino Tserewahú, Mulheres xavante sem nome, que ha sido incluida en el DVD Xavante
de la Colección Cineastas Indígenas.
Divino Tserewahú nació en 1974 en la aldea xavante de Sangradouro (municipio de
Gomes Carneiro, Mato Grosso). Desde 1990, continúa el trabajo comenzado por su
hermano, grabando, sobre todo, ceremonias para el público de la aldea. Ha formado
parte del equipo de Programa de Índio, y en sus primeros trabajos para el público
xavante, Obrigado irmão, Divino narra su iniciación como videasta: “Filmar es mi
profesión, nací para dedicarme a ello, no para talar árboles o para sembrar el campo.
Eso le digo siempre a mi mujer”. Dirigió el equipo de realizadores indígenas de
Wapté Mnhõnõ. A Iiniciação do jovem xavante, película premiada en varios festivales.
Además, ha realizado dos documentales sobre los rituales de iniciación xavante, Wai’a
Rini. O poder do sonho (2001) y Daritidzé. Aprendiz de curador (2003). En 2002 realizó
un reportaje sobre los indios makuxi, Vamos à luta! Actualmente, Divino, que también
edita sus propias películas, está terminando Abareu, una nueva versión de la reciente
iniciación de los wapté, y está grabando la última pieza de su trilogía: un ritual de
iniciación femenina.
Tiago Campos Torres was born in Belo Horizonte in 1982, where he lived until he was 15,
which was when he moved to Brasilia to start his Anthropology studies at the UNB. He
finished his studies in 2008 with a paper on comparative visual anthropology. Along with
Ernesto de Carvalho and Francisco Nogueira, he created the film production collective
Zumbayllu, with which he directed the documentary No palácio da rainha. Inspired by the
video-letter Das crianças Ikpeng para o mundo from the Vídeo nas Aldeias workshops,
Tiago and Ernesto did a video workshop for a group of children from Brasilia. As a result
of that workshop, they made the film Procurando Aroldo. Since 2006 they have been
working with Vídeo nas Aldeias in leading workshops on directing, editing (Ashaninka,
Guarani, Kisedje, Xavante) and especially in editing and completing films. In 2009 they
finished their first film with Divino Tserewahú, Mulheres xavante sem nome, which has
been included in the Xavante DVD in the collection Cineastas Indígenas.
Divino Tserewahú was born in 1974 in the Xavante village of Sangradouro (municipality
of Gomes Carneiro, Mato Grosso). Since 1990, he has continued the work begun by his
brother of recording ceremonies for the public of the village. He was on the team of
Programa de Índio and on its early work for the Xavante public, Obrigado irmão, Divino
tells about his beginnings as a videographer. “Filming is my profession; I was born to do
this, and not for cutting down trees or working in the fields. That is what I always tell my
wife.” He directed the team of indigenous filmmakers on Wapté Mnhõnõ. A iniciação do
jovem xavante, an award-winning film at several festivals. In addition, he has made two
documentaries about the Xavante initiation ritual Wai’a Rini. O poder do sonho (2001) and
Daritidzé. Aprendiz de curador (2003). In 2002 he made a report on the Makuxi Indians,
207
Vamos à Luta! Divino is currently also editing his own films, finishing Abareu, a new
version of the recent intitation of the Wapté, and filming the last installment of his
trilogy: a female intitiation ritual.
FILMOGRAFÍA FILMOGRAPHY Tiago Campos Torres: Tsõ’rehipãri. Sangradouro (2009),
No palacio da rainha (2007). Divino Tserewahú: Tsõ’rehipãri. Sangradouro (2009), Daritizé.
Aprendiz de curador (2003), Vamos à luta! (2002), Wai’a Rini. O poder do sonho (2001), Wapté
Mnhõnõ. A iniciação do jovem xavante (1999), Hepari Idub’rada. Obrigado irmão (1998).
FABRICE CASTANIER latinoamericana 2002, journaux parallèles
Nacido en París (Francia) en 1969, tras diplomarse en Ciencias Políticas
y cursar un máster en Cinematografía en la Universidad de la Sorbona
(París) comenzó su labor como director de cine de ficción con la realización
de los cortometrajes Mort Dorée y Omaha Beach. A partir de 1998 comenzó
a interesarse por el documental político y social y realizó May Be Peace,
una película sobre el fin del conflicto civil en Irlanda del Norte. Entre 2000 y 2004 realizó
una serie de documentales sobre el sida para Médicos Sin Fronteras, así como varios
documentales musicales para la televisión pública francesa y la televisión por cable.
Ω
208
Born in Paris (France) in 1969, after graduating in Political Science and doing a Masters
in Cinematography at the University of the Sorbonne (Paris), he started working as a
fiction film director with the short films Mort Dorée and Omaha Beach. In 1998 he started
taking an interest in social and political documentary film and made May Be Peace, a
film about the end of the civil conflict in Northern Ireland. Between 2000 and 2004 he
made a documentary series about AIDS for Doctors Without Borders, in addition to
several music documentary for public French television and cable television. FILMOGRAFÍA FILMOGRAPHY Conexión francesa (2008), Ir y venir (2005), Yo soy salsa
(2004), ARV... et après? (2004), Chantier Sida (2001), Craintes et Engagements (2001),
Omaha Beach (2000), May Be Peace (1998), Mort Dorée (1996), Le Cri du Cochon (1995).
JOSÉ COSTA BARBOSA pretarouca – temos que ir com os tempos
Ha trabajado más de 25 años como fotógrafo, en el campo del documental.
Ha realizado un Máster en Estudios sobre Cine en la Universidade Lusófona
de Humanidades e Tecnologias. Este es su primer largometraje.
Ω
He has worked as a photographer for more than 25 years, specifically in
the the field of documentary film. He did a Masters in Film Studies at the Universidade
Lusófona de Humanidades e Tecnologias. This is his first feature film.
PIPPO DELBONO la paura
Autor, director y bailarín, es uno de los artistas de teatro más originales
y menos convencionales de Italia. Sus estudios teatrales comenzaron en
una escuela tradicional, que abandonó cuando conoció al actor argentino
Pepe Robledo, que huía de la dictadura en su país. En los ochenta, Delbono
se trasladó a Dinamarca, donde estudió las técnicas de la danza oriental
siguiendo un entrenamiento que continuaría desarrollando en sucesivos viajes a la
India, China y Bali. En 1985 comenzó a trabajar en su primer montaje, Il tempo degli
assassini, en el que definió el personal lenguaje teatral que caracteriza sus trabajos.
Fue entonces cuando conoció a Pina Bausch y tomó parte en una de sus creaciones
Tanztheater. La rabbia, un homenaje a Pier Paolo Passolini estrenado en 1995, deja
entrever los comienzos de un teatro técnico que sería perfeccionado en Barboni,
ganadora del Premio Especial Ubu en 1997 “por la investigación sobre la intersección
del arte y la vida” y el Premio de la Crítica en 1998. Entre otros trabajos, creó Guerra
y Esodo con decorados de inspiración cubista. En estas representaciones, Delbono
continuó su exploración personal y artística con su compañía, en la que dio cabida a
artistas procedentes de distintos ámbitos.
Writer, director and dancer, he is one of the most original and unconventional theater
artists in Italy. His theater studies began at a traditional school, which he left when he
met the Argentinean actor Pepe Robledo as he was fleeing his country’s dictatorship.
In the eighties Delbono moved to Denmark, where he studied the techniques of oriental
dance, a kind of training he would continue to develop on successive trips to India,
China and Bali. In 1985 he started working on his first stage production, Il tempo degli
assassini, in which he developed the personal theater language that characterizes his
work. Then Pippo Delbono met Pina Bausch and took part on one of her Tanztheater
creations. La rabbia, a tribute to Pier paolo Passolini, premiered in 1995 and hinted at
the beginnings of a technical theater that would be perfected with Barboni, the winner
of the Special Ubu Award in 1997 “for researching the intersection of art and life”,
and the Critics’ Award in 1998. Among other work, he created Guerra and Esodo, with
Cubist inspired set designs. With these performances, Delbono continued his personal
and artistic explorations with his company, which brings together artists from different
disciplines.
FILMOGRAFÍA FILMOGRAPHY Blue sofa (2009), Questo buio feroce (2008), Grido (2006),
Guerra (2003), L’India che danza (1993).
HARUN FAROCKI in comparison
Nació en 1944 en Nový Jicin (Neutitschein), en la Checoslovaquia
anexionada por Alemania. Entre 1966 y 1968 estudió en la German Film
and Television Academy de Berlín oeste. Entre 1974 y 1984 fue editor de
la revista Filmkritik de Múnich y entre 1993 y 1999 fue profesor visitante
en la Universidad de California, Berkeley. Desde 1996 ha realizado más
de cien producciones para la televisión y el cine que incluyen televisión para niños,
documentales, ensayos fílmicos y películas narrativas. Asimismo, ha realizado
numerosas exposiciones individuales y colectivas en museos y galerías. En 2007
participó en la XII edición de la Documenta de Kassel con Deep Play. En 2004 fue recibido
como profesor invitado en la Academia de Bellas Artes de Viena, donde trabaja como
titular desde 2006. En 2008, Documenta Madrid dedicó una retrospectiva a su obra.
Ω
Ω
Born in 1944 in Nový Jicin (Neutitschein) in the Czechoslovakia annexed by Germany.
Between 1966 and 1968, he studied at the German Film and Television Academy in West
Berlin. From 1974 to 1984 he was the editor of the magazine Filmkritik in Munich and
between 1993 and 1999 he was a visiting professor at the University of California, Berkeley.
Since 1996 he has made over one hundred productions for television and cinema, including
TV programs for children, documentaries, film essays and narrative films. Likewise he
has done numerous individual and collective exhibitions in museums and galleries. In
2007 he participated in Documenta 12 in Kassel with Deep Play. In 2004 he was received
209
as a guest professor at the Academy of Fine Arts of Vienna, where he has been working
since 2006. In 2008, Documenta Madrid devoted a retrospective to his work.
210
FILMOGRAFÍA FILMOGRAPHY Zum Vergleich (2009), Übertragung (2008), Aufschub
(2007), Memories (2007), Nicht ohne Risiko (2004), Erkennen und verfolgen (2003), Auge/
Maschine III (TV, 2003), Auge/Maschine II (TV, 2002), Auge/Maschine (TV, 2001), Die
Schöpfer der Einkaufswelten (TV, 2001), Gefängnisbilder (2000), Ich glaubte Gefangene
zu sehen (2000), Worte und Spiele (1998), Der Ausdruck der Hände (1997), Stilleben
(1997), Der Auftritt (1996), Die Bewerbung (TV, 1996), Arbeiter verlassen die Fabrik (1995),
Schnittstelle (1995), Die Umschulung (TV, 1994), Die führende Rolle (1994) (TV), Ein Tag
im Leben der Endverbraucher (1993), Kamera und Wirklichkeit (TV, 1992), Videogramme
einer Revolution (1992), Was ist los? (TV, 1991) (TV), Kinostadt Paris (1990), Leben – BRD
(1990), Bilder der Welt und Inschrift des Krieges (1989), Image und Umsatz oder: Wie kann
man einen Schuh darstellen? (1989), Georg K. Glaser – Schriftsteller und Schmied (TV,
1988), Bilderkrieg (TV, 1987), Die Menschen stehen vorwärts in den Straßen (TV, 1987), Die
Schulung (TV, 1987), Schlagworte-Schlagbilder. Ein Gespräch mit Vilem Flusser (1986),
Wie man sieht (TV, 1986), Betrogen (1985), Peter Lorre – Das doppelte Gesicht (1984),
Jean-Marie Straub und Danièle Huillet bei der Arbeit an einem Film (1983), Ein Bild (TV,
1983), Stadtbild (TV, 1981), Etwas wird sichtbar (1981), Single – Eine Schallplatte wird
produziert (TV, 1980), Zur Ansicht: Peter Weiss (TV, 1979), Der Geschmack des Lebens
(TV, 1979), Industrie und Fotografie (TV, 1979), Zwischen zwei Kriegen (1978), Ein Bild von
Sarah Schumann (TV, 1978), Die Schlacht – Szenen aus Deutschland (TV, 1976), Erzählen
(TV, 1975), Die Arbeit mit Bildern (TV, 1974), Make Up (TV, 1973), Brunner ist dran (TV,
1973), Einmal wirst auch Du mich lieben (TV, 1973), Die Sprache der Revolution (TV, 1972),
Remember Tomorrow Is the First Day in the Rest of Your Life (TV, 1972), Eine Sache, die
sich versteht (1971), Die Teilung aller Tage (TV, 1970), Die Worte des Vorsitzenden (1969),
Nicht löschbares Feuer (1969), Nixon kommt nach Berlin (1969), Wie nimmt man einem
Polizisten den Helm ab (1969), Die rote Fahne (1968), Drei Schüsse auf Rudi (1968), Ihre
Zeitungen (1968), White Christmas (1968), Der Wahlhelfer (1967), Zwei Wege (TV, 1966),
Jeder ein Berliner Kindl (1966).
PÉTER FORGÁCS hunky blues. the american dream
Nacido en 1950, es un artista multimedia y director independiente afincado
en Budapest. Desde 1978 ha hecho más de treinta películas, entre las que
destaca la premiada serie Private Hungary, basada en películas domésticas
realizadas por cineastas amateur entre 1920 y 1980, que documentan
vidas corrientes truncadas por un trauma histórico que sucede fuera de
campo. Forgács empezó a estudiar en la Academia Húngara de Arte en 1971, pero fue
expulsado ese mismo año. En 1976 empezó a hacer exposiciones de fotografía y artes
gráficas en la escena artística underground de Budapest. Su carrera como director de
cine independiente arrancó en el estudio Béla Balázs de Budapest en 1978, año en el
que también iniciaría su trabajo musical (hasta 1986) con el grupo 180-as Csoport. Desde
principios de los 90, sus trabajos se han exhibido en museos y galerías de Europa y
América. Forgács obtuvo el reconocimiento internacional con su película The Bartos
Family en el Festival Internacional de Vídeo de La Haya de 1988. En 2007 la fundación
holandesa Praemium Erasmianum le otorgó el Premio Erasmus.
Ω
Born in 1950, he is a Budapest-based media artist and independent filmmaker whose
works have been exhibited worldwide. Since 1978 he has made more than thirty
films, the best-known of which is the prize-winning series Private Hungary, based on
home movies from the 1920s and 1980s documenting ordinary lives that were soon
to be ruptured by an historical trauma that occurs off screen. Forgács begun his
studies at the Hungarian Academy of Art in 1971, but was dismissed from the course
in the same year. He started doing photo exhibitions, graphics and performance
in the Budapest underground art scene by 1976. As independent filmmaker, Forgács
started working at the Béla Balázs Film Studio, Budapest, in 1978 and, at the
same time (1978-1986) he worked in the contemporary music ensemble 180-as
Csoport. Since the early 1990s his works have been presented at museums and
art galleries throughout Europe and America. Forgács first gained international
recognition with The Bartos Family film in 1988 at the World Wide Video Festival –
The Hague. In 2007 he was awarded the Erasmus Prize by the Dutch Praemium
Erasmianum Foundation.
FILMOGRAFÍA FILMOGRAPHY Video Active (2009), I am Von Höfler. Variation on Werther –
Private Hungary 15 (2008), Own Death (2007), Miss Universe 1929. Lisl Goldarbeiter, a Queen
in Wien (2006), El Perro Negro. Stories from the Spanish Civil War (2005), Mutual Analysis
(2004), Do you really love me? The Hungaryan installation video (2002), The Bishop’s Garden
– Private Hungary 14 (2002), A Bibó Reader – Private Hungary 13 (2001), Angelos’ Film
(1999), The Danube Exodus (1998), The Maelstrom – A Family Chronicle (1997), Kádár’s
Kiss – Private Hungary 12 (1997), Class Lot – Private Hungary 11 (1997), Free Fall – Private
Hungary 10 (1996), Pauer Pseudo (1996), The Land of Nothing – Private Hungary 9 (1996),
Meanwhile Somewhere… 1940-1943. An Unknown War series 5/3 (1994), The Notes of a
Lady – Private Hungary 8 (1994), Simply Happy (codirigida con / co-directed with Albert
Wulffers) (1993), Culture Shavings (1993), Wittgeinstein Tractatus – 7 Video Paragraph
(1992), Arizona Diary (codirigida con el poeta / co-directed with the poet György Petri) –
Private Hungary 6 (1992), D-film – Private Hungary 5 (1992), Bourgeois Dictionary – Private
Hungary 7 (1992), Márai Herbal – FMS Interlude series (1991), The Diary of Mr. N. – Private
Hungary 4 (1990), Either-Or – Private Hungary 3 (1989), Dusi & Jen´
o´ – Private Hungary 2
(1988), The Bartos Family – Private Hungary 1 (1988), Episodes from the Life of Professor
F.M. – Ferenc Mérei portrait film (1987), The Portrait of Leopold Szondi (1986), Spinoza
Rückwertz (1985), Golden Age (performance realizada con / performance piece with Iron
Age) (1985), Iron Age (performance realizada con / performance piece with Golden Age)
(1985), I See That I Look (1978).
ALEXANDER GUTMAN 17 august
Productor, director y operador de cámara ruso. En 1968 se licenció por
la Universidad Politécnica de San Petersburgo y en 1978 por el Instituto
de Cinematografía de Moscú. Desde 1971 ha trabajado como director,
operador de cámara, guionista y productor para Yleisradio (Helsinki,
Finlandia), Atelier-Film-Alexander (AFA, San Pertersburgo), en el
estudio Nerve de Moscú y en el Estudio Leningrado de Cine Documental, en San
Petersburgo. Entre 1978 y 2004 ha trabajado como profesor de la Universidad de Cine
y Televisión de San Petersburgo, es miembro de la Academia del Cine de Rusia (NIKA)
y ha participado como jurado en varios festivales, como el Karlovy Vary, el Planet Doc
Review de Varsovia (Polonia). En 2006 y en 2007 fue presidente del jurado del festival
de cine Window to Europa de Rusia y del Festival de Cine Documental de Kracovia,
respectivamente. Es miembro de la European Film Academy.
Ω
211
Russian producer, director and camera operator. In 1968 he graduated from the
Polytechnic University of St. Petersburg and in 1978 from the Film Institute of Moscow.
Since 1971 he has worked as a director, camera operator, screenwriter and producer
for Yleisradio (Helsinki, Finland), Atelier-Film-Alexander (AFA, St. Petersburg), in the
Nerve studio in Moscow and in the Leningrad Documentary Studio in St. Petersburg.
Between 1978 and 2004 he worked as a professor at the University of Film and Television
in St. Petersburg and is a member of the Film Academy of Russia (NIKA) and he has
participated on the jury at several festivals, such as Karlovy Vary, the Planet Doc Review
of Warsaw (Poland). In 2006 and 2007 he was president of the jury for the film festival
Window to Europe of Russia and the Documentary Film Festival of Kracow respectively.
He is a member of the European Film Academy.
FILMOGRAFÍA FILMOGRAPHY Scythian Suite (2007), In Search of Happiness (2006),
Frescoes (2005), Journey Back to Youth (2003), Swinging into Russia (2000), Three Days and
Never Again (2000), Brubeck Returns to Moscow (1998), Up to the Neck or Bodybuilding
(1996).
LAURA HERNÁNDEZ MANONELLAS el sueño del baobab
Nacida en Barcelona, estudió Bellas Artes y Dirección Cinematográfica en
el Centro de Estudios Cinematográficos de Cataluña. Más tarde, realizó un
curso intensivo de guión, un curso de guión documental y una introducción
al montaje con Adobe Premiere. En 1998 comenzó a trabajar como script.
En 1999 escribió y dirigió el cortometraje Un globo en el armario, distinguido
con el Premio Plácido en el Festival Internacional de Cinema Negre de Manresa y
seleccionado por los festivales de Sitges, l’Alternativa de Barcelona, el Festival de Cine
Español de Málaga y el Festival de Cine Iberoamericano de Huelva, entre otros.
director on numerous documentaries and full-length fiction films. Since 1998 he has
been directing documentaries for television.
FILMOGRAFÍA FILMOGRAPHY Domador (2008), Le dernier rodéo (2008), Changez de
peau (2007), Le parmesan (2006), Fumer Tue (2004), Une semaine à Buenos Aires (2004),
PTI DOC La pêche au gros (2003), Tribuna especial: un día en las carreras (1998).
KIRILL MAKARENKOV the wood floaters
Nacido en Moscú en 1974, se licenció por la VGIK (Universidad Estatal
Rusa de Cinematografía) en 2001. Trabajó durante doce años en el Museo
de Artes Decorativas Aplicadas y Folklore de Rusia. Ha trabajado como
crítico de cine y es profesor lector de Historia del Cine.
Ω
Born in Moscow in 1974, he graduated from the VGIK (Russian State University of
Film) in 2001. He worked for twelve years at the Museum of Applied Decorative Arts
and Folklore of Russia. He has worked as a film critic and lecturing professor of Film
History.
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Born in Barcelona, she studied Fine Arts and Film Directing at the Center for Film Studies
of Catalonia. She later did an intensive screenwriting course, a documentary screenwriting
course, and an introduction to editing with Adobe Premiere. In 1998 she started working
as a script. In 1999 she wrote and directed the short film Un globo imaginario, which
was given the Plácido Award at the Film Noir International Festival of Manresa and was
selected at the festivals of Sitges, l’Alternativa of Barcelona, the Spanish Film Festival of
Malaga, and the Iberoamerican Film Festival of Huelva, among others.
FILMOGRAFÍA FILMOGRAPHY Espectáculo de danza contemporánea, música y malabares
con fuego (2000), Un globo en el armario (1999), 100 anys creant il.lusió (1999), Mamadou
(1998).
ANDRÉS JARACH el gaucho
Andrés Jarach nació en Buenos Aires (Argentina) en 1972. En 1991 emigró
a Francia, donde estudió Antropología Visual en l’École des Hautes Etudes
en Sciences Sociales (EHESS). Paralelamente a sus estudios trabajó como
asistente de dirección en numerosos documentales y largometrajes de
ficción. Desde 1998 dirige documentales para la televisión.
FILMOGRAFÍA FILMOGRAPHY Kristina and “Napoleon” (en producción / in production),
Black Salt Curse (en producción / in production), Black Salt (2007).
SARAH MOON HOWE en cas de dépressurisation
Licenciada en Psicología Clínica, en 2003 dirigió Ne dites pas à ma mère /
Don’t tell to my mother, un documental autobiográfico sobre el strip-tease que
resultó seleccionado en la 60 Mostra de Venecia (sección Nuevos Territorios)
y ganó el premio especial del jurado en el Festival de Nyon y el Gran Premio
al Mejor Documental del Festival Kino im Fluss de Saarbrücken. Ese mismo
año dirigió Hope para el concurso internacional Tourné Monté de cine en Super 8, donde
ganó el segundo premio. Entre 2006 y 2008 trabajó como bailarina en una coreografía
realizada por Wim Vandekeybus.
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She has a BS in Clinical Psychology. In 2003 she directed Ne dites pas à ma mère /
Don’t tell to my mother, an autobiographical documentary about strip-tease, which
was selected for the 60th Venice Film Festival (New Territories section) and won the
special jury award at the Festival of Nyon and the Grand Prize for Best Documentary
at the Kino im Fluss Festival of Saarbrücken. That same year she directed Hope for
the international Tourné Monté Super8 film contest, where she won the second prize.
Between 2006 to 2008 she worked as a dancer in a performance choreographed by Wim
Vandekeybus.
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Andrés Jarach was born in Buenos Aires (Argentina) in 1972. In 1991 he emigrated
to France, where he studied Visual Anthropology at the l’École des Hautes Etudes en
Sciences Sociales (EHESS). While doing his studies, he also worked as an assistant
FILMOGRAFÍA FILMOGRAPHY Hope (2003), Ne dites pas à ma mère / Don’t tell to my
mother (2003).
ERMANNO OLMI rupi del vino
Tras dirigir numerosos documentales, realizó su primer largometraje de
ficción, Il tempo si è fermato (El tiempo se paró), en 1959. Con Il posto (El
puesto) obtuvo el Premio OCIC y el Premio de la Crítica en el Festival de
Venecia (1961). Entre sus trabajos más destacados figuran: L’albero degli
zoccoli (El árbol de los zuecos, 1978), ganadora de la Palma de Oro del Festival
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214
de Cannes; Lunga vita alla signora (Larga vida a la señora, 1987), galardonada con el León
de Plata, y La leggenda del santo bevitore (La leyenda del santo bebedor, 1988), premiada
con un León de Oro, ambos del Festival de Venecia. En 2001 rodó Il Mestiere delle armi (La
profesión de las armas) y, en 2003, Cantando dietro i paraventi (Cantando tras los biombos).
En 2005 codirigió Tickets junto a Abbas Kiarostami y Ken Loach; y en 2007 la Fondazione
Arnaldo Pomodoro presentó la película que Ermanno Olmi dedicaba a la exposición de
arte de Jannis Kounellis denominada Atto Unico. Para el Trienal de Milán de 2008 dirigió
el documental I Grandi Semplici y un año después, Terra Madre, en colaboración con la
Cineteca di Bologna y el Ministerio de Turismo y Entretenimiento.
After directing a number of documentaries, he made his first feature, Il tempo si è
fermato (Time Stood Still) in 1959. At the Venice Film Festival in 1961, he won both the
OCIC Award and the Critics’ Prize for his film Il posto (The Job). His best-known works
include: L’albero degli zoccoli (The Tree of Wooden Clogs, 1978), winner of the Palme d’Or
of the Cannes Film Festival; Lunga vita alla signora (Long Live the Lady!, 1987), which was
honoured with the Silver Lion, and La leggenda del santo bevitore (The Legend of the Holy
Drinker, 1988), awarded the Golden Lion, both at the Venice Film Festival. In 2001 he
made Il Mestiere delle armi (The Profession of Arms) and two years later Cantando dietro
i paraventi (Singing Behind Screens). Olmi co-directed Tickets with Abbas Kiarostami
and Ken Loach in 2005. In 2007 the Fondazione Arnaldo Pomodoro presented the film
Ermanno Olmi dedicated to the art exhibition by Jannis Kounellis entitled Atto Unico.
For the Milan Triennial in 2008, Olmi directed the documentary I Grandi Semplici and,
for the following year, Terra Madre, in collaboration with the Cineteca di Bologna and
the Ministry of Tourism and Entertainment.
FILMOGRAFÍA FILMOGRAPHY Terra Madre (2009), I Grandi Semplici (2008), Ventochiodi
(2007), Tickets (película de tres episodios con / film in three episodes with Abbas
Kiarostami y Ken Loach, 2005), Cantando dietro i paraventi (2003), Il mestiere delle armi
(2001), Chiusura della Porta Santa (2001), Attesa dell’apertura della Porta Santa (1999),
Il denaro non esiste (1999), Genesi: la creazione e il diluvio (1994), Il segreto del bosco
vecchio (1993), Lungo il Fiume (1992), 12 registi per 12 città: Milano (película colectiva
/ collective film, 1990), La leggenda del santo bevitore (1988), Lunga vita alla signora!
(1987), Artigiani veneti (1986), Sopra le sette ultime Parole del nostro Redentore in Croce
di Franz Joseph Haydn (1985), Milano ’83 (1983), Camminacammina (1983), L’albero degli
zoccoli (1978), Alcide de Gasperi (1974), La circostanza (1973), Durante l’estate (1971), I
recuperanti (1970), Un certo giorno (1968), Il profeta della Bassa (1967), La colla (1967), E
venne un uomo (1965), I fidanzati (1963), Il posto (1961), Il tempo si è fermato (1959), Tre
fili fino a Milano (1958), Venezia città moderna (1957), Costruzioni Meccaniche Riva (1956),
Michelino l.° B (1956), Manon Finestra 2 (comentario de Pier Paolo Pasolini, 1956).
TILL ROESKENS videomappings: aida, palestine
Artista visual aficionado a la geografía aplicada, nació en Alemania en
1974 en el seno de una familia de exploradores. Ha expuesto su trabajo
(libros, películas de vídeo, presentaciones gráficas y otras formas de luz)
por todo el territorio francés. Videomappings: Aida, Palestine es su primer
largometraje.
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An amateur in applied geography, visual artist, he belongs to a family of explorers.
Born in 1974 in Germany, he creates and shows his work (books, video films, slide
show lectures and other forms of light) all over France. Videomappings: Aida, Palestine
is his first full-length film.
MARC WEYMULLER cuatro paredes y el mundo
Nacido en Marsella en 1965, desde 1989 escribe y realiza películas de
ficción y documentales acerca de la ausencia, las formas de existencia
dentro de la marginalidad, la desaparición y la pérdida. En torno a esos
temas giran, particularmente, La espera (1996), cortometraje de ficción
sin diálogos, Aquí y allí, relato de un viaje inmóvil (1998), vagabundeo ficticio
por las calles de Lisboa, y A pesar de la noche (2004), el retrato de un religioso de
espiritualidad extraordinaria. Actualmente prepara dos películas: La vida a lo lejos
(gracias a la beca Brouillon d’un Rêve, concedida por la Sociedad de Autores francesa,
SCAM), un largometraje documental sobre una región aislada del norte del Portugal,
y Una higuera sin hojas (con el apoyo del Centro Nacional de Cinematografía francés
–Ayuda a la Escritura– y del Consejo Regional de Borgoña –Ayuda a la Producción–),
sobre la memoria de los habitantes de Belchite, ciudad emblemática de la amnesia
colectiva que azotó a España tras la guerra civil.
Ω
Born in Marseille in 1965, since 1989 he has written and made fiction and documentary
films dealing with absence, with the forms of existence for those marginalized,
disappeared and lost. Using these themes, he made, in particular, La espera (1996), a
short fiction film without dialogues, Aquí y allí, relato de un viaje inmóvil (1998), a fictional
wandering through the streets of Lisbon, and A pesar de la noche (2005), a portrait of
a religious man of extraordinary religiousness. He is currently preparing two films: La
vida a lo lejos (thanks to the grant “Brouillon d’un rêve” granted by the French Society
of Authors and Publishers, SCAM), a full-length documentary about an isolated region
of northern Portugal, and Una higuera sin hojas (with help on writing from the French
National Film Center, the CNC, and production aide from the Regional Council of
Burgandy), about the memory of the inhabitants of Belchite, an emblematic city of the
collective amnesia that overtook Spain after the Civil War.
FILMOGRAFÍA FILMOGRAPHY Una higuera sin hojas (en desarrollo / in development),
La vida a lo lejos (en desarrollo / in development), A pesar de la noche (2004), Aquí y allí,
relato de un viaje inmóvil (1998), La espera (1996).
FREDERICK WISEMAN la danse - le ballet de l’opéra de paris
Nacido en 1930, reside en Cambridge (Massachusetts) y es miembro del
Colegio de Abogados de Massachussetts. Empezó a hacer cine en 1967,
tras años trabajando como instructor y/o investigador en la Universidad
de Boston, la Universidad de Brandeis y Harvard. En 1970 fundó Zipporah
Films, Inc., que continúa distribuyendo sus documentales. Wiseman
también ha producido abundante literatura y dado numerosas conferencias sobre
cuestiones relacionadas con la aplicación de la ley. En 2009, Documenta Madrid le
dedicó una amplia retrospectiva como homenaje a toda su carrera.
Ω
Born in 1930, Wiseman is a Cambridge (Massachusetts) resident and member of the
Massachusetts Bar Association who turned to filmmaking in 1967, after years as an
instructor and/or researcher at Boston University, Brandeis University, and Harvard. In
1970 he founded Zipporah Films, Inc., which continues to distribute his documentaries.
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Wiseman has also written and lectured widely on law enforcement issues. In 2009,
Documenta Madrid devoted him a wide retrospective as an homage to his career.
FILMOGRAFÍA FILMOGRAPHY State Legislature (2007), The Garden (2005), Domestic
Violence 2 (2002), La dernière lettre (2002), Belfast (2001), Maine (1999), Public Housing
(1997), La Comédie-Française ou L’amour joué (1996), Ballet (1995), High School II (1994),
Zoo (1993), Aspen (1991), Near Death (1989), Central Park (1989), Blind (1987), Missile
(1987), Adjustment and Work (1986), Deaf (1986), Multi-Handicapped (1986), Racetrack
(1985), The Store (1983), Model (1980), Seraphita’s Diary (1980), Manoeuvre (1979), Sinai
Field Mission (1978), Canal Zone (1977), Meat (1976), Welfare (1975), Primate (1974),
Juvenile Court (1973), Essene (1972), Basic Training (1971), I Miss Sonia Henie (1971),
Hospital (TV, 1970), Law and Order (TV, 1969), High School (1968), Titicut Follies (1967).
216
En la relación con los personajes durante todo el proceso de realización de un film hay
siempre una gran tensión, entre nuestro deseo y el de ellos, que estimula la creación.
Lo que se les pide es que nos toleren; lo que se les da es respeto.
In the relationship with the characters during the entire process of making a film, there
is always tension, between our desire and theirs, which stimulates creation. What is
asked of them is to put up with us, what is given is respect.
Carmen Guarini
NOMBRES
PROPIOS
PROPER NAMES
Homenaje Alanis Obomsawin
Alanis Obomsawin Tribute
Harutyun Khachatryan
Wang Bing
Hanns Eisler
Gonzalo Herralde
Tommaso Cotronei
Sección Informativa
Informative Section
ALANIS
OBOMSAWIN.
HOMENAJE
ALANIS OBOMSAWIN. TRIBUTE
Informative Section
ALANIS OBOMSAWIN. TRIBUTE INFORMATIVE SECTION
222
Alanis Obomsawin es miembro de la nación Abenaki y una de las directoras más
prominentes de Canadá. Durante más de cuatro décadas ha dirigido documentales para el
National Film Board of Canada que retratan la vida y las preocupaciones de los aborígenes
de su país y exploran cuestiones que nos incumben a todos.
En 2009 fue homenajeada con una retrospectiva en el Festival Internacional
Canadiense de Cine Documental Hot Docs, donde también se celebró el estreno mundial
de su último trabajo, el documental del NFB Professor Norman Cornett: “Since when do
we divorce the right answer from an honest answer?”, un estimulante tributo a un educador
excepcional y una reflexión sobre la naturaleza del aprendizaje.
Su documental Gene Boy Came Home (2007) ofrece una mirada a la monstruosidad
de la guerra a través de los ojos de un superviviente, el veterano de la guerra de Vietnam
Eugene Gene Boy Benedict, oriundo la comunidad natal de la directora: Odanak.
El pueblo de Odanak y sus historias también constituyen el tema central de su
galardonado largometraje documental de 2006 Waban-Aki: People from Where the Sun Rises.
Su drama Sigwan (2005) narra la historia de una niña que recibe ayuda de los animales del
bosque. Our Nationhood, un documental del NFB de 2003, es una crónica de la determinación
y tenacidad del pueblo listuguj mi’gmaq a la hora de utilizar y manejar los recursos naturales
de su tierra. Los mi’gmaq de Esgenoopetitj (Burnt Church), Nuevo Brunswick, son los
protagonistas de su documental de 2002 Is the Crown at War with Us?, una impactante mirada
al conflicto de los derechos de pesca basada en una concienzuda investigación.
Rocks at Whiskey Trench, producida por el NFB en 2000, es la cuarta película de su
serie sobre la crisis de Oka de 1990. La primera, Kanehsatake: 270 Years of Resistance (1993),
un largometraje que documenta el levantamiento mohawk de 1990 en Kanehsatake y Oka,
le valió 18 premios internacionales. A este le siguieron My Name is Kahentiiosta (1995), una
película sobre una joven kahnawake mohawk que fue arrestada tras un enfrentamiento
armado de 78 días; y Spudwrench – Kahnawake Man (1997), que retrata a Randy Horne, un
obrero de la comunidad mohawk de Kahnawake.
Obomsawin empezó su carrera como cantante, escritora y narradora de
cuentos, y debutó en el mundo del cine en 1971 con Christmas at Moose Factory, película
que escribió y dirigió. Desde entonces ha hecho más de 30 documentales contundentes
sobre cuestiones que afectan a los indígenas de Canadá. Entre sus otras películas figuran:
Incident at Restigouche (1984), un impactante retrato de la redada realizada por la policía
de Quebec en la reserva mi’gmaq; Richard Cardinal: Cry from a Diary of a Métis Child (1986),
el inquietante análisis del suicidio de un adolescente, y No Address (1988), una mirada al
mundo de los indigentes de Montreal.
En 2008 fue galardonada con el Premio de Artes Escénicas del Gobernador
General por su trayectoria artística en el Rideau Hall de Ottawa. En mayo de ese mismo
año, se realizó una retrospectiva sobre su trabajo en el Museo de Arte Moderno de
Nueva York. Obomsawin también protagoniza el primer libro sobre cineastas nativos, Alanis
Obomsawin: The Vision of a Native Filmmaker, de Randolph Lewis, publicado en 2006 por la
editorial de la Universidad de Nebraska.
SECCIÓN INFORMATIVA ALANIS OBOMSAWIN. HOMENAJE
Fue investida en 1983 como miembro de la Orden de Canadá y diecinueve
años después consiguió ser nombrada oficial de dicha Orden. Entre sus múltiples
galardones figuran el Premio del Gobernador General en la categoría de Arte Audiovisual
y Multimedia, el Premio Luminaria a la Trayectoria Profesional del Festival de Cine
de Santa Fe, el Premio Pionero de la Asociación Internacional de Documentales, el
Premio Outstanding Achievement en la categoría de Dirección, otorgado por el TWIFT
(Mujeres en Cine y Televisión de Toronto), el Premio Nacional Aborigen de la Fundación
Canadiense de Arte Nativo y el Premio de la CSAA (Asociación Canadiense de Sociología
y Antropología) por su inestimable contribución; este último es el primer premio
concedido por la CSAA a un candidato no académico en el campo de la sociología y la
antropología.
National Film Board of Canada
Alanis Obomsawin, a member of the Abenaki Nation, is one of Canada’s most
distinguished filmmakers. For over four decades, she has directed documentaries
at the National Film Board of Canada that chronicle the lives and concerns of First
Nations people and explore issues of importance to all.
In 2009, Ms. Obomsawin was honoured with an Outstanding Achievement
Award Retrospective at the Hot Docs Canadian International Documentary Festival,
which also hosted the World Premiere of her latest film, the NFB documentary
Professor Norman Cornett – “Since when do we divorce the right answer from an honest
answer?” – a thought-provoking tribute to an exceptional educator and a reflection on
the true nature of learning.
In her 2007 documentary Gene Boy Came Home, Obomsawin turns her camera
on the ugliness of war through the eyes of one survivor, Vietnam War veteran Eugene
“Gene Boy” Benedict, from her home community of Odanak.
The people of Odanak and their stories are also the subject of her awardwinning 2006 feature documentary Waban-Aki: People from Where the Sun Rises.
Obomsawin’s 2005 drama Sigwan focuses on a young girl who is aided by the animals
of the forest. Her 2003 NFB documentary Our Nationhood chronicles the determination
and tenacity of the Listuguj Mi’gmaq people to use and manage the natural resources
of their traditional lands. The Mi’gmaq of Esgenoopetitj (Burnt Church), New Brunswick
were the subject of her 2002 documentary, Is the Crown at War with Us?, a powerful and
painstakingly researched look at the conflict over fishing rights.
The 2000 NFB release Rocks at Whiskey Trench was Obomsawin’s fourth
film in her series about the 1990 Oka crisis. The first, Kanehsatake: 270 Years of
Resistance (1993), was a feature-length film documenting the 1990 Mohawk uprising
in Kanehsatake and Oka, which has won 18 international awards. It was followed by My
Name is Kahentiiosta (1995), a film about a young Kahnawake Mohawk woman who was
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arrested after the 78-day armed standoff, and Spudwrench – Kahnawake Man (1997),
profiling Randy Horne, a high-steel worker from the Mohawk community of Kahnawake.
Obomsawin began her career as a singer, writer and storyteller, but dove into
filmmaking in 1967 with Christmas at Moose Factory, which she wrote and directed.
Since then, Obomsawin has made over 30 uncompromising documentaries on issues
affecting Aboriginal people in Canada. Her other films include: Incident at Restigouche
(1984), a powerful depiction of the Quebec police raid of a Mi’gmaq reserve; Richard
Cardinal: Cry from a Diary of a Métis Child (1986), the disturbing examination of an
adolescent suicide, and No Address (1988), a look at Montreal’s homeless.
In 2008, Obomsawin was honoured with the Governor General’s Performing
Arts Award for Lifetime Artistic Achievement at Rideau Hall in Ottawa. In May of that
same year, she was also the subject of a special retrospective at the Museum of
Modern Art in New York City. Obomsawin is the subject of the first-ever book on Native
filmmakers, Alanis Obomsawin: The Vision of a Native Filmmaker, by Randolph Lewis,
published in 2006 by the University of Nebraska Press.
Following her investiture as a Member of the Order of Canada in 1983,
Obomsawin was named an Officer of the Order of Canada in 2002. Her many honours
also include the Governor General’s Award in Visual and Media Arts, the Luminaria
Tribute for Lifetime Achievement from the Santa Fe Film Festival, the International
Documentary Association’s Pioneer Award, the Toronto Women in Film and Television’
(TWIFT) Outstanding Achievement Award in Direction, the Canadian Native Arts
Foundation National Aboriginal Achievement Award, and the Outstanding Contributions
Award from the Canadian Sociology and Anthropology Association (CSAA). The latter
marks the first time that the CSAA has honoured someone who is not an academic in
the field of sociology and anthropology.
National Film Board of Canada
Mi preocupación constante ha sido siempre la educación, principalmente porque se
nos privó de nuestra historia. El Gobierno canadiense creó escuelas especiales para
educar a nuestros niños, pero con frecuencia estaban a más de 1.000 kilómetros de
donde vivían. Al principio las normas dictaban que los niños debían ser sacados de
sus hogares a la edad de 5 o 6 años para volver a los 18. En estas escuelas trabajaban
media jornada e iban a clase la otra media. Se les prohibía hablar su idioma y se les
obligaba a adoptar el estilo de vida del hombre blanco. Todo ello provocó el sufrimiento
de muchas generaciones y la pérdida de la identidad.
Personalmente, era consciente de la magnitud de la injusticia y quería hacer
algo para inducir al cambio. Al principio, la única manera que se me ocurría de hacer
que las cosas fueran de otra forma era presentarme en clases de niños de todas las
edades para contar nuestra historia y hablarles de nuestras tradiciones. A lo largo de
los años he recorrido cientos de colegios. Ron Kelley, un director de la CBC, hizo un
documental sobre mi trabajo y a raíz de ello me invitaron a colaborar con la NFB como
asesora. Pronto me di cuenta del poder de las imágenes y de las palabras. Estos son
los motivos por los que empecé a hacer películas y por los que continúo haciéndolas.
Alanis Obomsawin
My constant concern has always been education. Mainly because our history was
denied. The Canadian government created special schools to educate our children but
these schools were often located as far away as 700 hundred miles from where the
child came from. At first the rules were that the children were removed from their
homes at the age of 5 or 6 years old and would then return home at the age of 18. In
these schools the children worked for half a day and were schooled for half a day. They
were forbidden to speak their language and forced into the white man’s way of life. This
created hardship for many generations and a loss of identity.
Personally, I knew there was something really wrong and I wanted to influence
change. At first, the only way I could think that would make a difference was to be
present in the classrooms of children of all ages to tell our history and sing to them
words of our traditions. Over the years, I have toured in hundreds of schools. Ron Kelley,
a film director for CBC, made a documentary on my work and from there I was invited
to the NFB to work as a consultant. I quickly saw the power of images and the power of
the word. These are the reasons I started and continue to make films.
Alanis Obomsawin
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CHRISTMAS AT MOOSE FACTORY
AMISK
MOTHER OF MANY CHILDREN
INCIDENT AT RESTIGOUCHE
NAVIDAD EN MOOSE FACTORY
ALANIS OBOMSAWIN – Betacam / 13´ / 1971 / Canadá / Canada
MADRE DE MUCHOS HIJOS
INCIDENTE EN RESTIGOUCHE
ALANIS OBOMSAWIN – 16 mm / 46´ / 1984 / Canadá / Canada
Dibujos infantiles con lápices de colores y la voz de una niña
explicándolos son los ingredientes de un encantador estudio
de la vida durante la Navidad en Moose Factory, un antiguo
asentamiento de la costa de la bahía James (Canadá) poblado
principalmente por familias indias. Los grandes y pequeños
incidentes son ilustrados y descritos con candor infantil,
transmitiendo al espectador una fuerte sensación de encontrarse
allí mismo.
Un grupo de personas de Montreal organizó un festival de
una semana con el fin de recaudar fondos para apoyar a los
indios cree, que estaban a punto de perder sus tierras por el
proyecto hidroeléctrico de la bahía James. La película combina
espectaculares representaciones de indios e inuit con las salas
de reuniones de Mistassini, donde hablan de su pasado como una
forma de defender su futuro.
Álbum de la mujer nativa que retrata una orgullosa sociedad
matriarcal presionada durante siglos para que adopte normas y
costumbres distintas. Todas las mujeres retratadas comparten la
creencia de que la tradición es una importante fuente de fortaleza
frente al cambio.
El 11 y el 20 de junio de 1981, la Policía Provincial de Quebec
(QPP) hizo redadas en la reserva de Restigouche. El objeto de
conflicto eran los derechos de pesca del salmón de los mi´gmaq.
Debido a que el salmón ha sido tradicionalmente una fuente de
alimento e ingresos para este pueblo, la decisión del Gobierno de
Quebec de restringir la pesca suscitó consternación y rabia entre
los indios. La película ofrece una perspectiva histórica de este
asunto, documentos, noticias, fotografías y entrevistas, además
de las dos redadas policiales. Una entrevista con el exministro de
Pesca de Quebec, Lucien Lessard, explicando los motivos de su
decisión complementa la versión de los hechos de los mi´gmaq.
Children’s crayon drawings, and the voice of a little girl telling
what the pictures are about, create a charming study of life at
Christmas time in Moose Factory, an old settlement, mainly of
Indian families, on the shore of James Bay (Canada). Incidents
big and small are illustrated and described with childish candor,
conveying to the viewer a strong sense of being there.
A week-long festival was organized by a group of Montreal
residents to raise funds in support of the Cree Indians who stood
to lose their land because of the James Bay hydro-electric project.
This film alternates between spectacular performances by Indian
and Inuit peoples and the meeting halls of Mistassini, where they
talk of their past as a way of defending their future.
This film is an album of Native womanhood, portraying a proud
matriarchal society that for centuries has been pressured to adopt
different standards and customs. All of the women featured share
a belief in the importance of tradition as a source of strength in
the face of change.
On June 11 and 20, 1981, the Québec Provincial Police (QPP)
raided Restigouche Reserve. At issue were the salmon-fishing
rights of the Mi´gmaq people. Because salmon has traditionally
been a source of food and income for the Mi´gmaqs, the Québec
government’s decision to restrict fishing aroused consternation
and anger among the Indians. This film provides a historical
perspective on the issue, and documents, with newsclips,
photographs and interviews, the two police raids. An interview with
former Québec Minister of Fisheries Lucien Lessard explaining the
motives of his decision complements the Mi´gmaqs’ account of
the event.
Mejor Mediometraje Documental / Best Semi-Documentary, San Francisco Annual
American Indian Film Festival (Estados Unidos / USA, 1978)
Gran Premio / Grand Prize, International Festival of Films on the Arctic (Dieppe,
Francia / France, 1983)
DIRECCIÓN, GUIÓN / DIRECTION, SCRIPTΩ Alanis Obomsawin
PRODUCCIÓN / PRODUCTIONΩ Wolf Koenig (National Film Board of Canada)
FOTOGRAFÍA / CINEMATOGRAPHYΩ Ben Low
SONIDO / SOUNDΩ Jacques Drouin
MÚSICA / MUSICΩ Sinclair Cheecho, Jane Cheecho, Arthur Cheecho
PRODUCCIÓN / PRODUCTIONΩ Alanis Obomsawin (National Film Board of Canada)
FOTOGRAFÍA / CINEMATOGRAPHYΩ Bob Charlie, Buckley Petawabano
SONIDO / SOUNDΩ Albert Canadian
MONTAJE / EDITINGΩ Jeanette Lerman, Buckley Petawabano, Daniel Wapachee,
Judith Merritt
FOTOGRAFÍA / CINEMATOGRAPHYΩDon Virgo, Bob Riddell, Laval Fortier
SONIDO / SOUNDΩ Louis Echaquan, Raymond Marcoux, Bob Charlie, Claude
Hazanavicius, Christopher Tate, Bev Davidson, J. G. Normandin
MONTAJE / EDITINGΩ John Laing
Jueves 13, 19:30 h, y viernes 14, 19:30 h / Thursday 13th, 7:30 pm, and
Friday 14th, 7:30 pm
PRODUCCIÓN / PRODUCTIONΩ Andy Thomson, Alanis Obomsawin (National Film
Board of Canada)
FOTOGRAFÍA / CINEMATOGRAPHYΩ Roger Rochat, Savas Kalogeras
SONIDO / SOUNDΩYves Gendron, Bev Davidson
MONTAJE / EDITINGΩ Alan Collins, Wolf Koenig
FILMOTECA ESPAÑOLA Sala 2 / Theater 2
Domingo 9, 20:00 h / Sunday 9 th, 8:00 pm
227
RICHARD CARDINAL: CRY FROM A DIARY
OF A MÉTIS CHILD
RICHARD CARDINAL: LAMENTO DEL DIARIO DE UN NIÑO MÉTIS
Conmovedor tributo a Richard Cardinal, un adolescente métis que
se suicidó en 1984. Contaba 4 años cuando lo sacaron de su casa
por problemas familiares, y pasó el resto de sus 17 escasos años
entrando y saliendo de 28 casas de acogida distintas, hogares para
grupos y albergues de Alberta. Este joven sensible y elocuente
dejó tras de sí un diario, en el cual está basado este relato.
228
A moving tribute to Richard Cardinal, a Métis adolescent who
committed suicide in 1984. He had been taken from his home at
the age of four because of family problems, and spent the rest
of his seventeen short years moving in and out of twenty-eight
foster homes, group homes and shelters in Alberta. A sensitive,
articulate young man, Richard Cardinal left behind a diary upon
which this film is based.
NO ADDRESS
KANEHSATAKE: 270 YEARS OF RESISTANCE
IS THE CROWN AT WAR WITH US?
SIN DIRECCIÓN
KANEHSATAKE: 270 AÑOS DE RESISTENCIA
¿ESTÁ LA CORONA EN GUERRA CON NOSOTROS?
Un caluroso día de julio de 1990, un enfrentamiento histórico
puso los problemas de los nativos de Kanehsatake y el pueblo
de Oka en el punto de mira internacional y la conciencia
canadiense. Alanis Obomsawin estuvo 78 angustiosos días y
noches filmando el enfrentamiento armado entre los mohawk,
la policía de Quebec y el Ejército canadiense. El resultado es
un retrato de las personas tras las barricadas, que ofrece una
mirada a la inquebrantable determinación de los mohawk de
proteger su tierra.
En el verano de 2000 Canadá observaba con incredulidad cómo
agentes del Ministerio de Pesca declaraban la guerra a los
pescadores mi’gmaq de Esgenoopetitj, o Burnt Church, Nuevo
Brunswick. ¿Por qué atacarían agentes del Gobierno canadiense
a ciudadanos por ejercer derechos ratificados por el Tribunal
Supremo del país? ¿Qué ocurrió en Burnt Church? Obomsawin
indaga en un radio amplio de la historia para proporcionar un
contexto a lo sucedido en la bahía de Miramichi.
Muchos indígenas van a Montreal en busca de sustento y una vida
mejor. Llegan sin dinero, sin amigos, sin trabajo, y pronto pasan
a formar parte de la población indigente que vive en la calle. La
directora nativa Alanis Obomsawin analiza la difícil situación de
estas personas, alejadas de sus valores tradicionales, alienadas
del resto de la población, que se debaten entre quedarse y volver
a casa. También ofrece una mirada al Montréal Native Friendship
Centre y otras organizaciones que intentan ayudar a estas
personas.
Many Native people come to Montréal searching for jobs and a
better life. They come without money, without friends, without jobs,
and very quickly become part of the homeless population that lives
on the streets. Native filmmaker Alanis Obomsawin examines the
plight of these people – dislocated from their traditional values,
alienated from the rest of the population, torn between staying and
returning home. She also looks at the Montréal Native Friendship
Centre and other organizations that are attempting to help these
individuals.
On a hot July day in 1990, an historic confrontation propelled
Native issues in Kanehsatake and the village of Oka, Québec,
into the international spotlight and into the Canadian conscience.
Alanis Obomsawin endured 78 nerve-wracking days and nights
filming the armed stand-off between the Mohawks, the Québec
police and the Canadian army. The result is a portrait of the
people behind the barricades, providing insight into the Mohawks’
unyelding determination to protect their land.
Mejor Largometraje Documental / Best Long Documentary, MEDIAWAVE / Györ
International Festival of Visual Arts (Hungría / Hungary, 1997)
Mejor Largometraje Documental / Best Documentary Feature Film, San Francisco
Annual American Indian Film Festival (Estados Unidos / USA, 1993)
Sestercio de Plata / Silver Sesterce, Visions du Réel, Festival International du
Cinéma Documentaire, Nyon (Suiza / Switzerland, 1993)
Premio NFB de Largometraje Documental / NFB Feature Documentary Award,
Vancouver International Film Festival (Canadá / Canada, 1993)
Mejor Montaje / Best Editing, Halifax Atlantic Film Festival (Canadá / Canada,
1993)
Mejor Documental / Best Documentary, San Francisco Annual American Indian
Film Festival (Estados Unidos / USA, 1986)
Premio Cinta Roja / Red Ribbon Award, New York Film and Video Festival (Estados
Unidos / USA, 1988)
Manzana de Cristal / Crystal Apple Award, Oakland National Education Film and
Video Festival (California, Estados Unidos / USA, 1989)
Mejor Documental / Best Documentary, San Francisco Annual American Indian
Film Festival (Estados Unidos / USA, 1989)
Mención de Honor / Honorable Mention, Columbus International Film and Video
PRODUCCIÓN / PRODUCTIONΩ Alanis Obomsawin, Marrin Canell, Robert Verrall
(National Film Board of Canada)
FOTOGRAFÍA / CINEMATOGRAPHYΩ Roger Rochat
SONIDO / SOUNDΩ Raymond Marcoux
MONTAJE / EDITINGΩ Rita Roy
MÚSICA / MUSICΩ Dario Domingues
PRODUCCIÓN / PRODUCTIONΩ Marrin Canell, Alanis Obomsawin (National Film
Board of Canada)
FOTOGRAFÍA / CINEMATOGRAPHYΩ Roger Rochat
SONIDO / SOUNDΩ Jacques Drouin, Yves Gendron
MONTAJE / EDITINGΩ Marrin Canell
MÚSICA / MUSICΩ Dominique Tremblay
PRODUCCIÓN / PRODUCTIONΩ Wolf Koenig, Alanis Obomsawin (National Film
Board of Canada)
FOTOGRAFÍA / CINEMATOGRAPHYΩ Roger Rochat, Jean-Claude Labrecque, Philippe
Amiguet, Susan Trow, François Brault, Barry Perles, Zoe Dirse, Jocelyn Simard, André-Luc
Dupont, Savas Kalogeras
MONTAJE / EDITINGΩYurij Luhovy
MÚSICA / MUSICΩ Claude Vendette, Francis Grandmont
Viernes 14, 17:00 h, y domingo 16, 20:30 h / Friday 14th, 5:00 pm and,
Sunday 16th, 8:30 pm
Domingo 9, 20:00 h / Sunday 9 th, 8:00 pm
Martes 11, 19:30 h, y jueves 13, 17:00 h / Tuesday 11th, 7:30 pm, and
Thursday 13th, 5:00 pm
It was the summer of 2000 and Canada watched with disbelief
as federal fishery officers appeared to wage war on the Mi’gmaq
fishermen of Esgenoopetitj, or Burnt Church, New Brunswick. Why
would officials of the Canadian government attack citizens for
exercising rights that had been affirmed by the highest court in
the land? What happened at Burnt Church? Obomsawin casts her
nets into history to provide a context for the events on Miramichi
Bay.
Mejor Película Documental / Best Documentary Feature, San Francisco Annual
American Indian Film Festival (Estados Unidos / USA, 2003)
Premio Distinción de Documental / Documentary Award of Distinction, West Allis
Indian Summer Festival (Estados Unidos / USA, 2003)
FOTOGRAFÍA / CINEMATOGRAPHYΩ Philippe Amiguet, Yoan Cart, Michel La Veaux
MONTAJE / EDITINGΩ Alison Burns
SONIDO / SOUNDΩ Raymond Marcoux, Ismaël Cordeiro
MÚSICA / MUSICΩ Francis Grandmont
Miércoles 12, 22:00 h / Wednesday 12th , 10:00 pm
229
SIGWAN
Conmovedora historia de una niña a la que consuelan y aconsejan
los animales del bosque. Aborda la cuestión de la exclusión y los
prejuicios que existen en muchas comunidades de todo el mundo.
The touching story of a young girl who is comforted and counselled
by the animals of the forest. It addresses issues of exclusion and
prejudice that exist within many communities worldwide.
WABAN-AKI: PEOPLE FROM WHERE THE
SUN RISES
WABAN-AKI: GENTE DE DONDE SALE EL SOL
V. O. FRANCÉS, INGLÉS / FRENCH, ENGLISH. SUBT. ESPAÑOL, INGLÉS / SPANISH, ENGLISH
Yvonne M’Sadoques se mece en su silla. Hace más de un siglo
que vive en la comunidad abenaki de Odanak y tiene un buen
puñado de historias que contar: “El cura entraba con paso firme
en nuestra casa y nos ordenaba que dejáramos de bailar; decía
que iríamos al infierno”. Hace una pausa con un destello de humor
en los ojos: “Pero ¿sabe qué? La verdad es que no creo en el
infierno, ¿y usted?”.
Yvonne M’Sadoques rocks forward in her chair. She’s lived in the
Abenaki community of Odanak for over a century – and has no
shortage of stories to tell. “The priest would march into our home
and order us to stop dancing. We were going to the devil, he said.”
She pauses, a humorous glint in her eye. “But you know – I don’t
really believe in the devil. Do you?”
230
GENE BOY CAME HOME
GENE BOY VOLVIÓ A CASA
Eugene Gene Boy (pronunciado Yeni Boy) Benedict fue criado por
sus tíos abuelos en la reserva india de Odanak, una hora y media
al este de Montreal, Quebec, Canadá. Se fue de casa a los 15 años
para trabajar en la construcción en el estado de Nueva York. A los
17 años, desorientado y a la deriva, aceptó un reto y se alistó en
la Marina de los Estados Unidos. Unos meses después estaba de
camino al frente de la guerra de Vietnam. Gene Boy Came Home es
la desgarradora y profundamente conmovedora historia de sus dos
años de servicio en Vietnam y su largo viaje de vuelta a Odanak.
Eugene “Gene Boy” (pronounced Genie Boy) Benedict was raised
by his Great Uncle and Aunt on the Odanak Indian Reserve an
hour and a half east of Montreal, Québec, Canada. He left home
at age 15 to work in construction in New York State. At 17, adrift
and beginning to lose his way, he accepted a dare and enlisted
in the US Marines. A few months later, he was on his way to
the frontlines of the Vietnam War. Gene Boy Came Home is the
harrowing and deeply moving story of his two years of service in
Vietnam and his long journey back to Odanak afterwards.
Mejor Documental / Best Documentary, Toronto Imagine Native Media Arts
Festival (Canadá / Canada, 2006)
FOTOGRAFÍA / CINEMATOGRAPHYΩ Philippe Amiguet
SONIDO / SOUNDΩ Raymond Marcoux, Ismaël Cordeiro
Jueves 13, 22:00 h / Thursday 13th, 10:00 pm
PROFESSOR NORMAN CORNETT: “SINCE
WHEN DO WE DIVORCE THE RIGHT
ANSWER FROM AN HONEST ANSWER?”
PROFESOR NORMAN CORNETT: “¿DESDE CUÁNDO SE DISTINGUE
ENTRE RESPUESTA CORRECTA Y RESPUESTA HONESTA?”
ALANIS OBOMSAWIN – Betacam / 81’ / 2009 / Canadá / Canada
Empieza el nuevo semestre y un nuevo grupo de universitarios
llena la clase del profesor Norman Cornett. Se despierta una
curiosidad creciente mientras Cornett distribuye la letra de Another
Brick in the Wall, para posteriormente dirigir a los alumnos en
una entusiasta interpretación del himno contracultural: “No
necesitamos que controlen nuestros pensamientos…”. No era
exactamente lo que esperaban de la asignatura de Religión. A lo
largo de los años, el profesor Cornett se ha ganado el respeto
y la lealtad de cientos de alumnos con su original visión de la
enseñanza. Sea una clase sobre cuidados paliativos, cuestiones
relacionadas con los pueblos aborígenes o sobre la improvisación
en el jazz, desafía el conocimiento establecido a la vez que educa
a los jóvenes en un momento clave de sus vidas y les enseña a
pensar por sí mismos.
It’s the start of a new semester and a fresh crop of undergraduates
is filing into Professor Norman Cornett’s class. There is a growing
sense of curiosity in the room as Cornett distributes the lyrics
to Another Brick in the Wall – and then leads the students in a
rousing rendition of the counter-culture anthem: “We don’t need
no thought control…” This is not what they were expecting from
Religious Studies. Over the years Professor Cornett has won the
respect and loyalty of scores of students with his unconventional
approach to teaching. Whether it’s a lesson on palliative care,
First Nations issues or jazz improvisation, he challenges accepted
wisdom while nurturing young people at a pivotal moment in their
lives and teaching them to think for themselves.
DIRECCIÓN / DIRECTIONΩ Alanis Obomsawin
PRODUCCIÓN / PRODUCTIONΩ Adam Symansky, Robert Verrall (National Film
Board of Canada)
FOTOGRAFÍA / CINEMATOGRAPHYΩ Martin Duckworth
Viernes 14, 17:00 h, y domingo 16, 20:30 h / Friday 14th, 5:00 pm, and
231
HARUTYUN
KHACHATRYAN
Informative Section
HARUTYUN KHACHATRYAN INFORMATIVE SECTION
HARUTYUN KHACHATRYAN: ESCULTOR DE LA MIRADA
234
Descubrí al director (de nombre impronunciable) Harutyun Khachatryan a fines del año
pasado en el Festival Internacional de Cine de Gijón, donde se proyectaba su última
película: Border (2009). Superado el asombro de lo experimentado, más que visionado,
el primer sentimiento que me revolvió las tripas fue el de vergüenza. ¿Cómo podía ser
que un cineasta de mirada tan poderosa y necesaria me llegara casi treinta años más
tarde de sus primeros trabajos? Era incomprensible, prácticamente imperdonable.
De ahí que la retrospectiva a la que se ha lanzado Documenta Madrid para revisar la
totalidad de su obra documental no solo se presente como necesaria y atrevida, sino
que constituye asimismo un acto de justicia para un realizador cuyas bases quizás
surjan de Flaherty o Ivens, pero que se descubre para este nuevo siglo como la mirada
en clave documental de lo que nos han ofrecido hiperbólicos creadores de la metáfora
histórica como Andrei Tarkovsky o Theo Angelopoulos.
La sensación inicial que me quedó de Border y, posteriormente, Return to the
promise land (1991) –la primera sería una variación minimalista de lo retratado en la
segunda; para que se entienda mejor, la distancia entre ambas sería la misma que la
que separa Río Bravo (1959) de El Dorado (1966), los wésterns de plenitud de Howard
Hawks– era la de estar ante un etnógrafo de mirada escultórica que perseguía devolver
al pueblo armenio de las estepas (un campo de refugiados tan vasto como inabarcable
al que han sido condenados los exiliados no afines al régimen político imperante) una
imagen digna que los retratara / reflejara.
Para entender los mecanismos que estructuran su mirada vale la pena lanzarse
al símil primitivista y, así, poder asegurar que las películas de H. K. podrían ser una suerte
de wésterns clásicos despojados de acción, dramaturgia y narrativa decimonónica.
Cronista de los gestos que pueblan el día a día de una población fantasmática, habitada
por espectros en difuminado ascendente, en la parte más antropológica de su obra
–además de las dos películas citadas, habría que añadir el mediometraje Kond (1987)–
el cineasta-escultor captura en plano estático las partes, separadas y segmentadas,
más anodinas del quehacer humano. Más que narrador de intersticios, lo suyo son
capturas de un tiempo perdido aunque contemporáneo. Más que personas, lo que
la cámara atrapa es la otredad cognoscible: figuras azotadas por lo real que ya no
pertenecen a ninguna parte, a ningún sitio.
Pero hay más, mucho más. La obra de H. K. posee dos partes indisociables y
reflectantes a la par; un ejemplo perfecto de teoría y praxis o de cómo el método científico
deja entrever en imágenes la transmutación del vademécum al resultado final de la
ecuación. En la delgada línea empírica que uniría White Town (1988), Documentarist (2003)
y Return of the Poet (2005) se encuentra la clave para entender los logros de su obra más
depurada. Películas de experimentación, de búsqueda, de cincelado continuo, estas obras
descubren al realizador armenio como un hombre atado a su cámara, un Dziga Vertov de
fin de siglo tanto en lo poético como en lo político.
SECCIÓN INFORMATIVA HARUTYUN KHACHATRYAN
Ya no se trata solo de enmarcar la realidad mediante su puesta en escena
más calculada; aquí se estudian también los ingredientes y los métodos de cocción del
entramado creativo. No estamos lejos, pues, ni del Víctor Erice de El sol del membrillo
(1992), ni del Abbas Kiarostami de A través de los olivos (1994). El hombre de la cámara
desvela los mecanismos de su no-ficción mientras proyecta resultados inesperados del
ejercicio metalingüístico. H. K. nos habla de la herida abierta ahogada en sangre de los
continuos conflictos armados en Armenia a través de algo tan nimio como el traslado
de una escultura de un poeta ignoto de origen georgiano; nos descubre el artificio del
retratista al mostrar a un documentalista increpar a un niño para que llore a cámara;
nos narra un cuento épico de superación a través de los ojos de un buey malherido,
testigo mudo, insondable y minimalista de todo aquello que le rodea. Aprehender la
mirada de H. K. no solo nos descubre una parte del mundo desconocida, sino que nos
enseña más de nosotros mismos de lo que quizás quisiéramos descubrir.
Alejandro G. Calvo
235
HARUTYUN KHACHATRYAN: VISIONARY CRAFTSMAN
I discovered the director (unpronounceable name) Harutyun Khachatryan late last
year at the International Film Festival of Gijón, where his most recent film was being
screened: Border (2009). After overcoming my astonishment at what I had not viewed
so much as experienced, the first feeling that stirred my stomach was shame. How was
it possible that a director with such a powerful and necessary perspective be revealed
to me almost thirty years after he had made his first films? It was incomprehensible,
practically unforgivable. In this sense, the retrospective being put on by Documenta
Madrid of his entire documetary film opus is not only necessary and daring, but also an
act of justice for a filmmaker whose roots perhaps trace back to Flaherty or Ivens, but
who in this new century should be seen as having the kind of documentary vision that
has been offered to us by such hyperbolic creators of Historical Metaphor as Andrei
Tarkovsky and Theo Angelopoulos.
The initial sensation I had from Border and later from Return to the Promised
Land (1991) – the former a minimalist variation of what is depicted in the latter. To be
clear, the distance between the two might be the same as that which separates Rio
Bravo (1959) and El Dorado (1966), Howard Hawk’s prime Westerns – was that of an
ethnographer who crafts out his vision in the pursuit of returning an image of dignity to
those being depicted, to the Armenian people living in the steppes (a refugee camp as
vast as it is extensive, where those condemned to exile there have no political ties to the
regime in power).
To understand the mechanics of his vision, it is worth venturing into primitivist
comparison-making, to state that H. K.’s films might be a kind of classic Western
236
stripped of action, dramaturgy and nineteenth century narrative. An accounting of
the day-to-day in a ghost town inhabited by increasingly fading ghosts, in the more
anthropological part of his film work (to the two mentioned earlier, the medium-length
Kond (1987) must also be added), the filmmaker-craftsman captures still shots of
the dullest parts (separately and in segments) of human tasks. More than narrating
interstices, his shots capture a lost yet contemporary time. More than people, what the
camera seizes is knowable otherness: figures whipped by reality, who no longer belong
anywhere, to any single place.
But there is more, much more. H. K.’s work possesses two inseparable and
at the same time reflective parts; a perfect example of theory and praxis, or of how the
scientific method can offer us a visual glimpse of the transmutation of the vade mecum
into the final outcome of the equation. In the fine empirical line joining White Town
(1988), Documentarist (2003) and Return of the Poet (2005) lies the key to understanding
the achievements in his most purified work. Films of experimentation, of searching,
of continuous crafting, these films reveal this Armenian director as a man tied to his
camera, an end-of-the-century Dziga Vertov both in the poetic sense and in the political.
And it is not just a question of his framing of reality through highly calculated
mis-en-scene; here there are also studies in the ingredients and cooking instructions
for the creative process; we are not far from either Víctor Erice’s El sol del membrillo
(1992) or Abbas Kiarostami’s Through the Olive Grove (1994). The man behind the
camera reveals the mechanisms of his non-fiction while projecting unexpected results
of meta-linguistic exercise. H. K. tells us of the open wound drowning in the blood of
Armenia’s constant armed conflicts through something as insignificant as moving of a
sculpture of a forgotten poet of Georgian origin; we see the artifice of the portrait artist
by showing a documentary-maker rebuking a boy so he will cry on camera; he tells us
an epic story of overcoming through the eyes of a wounded ox, a silent, unfathomable
and minimalist witness of everything around him. To comprehend H. K.’s vision is not
only to discover a part of the unknown world, but also to be shown more of ourselves
than we perhaps might want to discover.
237
Alejandro G. Calvo
Los personajes son materia prima y sustancia.
The characters are the raw material and substance.
Gustavo Galeano
238
KOND
SPITAK QAGHAQ
VERADARDZ AVETYATS YERKIR
VAVERAGROGH
HARUTYUN KHACHATRYAN – 35 mm / 40´ / 1987 / Armenia
CIUDAD BLANCA / WHITE TOWN
RETORNO A LA TIERRA PROMETIDA / RETURN TO THE PROMISED LAND
DOCUMENTALISTA / DOCUMENTARIST
V.O. ARMENIO / ARMENIAN. SUBT. ESPAÑOL, INGLÉS / SPANISH, ENGLISH
Los habitantes de Kond, uno de los barrios más antiguos de
Yerevan, azotado por graves problemas sociales, fueron objeto
de una observación a largo plazo: la mañana, el día, la tarde, la
noche; despertarse, tareas diarias, trabajo, comida, ocio, sueños.
Pero también bodas y entierros, incendios y el nacimiento de un
niño, el ciclo completo de la existencia humana. Y esta rutina
relativamente general se completa con fragmentos de la vida real,
que se presentan al espectador desde distintas perspectivas.
Akhalkalaki, ciudad de Georgia habitada por armenios, es
retratada como un modelo burlesco y a la vez trágico de ciudad
soviética. Rodada en 1988, tan solo unos años antes de la caída
de la Unión Soviética, predijo en cierto modo los inminentes
conflictos internos y el auge de los movimientos nacionales.
Durante muchos años, la nación armenia, al no tener categoría de
Estado, concentraba todos sus valores en la familia, convirtiéndola
en el centro del espíritu nacional. Cuando los protagonistas de la
película llegaron al norte de Armenia, no venían precisamente
del paraíso. Eran refugiados que huían de la violencia. Ambos
eran jóvenes, ella estaba embarazada. Crearon un mundo a su
alrededor y, al hacerlo, se crearon a sí mismos.
Drama en varios capítulos. El protagonista, un director de cine
documental, y su pequeño equipo analizaron y filmaron diversas
historias. La película está compuesta por materiales diversos
que ofrecen una mirada a la Armenia de mediados de los 90: la
tragedia del periodo de transición. Desesperación que engendra
esperanza.
The inhabitants of Kond, one of the oldest districts of Yerevan,
lashed by serious social problems, became the real object of longterm observation. The morning, afternoon, evening, night; waking
up – daily chores – work – lunch – leisure – dream. But also a
wedding and a burial, a fire and the birth of a child – the entire
cycle of human existence. And this relatively general routine is
filled with fragments of real life, which are presented to the viewer
from a variety of perspectives.
Primer Premio / First Prize, Moscow Young Filmmakers Festival (Rusia / Russia,
1987)
Mejor Documental / Best Documentary, Festival of Festivals (Kazajistán /
Kazakhstan, 1988)
Mejor Documental / Best Documentary, Sverdlovsk Documentary Film Festival
(Rusia / Russia, 1988)
Premio Mejor Película del Año / Best Film of the Year Prize, Tbilisi Film Festival
(Georgia, 1988)
Akhalkalaki, a town in Georgia inhabited by Armenians, is depicted
as burlesque and, at the same time, tragic model of a Soviet town.
Shot in 1988, only a few years before the collapse of the USSR, in
a way predicted the impending national conflicts on one side and
the rise of the national movements on the other.
For many years the Armenian nation, having no statehood,
concentrated all its values on the family and made it the center of
the national spirit. When the main characters of the film arrived
in northern Armenia, they were hardly coming from paradise. They
were refugees fleeing violence. Both were young. The woman
pregnant. They created a world around themselves, and in so
doing, created themselves.
Documentary drama in several chapters. The main character, a
documentary film director, and his small crew shoot and look
at several different stories. The film is composed of a variety of
materials providing an account of Armenia in mid 90s. The tragedy
of the transition period. Despair that gives birth to hope.
Mención Especial del Jurado / Jury’s Special Mention, Karlovy Vary International
Film Festival (República Checa / Czech Republic, 2003)
Mejor Película / Best Film, Premios de la Crítica Armenia / Armenian Film Critics
Awards, 2003;
Mejor Director / Best Director, Arsenal International Film Forum (Letonia / Latvia,
2004)
Segundo Premio / Second Prize, Nyon International Documentary Film Festival
(Suiza / Switzerland, 1989)
Premio del Jurado Ecuménico / Ecumenical Jury Award, St. Petersburg
International Festival “Message to Man” (Rusia / Russia, 1993)
Elefante Blanco / White Elephant, Premio de la Crítica Rusa / Russian Film
Critics Guild’s Award, 1993
Premio Especial / Special Prize, Gyor International Festival (Hungría / Hungary,
1993)
DIRECCIÓN, GUIÓN / DIRECTION, SCRIPTΩ Harutyun Khachatryan
PRODUCCIÓN / PRODUCTIONΩ Hayfilm/Armenfilm Studio
FOTOGRAFÍA / CINEMATOGRAPHYΩ Armen Mirakyan
SONIDO / SOUNDΩ Anahit Kesayan
MÚSICA / MUSICΩVagharshak Zakaryan
DIRECCIÓN / DIRECTIONΩ Harutyun Khachatryan
GUIÓN / SCRIPTΩ Harutyun Khachatryan, Mikayel Stamboltsyan
FOTOGRAFÍA / CINEMATOGRAPHYΩ Armen Mirakyan
MÚSICA / MUSICΩ Emma Mihranyan
GUIÓN / SCRIPTΩ Mikayel Stamboltsyan, Harutyun Khachatryan
FOTOGRAFÍA / CINEMATOGRAPHYΩ Artyom Melkumyan
MÚSICA / MUSICΩ Avet Terteryan
PRODUCCIÓN / PRODUCTIONΩ Harutyun Khachatryan, Gevorg Gevorgyan, (Hayfilm /
Armenfilm Studio)
GUIÓN / SCRIPTΩ Harutyun Khachatryan, Mikayel Stamboltsyan, Valeri Gasparyan
FOTOGRAFÍA / CINEMATOGRAPHYΩVahagn Ter-Hakobyan, Armen Mirakyan, Levon
Petrosyan
239
240
POETI VERADARDZE
BORDER (SAHMAN)
RETORNO DEL POETA / RETURN OF THE POET
V. O. ARMENIO / ARMENIAN. SUBT. ESPAÑOL, INGLÉS / SPANISH, ENGLISH
FRONTERA
HARUTYUN KHACHATRYAN – 35 mm / 82´ / 2009 / Armenia, Países Bajos /
Armenia, The Netherlands
Jivani fue un poeta del siglo xix nacido en Akhalkalak, una región
de Georgia poblada de armenios en la que un siglo después nacería
el director Harutyun Khachatryan. Esta obra de sensualidad táctil
describe nominalmente la creación paso a paso de una estatua
en honor del poeta, que acaba viajando en un camión por la
campiña armenia hasta el pueblo natal de Jivani. Un viaje que se
transforma en una observación poética del país y evoca el alma y
la vida diaria de su gente.
Ambientada en el periodo postsoviético, después del conflicto
armenio-azerí, gira en torno a un pueblo en el que un benefactor
americano de origen armenio abre un comedor benéfico y una granja
donde trabajan refugiados de diferentes procedencias. Un búfalo,
cuyos ojos serán los nuestros, sirve de hilo conductor de esta
historia que empieza cuando los habitantes del pueblo encuentran
al animal malherido y lo llevan a la granja, donde es visto con recelo
y acosado por los perros guardianes, los animales recogidos de aquí
y allá, y por los granjeros y refugiados, hastiados de la guerra y
embrutecidos por el incesante martilleo de las explosiones.
Jivani was a 19th century poet born in Akhalkalak, a region in
Georgia populated with Armenians, where a century later director
Harutyun Khachatryan was born. A work of tactile sensuality, it
nominally depicts the step-by-step creation of a monumental
statue of a poet that ends up traveling on the back of a truck
through the Armenian countryside en route to Jivani’s birthplace.
This journey turns into a poetic observation of the country and
evokes the soul and daily life of its people.
241
Set in the post-Soviet period, after the Armenian-Azeri conflict.
A village in which an American benefactor of Armenian descent
opens a charitable canteen and farm where refugees from
different places work. A buffalo, through whose eyes we see,
serves as the story’s theme, which begins when the villagers find
the animal stuck in a ditch, half alive. It is regarded with distrust
and harassed by the guard dogs, by the animals gathered from
here and there, and by the farmers and refugees weary from war,
their senses dulled from the barrage of constant explosions.
Premio Platino / Platinum Award, WorldFest Houston (Estados Unidos / USA,
2009)
Mejor Largometraje Documental / Best Feature Documentary, Syracuse
International Film Festival (Estados Unidos / USA, 2009)
Mejor Película de No-Ficción / Best Non-Fiction, Festival Internacional de Cine
de Gijón (España / Spain, 2009)
PRODUCCIÓN / PRODUCTIONΩ Harutyun Khachatryan, Gevorg Gevorgyan (Hayfilm /
Armenfilm Studio)
FOTOGRAFÍA / CINEMATOGRAPHYΩ Artyom Melkumyan, Armen Mirakyan, Ashot
Movsisyan, Vrezh Petrosyan
Jueves 13, 19:30 h, y domingo 16, 22:45 h / Thursday 13th, 7:30 pm, and
PRODUCCIÓN / PRODUCTIONΩ Harutyun Khachatryan, Gevorg Gevorgyan, Denis
Vaslin (Armenian National Film Centre, Golden Apricot FCD, Volya Films BV con el
apoyo del / with the support of Hubert Bals Fund)
FOTOGRAFÍA / CINEMATOGRAPHYΩVrezh Petrosyan
El proceso de creación documental es una experiencia vital además de creativa.
The creative process in documentary filmmaking is a both vital and creative experience.
Patricia Delso Lucas
WANG BING
Informative Section
WANG BING INFORMATIVE SECTION
244
SECCIÓN INFORMATIVA WANG BING
Quizás nos apresuramos a pensar que, con la llegada del cine digital, se estaba
produciendo el advenimiento final de un nuevo cine directo. Una época, se pensaba,
en la que la escritura cinematográfica tendería a cero, hasta casi desaparecer, para
dar paso a un cine cada vez más limpio, cada vez más real, en el que la intervención
(ay, la tan denostada intervención) del cineasta terminaría por desaparecer. Algo así
ocurrió con Wang Bing. Su debut con Tie Xi Qu (2003), una película de nueve horas en la
que, aparentemente, el director se limitaba a hacernos llegar, como si la cámara fuese
solamente un ojo de vigilancia, la realidad de una zona industrial en descomposición,
apuntaló la idea de Wang Bing como un mero testigo, impávido y casi aséptico, y de
su cine como lo más parecido a la vida en pantalla. ¿Habría llegado ya el momento en
que cine y vida correrían a la par, sin más diferencias que la pantalla que los separa?
Las catorce horas, que querían ser muchas más, de su Crude Oil (2008), o la aparente
sencillez de L´argent du charbon (2009) así parecían apuntarlo: la vida en directo, por
fin. Y quizás no está de más recordar las palabras de Chris Marker cuando señalaba
que el acrónimo de digital video (DV) coincidía también con las siglas de Dziga Vertov,
sí, el creador de la teoría del cine-ojo, pero sobre todo el autor de la imprescindible,
y no siempre bien reivindicada, El hombre de la cámara, quizás la primera película
apologética de la capacidad intervencionista del director-camarógrafo en la realidad.
Por eso es importante vincular, aunque sea una herejía histórica, el cine de Wang
Bing, rodado hasta ahora en pequeñas cámaras DV, con la herencia del primer DV:
Dziga Vertov. Porque en el cine de Wang Bing, donde él es una presencia en apariencia
silenciosa, y donde muchos han querido ver una progresiva desaparición del autor, no
hay sino uno de los exponentes máximos de un nuevo cine documental, nacido al calor
de las tecnologías digitales, que desmonta la ortodoxia documental desde, por ejemplo,
un gesto tan básico como el que sostiene su película He Fengming (2007): convertir la
película en un testimonio, en un rostro parlante. Nada más lejos, pues, de la aspiración
documental clásica (una ventana a la realidad, una mirada limpia) que la de ceder el
relato de la historia a la voz de una persona, única, y físicamente reconocible, palpable
en su rostro arrugado; la antítesis de la escritura cero y la consagración de la realidad
como un discurso construido a partir de miradas.
Gonzalo de Pedro Amatria
It might have been hasty of us to think that the introduction of digital film would bring
with it the final arrival of a new direct cinema. It was thought to be a period in which film
writing would plummet until it almost disappeared, to make way for an increasingly
clean cinema, increasingly real, in which intervention (ay, the ever-cursed intervention)
by the filmmaker would come to an end altogether. Something like that happened with
Wang Bing. His nine-hour debut film, in which the director apparently limited himself
to bringing us there, as though the camera were just an overseeing eye, the reality of an
industrial area in decay, Tie Xi Qu (2003) underscored Wang Bing’s idea of being a mere
witness, dauntless and nearly aseptic, and of his film as what most closely mirrors life
on screen. Had the moment arrived when film and life would walk hand in hand, with no
longer any differences other than the screen separating the two? The fourteen hours,
which were supposed to be more, of Crude Oil (2008), and the apparent simplicity of
L’argent du charbon (2009), seemed to aim for that: life as is, direct, finally. And it might
not be too much to remember Chris Marker’s works when pointing out that the Digital
Video acronym (DV) also coincides with the initials of Dziga Vertov, indeed, the creator of
the cine-eye, but more importantly the director of the essential and sometimes underrecognized The Man with the Camera, perhaps the first film to defend the interventionist
capacity of the director-camera operator into reality. For this reason, it is important to
associate (even if it is historical heresy) Wang Bing’s cinema, so far filmed on small
DV cameras, with the legacy of the first DV: Dziga Vertov. Because in Wang Bing’s
cinema, where he is an apparently silent presence, and where many have wanted to
see a progressive disappearance of the director, there is instead one of the greatest
exponents of a new kind of documentary film, one born out of digital technology, that
strips apart documentary orthodoxy from, for example, such a basic notion as the
one behind his film He Fengming (2007): to make film a testimony, a talking face. And
therefore, nothing further from the classic documentary (a window to reality, a clean
view) film aspiration of handing the storytelling over to a single, physically recognizable
person’s voice, someone’s tangible, wrinkled face; the antithesis of zero writing and the
established view of reality as a discourse built up out of view points.
Gonzalo de Pedro Amatria
245
WANG BING INFORMATIVE SECTION
246
SECCIÓN INFORMATIVA WANG BING
TIE XI QU: WEST OF THE TRACKS
HE FENGMING
CRUDE OIL
L’ARGENT DU CHARBON / TONG DAO
AL OESTE DE LOS RAÍLES
WANG BING – Betacam / 551’ / 2003 / China
FENGMING, CRÓNICA DE UNA MUJER CHINA / FENGMING, A CHINESE
MEMOIR
WANG BING – Betacam / 186’ / 2007 / China
CRUDO / CAIYOU RIJI
WANG BING – DVD / 840´ / 2008 / China, Países Bajos / China, The Netherlands
V. O. CHINO / CHINESE. SUBT. INGLÉS / ENGLISH
EL DINERO DEL CARBÓN / COAL MONEY
WANG BING – Betacam / 52´ / 2008 / Francia, China / France, China
El barrio de Tie Xi, en la ciudad de Shenyang, cerca de la frontera
norcoreana, se hunde económicamente por el cierre progresivo de
sus fábricas. Cerca de un millón de obreros se van quedando sin
trabajo o viven bajo presión hasta el desmantelamiento total. La
mísera barriada obrera es derruida y sus vecinos desalojados en
medio de todo tipo de conflictos. La película, que tardó más de un
año en rodarse, recoge la decadencia y los vestigios de una época
de febril actividad, en tres partes: Herrumbre, Vestigios y Raíles.
Invierno en China. Al anochecer, una mujer envuelta en una manta
roja camina lentamente por una barriada periférica en dirección a
su casa. Una vez en el salón, Fengming se sienta en su butaca y
comienza a recordar. Sus recuerdos nos transportan hasta el año
1949. Comienza entonces un viaje a través de más de 30 años de
su vida, que son, al mismo tiempo, 30 años de la historia de China.
A raíz de una propuesta hecha por el Festival de Róterdam,
Wang Bing filmó durante tres jornadas a los trabajadores de una
explotación petrolífera situada en el desierto del Gobi, Mongolia,
de lo que resultaron 14 horas en las que el director muestra las
condiciones de vida y el devenir cotidiano en dicha plataforma.
En la ruta del carbón que va de las minas de Shanxi al gran puerto
de Tianjin, los conductores de camiones de cien toneladas viajan
constantemente de un lado para otro, día y noche. En el borde
de la carretera, prostitutas, policías, mafiosos de tres al cuarto,
dueños de talleres, mecánicos…
As a result of a proposal made by the Rotterdam Film Festival,
Wang Bing filmed the workers of an oil exploration site in the
Mongolian Gobi desert for three days, out of which came fourteen
hours of footage in which the director shows the living conditions
and daily developments on that platform.
On the coal road linking the Shanxi mines with the large port of
Tianjin, in northern China, the drivers of 100-ton trucks shuttle
endlessly to and fro, day and night. On the roadside: prostitutes,
cops, petty racketeers, garage owners, mechanics...
The Tie Xi neighborhood in the city of Shenyang, near the North
Korean border is economically crushed by the gradual closing of
its factories. Around a million workers have been put out of work
and are oppressed to the point ruin. This squalid working class
area is being torn down and the residents driven away by the many
conflicts. This film captures the decline and remains of a period of
feverish activity. The documentary took over a year to film and is
divided into three parts: Rust, Remnants and Rails.
Winter in China. At dawn a woman draped in a red blanket walks
slowly through a neighborhood on the way home. Once in her
living room, Fengming sits in an armchair and starts recalling. Her
memories take us back to 1949. That was when an over 30 year
journey of her life started that, at the same time, shows 30 years
in the history of China.
Gran Premio / Grand Prix, Festival International du Documentaire de Marseille
(Francia / France, 2003)
Premio Robert y Frances Flaherty / Robert & Frances Flaherty Prize, Yamagata
International Documentary Festival (Japón / Japan, 2003)
Primer Premio / First Prize, Festival Internacional de Cine Contemporáneo de la
Ciudad de México (México / Mexico, 2005)
DIRECCIÓN, FOTOGRAFÍA / DIRECTION, CINEMATOGRAPHYΩ Wang Bing
PRODUCCIÓN / PRODUCTIONΩ Wang Bing, Zhu Zhu
MONTAJE / EDITINGΩ Adam Kerby, Wang Bing
SONIDO / SOUNDΩ Chen Chen, Bing Hang
PARTE I / PART 1 240’
PARTE II / PART 2 176’
PARTE III / PART 3 135’
DIRECCIÓN, FOTOGRAFÍA / DIRECTION, CINEMATOGRAPHYΩ Wang Bing
PRODUCCIÓN / PRODUCTIONΩ Francesca Feder, Lihong K., Louise Prince
GUIÓN / SCRIPTΩYang Wang
MONTAJE / EDITINGΩ Adam Kerby
SONIDO / SOUNDΩ Shen Jinguang
DIRECCIÓN / DIRECTIONΩ Wang Bing
PRODUCCIÓN / PRODUCTIONΩ Li Hong, Wang Bing
FOTOGRAFÍA / CINEMATOGRAPHYΩ Huang Wenhai, Wang Bing, Zhang Yuedong
MONTAJE / EDITINGΩ Guo Hengqi
SONIDO / SOUNDΩ Xiao He
ARCHIVO DOCUMENTA / DOCUMENTA ARCHIVES
Disponible para visionados privados / Available for individual viewings
at the Documenta Archive
Segundo Premio de Creación Documental / Original Documentary Second Prize,
Documenta Madrid 09 (España / Spain, 2009)
DIRECCIÓN, GUIÓN, FOTOGRAFÍA, SONIDO / DIRECTION, SCRIPT, CINEMATOGRAPHY,
SOUNDΩ Wang Bing
PRODUCCIÓN / PRODUCTIONΩ Serge Lalou, Hélène Cerutti
MONTAJE / EDITINGΩ Catherine Rascon
247
Archivo / Archive: Dr. Schebera, Berlín / Berlin
HANNS EISLER
Informative Section
HANNS EISLER INFORMATIVE SECTION
HANNS EISLER: MÚSICA DIALÉCTICA PARA EL CINE
250
Hanns Eisler (1898-1962) compuso una gran cantidad de música, y buena parte de ella
estaba destinada al cine. En esta ocasión, gracias al Festival Documenta Madrid, se
podrán escuchar y ver los trabajos documentales en los que dejó su impronta sonora
a lo largo de cuatro décadas. Sus comienzos, sin embargo, no presagiaban esa
dedicación. Tras unos primeros pasos de formación autodidacta, entró a formar parte
del círculo compositivo de Arnold Schönberg en Viena. Allí no tardó en convertirse en
el discípulo preferido del creador del dodecafonismo. Cuando se produjo la ruptura
entre discípulo y maestro en 1926, se abrió una puerta para una nueva etapa en su
carrera que benefició especialmente a la música cinematográfica. Dotado de cualidades
musicales innatas, conocedor en profundidad de los planteamientos compositivos
y teóricos de la Escuela de Viena, consciente de la situación política del final de la
República de Weimar, Eisler se trasladó a Berlín con la intención de construir una nueva
música diferente a la abstracción intelectual que avalaba su ya exmaestro, una música
dialéctica al servicio de los desheredados –recuérdese el Wir, Arme Leute del Wozzeck
bergiano– y al servicio, por lo tanto, del intento de transformación social. No tardó en
comenzar a colaborar con Bertolt Brecht, componiendo música para sus canciones,
ni en componer música para el cine y teorizar sobre su utilización. En el círculo berlinés
en que comenzó a moverse se encontraban también intelectuales como Theodor W.
Adorno, con el que mantuvo una intensa y problemática amistad, o Walter Benjamin.
Tras una primera colaboración con Walther Ruttmann en el film Opus III, en 1927
comenzó a componer música para el cine documental. Trabajó con los directores Joris
Ivens, Joseph Losey, David Wolff, Robert Strebbins, Lionel Berman, Herbert Kline, John
Ferno o Alain Resnais, entre otros. Su compromiso político le condujo al exilio cuando
el nacionalsocialismo se hizo con el poder en Alemania. Y ese exilio tuvo un breve
capítulo madrileño en el que colaboró con las Brigadas Internacionales. La Marcha del
5.º Regimiento, ¡No pasarán!, compuestas en colaboración con José Herrera Petere, o
La Comintern y La canción del Frente Popular figuraron en el repertorio del cancionero
de la Guerra Civil. Por desgracia, nada se ha hecho para conservar recuerdo de aquella
visita y poco para que la producción musical y teórica de Eisler tenga una presencia más
relevante en la cultura española. No le ha beneficiado su afinidad con el comunismo,
ni el hecho de que pasara en la extinta República Democrática Alemana sus últimos
años, ni que falleciera mucho antes del comienzo del proceso de transición española
a la democracia. De ahí que, como ya señalara el llorado Ángel Fernando Mayo en el
prólogo a la única obra sobre Eisler traducida al castellano –el libro de Albrecht Betz
Hanns Eisler. Música de un tiempo que está haciéndose ahora mismo–, sea casi imposible
encontrar incluso la discografía eisleriana en las tiendas españolas. Una traducción
cubana parcial de algunos textos –Escritos teóricos: materiales para una dialéctica de la
música–, algunos trabajos de Breixo Viejo, entre los que se encuentra la traducción del
libro escrito en colaboración entre Adorno y Eisler en el exilio californiano, Composición
SECCIÓN INFORMATIVA HANNS EISLER
para el cine, y algunos, pocos, artículos especializados componen la exigua recepción
de Hanns Eisler en español. De ahí el imprescindible agradecimiento a Filmoteca
Española, al Goethe Institut, a la Internationale Hanns Eisler Gesellschaft y a los
organizadores del Festival Documenta Madrid por esta iniciativa que contribuye a
normalizar esa recepción y a que el conocimiento de la obra de Eisler ocupe el lugar
que merece. Por primera vez se podrán ver en un solo ciclo películas que había que
buscar y rebuscar y otras que no se habían podido ver hasta ahora. Muchos años
después, Eisler vuelve a Madrid.
Antonio Notario Ruiz
Universidad de Salamanca
HANNS EISLER: DIALECTIC MUSIC FOR CINEMA
Hanns Eisler (1898-1962) composed a large amount of music and a great deal of it was
meant for cinema. On this occasion, thanks to Document Madrid, we will be able to
listen to and see the documentary work on which he left his mark over the course of
four decades. He did not, however, make his start with this profession. After starting
out with a period of self-taught training, he joined the Arnold Schönberg’s circle of
composers in Vienna. It was not long before we would become the twelve tone creator’s
favorite disciple. When the disciple and master parted ways in 1926, a door opened for a
new stage in his career, which benefited music for film in particular. Gifted with innate
musical talent and deep knowledge of the compositional approaches and theory from
the Vienna School, and aware of the political situation bringing an end to the Weimar
Republic, Eisler moved to Berlin to build a New Music different from the intellectual
abstraction purported by his ex-master, a dialectic music meant to serve the forsaken
– recall the Bergian Wir, Arme Leute of Wozzeck, and therefore to serve the purpose of
social transformation. He soon began collaborating with Bertolt Brecht by composing
music for his songs, and composing music for cinema and theorizing on its use. In the
circles he began moving within in Berlin, he also found intellectuals such as Theodor
W. Adorno (with whom he had an intense and problematic friendship) and Walter
Benjamin. After an initial collaboration with Walther Ruttmann on the film Opus III in
1927, he started composing music for documentary film. He worked with the directors
Joris Ivens, Joseph Losey, David Wolff, Robert Strebbins, Lionel Berman, Herbert
Kline, John Ferno or Alain Resnais, among others. His political involvement drove him
to exile when national-socialism took power in Germany. That exile included a brief
stay in Madrid, during which he collaborated with the International Brigade. La Marcha
del 5º Regimiento, ¡No pasarán!, composed in collaboration with José Herrera Petere,
and La Comintern and La canción del Frente Popular were among the song repertoire
of the Civil War. Unfortunately, nothing was made to conserve the memory of that visit
and there was little to make Eisler’s musical and theoretical production more present
251
252
in Spanish culture. His affinity for communism has not benefited him, nor has the fact
that he spent his last years in the former Democratic Republic of Germany, nor that he
died long before the beginning of the Spanish transition to democracy. Which is why, as
pointed out by the late lamented Ángel Fernando Mayo in the prologue to the only book
on Eisler translated into Spanish, Albrecht Betz’s Hanns Eisler: Música de un tiempo
que está haciéndose ahora mismo, it is almost impossible to even find Eisler’s musical
work in Spanish shops. A partial Cuban translation of some texts, Escritos teóricos:
materiales para una dialéctica de la música, some of Breixo Viejo’s work, which includes
the translation of the book written in collaboration with Adorno and Eisler while in exile
in California, Composición para el cine, and a few, not many, specialized articles make
up the meager reception Hanns Eisler has had in Spanish. And so thanks must be given
to the Filmoteca Española, the Goethe Institute and the Internationale Hanns Eisler
Gesellschaft and the staff at the Documenta Madrid Festival for this initiative, which
helps to normalize his presence and gives Eisler’s work the place that it deserves. For
the first time, we will be able to see films that one used to have to search and search
for, and others that could not be seen until now. Many years later, Eisler returns to
Madrid.
253
Antonio Notario Ruiz
University of Salamanca
Hacer un documental es para mí una manera de ir al encuentro con los otros.
To make a documentary is for me a way of going to meet others.
Sophie Bolze
254
REGEN
KOMSOMOL / PESN O GEROYAKH
NIEUWE GRONDEN
THE 400 MILLION
LLUVIA / RAIN
JORIS IVENS, MANNUS H. K. FRANKEN – 35 mm / 12´ / 1932 / Países
Bajos / The Netherlands
CANCIÓN DE HÉROES, HABLA LA JUVENTUD / SONG OF HEROES, YOUTH
SPEAKS
JORIS IVENS – 35 mm / 50´ / 1932 / URSS / USSR
V. O. RUSO, INGLÉS / RUSSIAN, ENGLISH. SUBT. ESPAÑOL / SPANISH
NUEVA TIERRA / NEW EARTH
JORIS IVENS – 35 mm / 30´ / 1933 / Países Bajos / The Netherlands
V. O. HOLANDÉS / DUTCH. SUBT. ESPAÑOL / SPANISH
LOS 400 MILLONES
JORIS IVENS – 35 mm / 53´ / 1939 / Estados Unidos, China / USA, China
V. O. INGLÉS, CANTONÉS / ENGLISH, CANTONESE. SUBT. ESPAÑOL / SPANISH
Poema fílmico sobre la irrupción y el final de un aguacero en
Ámsterdam, ciudad que, al igual que muchas otras capitales, como
Moscú, Berlín, París o Nueva York, fue retratada por directores de
vanguardia de los años 20. Es una obra impresionista compuesta
según pautas musicales. Ivens tardó más de dos años en filmar,
en distintos lugares de la ciudad, los suficientes chubascos para
poder hacer la película. En 1932-1933, Helen van Dongen hizo una
versión sonora de Regen con música de Lou Lichtveld (seudónimo
de Albert Helman). Más adelante, la película inspiraría a otros
músicos, como Hanns Eisler en 1941.
La organización juvenil del Partido Comunista de la Unión
Soviética, el Komsomol, como parte del primer plan quinquenal
de Stalin, se entrega a la fabricación de una planta de acero que
sea capaz de desafiar a sus rivales occidentales. Magnitogorsk,
en los Urales, donde se construye en pocos años una ciudad
industrial de más de 200.000 habitantes, y la cuenca del Obi,
Siberia, son el escenario elegido para este tributo a los logros de
aquellos voluntarios, que sin embargo no muestra el lado oscuro
de la historia: los miles de prisioneros de los gulags que fueron
sometidos a trabajos forzados bajo unas condiciones inhumanas.
En 1934 Ivens utilizó el material elaborado para la película
Zuiderzee, e imágenes adicionales para crear esta nueva versión,
en la que se añade un mensaje político, el montaje es más
potente, y que está secundada por la conmovedora música de
Hanns Eisler. Al fragmento correspondiente a la reivindicación
de nuevas tierras para la agricultura y al cierre de la presa, le
siguen imágenes de la crisis económica y la pobreza que asolaron
a los trabajadores. Ivens contrapone esto a la especulación de
mercado: los que participaron de la reivindicación están ahora sin
trabajo y hambrientos, mientras el grano se vierte al mar para
mantener los precios altos.
Durante la invasión japonesa, el Kuomintang (Partido Nacionalista
Chino), liderado por Chiang Kai-shek, interrumpió la lucha que
mantenía contra el Partido Comunista de China por la hegemonía
en la región para formar un frente unido –al menos en teoría–
contra su enemigo común. Partiendo del bombardeo japonés de
Hankow, se nos muestran todos los aspectos de la guerra: el
campo de batalla, los refugiados, los muertos y heridos, el miedo
y el sufrimiento humanos. La resistencia se sitúa en el contexto
de la antigua cultura china. La música de Hanns Eisler es la
primera banda sonora compuesta con la técnica de doce tonos de
su maestro Arnold Schönberg.
A film poem about the rise and demise of a rain shower in
Amsterdam, as many capitals were filmed by avant-garde
filmmakers in the 1920’s (a.o. Moskow, Berlin, Paris, New York).
The film is impressionistic and composed following musical
guidelines. It took Ivens over two years to shoot enough rain
showers on different locations in the city to be able to compose
this film. In 1932/33 Helen van Dongen made a sound version of
Rain with music by Lou Lichtveld (alias from Albert Helman). More
composers would later be inspired to write music for this film, like
Hanns Eisler in 1941.
As part of the Stalin’s first five year plan, the Soviet Union’s
Communist youth worker organisation Komsomol, started
building blast furnaces to rival its Western rivals. Magnitogorsk
in the Ural Mountains, where an industrial city of over 200,000
people was built in just a few years, and the Ob basin in Siberia
are the settings chosen to render tribute to the achievements
of the volunteers, though it does not show the dark side of history:
the thousands of imprisoned Gulag doing hard labour under
terrible conditions.
In 1934 Ivens used the same material elaborated for the film
Zuiderzee, and additional footage, to make this new version, which
this time has a political message, features stronger editing, and
is sustained by the stirring music of Hanns Eisler. After the part
on the reclamation of new land for agriculture and the closing of
the dyke, the film continues with images of the economic crisis
and the poverty among labourers. Ivens opposes this with the
speculation on the market: those who helped with the reclamation
of new land for agriculture are now unemployed and starving,
while grain is dumped at sea to keep prices up.
During the Japanese invasion, the Kuomintang (Chinese
Nationalist Party) led by Chiang Kai-shek interrupted the fight it
was having against the Chinese Communist Party over hegemony
in the region in order to form a united front, at least in theory,
against their common enemy. The film opens with a Japanese
bombardment of Hankow, showing all aspects of warfare: the
field battles, the refugees, dead and wounded, fear and human
suffering. The film also places the resistance in the context of
China’s ancient culture. The music by Hanns Eisler is the first
score composed with the twelve tone technique of Eisler’s teacher
Arnold Schönberg.
DIRECCIÓN / DIRECTIONΩ Joris Ivens, Mannus H. K. Franken
PRODUCCIÓN / PRODUCTIONΩ CAPI Amsterdam
FOTOGRAFÍA, MONTAJE / CINEMATOGRAPHY, EDITINGΩ Joris Ivens
MÚSICA / MUSICΩ Lou Lichtveld (1932), Hanns Eisler (1941)
DIRECCIÓN / DIRECTIONΩ Joris Ivens
PRODUCCIÓN / PRODUCTIONΩ Mesjrabpom Film
GUIÓN / SCRIPTΩ Josif Skljoet
FOTOGRAFÍA / CINEMATOGRAPHYΩ Alexander Sjelenkov
MONTAJE / EDITINGΩ Joris Ivens, Herbert Marshall
MÚSICA / MUSICΩ Hanns Eisler
DIRECCIÓN, GUIÓN, LOCUCIÓN / DIRECTION, SCRIPT, VOICEΩ Joris Ivens
PRODUCCIÓN / PRODUCTIONΩ CAPI Amsterdam
FOTOGRAFÍA / CINEMATOGRAPHYΩ Joris Ivens, John Fernhout, Joop Huisken,
Helen van Dongen, Eli Lotar
MONTAJE / EDITINGΩ Joris Ivens, Helen van Dongen
DIRECCIÓN, GUIÓN / DIRECTION, SCRIPTΩ Joris Ivens
PRODUCCIÓN / PRODUCTIONΩ History Today Inc.
FOTOGRAFÍA / CINEMATOGRAPHYΩ John Fernhout, Robert Capa
MONTAJE / EDITINGΩ Helen van Dongen
LOCUCIÓN / VOICEΩ Frederic March, Sidney Lumet
FILMOTECA ESPAÑOLA Salas 1 y 2 / Theaters 1 and 2
Viernes 7, 17:30 h, y viernes 14, 20:00 h / Friday 7th, 5:30 pm, and Friday
14th, 8:00 pm
Viernes 7, 17:30 h, y viernes 14, 20:00 h / Friday 7th, 5:30 pm, and Friday
14th, 8:00 pm
Sábado 8, 20:00 h, y martes 11, 17:30 h / Saturday 8th, 8:00 pm, and
Tuesday 11th, 5:30 pm
Sábado 8, 20:00 h, y martes 11, 17:30 h / Saturday 8th, 8:00 pm, and
Tuesday 11th, 5:30 pm
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WHITE FLOOD
A CHILD WENT FORTH
THE FORGOTTEN VILLAGE
INUNDACIÓN BLANCA
LIONEL BERMAN, ROBERT STREBBINS , DAVID WOLFF — DVD / 15´ / 1940
Estados Unidos / USA
UN NIÑO PARTIÓ
JOSEPH LOSEY – DVD / 20´ / 1941 / Estados Unidos / USA
EL PUEBLO OLVIDADO
ALEXANDER HAMMID , HERBERT KLINE – 35 mm / 67´ / 1941 / Estados
Unidos / USA
V. O. INGLÉS, ESPAÑOL / ENGLISH, SPANISH. SUBT. ESPAÑOL / SPANISH
Pieza sobre la edad del hielo con música dodecafónica, realizada
por la productora filocomunista Frontier Films. Algunos colaboradores de la misma habían rodado imágenes en Alaska, los
Alpes y diferentes secuencias con la nieve como protagonista.
Berman, Maddow y Meyers escribieron el guión y montaron esas
imágenes, lo que resultó en un documental con vocación didáctica
que, a través del agua, los glaciares, la nieve y el hielo, pretende
presentar la actividad de la naturaleza desde la perspectiva de la
transformación permanente.
Durante la Segunda Guerra Mundial, un niño es enviado a una
granja para evitar los bombardeos de Londres.
During the Second World War, a child is sent to a farm to avoid
the bombing of London.
Estudio sociológico de los habitantes de un pueblo de la provincia
de Santiago, en las remotas montañas del noreste de México.
La vida del pequeño Juan Diego y su familia refleja hasta qué
punto la comunidad se encuentra alejada de la civilización
moderna. Denuncia del gobierno y la religión, que mantienen a los
campesinos en situación de pobreza, analfabetismo y anclados en
la superstición y la miseria.
A sociological study of the people living in a small town in the
province of Santiago, in the remote mountains of northeastern
Mexico. The villagers have not caught up with modern civilization,
as reflected in the life of a young boy, Juan Diego, and his family.
A protest against the government and religion that keeps the
peasants poor, uneducated and rooted to superstition and poverty.
A piece about the Ice Age featuring twelve-tone music made by
the pro-communist production company Frontier Films. Some
of the collaborators on it have shot images in Alaska, the Alps
and different sequences featuring snow. Berman, Maddow and
Meyers wrote the screenplay and edited the footage, resulting in
an educational documentary that depicts nature at work in water,
glaciers, snow and ice, with an overarching theme of permanent
transformation.
WILHELM PIECK – DAS LEBEN UNSERES
PRÄSIDENTEN
WILHELM PIECK: LA VIDA DE NUESTRO PRESIDENTE / WILHELM PIECK
– THE LIFE OF OUR PRESIDENT
ANDREW THORNDIKE – 35 mm / 75´ / 1951 / Alemania / Germany
Basándose en materiales documentales, Andrew Thorndike
muestra la trayectoria vital de Wilhelm Pieck: desde joven
trabajador a luchador de la clase obrera alemana, y de enemigo
del nacionalsocialismo a primer presidente de la República
Democrática Alemana.
Basing his work on documentary material, Andrew Thorndike tells
the life story of Wilhelm Pieck: from young worker to fighter for
the German working class, and from enemy of national-socialism
to the first president of the German Democratic Republic.
DIRECCIÓN, GUIÓN, MONTAJE / DIRECTION, SCRIPT, EDITINGΩ Lionel Berman,
Robert Strebbins (Sidney Meyers), David Wolff (Ben Maddow)
PRODUCCIÓN / PRODUCTIONΩ Frontier Films
FOTOGRAFÍA ORIGINAL / ORIGINAL CINEMATOGRAPHYΩ William O. Field jr.,
Sherman Pratt
DIRECCIÓN / DIRECTIONΩ Joseph Losey
PRODUCCIÓN / PRODUCTIONΩ John Fernhout, Joseph Losey
GUIÓN / SCRIPTΩ Munro Leaf
LOCUCIÓN / VOICEΩ Lloyd Gough
DIRECCIÓN / DIRECTIONΩ Alexander Hammid, Herbert Kline
PRODUCCIÓN / PRODUCTIONΩ Alexander Hammid, Herbert Kline, Rosa Harvan
Kline
GUIÓN / SCRIPTΩ John Steinbeck
FOTOGRAFÍA / CINEMATOGRAPHYΩ Alexander Hammid
MONTAJE / EDITINGΩ Herbert Kline
DIRECCIÓN / DIRECTIONΩ Andrew Thorndike
PRODUCCIÓN / PRODUCTIONΩ DEFA-Studio für Dokumentarfilme
GUIÓN / SCRIPTΩ Andrew Thorndike, Otto Winzer
FOTOGRAFÍA / CINEMATOGRAPHYΩ Erwin Anders, Harry Bremer
MONTAJE / EDITINGΩ Ella Ensink
257
258
NUIT ET BROUILLARD
AKTION J
UNBÄNDIGES SPANIEN
DER OKTOBER KAM…
NOCHE Y NIEBLA / NIGHT AND FOG
ALAIN RESNAIS – 35 mm / 32´ / 1955 / Francia / France
V. O. FRANCÉS / FRENCH. SUBT. ESPAÑOL / SPANISH
ACCIÓN J / ACTION J
WALTER HEYNOWSKI – Betacam / 81´ / 1961 / Alemania / Germany
ESPAÑA INDÓMITA / INDOMITABLE SPAIN
JEANNE STERN, KURT STERN – 35 mm / 79´ / 1962 / Alemania / Germany
LLEGÓ OCTUBRE… / OCTOBER CAME…
KARL GASS – 35 mm / 68´ / 1970 / Alemania / Germany
Vívido retrato del horror de los campos de concentración nazis.
Rodada en 1955, en el Auschwitz de la posguerra, combina
secuencias en color, imágenes de noticiarios y fotogramas para
relatar la historia del Holocausto y de la brutal crueldad del
hombre.
Retrato propagandístico de la carrera política de Hans Globke,
secretario de Estado del Bundeskanzleramt bajo la jefatura de
Konrad Adenauer. A través de documentos originales, fotografías
y relatos de testigos, se describe el importante papel que, como
comentarista y corredactor de las leyes de Nuremberg, Globke
desempeñó en la elaboración del decreto antisemita y a la hora
de determinar la manera en la que este se aplicaría. Del mismo
modo que se pone de relieve su importante papel político en la
Alemania Occidental, se recuerda su parte de responsabilidad en
el Holocausto.
Sobre la base de The Spanish Earth, película de Joris Ivens rodada
en 1937 con la colaboración de Ernest Hemingway y otros, Kurt y
Jeanne Stern utilizaron música de Hanns Eisler y fotomontajes de
John Heartfield para el nuevo epílogo y prólogo de la película. Las
imágenes muestran la dura vida de los campesinos, convertidos
ahora en dueños de las tierras. Para defender lo que acaban de
conseguir, se incorporan a las milicias que, con el apoyo de tropas
regulares republicanas y voluntarios del todo el mundo, luchan
contra los golpistas de Franco. El nuevo material quiere mostrar
cómo Occidente trató de convertir a Franco en su aliado durante la
Guerra Fría, pero también la actuación constante de la oposición
en España a través de huelgas y manifestaciones.
Reportaje en torno a las celebraciones del 20º aniversario de
la República Democrática Alemana, para cuya banda sonora se
utilizó una composición previa de Hanns Eisler.
A vivid depiction of the horrors of Nazi Concentration Camps.
Filmed in 1955 at the post-war site of Auschwitz, the film
combines color footage with black and white newsreels and stills
to tell the story of the Holocaust and the man’s brutal inhumanity.
A propagandistic portrait of the political career of Hans Globke,
the former state secretary in the Bundeskanzleramt under Konrad
Adenauer’s leadership. Through original documents, photographs
and witness accounts, it describes the important part that Globke,
as commentator and co-writer of the Nuremberg laws, played in
the anti-Semitic decree and in determing the way it was to be
carried out. At the same time, it highlights his powerful political
role in West Germany and recalls his share of the responsibility
for the Holocaust.
259
Basing their work on the 1937’s The Spanish Earth Joris Ivens film
made with the help of Ernest Hemingway and others, Kurt and
Jeanne Stern used Hanns Eisler’s music and John Heartfield’s
photo montages to make a new epilogue and prologue for the film.
The images show the hard life of the peasants, now as landowners.
To defend what they had just managed to acquire, they join the
militias who, with support from the regular republican troops and
volunteers from all over the world, fight against the Franco coup.
The new material seeks to show how the West sought to convert
Franco into an ally during the Cold War, in addition to the constant
opposition in Spain through strikes and demonstrations.
DIRECCIÓN, MONTAJE / DIRECTION, EDITINGΩ Alain Resnais
PRODUCCIÓN / PRODUCTIONΩ Anatole Dauman, Samy Halfon, Philippe Lifchitz
FOTOGRAFÍA / CINEMATOGRAPHYΩ Ghislain Cloquet, Sach Vieny
DIRECCIÓN, GUIÓN / DIRECTION, SCRIPTΩ Walter Heynowski
PRODUCCIÓN / PRODUCTIONΩ Deutscher Fernsehfunk
FOTOGRAFÍA / CINEMATOGRAPHYΩ Rolf Sperling
DIRECCIÓN, GUIÓN / DIRECTION, SCRIPTΩ Jeanne Stern, Kurt Stern
PRODUCCIÓN / PRODUCTIONΩ DEFA-Studio für Wochenschau und Dokumentarfilme
FOTOGRAFÍA / CINEMATOGRAPHYΩ Peter Hellmich, Christian Lehmann
MONTAJE / EDITINGΩ Inge Dochow
LOCUCIÓN / VOICEΩ Norbert Christian, Mathilde Danegger, Manfred Krug, Hilmar
Thate, Ekkehard Schall
Mejor Cortometraje / Best Short Film, Premios Jean Vigo (Francia / France, 1956)
A report on the celebrations of the 20th anniversary of the
German Democratic Republic, the soundtrack of which features
a composition done earlier by Hanns Eisler.
DIRECCIÓN, GUIÓN / DIRECTION, SCRIPTΩ Karl Gass
PRODUCCIÓN / PRODUCTIONΩ DEFA-Studio für Dokumentarfilme
FOTOGRAFÍA / CINEMATOGRAPHYΩ Peter Barthel, Hans Borrmann, Georg Kilian,
Werner Kohlert, Hans-Jürgen Kruse, Gerhard Münch, Nicola Pawloff, Hans-Jürgen
Reinicke, Rolf Sohre
SOLIDARITY SONG: THE HANNS EISLER
STORY
CANCIÓN DE SOLIDARIDAD: LA HISTORIA DE HANNS EISLER
THOMAS WALLNER, LARRY WEINSTEIN – Betacam / 89´ / 1995 / Alemania,
Canadá / Germany, Canada
V. O. ALEMÁN / GERMAN. SUBT. ESPAÑOL / SPANISH
260
Hanns Eisler, posiblemente uno de los más grandes compositores
del siglo xx, es también uno de los menos conocidos. Este
comunista devoto fue perseguido por los fascistas alemanes, el
Comité de Actividades Antiamericanas tras huir a Estados Unidos
y, finalmente, por el Gobierno comunista de Alemania del Este,
el acoso más doloroso. Su cercana relación con personalidades
como Arnold Schönberg, Bertolt Brecht y Charlie Chaplin,
sus convicciones políticas y humanísticas y la extraordinaria
diversidad de su música para teatro, cine, cantantes solistas y
coros (incluido el himno nacional de Alemania del Este) quedan al
descubierto en este retrato documental.
261
Hanns Eisler, arguably one of the greatest composers of the
twentieth century, is also one of the least known. A devoted
communist, he was persecuted by the fascists of Germany, the
House Committee on Un-American Activities in the US after he
fled here, and then finally, and most painfully, the communist
government of East Germany. His close relationships with such
personalities as Arnold Schönberg, Bertolt Brecht, and Charlie
Chaplin, his political and humanistic convictions, and his
remarkably diverse music for theatre, film, orchestra, singers and
choir – even East Germany’s national anthem – are all illuminated
in this documentary portrait.
DIRECCIÓN / DIRECTIONΩ Thomas Wallner, Larry Weinstein
PRODUCCIÓN / PRODUCTIONΩ Gabrielle Faust, Niv Fichman (Rhombus Media)
GUIÓN / SCRIPTΩThomas Wallner, Larry Weinstein
FOTOGRAFÍA / CINEMATOGRAPHYΩ Horst Zeidler
MONTAJE / EDITINGΩ David New
Las relaciones con los personajes podrían definirse como “el corazón del corazón” del
documental.
The relationships with characters could be defined as “the heart in the heart” of
documentary.
Bruno Bigoni
GONZALO HERRALDE
Informative Section
GONZALO HERRALDE INFORMATIVE SECTION
264
SECCIÓN INFORMATIVA GONZALO HERRALDE
El lugar que ocupa el documental en la producción cinematográfica de Gonzalo Herralde
es discreto y, al mismo tiempo, insoslayable, tanto si nos referimos al conjunto de su
filmografía como si atendemos al marco, más amplio, del cine de la Transición española.
Y es que tanto en Raza, el espíritu de Franco (1977) como en El asesino de Pedralbes (1978)
Herralde abordó con una técnica novedosa algunos de los grandes tabúes del régimen
franquista cuando la sociedad española apenas despertaba del mal sueño de la Dictadura.
En el primero de sus documentales, Herralde desenmascaró los mitos del
franquismo esbozados en la película Raza (José Luis Sáenz de Heredia, 1942), cuyo
guión había escrito el propio Francisco Franco bajo seudónimo. Fruto de una estrecha
colaboración con el crítico perteneciente a la gauche divine de la Escuela de Barcelona,
Román Gubern, que trabajó en este proyecto como guionista, Raza, el espíritu de Franco
constituye un brillante ejercicio de montaje y desmontaje a partir del cual los autores
se proponían diseccionar el guión escrito por el caudillo en clave autobiográfica para
entender sus fantasmas y la lógica que sustentaba la psique del dictador. Si las escenas
de la película de Sáenz de Heredia, extraídas de su contexto narrativo original, parecían
hablar por sí solas de las frustradas aspiraciones pequeñoburguesas de Franco, las
declaraciones de su hermana Pilar y del galán cinematográfico Alfredo Mayo añadían
enjundia al jugoso retrato trazado por Herralde.
Con El asesino de Pedralbes, el director barcelonés abordó la psicopatología
de uno de los delincuentes más mediáticos del tardofranquismo, José Luis Cerveto,
para proporcionar, a través de su relato en primera persona, las claves de algunas
de las secuelas que la represiva cultura dictatorial dejó en la sociedad española. Tal
y como el periodista Fernando Samaniego señaló en su momento, por primera vez
en esta película un detenido explicaba su situación ante la sociedad y cuestionaba
las instituciones disciplinarias. Utilizando métodos propios del cine de ficción para
generar un complejo mecanismo de identificaciones en el espectador, Herralde tejió un
relato magistral a través del cual el propio Cerveto vivió una transformación personal
mediante la que pudo vislumbrar una catarsis, una liberación de sus traumas que, por
lo demás, habría de revelarse fallida.
Sonia García López
Gonzalo Herralde’s documentary work holds a discreet and yet unavoidable place in his
film production, both when referring to the whole of his filmography, as well as when
viewed as a broader part of Spanish film from the transition period. Indeed, in both
Raza, el espíritu de Franco (1977) and in El asesino de Pedralbes (1978) Herralde tackled
some of the great taboo subjects of the Franco regime with a novel technique, just
when Spanish society was waking up for the bad dream of the Dictatorship.
In the first of his documentaries, Herralde unmasked the myths of the Franco
era sketched out in the film Raza (José Luis Sáenz de Heredia, 1942), the screenplay of
which had been written by Francisco Franco under a pseudonym. The result of close
collaboration with the gauche divine critic from the Barcelona School of Film, Román
Gubern, who worked on this project as a screenwriter, Raza, el espíritu de Franco is
a brilliant exercise in editing and unediting, through which the filmmakers sought to
dissect the screenplay that El Caudillo had written as an autobiography in order to
understand his ghosts, and the logic the dictator used to sustain his psyche. While the
scenes from the Sáenz de Heredia film extracted from their original narrative context
seemed to speak for themselves about Franco’s frustrated petit bourgeois aspirations,
the statements from his sister Pilar and the screen idol Alfredo Mayo added weight to
the playful portrait sketched out by Herralde.
With El asesino de Pedralbes, the director from Barcelona tackled the
psychopathology of one of the most widely reported criminals in the press at the end of
the regime, José Luis Cerveto. Through this story in the first person, Herralde provided
the keys to understanding some of the scars that the dictatorship’s cultural repression
left on Spanish society. As the journalist Fernando Samaniego pointed out at that time,
this film was the first time a prisoner explained his situation to society and questioned
the disciplinary institutions. Using methods typical in fiction film to instill the spectator
with a complex identification mechanism, Herralde masterfully weaves together a story
in which Cerveto himself experiences a personal transformation, through which he
could begin to see a catharsis, a liberation from a trauma that any other way would
have turned out unsuccessful.
265
GONZALO HERRALDE INFORMATIVE SECTION
SECCIÓN INFORMATIVA GONZALO HERRALDE
MI TERRAZA
RAZA, EL ESPÍRITU DE FRANCO
EL ASESINO DE PEDRALBES
ÁNGEL JOVÉ: CRISTÒFOL-PAVESE
MY TERRACE
GONZALO HERRALDE – 16 mm / 15´ / 1973 / España / Spain
RACE, THE SPIRIT OF FRANCO
THE MURDERER OF PEDRALBES
GONZALO HERRALDE – Betacam / 26´ / 2008 / España / Spain
V. O. CATALÁN / CATALAN. SUBT. ESPAÑOL / SPANISH
Realizado con el Studio PER Arquitectos (Pep Bonet, Cristian
Cirici, Lluis Clotet y Óscar Tusquets) para la XV Triennale de
Milán, muestra cuatro puntos de vista diferentes sobre terrazas
en distintos contextos urbanos y sociales.
Construida a modo de “divertimento”, fragmentos de la película
Raza (1942) –rebautizada en 1950 como El espíritu de una raza–,
de la que fue autor indiscutible Francisco Franco Bahamonde, se
alternan con intervenciones de Pilar Franco (última superviviente
de los hermanos Franco Bahamonde) y de Alfredo Mayo como actor
protagonista y álter ego de las fantasías narrativas del autor. A
partir de la película original, en la que se cuenta la trayectoria de la
familia Churruca, iremos descubriendo semejanzas y divergencias
entre ellos y la propia familia Franco. Una contraposición llena
de singulares sugerencias sobre su personalidad, del proceso de
sublimación y desplazamiento que tiene como punto de partida la
novela original de Franco, en que Raza se basa.
En mayo de 1974, Juan Roig y María Rosa Recolons son
asesinados mientras dormían por José Luis Cerveto. Cuatro
años más tarde del famoso crimen que agitó a la Barcelona de
finales del franquismo, con el asesino de Pedralbes cumpliendo
su condena, Herralde consigue entrar en la prisión de Huesca para
entrevistarle. En su testimonio, repasa su difícil niñez e infancia
y sus primeras inclinaciones pedófilas, para terminar con la
narración del asesinato.
A partir de una exposición de 300 dibujos y esculturas de Ángel
Jové, con la referencia de los centenarios del escultor Leandre
Cristòfol y del escritor Cesare Pavese, Gonzalo Herralde realiza
un retrato íntimo y global de Jové, con especial incidencia en los
años de posguerra.
A short film made with the Studio PER Arquitectos (Pep Bonet,
Cristian Cirici, Lluis Clotet y Oscar Tusquets) for the 15th Triennale
of Milan. Four different points of view on terraces in different
urban and social contexts.
266
Made for “fun”, fragments from the film Raza (1942) (later retitled El espíritu de una raza in 1950), unquestionably by Francisco
Franco Bahamonde, are mixed together with the words of Pilar
Franco (the last survivor of the Franco Bahamonde siblings),
and Alfredo Mayo playing the protagonist and “alter ego” of the
author’s fantasy storytelling. Using the original film’s story of the
Churruca family, we will find similarities and differences between
them and the Franco family itself. A juxtapositioning full of unique
suggestions about its personality, the process of sublimation and
displacement that serves as the starting point for the original
novel by Franco, on which the film Raza is based.
In May 1974, Juan Roig and María Rosa Recolons were murdered
in their sleep by José Luis Cerveto. Four years after this famous
crime shook up Barcelona, at the end of the Franco regime and
with the murderer of Pedralbes carrying out his sentence, Herralde
managed to enter the prison in Huesca to interview him. In his
testimony, he talks about his difficult infancy and childhood and
his first pedophile inclinations, and ends with his narration of the
murder.
From out of an exhibit of 300 drawings and sculptures by Ángel
Jové, on the centennials of the sculptor Leandre Cristòfol and the
writer Cesare Pavese, Gonzalo Herralde makes an intimate and
comprehensive portrait of Ángel Jové, with focus on the postwar
years.
DIRECCIÓN, GUIÓN / DIRECTION, SCRIPTΩ Gonzalo Herralde
PRODUCCIÓN / PRODUCTIONΩTrasbals S. A., Studio PER
FOTOGRAFÍA / CINEMATOGRAPHYΩTomàs Pladevall
MONTAJE / EDITINGΩ Miguel Bonastre
DIRECCIÓN / DIRECTIONΩ Gonzalo Herralde
PRODUCCIÓN / PRODUCTIONΩ Septiembre P. C.
GUIÓN / SCRIPTΩ Gonzalo Herralde, Román Gubern
FOTOGRAFÍA / CINEMATOGRAPHYΩTomàs Pladevall
MONTAJE / EDITINGΩ Emilio Rodríguez
SONIDO / SOUNDΩ José Nogueira
PRODUCCIÓN / PRODUCTIONΩ Fígaro Films
GUIÓN / SCRIPTΩ Gonzalo Herralde, Juan Merelo Barberà, Pep Cuxart
FOTOGRAFÍA / CINEMATOGRAPHYΩ Jaume Peracaula
MONTAJE / EDITINGΩTeresa Alcocer
PRODUCCIÓN / PRODUCTIONΩTrasbals S. A.
GUIÓN / SCRIPTΩ Gonzalo Herralde, M. J. Balsach
FOTOGRAFÍA / CINEMATOGRAPHYΩ Pere Calderón
MONTAJE / EDITINGΩ Gonzalo Herralde, Pere Calderón
SONIDO / SOUNDΩ Jaume Figueras
ACADEMIA DE CINE
ACADEMIA DE CINE
ACADEMIA DE CINE
ACADEMIA DE CINE
267
TOMMASO COTRONEI
Informative Section
TOMMASO COTRONEI INFORMATIVE SECTION
270
Tommaso Cotronei no es un director de documentales convencional. Su toma de
contacto con el cine fue tardía y, en cierta medida, fruto de la casualidad. Nacido en
1965 en Dinami, una remota localidad calabresa al pie de los Apeninos meridionales,
creció en un entorno que parece abocado a desaparecer lenta pero inexorablemente.
Un lugar en el que el tiempo todavía viene marcado por el paso de las estaciones y la
vida de las personas depende de aquello que la naturaleza les proporciona: la leña de
los bosques, los frutos de la tierra, la leche, la carne y las pieles del ganado, los peces
del mar. Una tierra en la que las tradiciones de antaño, fuertemente arraigadas entre
la población de edad más avanzada, entonan su canto de cisne.
En la azarosa vida de Cotronei ha tenido cabida el trabajo en el bosque junto
a su padre cuando era niño, el deseo de huir cuando era adolescente, el paso por
la universidad y el regreso al trabajo manual, como obrero emigrante en Suiza y en
Alemania. Por ello, después de todo, parece haber algo del orden de la predestinación
en su encuentro, a principios de los 90, con Vittorio de Seta, el gran retratista de los
campesinos y los pescadores de Sicilia y Calabria, cuya filmografía, mayoritariamente
documental, extiende sus raíces hasta comienzos de los años 50. Junto a De Seta
comenzó a trabajar Cotronei en el cine, como ayudante de dirección de la película
In Calabria (1993), y de él heredó una manera de mirar a la clase trabajadora que
es silenciosa, material y terrena, y la inquietud por retratar un mundo a punto de
desaparecer, prácticamente en el momento en que se desvanece. Pero si en sus
primeros documentales De Seta eligió el cinemascope y el tecnicolor para filmar
aquellos “frescos” de los contadini de la tierra y del mar que parecen evocar las pinturas
de Sorolla, Cotronei utiliza el vídeo y reduce el equipo de rodaje a la mínima expresión.
No retrata a la comunidad, sino a los individuos que viven y mueren con ella, y no hay en
sus películas el menor rastro de nostalgia, sino más bien una especie de desasosiego
propio del que desea a toda costa sobrevivir al naufragio.
Su primera película, Nel blu cercando fiabe (1998), fue estrenada en Arcipelago
Cinema, en Roma, aunque se dio a conocer con Lavoratori (2005), en la que abordaba
el trabajo infantil que tanto le marcó de niño y que fue presentada en el Festival
Internacional de Locarno y premiada en el Festival de Turín. Posteriormente realizó
Ritrarsi (2007), Preparativi di fuga (2008) y Le unghie, le lacrime, la rosa (2009), tres
documentales en los que el director persiste en la exploración de las regiones más
apartadas y empobrecidas del sur de Italia para retratar la pugna por la supervivencia de
los individuos que protagonizan cada relato. La mirada que construye Cotronei en estas
películas es la de un etnógrafo que se hubiera despojado del discurso científico para
quedarse únicamente con el producto de la observación recogido por la cámara, que
sigue silenciosamente a los personajes dejando oír únicamente sus voces o los sonidos
que llegan de su entorno: la radio, la televisión, el teléfono, objetos cuya presencia en el
lugar nos parece tan extraña y desvinculada de sus vidas como si viniera de otro tiempo.
En su última película hasta la fecha, Terra (2010), Cotronei realiza un doble
ejercicio de acercamiento y extrañamiento para retratar a la comunidad guaraní que
SECCIÓN INFORMATIVA TOMMASO COTRONEI
habita en algún lugar de la triple frontera entre Paraguay, Argentina y Brasil. También
aquí la vida cotidiana se desarrolla en contacto constante con la naturaleza, y los
rumores del mundo que llegan en forma de anuncios publicitarios o seriales televisivos
emitidos por las cadenas locales parecen devolver al cineasta, de manera paradójica,
al lugar del que siempre quiso salir.
Tommaso Cotronei is not a conventional documentary film director. He was a latecomer
to filmmaking and, to a certain extent, just stumbled into it. Born in 1965 in Dinami, a
remote Calabrian island at the foot of the Southern Apennines, he grew up in an setting
that seemed bound to disappear slowly but surely. A place in which time is still marked
by the passing of the seasons and people’s lives depend on what nature provides them:
firewood from the forests, the fruits of the earth, milk, meat and fur, fish from the sea.
A land in which the traditions of yesteryear, deeply rooted in an aging population, are
singing their swan song.
Cotronei’s eventful life has seen him as a child working in the forest alongside
his father, his desire to run away as a teenager, a time at university and his return to
manual labor as an emigrant worker in Switzerland and Germany. For this reason most
of all, there seems to have been a hint of predestination in his encounter in the early
90s with Vittorio de Seta, the great portrait artist of the peasants and fishermen of Sicily
and Calabria, whose documentary-heavy filmography has roots stretching back to the
1950s. Alongside De Seta, Cotronei started working in film as an assistant director
on In Calabria (1993), an experience in which he learned a way of seeing the working
class that is silent, material and earthly, and a concern for portraying a world on the
verge of practically disappearing at the moment when it is fading away. While in his
early documentaries De Seta chose the Cinemascope and Technicolor to film those
“frescos” of the contadini of the earth and the sea, so evocative of painting by Sorolla,
Cotronei used video and reduced his crew to the bare minimum. He does not portray
the community, but rather individuals that live and die with it, and there is not even
the slightest trace of nostalgia in his films, rather a kind of restlessness typical of a
castaway struggling to survive at all costs.
His first film Nel blu cercando fiabe (1998) premiered at Arcipelago Cinema
in Rome, though he became known for Lavoratori (2005), a film dealing with the child
labor that marked him so much as a child, presented at the Locarno International
Film Festival and awarded at the Torino Film Festival. He later made Ritrarsi (2007),
Preparativi di fuga (2008) and Le unghie, le lacrime, la rosa (2009), three documentaries
in which the director furthers his exploration of the remotest and poorest regions of
southern Italy in depicting the struggle for survival by the individuals featured in each
story. The vision that Contronei constructs in these films is one of an ethnographer
271
stripped of scientific discourse, one left with nothing but the product of observation
captured by the camera, who silently follows people, letting nothing be heard save their
voices or the sounds in their surroundings: the radio, television telephone; objects
whose presence to us seems so strange and out of place in their lives, as though from
another era.
In his most recent film to date, Terra (2010), Cotronei performs a two-fold
exercise in approach and estrangement in portraying the Guarani community living
somewhere in border area between Paraguay, Argentina and Brazil. Here too, everyday
life is lived in constant contact with nature and the murmuring of the world arrives in
the form of advertisements, and television series broadcast by local television stations
seem to paradoxically return the filmmaker to the place he always wanted to leave.
272
273
Si los personajes se olvidan de ti, se caen. Si nunca se olvidan de que estás, tú eres el
que cae.
If the characters forget about you, they fall. If they never forget about you, you fall.
Oona Spengler
274
LAVORATORI
RITRARSI
PREPARATIVI DI FUGA
LE UNGHIE LE LACRIME LA ROSA
TRABAJADORES / WORKERS
TOMMASO COTRONEI – Betacam / 54´ / 2005 / Italia / Italy
RETIRARSE / WITHDRAWN
V. O. ITALIANO, INGLÉS / ITALIAN, ENGLISH. SUBT. ESPAÑOL / SPANISH
PREPARATIVOS DE FUGA / PREPARATIONS FOR ESCAPE
LAS UÑAS LAS LÁGRIMAS LA ROSA / FINGERNAILS TEARS THE ROSE
V. O. ITALIANO, INGLÉS / ITALIAN, ENGLISH. SUBT. ESPAÑOL / SPANISH
No es raro que los mejores campesinos jóvenes, que han sido
bruscamente sacados de la escuela a la edad de 14 años para
trabajar de sol a sol, intenten volver al colegio para recibir una
educación después de la adolescencia. Lo mismo les sucede a los
jóvenes de clase obrera. Sus padres no deberían tener derecho a
impedírselo, y los intelectuales deberían estar ahí para ayudarles
a comprenderlo. Serían los intelectuales perfectos. Si nuestra
cultura se acercara a la perfección, estaría por encima de las
clases sociales, pero como es mediocre, es en gran parte una
cultura de intelectuales burgueses y sobre todo, de un tiempo a
esta parte, una cultura de intelectuales funcionarios.
La historia del aislamiento en uno de los numerosos pueblos del
sur de Italia. En este caso, la cámara retrata a un hombre y a
una mujer en la cotidianidad de Calabria. Dos historias dispares
que al principio parecen entrar en colisión: una que normalmente
está fuera de cámara y que el director decide filmar en esta
ocasión; y otra que día tras día invade con prepotencia nuestras
vidas, nuestras pantallas y radios, y que en esta película queda al
margen, como un ruido de fondo.
A través de una serie de imágenes granulosas en blanco y negro,
que nos sumergen en la espléndida y a la vez extremadamente
áspera campiña de Calabria, Tommaso Cotronei describe la vida
cotidiana de los habitantes de la región que le vio nacer. La película
denuncia la falta total de perspectivas de su gente, relegada
a una pobreza que niega cualquier posibilidad de elección, sea
existencial o laboral, y condenada desde su nacimiento a unas
condiciones de miseria que ningún cambio social o político parece
poder mejorar.
“En el trabajo manual, que es el trabajo propiamente dicho, hay
un elemento irreductible de servidumbre al que ni siquiera una
sociedad perfectamente igualitaria podría hacer frente. Y tiene
que ver con el hecho de que está gobernado por la necesidad y no
por la finalidad. Se realiza ‘para ganarse la vida’, como dicen los
que se ven abocados a él. Se produce un esfuerzo al término del
cual, se mire por donde se mire, no se tendrá más de lo que se
tiene. Y sin este esfuerzo, lo que se tiene se pierde”. Simone Weil.
It is not uncommon for the best young farm workers, who had
been abruptly taken out of school at the age of fourteen to work
full-time, to try to go back to school for an education after
adolescence. This also even happens to young working class
people. But their parents should not have the right to stop them
from doing so. And the intellectuals should be there to help make
the parents understand. Those would be perfect intellectuals. If
our culture were even close to perfection, it would stand above
social class. But since it is mediocre, it has for quite some time
been mainly a culture of bourgeois intellectuals, a culture of
intellectual civil servants.
A story of isolation in one of many villages in Southern Italy.
In this case, the camera depicts a man and a woman in their
everyday life in Calabria. Two clashing stories that initially appear
to collide: one, which is normally kept off-screen and which the
director decides to shoot on this occasion, and the other which
overbearingly invades our life day after day, our screens and
radios, which in this film are kept on the margin, like background
noise.
Through a series of grainy black and white images introducing
us into the beautiful and yet rugged countryside of Calabria,
Tommaso Cotronei portrays everyday life in the region in which
he was born. The film denounces the utter lack of prospects these
people have, mired in poverty with no possibility of choosing, much
less finding work; people born into a miserable situation that no
social or political change ever seems to be able to improve.
“In manual labor, which is, strictly speaking work, there is an
irreducible element of servitude to which not even the perfectly
egalitarian society can face up to. And it has to do with the fact
that it is governed by necessity and not by purpose. It is done ‘to
make a living’, as said by those engaged in it. An effort is made
after which, no matter how you look at it, you do not have more
than what you have. And should that effort not be made, what you
have you will lose.” – Simone Weil.
Premio CinemAvvenire / CinemAvvenire Award, Torino Film Festival (Italia / Italy, 2005)
DIRECCIÓN, GUIÓN, FOTOGRAFÍA, MONTAJE / DIRECTION, SCRIPT, CINEMATOGRAPHY, EDITINGΩTommaso Cotronei
PRODUCCIÓN / PRODUCTIONΩTommaso Cotronei (Stig Dagerman Film)
MÚSICA / MUSICΩ Anne Chagall
275
TERRA
TIERRA / LAND
V. O. GUARANÍ / GUARANI. SUBT. ESPAÑOL / SPANISH
En la región de la triple frontera entre Paraguay, Argentina y Brasil,
una comunidad de indios guaraníes desarrolla su vida cotidiana
en contacto constante con la naturaleza. Hasta allí solo llegan
leves murmullos de la sociedad de consumo: los emitidos por
el dial de Santa Rosa, Misiones, o aquellos que provienen de los
seriales televisivos, contemplados en las pantallas domésticas de
baja resolución que los habitantes del pueblo tienen instaladas
en sus cabañas.
276
In the border region shared by Paraguay, Argentina and Brazil,
a community of Guarani Indians live out their everyday lives in
constant contact with nature. Consumer society reaches this
place as just a soft whisper: the radio broadcasts from Santa
Rosa, Misiones, or the television series that make their way in
on low resolution screens, to the homes of the town’s inhabitants
with TVs in their huts.
277
Me interesan las películas que están hechas con los personajes y no sobre ellos.
I am interested in the films which are made with the characters and not on the characters.
Flavia Tavares
INDEPENDIENTES
USA
USA INDEPENDENTS
Peter Hutton
Joseph Strick
Ben Russell
Informative Section
PETER HUTTON
Informative Section
PETER HUTTON INFORMATIVE SECTION
“Este ballenero ha sido mi Yale College y mi Harvard University”
Ismael, en Moby Dick
282
Como Ismael en Moby Dick, Peter Hutton atribuye su formación emocional a los años
que trabajó como marino en un buque mercante entre 1964 y 1974. Aquel aprendizaje fue
una manera de confrontar con la realidad las viejas fantasías alimentadas en la infancia,
cuando pasaba horas ordenando las fotografías y postales que su padre, también marino,
traía de los puertos de Shanghái, Calcuta y Angkor Wat. Durante el tiempo a bordo, el
Hutton cineasta aprendió el poder de la lentitud y la relatividad de las escalas, de cómo
lo lejano y lo exótico podían ser atributos de lo cotidiano. “El barco me forzó a detenerme
y mirar. Conforme más tiempo pasas mirando las cosas, tanto más se revelan ellas
mismas”. Desde entonces, y a lo largo de los últimos cuarenta años, Hutton ha recorrido
los mares de África y Asia, ha vagado sin rumbo por Nueva York, Budapest o Lodz, ha
remontado ríos como el Yangtsé hacia el corazón de las tinieblas, y regresado luego al
edén americano, al mítico y pintoresco valle del río Hudson, donde ahora tiene su hogar.
De todos estos viajes el cineasta-marino ha vuelto con un puñado de imágenes, apenas
unos pocos minutos, mayoritariamente en blanco y negro, aunque también en color, con
los que ha conformado una obra de retratos, sinfonías y estudios (atendiendo a los títulos)
admirada profundamente por su amigo James Benning, con el que compone lo más
audaz del paisajismo cinematográfico norteamericano contemporáneo.
No preguntéis a Hutton qué se llevaría a una isla desierta, sino qué se traería de
allí: en su respuesta encontraréis el secreto de su cine. Sus imágenes nacen y mueren
ante los ojos de forma natural, sin apenas cortes ni ajustes de montaje, como la sombra
del eclipse (metáfora a la que se refiere en ocasiones), que se toma su tiempo para
aparecer y desaparecer lentamente, con una velocidad no impuesta sino necesaria. La
imagen densa frente a la imagen extensa; la imagen única, que aparece y se va; unos
pocos planos que guardan el secreto de las formas del mundo; y sobre todo el silencio.
Uno llega a pensar que todo el empeño cinematográfico de Hutton no tiene otro objeto
que enmarcar la experiencia del silencio, con la misma intención con la que John Cage
pergeñaba tretas para atraparlo, siquiera como hipótesis.
La brevedad de su filmografía y su mirada esencial hermanan a Hutton con
otros directores apasionados y solitarios, como Jean Vigo o Maya Deren. El historiador
estadounidense P. Adams Sitney, agrupa a Hutton, junto con Marie Menken, Stan
Brakhage, Ernie Gehr y Jonas Mekas, bajo el espíritu emersoniano (en relación con Ralph
W. Emerson) del cine experimental americano. “Pocos adultos son capaces de ver la
naturaleza –escribía el filósofo y teólogo en su libro Nature, en 1836–. […] El amante
de la naturaleza es aquel cuyos sentidos interiores y exteriores aún siguen amoldados
verdaderamente el uno al otro; aquel que ha conservado en su madurez el espíritu de la
infancia”. En la filmografía de Hutton podemos reconocer el rastro de la tradición diarística
a la manera de su mentor Jonas Mekas (quien precisamente premió sus primeros cortos
en el Festival de Yale de 1972); la capacidad meditativa frente a la naturaleza de Henwar
SECCIÓN INFORMATIVA PETER HUTTON
Rodakiewicz; los experimentos acuáticos de Ralph Steiner; la ciudad de Paul Strand y
los cielos de Steiglitz; la fragilidad de las vistas Lumiérè y la curiosidad antropológica
de Robert Gardner. Pero su anclaje es más lejano: Scott MacDonald entiende que
Hutton es el depositario directo de la herencia del paisaje norteamericano del siglo xix,
fundamentalmente de la escuela del Río Hudson, los llamados Iluministas, primeros
retratistas del edén americano y que, en opinión del crítico, son la fuente de toda una
tradición del cine estadounidense, desde luego no mayoritaria pero sí la más radical,
que llega hasta hoy. Hutton no está interesado en las grandes epopeyas del paisaje, en
el paisaje como espectáculo ni como escenario, sino en la sencillez y la serenidad de lo
que, en la naturaleza, cambia cuando nadie lo observa. En esta aventura en busca de la
sombra y del silencio, Peter Hutton cita a Joseph Conrad: “Al nacer, el ser humano se
precipita en un sueño como un hombre que cae al mar”, advirtiendo al espectador del
aspecto de extraña irrealidad que envolverá a quien se adentre en su cine. Apenas unos
meses después del reconocimiento del MoMA de Nueva York, este ciclo nos permite
remontar río arriba, desde el mar de At Sea a July 71…, y por primera vez en Europa, la
filmografía completa de uno de los grandes cineastas contemporáneos.
Carlos Muguiro
Comisario de la retrospectiva
“A whale-ship was my Yale College and my Harvard”
Ismael, in Moby Dick
Like Ismael in Moby Dick, Peter Hutton attributes his emotional background to the
years he worked as a sailor on a merchant ship between 1964 and 1974. His learning
was a way of using reality to deal with the old fantasies he was fed as a child, as he
spent hours sorting through the photographs and post cards his father, also a sailor,
brought back from the ports of Shanghai, Calcutta and Angkor Wat. During his time at
sea, Hutton the filmmaker learned the power of slowness and the relativity of scale,
how what is far away and exotic might be attributed with an everyday nature. “The ship
forced me to stop and look. The more time you spend watching things, the more they
reveal themselves.” Since then, and over the last forty years, Hutton has traveled the
seas of Africa and Asia, he has wandered through New York, Budapest and Lodz, has
gone up rivers such as the Yangtze to the heart of darkness, and then returned to the
American Eden, to the mythical and picturesque vally of the Hudson River where he
now lives. From all those journeys, the filmmaker/sailor has returned with a handful
of images, hardly even a few minutes, mostly in black and white, though some also in
color, with which he has made a work of portraits, symphonies and studies (as taken
from their titles), deeply admired by his friend James Benning, with whom he composes
the boldest of contemporary North American landscape films.
283
284
Do not ask Hutton what he would take with him to a deserted island, but rather
what he would take from one: the secret to his filmmaking could be found in his answer.
His images are born and die naturally before our eyes, with hardly any cuts or editing
adjustments, like the shadow of the eclipes (a metaphor he makes reference to on
occasion), which takes its time to appear and disappear slowly, not with an imposed
speed, but rather a necessary one. The dense image as opposed to the lengthy image;
the unique image that appears and leaves; a few shots that hold the secret of the forms of
the world; and especially the silence. One might think that all Hutton undertakes in film
has no object other than to frame the experience of silence, with the same intention that
John Cage at least hypothetically sketched out in his attempt to capture it.
The brief nature of his film work and his essential view link Hutton to other such
passionate and solitary directors as Jean Vigo and Maya Deren. The American historian
P. Adams Sitney groups Hutton, along with Marie Menken, Stan Brakhage, Ernie Gehr
and Jonas Mekas, into the Emersonian spirit (in reference to Ralph W. Emerson) of
American experimental film. “Few adult persons can see nature,” wrote the philosopher
and theologian in his book Nature in 1836, “The lover of nature is he whose inward and
outward senses are still truly adjusted to each other; who has retained the spirit of infancy
even into the era of manhood.” In Hutton’s film work, we can recognize traces of the diary
tradition in the vein of his mentor Jonas Mekas (who was the very one to award his first
short films at the Festival of Yale in 1972); the meditative capacity in confronting nature
of Henwar Rodakiewicz; the acuatic experiments of Ralph Steiner; the city of Paul Strand
and Steiglitz’s skies; the fragility of the Lumiérè vistas and the anthropological curiosity
of Robert Gardner. But his roots go further back: Scott MacDonald understands Hutton to
be the direct inheritor of the 19th century North American landscape art, fundamentally
the Hudson River school, the so-called Luminists, the first portrait artists of the American
Eden who, in the opinion of this critic, are the source of an entire US film tradition,
certainly not its mainstream but indeed its most radical, which stretches into the present
day. Hutton is not interested in great landscape epics, in the landscape as a spectacle
or even as a setting, but rather in the simplicity and serenity of that which, in nature,
changes when no one is observing it. In this adventure, in search of shadow and silence,
Peter Hutton quotes Joseph Conrad: “At birth, human beings are thrown into a dream,
like a man falling into the sea,” warning the spectator of the strange unreal aspect that
will come over anyone watching his film work. Just a few months after the New York
MoMA’s recognition, this series will give us a chance to go back upriver, from the sea in
At Sea to July 71, and for the first time in Europe, to see the complete filmography of one
of the great contemporary filmmakers.
Carlos Muguiro
Organizer of the retrospective
285
Las personas que aparecen en un documental siempre dan más de lo que reciben.
The people appearing in a documentary always give more than they receive.
Silvia García Ponzoda
JULY ’71 IN SAN FRANCISCO / LIVING AT
BEACH STREET / WORKING AT CANYON
CINEMA / SWIMMING IN THE VALLEY OF
THE MOON
NEW YORK, NEAR SLEEP (FOR SASKIA)
NUEVA YORK A PUNTO DE DORMIR (PARA SASKIA)
PETER HUTTON – 16 mm / 10´ / 1972 / Estados Unidos / USA
JULIO DEL 71 EN SAN FRANCISCO / VIVIR EN BEACH STREET /
TRABAJAR EN CANYON CINEMA / NADAR EN EL VALLE DE LA LUNA
286
“Las películas a modo de diario se han convertido en un género
distintivo del movimiento de cine independiente. [...] La película
de Peter Hutton es, en mi opinión, una de las mejores de este
género, ya que nos permite realmente introducirnos en la mente
y las sensaciones del cineasta a través de su papel como tal y
en conjunción con este. Es casi como si viéramos que el hecho
de llevar su cámara y enfocar a gente, cosas y acontecimientos
distintos cambia y pule su percepción habitual de los mismos.
La cámara se convierte en un instrumento que, más allá de
grabar la realidad, la expande. Y, como cualquier diario, es a la
vez una exploración y una cristalización de los acontecimientos e
impresiones de la vida de uno”. David Bienstock
“Diary films have become a distinct genre of the independent
film movement. [...] Peter Hutton’s film is, to my mind, one of the
best of the genre – for it truly lets us get inside the filmmaker’s
mind and sensations through, and in conjunction with, his role
as filmmaker. It is almost as if we see how carrying around the
camera and focusing on different people, things and events
actually changes and refines the filmmaker’s normal perception
of them. The camera becomes an instrument not to record reality
but to expand it. And like any diary, it is both an exploration and
crystallization of events and impressions in one’s life.” – David
Bienstock
“A través de vibrantes yuxtaposiciones de sombra y movimiento,
esta película muda y surrealmente poética examina los sutiles
cambios de luz y paisaje de la ciudad de Nueva York. New York
Near Sleep explota el potencial básico de la película de capturar
refracciones de luz. Hutton aplica en su filme la estética de la
fotografía fija y utiliza como instrumento estructural la duración
de la percepción del reflejo sutil de los movimientos y la
iluminación”. Bill Moritz, Theatre Vanguard.
“Using exciting juxtapositions of shade and movement, this silent
and surreally poetic film examines subtle changes of light and
landscape in New York City. New York Near Sleep exploits the
basic potential of film for capturing light refractions. Hutton
imposes on this film the aesthetics of still photography and uses
as a structural device the duration of perception of the subtle
reflection of movements and illuminations.” – Bill Moritz, Theatre
Vanguard.
IMAGES OF ASIAN MUSIC (A DIARY FROM
LIFE 1973-1974)
IMÁGENES DE MÚSICA ASIÁTICA (UN DIARIO DE LA VIDA DE 1973 A 1974)
PETER HUTTON – 16 mm / 29´ / 1973-1974 / Estados Unidos / USA
“Images of Asian Music contiene imágenes recabadas entre 1973
y 1974, cuando Peter Hutton vivía en Tailandia y trabajaba en el
mar como marino mercante. A pesar de ser una película muda, el
título pretendía suscitar una comparación con la música asiática
clásica. Images of Asian Music es un canto personal a Asia que
se sustenta sobre la sensibilidad hacia la composición fílmica y
sobre la percepción de unas imágenes enmarcadas en un tiempo
silente creado ex profeso”. Whitney Museum of American Art
“Images of Asian Music represents footage compiled during
1973-1974 when Peter Hutton was living in Thailand and working
at sea as a merchant seaman. While the film is silent, the title
was intended to evoke a comparison to the movement of classical
Asian music. Images of Asian Music is a personal celebration
of Asia formed by a sensitivity to filmic composition and to
the perception of these images in a silent time created by the
filmmaker.” – Whitney Museum of American Art
FLORENCE
FLORENCIA
“Al igual que otras películas de Hutton, Florence es un estudio
contemplativo de la luz y las sombras, las texturas y los planos,
que hace un bello uso de las cualidades tonales de la película
en blanco y negro. A lo largo del filme hay un doble movimiento
de mostrar y ocultar, en las nubes, reflejos y brumas, y en
el comportamiento de la luz al pasar por distintas aberturas o
sustancias. Con frecuencia, las imágenes son detalles ambiguos.
Da la sensación de que Hutton se siente muy cómodo en el mundo
que ve, y que mira las cosas con algo más de detenimiento que
la mayoría de la gente…”. Ken DeRoux, Museo de Arte Moderno
de San Francisco
“Like Hutton’s previous films, Florence is a contemplative study of
light and shadows, textures and planes, that makes beautiful use
of the tonal qualities of black and white film. Throughout the film
there is a motion of obscuring and revealing in clouds, reflections
and mists, and in the behavior of light as it passes through various
openings or substances. Frequently, the images are ambiguous
details. One feels that Hutton is very at home in the world he
sees, and that he looks at things a little more closely than most
people…” – Ken DeRoux, San Francisco Museum of Modern Art
Premio / Award, Yale Film Festival (Estados Unidos / USA, 1972)
DIRECCIÓN, PRODUCCIÓN, FOTOGRAFÍA, MONTAJE / DIRECTION, PRODUCTION,
CINEMATOGRAPHY, EDITINGΩ Peter Hutton
MUSEO REINA SOFÍA. AUDITORIO SABATINI
Miércoles 12, 18:00 h, y domingo 16, 11:00 h / Wednesday 12th, 6:00 pm,
and Sunday 16th, 11:00 am
287
288
NEW YORK PORTRAIT, CHAPTER I
BOSTON FIRE
NEW YORK PORTRAIT, CHAPTER II
BUDAPEST PORTRAIT (MEMORIES OF A CITY)
RETRATO DE NUEVA YORK, CAPÍTULO I
INCENDIO DE BOSTON
RETRATO DE NUEVA YORK, CAPÍTULO II
RETRATO DE BUDAPEST (RECUERDOS DE UNA CIUDAD)
“Nueva York es retratado en las oscuras noches de un invierno
solitario. El ritmo de la vida de la calle no tiene papel alguno
en New York Portrait; la densa población metropolitana y el
imponente escenario urbano desaparecen ante el interés de
Hutton por la fuerza primaria de una presencia universal. Su
buen ojo para lo corriente hace que apunte su cámara hacia las
nubes para encontrar bandadas de pájaros, o que se vuelva hacia
los objetos sencillos de su casa intentando evocar una intuición
personal con su presencia. Hutton encuentra una relación
armónica y a veces melancólica con los elementos naturales, que
conservan su gracia a pesar del entorno artificial de la ciudad.
Nueva York se convierte en una ciudad fantasma que el director
transforma en un vehículo que refleja su propio estado de ánimo”.
Millennium Film Journal
“Boston Fire encuentra grandeza en el humo que asciende
elocuentemente de un incendio en la ciudad. Nubes de oscuridad
se mezclan con fuentes cuya agua sale a chorros desde fuera de
cámara para orquestar una obra de elementos primarios. La bella
textura del humo, unida al aislamiento del origen del incendio,
borra el impacto destructivo del acontecimiento. La cámara,
perdida entre las inmensas nubes negras, produce imágenes para
la reflexión extraídas de las causas o consecuencias de la escena.
Los diminutos bomberos, vistos como figuras lejanas, observan el
fuego sobrecogidos, impotentes ante el poder de la naturaleza”.
Millennium Film Journal
Continuación de las observaciones diarias del ambiente de
Manhattan recopiladas entre 1980 y 1981. Es la segunda parte
de un retrato más extenso de la vida de Nueva York.
“Budapest Portrait puede que sea su ensayo más potente hasta
la fecha sobre la naturalización del paisaje urbano. Para Hutton
la ciudad no es tanto una matriz social como una frondosa
jungla de asfalto. Vemos retratados en primer plano a dos viejos
traperos y una sucesión de ancianas campesinas a un lado; el
resto de personas se muestran prácticamente dominadas por
el entorno. La presencia humana a menudo se insinúa a través
de meros indicadores: fotografías, sombras o agujeros de bala.
Esta ausencia relativa de la figura, junto al fuerte claroscuro de
la luz invernal, provoca una sensación de soledad y aislamiento.
Voluptuosamente gris, desgastada y habitada, la ciudad es como
el escenario de un drama invisible”. J. Hoberman, Artforum
“New York is framed in the dark nights of a lonely winter. The
pulse of street life finds no role in New York Portrait; the dense
metropolitan population and imposing urban locale disappear
before Hutton’s concern for the primal force of a universal
presence. With an eye for the ordinary, Hutton can point his
camera toward the clouds finding flocks of birds, or turn back
to the simple objects around his apartment struggling to elicit a
personal intuition from their presence. Hutton finds a harmonious,
if at times melancholy, rapport with the natural elements that
retain their grace in spite of the city’s artificial environment. The
city becomes a ghost town that the filmmaker transforms into a
vehicle reflecting his personal mood.” – Millennium Film Journal
A continuation of daily observations from the environment of
Manhattan compiled over a period from 1980-1981. This is the
second part of an extended life’s portrait of New York.
“Boston Fire finds grandeur in smoke rising eloquently from
a city blaze. Billowing puffs of darkness blend with fountains
of water streaming in from offscreen to orchestrate a play of
primal elements. The beautiful texture of the smoke coupled with
the isolation from the source of the fire erases the destructive
impact of the event. The camera, lost in the immense dark
clouds, produces images for meditation removed from the
causes or consequences of the scene. The tiny firemen, seen as
distant silhouettes, gaze in awe, helpless before nature’s power.”
– Millennium Film Journal
“Budapest Portrait may be his strongest essay yet on the
naturalization of the urban landscape. For Hutton, the city is less
a social matrix than a verdant asphalt jungle. Close-up portraits
of two ancient rag-pickers and a succession of elderly peasant
women aside, virtually every other person shown is dominated
by the surroundings. Human presence is often suggested merely
by indexical signs – photographs, shadows or bullet holes. This
relative absence of the figure, together with the harsh chiaroscuro
of the winter light, induces a poignant sense of loneliness and
isolation. Voluptuously gray, worn and lived in, the city is like a
stage set for an invisible drama.” – J. Hoberman, Artforum
289
LANDSCAPE (FOR MANON)
NEW YORK PORTRAIT, CHAPTER III
IN TITAN’S GOBLET
LODZ SYMPHONY
PAISAJE (PARA MANON)
RETRATO DE NUEVA YORK, CAPÍTULO III
EN LA COPA DEL TITÁN
SINFONÍA DE LODZ
Primera parte de un estudio más extenso sobre el tiempo y el
paisaje del valle del río Hudson.
“New York Portrait III adopta un tono único en relación con
la exploración continua del paisaje rural de Hutton. El hecho
de que el cineasta utilice imágenes anteriores, archivos de
memoria más que inmediatez, le otorga una textura distinta a la
de sus anteriores películas de Nueva York, a pesar de que exista
continuidad con respecto a estas. Hutton siempre encuentra la
presencia de la naturaleza en la ciudad, no solo en sus numerosas
tomas del cielo y la vegetación, sino en la geometría y textura
de la ciudad en sí, que parece proyectar una independencia de
lo humano. Esta película parece sumergirse en la nostalgia de
las cosas humanas, como si Hutton mirara a una raza que se
extingue”. Tom Gunning
Inspirado en un cuadro paisajista de Thomas Cole, que data
aproximadamente de 1833, está concebido como un homenaje a
este pintor, considerado el padre de la escuela pictórica del río
Hudson.
Retrato de la ciudad polaca de Lodz, que subsiste en un salto
temporal repleto de recuerdos tristes. Hutton crea un mundo
vacío que evoca el ambiente industrial del siglo xix, habitado por
los fantasmas del pasado trágico de Polonia.
In Titan’s Goblet refers to a landscape painting by Thomas Cole
circa 1833. The film is intended as a homage to Cole, who is
regarded as the father of the Hudson River School of painting.
A portrait of Lodz, Poland that exists in a time warp of sad memory.
Hutton creates an empty world evoking the 19th century industrial
atmosphere that is populated with the ghosts of Poland’s tragic
past.
First section of an extended study of the weather and landscape in
the Hudson River Valley.
290
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“New York Portrait III takes on a unique tone in relation to
Hutton’s ongoing exploration of rural landscape. The very fact
that Hutton is dealing with older footage, with archives of memory
more than immediacy, gives it a different texture than his earlier
New York films, in spite of many continuities with them. Hutton
always found the presence of nature in the city, not only in his
many shots of sky and vegetation, but also in the geometry and
texture of the city itself, which seemed to project an independence
from the human. This film seems to bathe itself in a nostalgia
for things human, as if Hutton were looking at a vanishing race.”
– Tom Gunning
PASES MUSEO REINA SOFÍA. AUDITORIO SABATINI
STUDY OF A RIVER
TIME AND TIDE
LOOKING AT THE SEA
TWO RIVERS
ESTUDIO DE UN RÍO
TIEMPO Y MAREA
MIRANDO EL MAR
DOS RÍOS
Primera parte de un retrato estacional del río Hudson. Un
segmento que contiene observaciones del invierno a lo largo de
dos años.
Dividida en dos partes, la primera es una reedición de un rollo
filmado por Billy Bitzer para Biograph en 1903, titulado Down the
Hudson. Mediante la filmación en intervalos, o time lapse, de
fotograma único retrata un tramo del río entre Newburgh, Nueva
York, y Yonkers. La segunda parte fue rodada por Hutton y consta
de fragmentos de distintos trayectos por el río Hudson entre
Bayonne, Nueva Jersey, y Albany, Nueva York. El director viajaba
en el remolcador Gotham mientras este empujaba (río arriba) y
arrastraba (río abajo) el Noel Cutler, una barcaza cargada con
35.000 barriles de gasolina sin plomo.
“Un cuaderno de imágenes increíblemente bellas de la
extremadamente desolada costa oeste de Irlanda. Árboles de
contornos planos se alzan con la serenidad clásica de un dibujo de
Claude Lorraine, mientras el sol se convierte en una combinación
barroca de naranjas, rojos y negros azulados sobre la centelleante
superficie del agua. Las agitadas olas chocan contra los enormes
salientes rocosos, y el nocturno cielo plateado se condensa en
charcas de marea”. Joshua Siegel
Este encargo de la organización artística Minetta Brook está
inspirado en la fallida búsqueda de una ruta comercial entre
Norteamérica y China realizada por Henry Hudson en 1609. Hutton
observa la activa industria del Hudson desde la cubierta de un
barco y a través de los ojos de buey y los escobenes, antes de que
su panorama se abra a la quietud de los boscosos acantilados
del norte. Explora después la zona de las Tres Gargantas del río
Yangtsé, en su despliegue a modo de rollo pictórico chino, dando
testimonio del paisaje espectral y sulfuroso de los pueblos
industriales, que desde entonces ha sido invadido por el proyecto
de la monumental presa hidroeléctrica.
The first part of a seasonal portrait of the Hudson River. This
section portrays observations of winter over a period of two years.
292
The first section of the film is a reprint of a reel shot by Billy
Bitzer in 1903 titled Down the Hudson for Biograph. It chronicles in
single frame time lapse a section of the river between Newburgh,
NY, and Yonkers. The second section was shot by Hutton and
records fragments of several trips up and down the Hudson
River between Bayonne, New Jersey, and Albany, New York. The
filmmaker was traveling on the tugboat Gotham as it pushed (up
river) and pulled (down river) the Noel Cutler, a barge filled with
35,000 barrels of unleaded gasoline.
“A sketchbook of impossibly beautiful images of Ireland’s wildly
desolate west coast. Flat-edged trees are rendered with the
classical serenity of a Claude Lorraine drawing, while the sun
becomes a baroque medley of oranges, reds, and midnight blues
on the water’s glittering surface. Churning waves crash against
massive rock outcroppings, and the silvery nighttime sky is
abstracted in tidal pools”. – Joshua Siegel
Commissioned by the arts organization Minetta Brook, Two Rivers
was inspired by Henry Hudson’s failed 1609 quest to discover a
trade route between North America and China. Hutton observes
the bustling industry of the Hudson from atop a ship’s deck and
through monocular portholes and hawsepipes before his panorama
opens onto the quietude of the wooded palisades farther north.
He then explores the Three Gorges area of the Yangtze River as
it unfolds like a Chinese scroll painting, bearing witness to a
spectral, sulfurous landscape of factory villages that has since
been flooded by China’s monumental hydroelectric dam project.
293
294
SKAGAFJORDUR
AT SEA
EN EL MAR
Inspiradas en las tradiciones del paisajismo y la fotografía del siglo
xix, las películas contemplativas y de composición meticulosa de
Hutton se desarrollan como una serie de retablos separados por
segundos de negro. En este caso recoge los paisajes del norte de
Islandia y un trabajo reciente sobre el río Hudson.
“Una crónica fascinante y reveladora del nacimiento, vida y
muerte de un colosal buque portacontenedores. Una evocadora e
inquietante reflexión sobre el progreso humano, tanto físico como
metafórico”. Joshua Siegel
Drawing on the traditions of 19th-century landscape painting and
still photography, Hutton’s contemplative, meticulously composed
films unfold as a series of tableaux seperated by black leader. In
this case, he brings together the landscapes of Northern Iceland
and recent work on the Hudson River.
“A riveting and revelatory chronicle of the birth, life, and death
of a colossal container ship. A haunting meditation on human
progress, both physical and metaphorical.” Joshua Siegel
295
DIRECCIÓN, FOTOGRAFÍA, MONTAJE / DIRECTION, CINEMATOGRAPHY, EDITINGΩPeter
Hutton
PRODUCCIÓN / PRODUCTIONΩ Carolina González-Hutton, Joan Kim (ZKM Film
Institute, Karlsruhe Germany)
Son la magia del encuentro y la paciencia de la escucha las que lo hacen todo.
The magic of the encounter and patience when listening make all the difference.
Marc Weymuller
JOSEPH STRICK
Informative Section
JOSEPH STRICK INFORMATIVE SECTION
298
SECCIÓN INFORMATIVA JOSEPH STRICK
El director, productor y guionista norteamericano Joseph Strick nació el 6 de julio de
1923 en Braddock, Pensilvania. Aprendió a hacer películas sirviendo como operador de
cámara en las Fuerzas Aéreas estadounidenses durante la Segunda Guerra Mundial.
En 1948 rodó Muscle Beach (cuyo montaje realizó Irving Lerner) mientras trabajaba de
recadero en Los Angeles Times. Durante varios años de la década de los 50 trabajó a
tiempo parcial, junto a Ben Maddow y Sidney Meyers, en el documental experimental
The Savage Eye (1959). La formación científica que recibió antes de la guerra le permitió
fundar una serie de empresas de tecnología: Electrosolids (1956), Computron (1958),
Physical Sciences (1958) y Holosonics (1960), que vendió para financiar sus películas.
En 1977 ideó el uso simuladores de movimiento de seis ejes como sistemas de
entretenimiento, y lo aplicó a nuevas máquinas utilizadas hoy en parques temáticos de
Disney, como Star Tours.
The Savage Eye fue galardonado con el Premio Flaherty al Mejor Documental en
los BAFTA, el Premio de la Crítica en el Festival de Venecia y un Mannheim Golduktar. Ha
recibido cinco nominaciones a los Premios de la Academia y un Oscar al Mejor Documental
por su película Interviews with My Lai Veterans. Sus trabajos incluyen adaptaciones de Ulises
y Retrato del artista adolescente, de James Joyce; Los lobos no lloran, de Farley Mowat;
Trópico de Cáncer, de Henry Miller; Una modesta proposición, de Jonathan Swift, y El círculo
resplandeciente, de Gavin Maxwell. Muscle Beach, The Savage Eye, Road Movie, The Darwin
Adventure, Criminals y The Hecklers están basadas en guiones originales.
Entre sus colaboradores se encuentran Igor Stravinsky, Oscar Niemeyer, Fred
Haines, Ben Maddow, Sidney Meyers, Helen Levitt, Lewis Allen, Irving Lerner, Betsy Strick,
Haskell Wexler, Judith Rascoe, Larry Kramer, Robert Montgomery Jr., Sylvia Sarner,
Richard Pierce, Jack Couffer, David Chasman y Barney Rosset. Ha impartido clases en la
Universidad de Harvard, la Universidad de California, en Irvine, la Universidad de Nueva
York, la Escuela Nacional Australiana de Cine, la Universidad Estatal de Nueva York,
Purchase, y la Universidad de Salford. En Gran Bretaña ha dirigido obras de teatro en la
Royal Shakespeare Company, Thesmophoriazusae (1966), y el National Theatre, Renaissance
Farces (2003). Su proyecto actual consiste en hacer largometrajes con cámaras digitales de
bolsillo y ningún presupuesto.
Contemporary films
Joseph Strick (b. July 6, 1923 in Braddock, Pennsylvania) is an American director,
producer and screenwriter. He learned film making when serving as a cameraman
in the US Air Force in World War II. In 1948, he shot Muscle Beach (edited by Irving
Lerner) while working as a copy boy at the Los Angeles Times. For several years in
the 1950s, he, Ben Maddow, and Sidney Meyers worked part-time on the experimental
documentary The Savage Eye (1959). A science student before the war, he founded a
group of technology companies including Electrosolids Corp (1956), Computron Corp
(1958), Physical Sciences Corp (1958), Holosonics Corp (1960) and sold these companies
to fund his films. In 1977 he invented the usage of six-axis motion simulators as
entertainment systems and applied this to new machines used now in Disney theme
parks as Star Tours.
The Savage Eye won the BAFTA Flaherty Documentary Award, the Venice
Festival Critics Prize and the Mannheim Golduktar. His films have had five Academy
award nominations and an Academy award for best documentary for his movie Interviews
with My Lai Veterans. His films include the adaptations of the James Joyce’s Ulysses and
A Portrait of the Artist as a Young Man, Farley Mowat’s Never Cry Wolf, Henry Miller’s
Tropic of Cancer, Jonathan Swift’s A Modest Proposal and Gavin Maxwell’s Ring of Bright
Water. Original scripts have been the sources of Muscle Beach, The Savage Eye, Road
Movie, The Darwin Adventure, Criminals and The Hecklers.
His volunteer collaborators include Igor Stravinsky, Oscar Niemeyer, Fred
Haines, Ben Maddow, Sidney Meyers, Helen Levitt, Lewis Allen, Irving Lerner, Betsy
Strick, Haskell Wexler, Judith Rascoe, Larry Kramer, Robert Montgomery Jr, Sylvia
Sarner, Richard Pierce, Jack Couffer, David Chasman, and Barney Rosset. He has
taught most recently at Harvard University, University of California at Irvine, New York
University, the Australian National Film School, the State University of New York at
Purchase and the University of Salford. In Britain he has directed plays at the Royal
Shakespeare Company Thesmophoriazusae (1966) and the National Theatre Renaissance
Farces (2003). His current project is the making of feature films with palm-size digital
cameras and no money.
Contemporary films
299
JOSEPH STRICK INFORMATIVE SECTION
300
SECCIÓN INFORMATIVA JOSEPH STRICK
MUSCLE BEACH
THE SAVAGE EYE
INTERVIEWS WITH MY LAI VETERANS
CRIMINALS
PLAYA DEL MÚSCULO
IRVING LERNER , JOSEPH STRICK – Betacam / 9´ / 1948 / Estados Unidos / USA
EL OJO SALVAJE
BEN MADDOW, SIDNEY MEYERS, JOSEPH STRICK – Betacam / 68´ / 1960 /
Estados Unidos / USA
ENTREVISTAS CON VETERANOS DE MY LAI
JOSEPH STRICK – Betacam / 22´ / 1971 / Estados Unidos / USA
DELINCUENTES
JOSEPH STRICK – Betacam / 73´ / 1996 / Estados Unidos / USA
En una playa del sur de California, acróbatas y culturistas exhiben
sus habilidades y sus poses. Una narración cantada resume sus
obsesiones. Apología poética de la sonriente y despreocupada
juventud de la posguerra.
Una mujer viaja a Los Ángeles mientras espera la resolución de
su divorcio, e interpreta la locura de la ciudad como el telón
de fondo de su profundo sentimiento de haber fracasado como
mujer. Los delirantes aspectos de una ciudad delirante solo dejan
de obsesionarla cuando sufre un accidente que acepta como un
castigo que ahora puede superar.
Cinco exsoldados, veteranos de la atrocidad de My Lai, Vietnam,
cuentan lo que hicieron y por qué. Dos de ellos lo volverían
a hacer. Otros dos se negaron a matar y abandonaron ilesos la
escena del genocidio.
Feroz relato sobre la delincuencia en Estados Unidos que muestra
la actividad de agentes encubiertos, vídeos policiales de delitos,
confesiones inimaginables y momentos de resistencia heroica.
On a beach in Southern California, acrobats and muscle-builders
flaunt their skills and poses. A singing narration takes note of
their obsessions. A poetic eulogy to the smiling and carefree postWar youth of the era.
A woman comes to Los Angeles to wait out her divorce and
interprets the madness of the city as a background for her deep
feeling that she has failed as a woman. The crazy aspects of a
crazy city stop haunting her only when she suffers an accident
that she can accept as a punishment that she can now overcome.
Premio Flaherty de Documental / Flaherty Documentary Award, Premios BAFTA /
BAFTA Awards (Reino Unido / UK, 1960)
Premio Ducado / Ducat Award, Mannheim-Heidelberg International Filmfestival
(Alemania / Germany, 1960)
Five ex-soldiers, veterans of the atrocity in My Lai, Vietnam, tell
what they did and why they did it. Two of them would do it again.
Two refused to kill and left the scene of the genocide unharmed.
A fierce story about crime in America featuring the action of decoy
squads, police videotapes of crimes in progress, unimaginable
confessions and some heroic resistance.
301
Oscar al Mejor Cortometraje Documental / Best Documentary Short Film,
Academy Awards (Estados Unidos / USA, 1971)
ZDIRECCIÓN / DIRECTIONΩ Irving Lerner, Joseph Strick
MONTAJE / EDITINGΩ Irving Lerner
MÚSICA / MUSICΩ Earl Robinson
DIRECCIÓN, PRODUCCIÓN, GUIÓN, MONTAJE / DIRECTION, PRODUCTION,
SCRIPT, EDITINGΩ Ben Maddow, Sidney Meyers, Joseph Strick
FOTOGRAFÍA / CINEMATOGRAPHYΩ Jack Couffer, Helen Levitt, Haskell Wexler
SONIDO / SOUNDΩ Larry Hubbins
MÚSICA / MUSICΩ Leonard Rosenman
DIRECCIÓN, PRODUCCIÓN, GUIÓN / DIRECTION, PRODUCTION, SCRIPTΩJoseph Strick
FOTOGRAFÍA / CINEMATOGRAPHYΩ Richard Pearce, Haskell Wexler
MONTAJE / EDITINGΩ Sylvia Sarner
SONIDO / SOUNDΩ Howard Milkin
DIRECCIÓN / DIRECTIONΩ Joseph Strick
PRODUCCIÓN / PRODUCTIONΩ Joseph Strick, Elinor Bunin
GUIÓN / SCRIPTΩ C. K. Williams
FOTOGRAFÍA / CINEMATOGRAPHYΩ Michael Off
MONTAJE / EDITINGΩ Ruth Cullen
SONIDO / SOUNDΩ Barbara Gordon, Jay Patterson
Viernes 14, 16:00 h / Friday 14th , 4:00 pm
Sábado 15, 18:15 h / Saturday 15th , 6:15 pm
BEN RUSSELL
Informative Section
BEN RUSSELL INFORMATIVE SECTION
304
Ben Russell define su propia obra como una práctica que opera en los territorios,
aparentemente divergentes, de la psicodelia, la fenomenología, la etnografía y la
performance. Algo que evidencia, ante todo, la independencia creativa en la que se
enmarca la producción cinematográfica del realizador de Chicago. El ciclo que propone
Documenta Madrid en su VII edición consta de dos sesiones que dan buena cuenta
de las continuidades y divergencias existentes en el interior de una filmografía tan
fascinante como heterodoxa.
El grupo de filmes Trypps 1-6 está compuesto por una serie de “alucinaciones”
que nos adentran en la experiencia de la visión cinematográfica para explorar las
concomitancias entre la realidad y la abstracción y el potencial que albergan las
prácticas extremas vinculadas al cine de vanguardia, desde las formas imposibles
propias del op-art hasta los juegos con luz estroboscópica que recorren la historia del
cine experimental. Una serie de propuestas en las que la proyección cinematográfica
funciona como instrumento privilegiado para la construcción de una particular
fenomenología espectatorial desde la que se invita al observador a entrar en trance,
con homenaje a Jean Rouch incluido.
Con las películas que componen Recent Anthropologies, a medio camino
entre la etnografía experimental y la parodia documental, Russell explora el poder del
dispositivo cinematográfico, entendido como instrumento de conocimiento, y las
contradicciones que encierra su uso divulgativo cuando se somete a las disciplinas
científicas, académicas e incluso artísticas. Al igual que Trypps #6 (Malobi), incluida en
Trypps 1-6, los cortometrajes Daumë y Tjúba Tén / The Wet Season, que se proyectarán
dentro de esta sesión, entroncan ya directamente con Let Each One Go Where He
May, primer largometraje del realizador, merecedor de un amplio reconocimiento
internacional. Se trata, en todos los casos, de películas realizadas en el corazón de
Surinam (antigua Guayana holandesa), en los territorios poblados por los negros
cimarrones descendientes de esclavos que huyeron del poder colonial migrando
al interior del país. La mirada que construye Ben Russell en los mencionados
cortometrajes es la de quien se aproxima a una cultura ajena con las herramientas
del antropólogo, pero solo para poner en evidencia los mecanismos de dominación que
subyacen en cierta tradición de la etnografía fílmica. Adoptando irónicamente el papel
del antropólogo, Russell suele escenificar los dispositivos de control y puesta en escena
haciendo que lo que usualmente precede y sucede a la película (las instrucciones
dadas a los actores sociales para que “escenifiquen” las tradiciones, los usos y las
costumbres que deben ser preservados) se convierta en el núcleo de la representación.
Rodada en 13 planos secuencia de unos diez minutos cada uno, Let Each One
Go Where He May constituye una de las más inteligentes e interesantes aportaciones al
documental etnográfico realizadas en los últimos tiempos. En esta película, la cuestión
de la libertad, que hemos apuntado al principio solo para referirnos al talento creativo
del cineasta, se convierte, desde el título (Que cada cual vaya donde quiera), en tema
central, con unas implicaciones históricas, políticas y estéticas de primer orden.
SECCIÓN INFORMATIVA BEN RUSSELL
La cuestión de la libertad se perfila, por tanto, como un buen punto de partida
para adentrarse en las películas que componen esta retrospectiva (y, por extensión, en
la obra de Ben Russell), pues alcanza en ellas múltiples dimensiones: desde la menos
obvia, que atañe al control del realizador sobre el sujeto o el tema filmado, hasta la que
nos zambulle en la historia de una comunidad indisolublemente ligada a un pasado
de esclavitud y al acto de rebelión sobre el que se funda la sociedad cimarrona. Y,
atravesándolas a todas, la radical apuesta por una práctica fílmica, a la vez narrativa y
experimental, que rompe los moldes de cualquier tipología genérica.
Ben Russell defines his own film work as a practice that operates within the seemingly
divergent spaces of psychedelia, phenomenology, ethnography, and performance.
Something demonstrating first and foremost the creative independence that goes
into this Chicago film director’s productions. The series offered at the 7th Documenta
Madrid is made up of two sessions providing a good account of the continuities and
divergences existing within his film work, which is as fascinating as it is unorthodox.
Trypps 1-6 consists of a series of “hallucinations” immersing us in the film
viewing experience, to explore everything associated with reality and abstraction and the
potential of the extreme practices in avant-garde filmmaking, from impossible forms
typical of op-art through to strobe lighting effects prevalent throughout experimental
cinema. A series of offerings in which the screening serves as a privileged instrument
for constructing a unique visual phenomenology, inviting the observer to go into a
trance, with an homage to Jean Rouch included.
In the films making up Recent Anthropologies, halfway between experimental
ethnography and mockumentary, Russell explores the power of the camera as a tool
for knowledge, and the contradictions inherent in using it when tackling scientific,
academic and even artistic issues. Just like Trypps #6 (Malobi), included in Trypps
1-6, two of the short films to be screened in this session Daumë and Tjúba Tén / The
Wet Season are directly related to Let Each One Go Where He May, the director’s first
full-length film, which has gained wide recognition internationally. All these films
were made in the heart of Suriname in the territory populated by black Cimarrons,
the descendants of slaves who fled colonial power by migrating to the inner part of
the country. Ben Russell’s vision in these short films is one of someone approaching
a foreign culture with the tools of an anthropologist, but just to make evident the
mechanisms of domination that underlie a certain tradition of ethnographic cinema.
In ironically adopting the role of the anthropologist, Russell often stages the control
mechanisms and directing, so that what usually precedes and follows the film (the
instructions given to social actors so they can “stage” the traditions, uses and customs
that are meant to be preserved) become the focus of the representation.
305
Filmed in 13 long takes of 10 minutes each, Let Each One Go Where He May is
one of the most intelligent and interesting contributions to ethnographic documentary
film made in recent times. In this film, the issue of freedom, which we have pointed out
early in reference just to the filmmaker’s creative talent, becomes the central issue
with key historical, political and aesthetic implications.
The issue of freedom is therefore a good starting point for approaching the
films in this retrospective (and by extension, in the film work of Ben Russell), since
it touches on multiple dimensions: from the less obvious dealing with the control the
director has over the subject or issue being filmed, through to one delving into the
story of a community inextricably tied to a past of slavery and the act of rebellion that
Cimarron society is founded upon. And throughout all of them, the radical commitment
to a simultaneously narrative and experimental film practice that breaks the moulds of
any generic typology.
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307
La relación comienza cuando nuestro personaje se olvida de la cámara y nos cuenta
cara a cara.
The relationship starts when our character forgets he or she is on camera and speaks
to us face to face.
Horacio Alcalá
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DAUMË
TERRA INCOGNITA
BLACK AND WHITE TRYPPS NUMBER ONE
BLACK AND WHITE TRYPPS NUMBER TWO
BEN RUSSELL – 16 mm / 7´ / 2000 / Estados Unidos / USA
Construida a partir de una selección de rollos de Super 8 filmados
cuando el director trabajaba como promotor de desarrollo en un
pueblecito sudamericano, es en esencia una reflexión sobre el
ritual, el poder y el juego. Es a la vez etnografía y crítica, y una
indagación sobre cómo representar un lugar que no puede ser
representado.
Una película estenopeica, una voz robótica barata, una historia
improvisada. El relato de un explorador sobre un lugar desconocido
del mundo. Turbias imágenes, obtenidas sin lentes, que crean una
memoria de la historia. Textos antiguos y modernos de exploradores
de la isla de Pascua distorsionados por un narrador computerizado,
que resultan en una narrativa repetitiva del descubrimiento, el
colonialismo, la pérdida y la partida.
ALUCINACIÓN EN BLANCO Y NEGRO NÚMERO UNO
ALUCINACIÓN EN BLANCO Y NEGRO NÚMERO DOS
Composición psicodélica de op-art que alude a las tradiciones
del cine de vanguardia pintado a mano sustituyéndolo por algo
totalmente distinto. La hipnosis es inminente.
Un buen ejemplo de espacios que existen como objetos en sí
mismos. Una ofrenda de formas en homenaje a los tótems
naturales. Intervienen dos tipos de opuestos: el blanco y negro,
y los reflejos y superposiciones. Estos sencillos elementos crean
una frenética maraña de ramas retorcidas en forma de asta,
ramitas y pedazos diseccionados de puro “espacio”.
Culled from four rolls of Super-8 film shot while the maker was
a development worker in a small South American village, Daumë
is at its center a reflection about ritual, power, and play. It is
both ethnography and critique; it is an interrogation into how to
represent a place that can’t be represented.
A pinhole film, a cheap robot voice, a makeshift history. An
explorer’s tale of the unknown part of the world. Cloudy pinhole
images made without lenses create a memory of history. Ancient
and modern explorer texts of Easter Island are garbled together by
a computer narrator, resulting in a forever repeating narrative of
discovery, colonialism, loss and departure.
A psychedelic op-art composition that references the traditions of
hand-painted Avant-Garde cinema by replacing it with something
entirely different. Hypnosis is imminent.
A fine example of spaces between existing as objects themselves.
A patternistic and memorializing offering to natural totems. Two
kinds of reversal at play involving black and white as well as
reflection and overlap. These simple elements create a hurried
maze of twisting antler branches, twigs, and dissected slices of
pure “space.”
DIRECCIÓN / DIRECTIONΩ Ben Russell
Jueves 13, 20:00 h / Thursday 13th , 8:00 pm
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BLACK AND WHITE TRYPPS NUMBER THREE BLACK AND WHITE TRYPPS NUMBER FOUR
WORKERS LEAVING THE FACTORY (DUBAI) TJÚBA TÉN / THE WET SEASON
ALUCINACIÓN EN BLANCO Y NEGRO NÚMERO TRES
SIN DIÁLOGOS / WITHOUT DIALOGUES ALUCINACIÓN EN BLANCO Y NEGRO NÚMERO CUATRO
V. O. INGLÉS / ENGLISH. SUBT. ESPAÑOL / SPANISH OBREROS SALIENDO DE LA FÁBRICA (DUBÁI)
BEN RUSSELL – 16 mm / 8´ / 2008 / Estados Unidos / USA SIN DIÁLOGOS / WITHOUT DIALOGUES Tercera parte de una serie sobre la psicodelia obtenida de forma
natural. Rodada durante un concierto del grupo de noise Lightning
Bolt, de Rhode Island, documenta la transformación del público
que pasa del delirio colectivo a un trance ritual de la más alta
espiritualidad.
Con una tira de película de 35 mm protagonizada por el cómico
americano Richard Pryor, fallecido en 2005, este intenso asalto
Rorschach a la vista pasa de un caos parpadeante creado por
formatos de cine incompatibles a un desenlace con estereotipos
raciales históricamente incompatibles.
LA ESTACIÓN DE LLUVIAS
BEN RUSSELL, BRIGID McCAFFREY – 16 mm / 46´ /2008 / Estados
Unidos, Surinam / USA, Suriname
V. O. INGLÉS, SARAMAKA / ENGLISH, SARAMACCAN SUBT ESPAÑOL, INGLÉS / SPANISH,
ENGLISH
The third part in a series of films dealing with naturally-derived
psychedelia. Shot during a performance by Rhode Island noise
band Lightning Bolt, this film documents the transformation of
a rock audience’s collective freak-out into a trance ritual of the
highest spiritual order.
Using a 35mm strip of motion picture slug featuring the American
comedian Richard Pryor, deceased in 2005, this extended
Rorschach assault on the eyes moves out of a flickering chaos
created by incompatible film gauges into a punchline involving
historically incompatible racial stereotypes.
115 años después, otro remake de la película de pseudoactualidad
de los hermanos Lumière La salida de la fábrica Lumière. Esta vez,
alrededor de la fábrica hay una obra poblada por miles de obreros
del sudeste asiático, una obra de producción arquitectónica
neofordista que fabrica rascacielos como si fueran coches.
Etnografía experimental filmada en el poblado selvático de
Bendekondre, Surinam, a principios de 2007. Compuesta por
representaciones, grabaciones extratemporales y actuaciones
de la comunidad, tiene una doble función: como análisis de la
cultura material rápidamente cambiante del presente y como
documento histórico para el futuro. La cuestión sobre si el
resultado está dirigido a sus protagonistas, a sus residentes
temporales (cineastas) o a sus espectadores occidentales se
formula a través de la combinación de tomas largas, enfoques
materialistas, subtitulación selectiva y la focalización sobre varios
tipos de actividades culturales.
115 years later, an(other) remake of the Lumiere Brothers pseudoactuality film La Sortie des usines Lumière. This time around our
factory is a job site, a construction site peopled by thousands of
Southeast Asian laborers, a neo-Fordist architectural production
site that manufactures skyscrapers like so many cars.
Experimental ethnography recorded in the jungle village of
Bendekondre, Suriname at the start of 2007. Composed
of
community-generated performances, re-enactments and
extemporaneous recordings, this film functions doubly as an
examination of a rapidly changing material culture in the present
and as a historical document for the future. Whether the resultant
record is directed towards its subjects, its temporary residents
(filmmakers), or its Western viewers is a question proposed via
the combination of long takes, materialist approaches, selective
subtitling, and a focus on various forms of cultural labor.
DIRECCIÓN / DIRECTIONΩ Ben Russell, Brigid McCaffrey
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TRYPPS #5 (DUBAI)
TRYPPS #6 (MALOBI)
LET EACH ONE GO WHERE HE MAY
ALUCINACIÓN #5 (DUBAI)
ALUCINACIÓN #6 (MALOBI)
APP APPAP APP APAPPAP APP APP APP APAPPAPAPPAP APPAPAPP
Un breve tratado sobre la semiótica de “capital”, “felicidad” y
“fenomenología” bajo el parpadeante neón del capitalismo.
Desde el pueblo cimarrón de Malobi, en Surinam, Sudamérica,
una sola toma sirve para ofrecer una visión sorprendentemente
contemporánea de un clásico de Jean Rouch. Es Halloween en el
Ecuador, Andrei Tarkovsky en el escenario de la jungla.
QUE CADA CUAL VAYA DONDE QUIERA
BEN RUSSELL – Betacam / 135´ / 2009 / Estados Unidos, Surinam / USA,
Suriname
V. O. SARAMAKA / SARAMACCAN. SUBT. ESPAÑOL, INGLÉS / SPANISH, ENGLISH
PERFORMANCE: LOS DIOSES BLANCOS Y NEGROS 50´ / Proyección doble en 16 mm y circuitos de audio fotosensibles / Double 16 mm
projection and light-sensitive audio circuits
Russell explora en su debut como largometrajista el prolongado
viaje de dos hermanos anónimos desde las afueras de Paramaribo,
Surinam, tierra adentro, siguiendo los pasos de sus antepasados,
que 300 años atrás escaparon de la esclavitud a manos de los
holandeses. Rodada casi por completo con una cámara de 16
mm en trece planos secuencia, este retrato cartográfico de la
cultura saramaka actual es un trabajo riguroso y exquisito que
desmantela la etnografía tradicional al tiempo que participa de
ella, invitando a que el anacronismo y la creación de mitos tomen
parte en una audaz refundición de la historia.
Basada en un breve fragmento de Daumë, una de las primeras
películas etnográficas de Russell, esta performance de doble
proyección se sirve de una variedad de película en bucle de 16
mm, sistemas electrónicos hechos a mano, lentes prismáticas y
componentes análogos para crear un bucle de retroalimentación
audiovisual que avanza lentamente hacia la fenomenología. Con
ecos de The Flicker, de Tony Conrad, y Disintegration Loops, de
William Basinski, The Black and the White Gods investiga la
posibilidad de la representación a través del ámbito abstraído de
la experiencia corpórea.
The feature debut of Ben Russell traces the extensive journey
of two unidentified brothers who venture from the outskirts of
Paramaribo, Suriname, overland, tracing the voyage undertaken
by their ancestors, who escaped from slavery at the hands of the
Dutch 300 years prior. Shot almost entirely with a 16mm Steadicam
rig in thirteen extended tracking shots, this cartographic portrayal
of contemporary Saramaccan culture is a rigorous and exquisite
work that partakes in and dismantles traditional ethnography,
inviting anachronism and myth-making to participate in the film’s
daring conflation of history.
Using a short segment of Russell’s early ethnographic film Daumë
as its foundation, this double-projection performance employs
a variety of 16mm film loops, hand-built electronics, prismatic
lenses, and analog components to create an audiovisual feedback
loop that edges steadily towards the phenomenological. With
echoes of Tony Conrad’s The Flicker and William Basinski’s
Disintegration Loops, The Black and the White Gods seeks to
interrogate the possibility of representation via the abstracted
field of bodily experience.
APP APPAP APP APAPPAP APP APP APP APAPPAPAPPAP APPAPAPP
A short treatise on the semiotics of “capital”, “happiness”, and
“phenomenology” under the flickering neon of global capitalism.
From the Maroon village of Malobi in Suriname, South America,
this single-take film offers a strikingly contemporary take on
a Jean Rouch classic. It’s Halloween at the Equator, Andrei
Tarkovsky for the jungle set.
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PERFORMANCE:
THE BLACK AND THE WHITE GODS
Gran Premio / First Prize, Festival Internacional de Cine Documental de Navarra
“Punto de Vista” (España / Spain, 2010)
DIRECCIÓN, MONTAJE / DIRECTION, EDITINGΩ Ben Russell
FOTOGRAFÍA / CINEMATOGRAPHYΩ Chris Fawcett
SONIDO / SOUNDΩ Brigid McCaffrey
MATADERO MADRID. CENTRAL DE DISEÑO
313
DOCUMENTA
LA CONQUISTA
ESPACIAL
DOCUMENTA THE SPACE CONQUEST
Informative Section
DOCUMENTA THE SPACE CONQUEST INFORMATIVE SECTION
316
Estamos acostumbrados a que el documental refleje todo tipo de realidades de nuestro planeta.
Este ciclo de excepción, programado en Documenta Madrid, va mucho más lejos. De hecho,
más allá de los límites respirables de la atmósfera en que todas las razas que componen la
humanidad han desarrollado sus actividades desde el comienzo de la historia de nuestras
respectivas civilizaciones. Es la hora de dar el salto a las estrellas, de viajar por el firmamento
sin más límites que los que sean capaces de marcar nuestra imaginación y tecnología.
Para todos los interesados en la astronáutica, iniciados o no, este es un ciclo muy
altamente recomendable, que comienza en los albores de la carrera espacial, reconstruidos
con una impresionante cantidad de material de archivo y a base de gran pericia de realización,
en Ascention, y se extiende hasta el reflejo de los (¿utópicos?) sueños del ser humano por
alcanzar la meta de instalarse en Marte, al que asistimos en el trabajo del gran documentalista
Richard Dindo Les rêveurs de Mars.
Space Tourists nos invita a acompañar en su viaje al cosmos a la multimillonaria
norteamericana de origen iraní Anousha Ansari, la primera mujer que viajó al espacio…
pagando. La seguimos en todas las fases de su entrenamiento, en el despegue y vuelo de la
Soyuz TMA-9 (acompañada del astronauta, nacido en Madrid, Miguel López-Alegría), en su
estancia espacial e incluso asistimos a la apertura de la cápsula tras su aterrizaje de retorno
a nuestro planeta. Este filme es una inmejorable ocasión para seguir paso a paso el trayecto
completo de un viaje cosmonáutico.
Pero, como podemos ver en Space Sailors, tiempo antes de los actuales viajes para
ricos excéntricos, el programa espacial ruso había llevado al firmamento, paradójicamente,
a representantes de la clase trabajadora desde las diferentes repúblicas soviéticas, Cuba o
incluso desde las yurtas de las estepas de Mongolia.
Lamentablemente, el ser humano sigue portando en su interior un primate temeroso
y agresivo y, como nos enseña con total lujo de detalles Pax Americana and the Weaponization
of Space, no todo son avances científicos en pro de la paz y la expansión de las fronteras de la
humanidad cuando se habla de la carrera espacial. Esta película es un pormenorizado análisis
de la actual guerra de las galaxias (nada que ver con la de George Lucas) que comenzó con la
IDE (Iniciativa de Defensa Estratégica) de la era Reagan y que está empezando a alcanzar cotas
de demencia realmente preocupantes.
Desde Documenta estamos convencidos de que estas cinco películas son verdaderas
joyas en su género y estamos realmente satisfechos de poder programarlas esta primavera
dentro de nuestro festival. En pocas ocasiones hemos conseguido un ciclo tan redondo.
Si quieren saber cómo es la vida en la Estación Espacial Internacional; si desean
averiguar cómo trabajan los grupos organizados de chatarreros espaciales que recogen en el
desierto de Kazajistán las fases desprendidas de los cohetes rusos para revendérselas a los
chinos, que fabrican con sus materiales componentes para circuitos; si tienen curiosidad por
conocer cómo un expiloto soviético consiguió llevarse al comedor de su casa la cápsula con la
que viajó a las estrellas; si están preocupados por informarse acerca de qué peligros nucleares
nos amenazan a nosotros y nuestros satélites desde el cielo… tienen una oportunidad única de
descubrir todo ello, y mucho más, en Documenta la conquista espacial.
SECCIÓN INFORMATIVA DOCUMENTA LA CONQUISTA ESPACIAL
We are used to documentaries showing all kinds of different realities on our planet.
This extraordinary series in Documenta Madrid’s program goes much further. In fact,
it goes beyond the breathable limits of our atmosphere, the one the entire human race
has been operating in since the beginning of our respective civilizations. Now is the
time to head for the stars, to travel the heavens no limits other than those set by our
imagination and technology.
For all those interested in astronautics, initiated or not, this is a strongly
recommended series, beginning with the dawn of the space race, reconstructed with an
amazing amount of file footage and great craftsmanship, in Ascention, and continuing
on through to the portrayal of (utopian) dreams of human beings of reaching its goal of
landing on Mars, which we will see in the film by the great documentary maker Richard
Dindo Les rêveurs de Mars.
Space Tourists invites us to join the millionaire American of Irani descent,
Anousha Ansari on her journey to the cosmos as the first woman to go into space…
as a tourist. We follow her through all the stages of training, the take-off and flight of
the Soyuz TMA-9 to space, accompanied by the Madrid-born astronaut Miguel LópezAlegría. We will even witness the opening of the capsule after their return landing on
our planet. This film is an excellent occasion to follow the entire process of a space
flight, step by step.
But as we can see in Space Sailors, long before the trips made nowadays
by the eccentrically wealthy, the Russian space program paradoxically had taken
representatives from the working classes from different members of the Soviet
Republic, from Cuba and even from the yurts on the steppes of Mongolia.
Unfortunately, human beings continue carrying inside them a fearful and
aggressive primate, and as we are shown in all its glorious detail, Pax Americana
and the Weaponization of Space, not all of them are scientific advancements for peace and
the broadening of human frontiers as far as the space race is concerned. This film is a
detailed analysis of the present day star wars (not the George Lucas one) that started
with the Reagan-era SDI (Strategic Defence Initiative), one that is starting to reach truly
worrying levels of dementia.
At Documenta, we are certain that these five films are veritable gems in this
genre, and we are very content to be able to screen them this spring as part of our festival.
On few occasions have we managed to bring together such a well-rounded series.
If you want to know what life is like on the International Space Station, if
you want to find out how organized groups of scrap metal collectors in the desert of
Kazakhstan gather up the detached stages of Russian rockets to re-sell them to the
Chinese for manufacturing circuit components, if you are curious to know how a Soviet
ex-pilot managed to take the capsule in which he traveled to the stars back home to
his dining room, if you are worried and want to learn more about the nuclear dangers
threatening us and our satellites from the sky… you have a unique opportuntity to learn
it all, and much more, in Documenta Space Conquest.
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ASCENTION
LES RÊVEURS DE MARS
ASCENSO / VOSCHOZHDENIE
PAVEL MEDVEDEV – Betacam / 49´ / 2008 / Rusia / Russia
V. O. INGLÉS, RUSO / ENGLISH, RUSSIAN. SUBT. ESPAÑOL, INGLÉS / SPANISH, ENGLISH
LOS SOÑADORES DE MARTE / THE MARS DREAMERS
RICHARD DINDO – Betacam / 83´ / 2009 / Francia / France
Estados Unidos, Rusia y la República Popular China son los países
que desempeñaron un papel más importante en los albores de la
exploración espacial. Una investigación exhaustiva que concluye
en la recuperación de material fílmico inédito permite componer
esta emotiva visión global de aquel momento, que es a su vez
un réquiem por las víctimas de ese proceso, deudor de la eterna
aspiración del ser humano de desbordar sus propios límites.
Un grupo de norteamericanos, científicos, arquitectos y
estudiantes que viven diseminados en doce estados distintos del
país, piensan que la humanidad debería aterrizar pronto en Marte
para buscar los secretos del origen de la vida e instaurar una
nueva civilización, una nueva raza de hombres.
The United States, Russia and the People’s Republic of China
are the countries that played the most important roles the
first steps in space exploration. This exhaustive investigation
using previously unseen and recovered film footage provides
an emotional overview of that time and serves as a requiem for
the victims of the space exploration process, the casualties of
humankind’s eternal aspiration to go beyond its own limits.
DIRECCIÓN, GUIÓN / DIRECTION, SCRIPTΩ Pavel Medvedev
PRODUCCIÓN / PRODUCTIONΩ Julia Sosnovskaya
FOTOGRAFÍA / CINEMATOGRAPHYΩ Dmitrij Zavilgelsky, Alexandr Gusev, Dmitrij
Alekseev
MONTAJE / EDITINGΩ Igor Nurgaliev
SONIDO / SOUNDΩ Sergey Moshkov
MÚSICA / MUSICΩ Igor Vorotnokov, Valerij Alahov
A group of Americans – scientists, architects, students, who live
scattered in a dozen states of the USA – think that humanity
should rapidly land on Mars to seek the secrets of the origins of
life and install a new civilization, a new race of men.
PAX AMERICANA AND THE WEAPONIZATION SPACE SAILORS
OF SPACE
NAVEGANTES DEL ESPACIO / FLIEGERKOSMONAUTEN
PAX AMERICANA O LA CONQUISTA MILITAR DEL ESPACIO
DENIS DELESTRAC – Betacam / 85´ / 2009 / Canadá, Francia / Canada, France
MARIAN KISS – Betacam / 87´ / 2009 / Alemania / Germany
V. O. MONGOL, VIETNAMITA, ESPAÑOL, HÚNGARO, CHECO, POLACO,ALEMÁN, BÚLGARO, RUMANO,
RUSO, PASHTO / MONGOLIAN, VIETNAMESE,SPANISH, HUNGARIAN, CZECH, POLISH, GERMAN,
BULGARIAN, RUMANIAN, RUSSIAN, PASHTO. SUBT. ESPAÑOL, INGLÉS / SPANISH, ENGLISH
Mientras muchas naciones buscan un tratado de paz para el
espacio, Estados Unidos trabaja en un programa que tiene por
objeto el control de todos los escenarios de guerra posibles:
tierra, mar, aire y espacio. Esta política, la mejor receta para una
catástrofe, podría suponer el auge de una nueva carrera nuclear
que pusiera en peligro, por ejemplo, los satélites que cada uno de
nosotros utiliza cada día. El espacio, ¿nuevo campo de batalla o
último santuario de paz?
Eran héroes de una clase especial. Venían de las estepas, hijos
de granjeros, de empleadas de fábrica. La sal de la tierra, jóvenes
robustos, maridos ejemplares que creían en el comunismo
desde el fondo de su corazón. Les esperaba un futuro brillante.
Estaban a punto de conquistar el espacio en nombre del Programa
Intercosmos. Desde el instante en que aterrizaron, les trataron
como a estrellas del rock y les veneraron como a héroes. ¿Y hoy?
¿Qué hacen los héroes del socialismo sin el socialismo?
While many nations seek a peace treaty for space, the United
States is working on a program, the object of which is to control
all possible war scenarios: land, sea, air and space. This policy, a
clear recipe for disaster, might bring about a new nuclear arms
race and it might put in danger, for example, the satellites that
every one of us uses every day. Space: the new battle ground or
the last sanctuary of peace?
They were heroes of a special kind. They came from the steppes,
the sons of farmers, of factory floor women. Salt-of-theearth, strapping young men, model husbands, who believed in
communism with all their hearts. Bright futures lay ahead of
them. In the name of the Intercosmos Programme they were
about to conquer space. The second they touched down, they
were treated like pop stars and worshipped as heroes. And
today? What do the heroes of socialism do without socialism?
DIRECCIÓN, GUIÓN / DIRECTION, SCRIPTΩ Richard Dindo
PRODUCCIÓN / PRODUCTIONΩ Serge Lalou (Les Films d’Ici)
SONIDO / SOUNDΩ Martin Witz
MONTAJE / EDITINGΩ Eulalie Korenfeld, René Zumbuhl
FOTOGRAFÍA / CINEMATOGRAPHYΩ Pio Corradi, Richard Dindo
DIRECCIÓN / DIRECTIONΩ Denis Delestrac
PRODUCCIÓN / PRODUCTIONΩ Denis Delestrac (Intrepido Films)
GUIÓN / SCRIPTΩ Denis Delestrac, Harold Crooks
SONIDO / SOUNDΩ Philippe Scultety
MONTAJE / EDITINGΩ David Leguerrier
FOTOGRAFÍA / CINEMATOGRAPHYΩ JP Saint Louis
MÚSICA / MUSICΩ Amon Tobin
LOCUCIÓN / VOICEΩ Mikela Jay
DIRECCIÓN, GUIÓN / DIRECTION, SCRIPTΩ Marian Kiss
PRODUCCIÓN / PRODUCTIONΩ Jörg Rothe (NML)
SONIDO / SOUNDΩ Ed Cantu, Martin Steyer, Dirk Jacob
MONTAJE / EDITINGΩ Katalin Pázmándy, Marian Kiss
FOTOGRAFÍA / CINEMATOGRAPHYΩ Lars Barthel
MÚSICA / MUSICΩThomas Wydler, Hans Jörn Brandenburg
319
SPACE TOURISTS
TURISTAS DEL ESPACIO
CHRISTIAN FREI – Betacam / 98´ / 2009 / Suiza / Switzerland
V. O. INGLÉS, RUSO, RUMANO / ENGLISH, RUSSIAN, ROMANIAN. SUBT. ESPAÑOL,
320
En los últimos años, para un minoritario número de multimillonarios,
existe la posibilidad de despegar del planeta Tierra para viajar, por
placer, al espacio exterior. Con una extraordinaria penetración y
haciendo uso de imágenes inéditas, se investigan las oscilaciones
emocionales que acompañan a una empresa caracterizada por su
elevadísimo coste. Análisis que abre un debate sobre el significado
y las fronteras del espíritu humano y nuestra sed de aventura y
descubrimiento, y que sorprende al espectador con imágenes y
situaciones que poco tienen que ver con la fantasía futurista del
“turismo espacial”.
321
In recent years, the possibility of taking off from planet Earth and
travel into outer space for fun has existed for a small number of
multi-millionaires. With extra-ordinary access and never before
seen images, the film investigates the emotional oscillations of
carrying out an expensive endeavor. An analysis that opens debate
on the meaning and boundaries of the human spirit and our hunger
for adventure and discovery, surprising its audience with images
and situations that have very little to do with the futuristic fantasy
of “space-tourism”.
DIRECCIÓN, PRODUCCIÓN, GUIÓN / DIRECTION, PRODUCTION, SCRIPTΩChristian Frei
SONIDO / SOUNDΩ Florian Eidenbenz
MONTAJE / EDITINGΩ Christian Frei, Andreas Winterstein
FOTOGRAFÍA / CINEMATOGRAPHYΩ Peter Indergand SCS
MÚSICA / MUSICΩ Jan Garbarek, Edward Artemyev, Steve Reich
Horas y horas al lado de nuestros personajes en un cuarto oscuro. Pero ellos no lo
saben. Nunca sabrán cuántas horas pasamos mirándolos, pensando en ellos.
Hours and hours alongside our characters in a dark room. But they do not know that.
They will never know how many hours we spend watching them, thinking about them.
Oliver Merchant
PANORAMA
NACIONAL
NATIONAL SCENE
Informative Section
NATIONAL SCENE INFORMATIVE SECTION
324
SECCIÓN INFORMATIVA PANORAMA NACIONAL
Lo más interesante de la producción española del año se concentra en esta sección no
competitiva de Documenta Madrid. Desde que el año pasado el festival incorporase a
sus bases el requisito de estreno nacional para todas las películas que componen las
secciones a concurso, es indudable que muchas películas “se nos escapan”. En esta
ocasión no va a ser así.
Los títulos que se agrupan en este programa, por unos u otros motivos, no
han podido formar parte de nuestra selección oficial. En su mayoría porque ya han sido
estrenados previamente en un festival, o bien por todo lo contrario, porque son tan
recientes que han sido finalizados con posterioridad al plazo que marcamos para la
recepción de películas.
En cualquiera de los casos, los 16 documentales que constituyen el Panorama
nacional 2010, pertenecen a ese grupo selecto de trabajos que está engalanando la
producción española en el género de la no ficción en los últimos tiempos. Todos ellos
podrían haber sido elegidos por Documenta para concurrir a un premio, pero al quedar
fuera de esa posibilidad, nos parecía lo más indicado ofrecer a nuestros espectadores
la proyección de todos ellos, máxime teniendo en cuenta que alguno aún no se ha visto
nunca en pantalla grande y todos ellos son riguroso estreno en nuestra ciudad.
Debido a su gran calidad, los festivales de Pamplona, Málaga, Gijón o Berlín
han acogido a alguno de ellos con anterioridad, ya que, sin duda, estamos hablando de
trabajos que no han hecho más que comenzar su andadura y a los que les espera un
brillante camino por delante.
Por unas u otras razones todos son encomiables, pero permítaseme
destacar el delicado y bellísimo trabajo realizado por Marcos Salso en el marco de
Documenta Madrid 2009 y producido por este festival. En estreno mundial, todo aquel
que lo desee, tendrá, de primera mano, la ocasión de disfrutar esta película sobre la
esencia primordial de la experiencia fílmica que, una vez en la sala, ocurre en el cuerpo
del espectador, en el hueco solitario entre el proyector y la pantalla / altavoz, donde
además se nos muestra una ciudad, Madrid, que revela lo extraordinario en la visión de
los detalles de lo cotidiano. Creemos que dará mucho que hablar el esforzado intento
de Salso por capturar la magia de ver cine.
Nuestro deseo es que disfruten tanto de esta como del resto de las películas
que componen el ciclo. Ya nos contarán.
Antonio Delgado Liz
Director de Documenta Madrid
The most interesting film production in Spain this year is brought together in this outof-competition section of Documenta Madrid. Since last year, the festival has made it
a requirement for all films in the competitive sections to be making their premiere in
Spain, so it is inevitable for many films to “slip by us”. This time, that is not going to
happen.
For some reason or another, the films featured in this program could not be
included in our official selection. Most of the time because either they have already
premiered elsewhere or the opposite, they are so recent that they were completed after
the deadline we set for film submissions.
In either case, the 16 documentary films included in the National Scene 2010
are a select group of films that have graced Spanish non-fiction film production in
recent years. All of them could have been selected to compete for a Documenta award,
but because that was not possible, it seemed appropriate for us to offer our audiences
screenings of them all, especially since some of them had never been seen on the
big screen and all of them are premiering in Madrid.
Because of their high quality, some of them have already been featured at the
festivals of Pamplona, Málaga, Gijón and Berlin, which just goes to show that we are clearly
talking about films that have only just set off on the brilliant path lying before them.
For any number of reasons, they are all praiseworthy, though let me point out
the delicate and beautiful work done by Marcos Salso as part of Documenta Madrid
2009 and produced by the festival itself. At the world premiere, everyone who wishes
will get the chance to enjoy first hand this film, which deals with the essence of the
film experience, of what happens in the body of spectators once they enter the cinema,
what happens in the solitary space between the projector and the screen / loudspeaker,
where we are also shown a city, Madrid, which reveals the most extraordinary details
of its everyday life. We believe Salso’s attempt at capturing the magic of cinema will be
quite the conversation piece.
We hope you enjoy this one as much as you do the rest of the films featured in
this series. Let us know what you think.
Antonio Delgado Liz
Director of Documenta Madrid
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326
AMANAR TAMASHEQ
CHANSON POUR AMINE
CUANDO LA LUZ SE APAGA
CUCHILLO DE PALO
LLUIS ESCARTÍN – Betacam / 15´ / 2010 / España, Mali / Spain, Mali
V. O. TUAREG. SUBT. ESPAÑOL / SPANISH
CANCIÓN PARA AMINE / SONG FOR AMINE
ALBERTO BOUGLEUX – Betacam / 53´ / 2009 / España / Spain
V. O. FRANCÉS, ÁRABE / FRENCH, ARABIC. SUBT. ESPAÑOL / SPANISH
WHEN THE LIGHT GOES OUT
MARCOS SALSO – Betacam / 46´ / 2010 / España / Spain
CUCHILLO DE PALO / 108
RENATE COSTA – Betacam / 91´ / 2010 / España / Spain
Un hombre se adentra solo en el desierto. Un hombre vive con los
tuareg. Un hombre escucha a otro hombre. Y este le ordena filmar
todo lo que encuentre. Filmarlo y contarlo más allá de las dunas.
Filmarlo todo, aunque no lo entienda. Filmarlo, aunque lo más
importante permanezca invisible.
La tragedia de las víctimas del terrorismo de Estado en Argelia a
través de la vida de Nassera Dutour, madre argelina que, después
de la desaparición de su hijo Amine en 1997, ha dedicado su vida
a luchar por la verdad y la justicia.
La esencia primordial de la experiencia fílmica ocurre en el cuerpo
del espectador de la sala de cine, en el hueco solitario entre el
proyector y la pantalla / altavoz, donde se nos muestra una ciudad,
Madrid, que revela lo extraordinario en la visión de los detalles
de lo cotidiano.
“Rodolfo fue el único hermano de mi padre que no quiso ser
herrero como mi abuelo. En el Paraguay de los ochenta, bajo la
dictadura de Stroessner, quería ser bailarín. Esta es la búsqueda
de las huellas de su vida y el descubrimiento de que fue incluido
en una de las “listas de homosexuales o 108”, arrestado y
torturado por ello. La historia de Rodolfo desvela una parte de
la historia escondida y silenciada de mi país. Una búsqueda
personal hecha de pocas certidumbres y de muchas preguntas,
a menudo sin respuesta. Preguntas que nos permiten entender
la relación que construimos con el pasado y cómo esta relación
define nuestro presente. Una película que habla de cada uno de
nosotros”. Renate Costa.
A man enters a desert alone. A man lives with the Tuareg. A
man listens to another man. And the second orders him to film
everything he finds. To film it and tell about it beyond the dunes.
To film everything, even if he does not understand. To film it, even
if the most important part remains invisible.
The tragedy of the victims of State terrorism in Algeria through
the life of Nassera Dutour, an Algerian mother who, after the
disappearance of her son Amine in 1997, has devoted her life to
fighting for truth and justice.
The primordial essence of the film experience occurs in the
cinema spectator’s body, in the solitary hollowness between the
projector and the screen / speaker, where we are shown a city,
Madrid, revealing the extraordinary in everyday life through the
vision of its details.
“Rodolfo was the only one of my father’s brothers that did not
was to be a blacksmith like my grandfather. In Paraguay in the
eighties, under the Stroessner dictatorship, he wanted to be a
dancer. This is the search for traces of his life and the discovery
that he was included on one of the “homosexual lists or 108”,
arrested and tortured for that reason. Rodolfo’s story reveals a
part of my country’s hidden and silenced history. A personal
search in which little is known for certain and many questions
arise, often left unanswered. Questions that allow us to
understand the relationship we build with the past and how that
relationship defines our present. A film that is about every one of
us.” – Renate Costa.
Estreno Mundial / World Premiere
Mejor Documental / Best Documentary, Festival de Cine Español de Málaga
(España / Spain, 2010)
DIRECCIÓN, GUIÓN, FOTOGRAFÍA, MONTAJE / DIRECTION, SCRIPT, CINEMATOGRAPHY, EDITINGΩ Lluis Escartín
DIRECCIÓN, GUIÓN, MONTAJE / DIRECTION, SCRIPT, EDITINGΩ Alberto Bougleux
PRODUCCIÓN / PRODUCTIONΩ Pepe Nieto (Sodepau)
SONIDO / SOUNDΩ Alberto Bougleux, Sophie Lorant, Sebastiano d’Ayala Valva
FOTOGRAFÍA / CINEMATOGRAPHYΩ Alberto Bougleux, Sophie Lorant, Sebastiano
d’Ayala Valva
MÚSICA / MUSICΩ Felipe Canales
DIRECCIÓN, GUIÓN, FOTOGRAFÍA, MONTAJE, SONIDO / DIRECTION, SCRIPT,
CINEMATOGRAPHY, EDITING, SOUNDΩ Marcos Salso
PRODUCCIÓN / PRODUCTIONΩ Great Ways para / for Documenta Madrid
MÚSICA / MUSICΩ Caco Duque
ETALONAJE / COLOR CORRECTION AND GRADINGΩ Jorge Oliva
DIRECCIÓN, GUIÓN / DIRECTION, SCRIPTΩ Renate Costa
PRODUCCIÓN / PRODUCTIONΩ Marta Andreu, Susana Benito (Estudi Playtime, TVC)
FOTOGRAFÍA / CINEMATOGRAPHYΩ Carlos Vásquez
SONIDO / SOUNDΩ Amanda Villavieja
MONTAJE / EDITINGΩ Núria Esquerra, Carlos García
ACADEMIA DE CINE
ACADEMIA DE CINE
ACADEMIA DE CINE
ACADEMIA DE CINE
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EL CONSERJE
EL GRECO EN MÉXICO
GAMBIA, THE SMILING COAST
HOLIDAYS
THE JANITOR
PABLO BAUR – Betacam / 20´ / 2009 / España / Spain
EL GRECO IN MEXICO
OSCAR MARINÉ – Betacam / 56’ / 2010 / España / Spain
VACACIONES
VÍCTOR MORENO – Betacam / 84´ / 2009 / España / Spain
Antonio, el conserje, es una persona meticulosa y ordenada que
cumple su tarea en soledad. Día tras día limpia, friega y atiende
el correo con una cadencia y un método sin parangón. A medida
que la historia avanza, el director rompe la estructura mostrada
y explica por qué decidió filmar al conserje, con lo que el relato
deriva hacia un registro autobiográfico. El director escribe una
carta a su padre, en la que le manifiesta sus diferencias, sus
conflictos y su afecto. Una película que cierra círculos sobre un
tema universal, la relación entre padre e hijo.
Un recorrido contemplativo en torno al montaje de una exposición
en torno a la figura de Domenikos Theotokopoulos, El Greco en
el Museo del Palacio de Bellas Artes de México D. F., desde la
descarga custodiada de las obras hasta la inauguración, en lo que
supone la primera vez que su obra puede admirarse de manera
conjunta fuera de España.
THE GAMBIA, THE SMILING COAST
DANIEL VERDÍN CASTRO – Betacam / 33´ / 2010 / España, Gambia / Spain,
The Gambia
V. O. ESPAÑOL, INGLÉS / SPANISH, ENGLISH. SUBT. ESPAÑOL / SPANISH
Gambia es uno de los países del oeste africano donde la industria
turística está creciendo con mayor rapidez. Este trabajo refleja
las transformaciones que el turismo provoca en un país que está
entre los más pobres del mundo.
“Muchos han sido los años de lucha para que la isla de Lanzarote
aprendiese a salvar las peculiaridades que la distinguen del resto
de las tierras del mundo. Ahora me causa una profunda tristeza
ver cómo el trabajo de tantos años se desmorona en pos del mal
llamado progreso”. César Manrique (1919-1992)
Antonio the doorman is a meticulous and tidy person, who does
his duties in solitude. Day after day he cleans mops and sorts
the mail with incomparable method and rhythm. As the story
advances, the director breaks the structure shown and explains
why he decided to film the doorman, thus shifting the account
to an autobiographical register. The director writes a letter to his
father, where he discusses their differences, their conflicts and
his affection. A film that closes circles about a universal theme,
the relationship between father and son.
A contemplative trip through the installation process of an
Domenikos Theotokopoulos, El Greco exhibition at the Museum of
Fine Arts in Mexico City, from the closely supervised unloading of
the paintings through to the inauguration of the exhibit, in what is
the first time his combined work can be seen on display outside
of Spain.
The Gambia is one of the countries in Western Africa where
tourism is growing more and more quickly. This work reflects the
transformations tourism has brought about in one of the world’s
poorest countries.
“Many years have been spent fighting to teach the island of
Lanzarote how to save the uniqueness distin guishing its land
from the rest of the world. It causes me deep sorrow to see how
so many years of work have been thrown away in the pursuit of
so-called progress.” – César Manrique (1919-1992)
Mención Especial del Jurado / Jury Special Mention, Festival de Cine de Las
Palmas de Gran Canaria (España / Spain, 2010)
DIRECCIÓN, FOTOGRAFÍA / DIRECTION, CINEMATOGRAPHYΩ Pablo Baur
PRODUCCIÓN / PRODUCTIONΩ Francina Verdés
GUIÓN / SCRIPTΩ Martín Sappia, Pablo Baur
SONIDO / SOUNDΩYanina Germán
MONTAJE / EDITINGΩ Martín Sappia
DIRECCIÓN, GUIÓN / DIRECTION, GUIÓNΩ Oscar Mariné
PRODUCCIÓN / PRODUCTIONΩ SEACEX, OMB
FOTOGRAFÍA / CINEMATOGRAPHYΩ Oscar Mariné, Rafael Jaramillo, Pirra
MONTAJE / EDITINGΩ Rafael Jaramillo
SONIDO, MÚSICA / SOUND, MUSICΩ Manuel Campos
DIRECCIÓN, FOTOGRAFÍA / DIRECTION, CINEMATOGRAPHYΩ Daniel Verdín Castro
PRODUCCIÓN / PRODUCTIONΩ Lorena Pérez Sáez
GUIÓN / SCRIPTΩ Daniel Gómez Sánchez
MONTAJE / EDITINGΩ Daniel Verdín Castro, Daniel Gómez Sánchez, Lorena Pérez
SONIDO / SOUNDΩ Pablo Salinas
DIRECCIÓN, GUIÓN / DIRECTION, SCRIPTΩVíctor Moreno
PRODUCCIÓN / PRODUCTIONΩ José Antonio Quirós, Aurelio Carnero, Víctor Moreno
(El Nacedon Films, Luna Llena Producciones)
FOTOGRAFÍA / CINEMATOGRAPHYΩ Carlos Vásquez
MONTAJE / EDITINGΩVíctor Moreno, Martin Eller
SONIDO / SOUNDΩ Antonio de Benito
ACADEMIA DE CINE
ACADEMIA DE CINE
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KONTINUASOM
LA EDAD DEL SOL
LA PRESA
ÓSCAR MARTÍNEZ – Betacam / 78´ / 2009 / España, Cabo Verde / Spain, Cape Verde
V. O. CRIOLLO CABOVERDIANO / CAPE VERDIAN CREOLE. SUBT. ESPAÑOL / SPANISH
THE AGE OF SUN
SÍLVIA SUBIRÓS MERCADER – Betacam / 25´ / 2009 / España / Spain
THE DAM
JORGE RIVERO – Betacam / 16´ / 2009 / España / Spain
Beti vive en su tierra, Cabo Verde. Es bailarina del grupo Raiz
di Polon. Desde Lisboa le llegará una proposición para viajar e
integrarse en un espectáculo de música caboverdiana y empezar
una carrera allí. Este ofrecimiento desencadena en ella el sentir
profundo y el conflicto caboverdiano: la identidad construida por la
diáspora desde siglos atrás. Las dudas, la saudade, el desarraigo
planean sobre ella y la acompañan en su toma de decisión. El
mismo dilema de todo caboverdiano: el deseo de partir, el deseo
de volver… expresado y reunido en torno a la música, seña de
identidad de su pueblo.
José María Nunes, fallecido en marzo de este año, es un director
de cine vinculado a la Escuela de Barcelona que, a sus 79 años,
emprende un proyecto para realizar una película, Res pública,
donde el protagonista y álter ego del cineasta se despide de sus
amigos cuando decide poner fin a su vida.
Beti lives in her homeland, Cape Verde. She is a dancer in the group
Raiz di Polon. She receives a offer from Lisbon to travel and join a
Cape Verdean music show and start a career there. This offer stirs
deep feelings within her and a typically Cape Verdean conflict:
identity built up by the diaspora centuries ago. Her doubts, the
saudade, being uprooting, weigh on her and accompany her in
her decision-making. The same dilemma for everyone from Cape
Verde: the desire to leave, the desire to return... expressed and
brought together in music, the heart of a people’s identity.
José María Nunes, who passed away in March of this year, was
a film director with ties to the School of Barcelona who, at the
age of 79, decided to put into motion a project for making a film,
Res pública, where the protagonist and filmmaker’s alter ego says
goodbye to his friends when he decides to end his own life.
En 1946 se comenzó uno de los proyectos más colosales llevados
a cabo en Europa: la construcción del embalse del Salto de
Salime, en una remota y escarpada comarca de Asturias. Joaquín
Vaquero Turcios llegó allí con 22 años para pintar el mural de la
sala de turbinas, una experiencia que le cambió para siempre y
marcó su trayectoria personal y artística.
In 1946 one of the most colossal projects carried out in Europe
was begun: the construction of the dam at Salto de Salime in
a remote and rugged region of Asturias. Joaquín Vaquero Turcios
went there at the age of 22 to paint the mural on the engine room,
an experience that changed him forever and marked the rest of his
personal and artistic career.
LIFE AND FILM. THE LABYRINTHINE
BIOGRAPHIES OF VOJTECH JASNY
VIDA Y CINE. LAS BIOGRAFÍAS LABERÍNTICAS DE VOJTECH JASNY
ARKAITZ BASTERRA ZALBIDE – Betacam / 78´ / 2009 / España / Spain
V. O. INGLÉS, CHECO, ALEMÁN / ENGLISH, CZECH, GERMAN. SUBT. ESPAÑOL / SPANISH
Tras haber sido uno de los cineastas de mayor éxito en Europa
en los años sesenta, Vojtech Jasny (República Checa, 1925) vive
actualmente en un pequeño apartamento de Nueva York. En el
caso de Jasny, la vida y el cine son dos conceptos inseparables.
Mediante la visita a sus amigos que aún viven, contará en primera
persona su propia historia y algunos episodios determinantes:
la invasión nazi de Checoslovaquia y la invasión soviética, el
posterior exilio y su llegada a Nueva York años más tarde.
After having been one of the most successful filmmakers in
Europe in the 1970s, Vojtech Jasny (Czech Republic, 1925) is
currently living in a small apartment in New York. In Jasny’s case,
life and film are two inseparable concepts. Through a visit with
his still living friends, he gives a first person account of his life
story and some of the most important episodes: the Nazi invasion
of Czechoslovakia and the Soviet invasion, the later exile and his
arrival to New York years later.
Primer Premio / First Prize, Festival de Documentales de Jaén (España / Spain, 2009)
DIRECCIÓN / DIRECTIONΩ Óscar Martínez
PRODUCCIÓN / PRODUCTIONΩ Ignacio Tamayo
GUIÓN / SCRIPTΩ Francisco Pascual
FOTOGRAFÍA / CINEMATOGRAPHYΩ David Domínguez
MONTAJE / EDITINGΩ Noemí García, Irene Cardona, Raquel Conde
SONIDO / SOUNDΩ Álvaro Silva, Manu Robles
DIRECCIÓN, GUIÓN, MONTAJE / DIRECTION, SCRIPT, EDITINGΩ Sílvia Subirós Mercader
PRODUCCIÓN / PRODUCTIONΩ Walter Temporelli (ECIB-Escuela de Cine de Barcelona)
SONIDO / SOUNDΩThiago Rego, Pedro Gómez
FOTOGRAFÍA / CINEMATOGRAPHYΩ Marc Pràxedes
DIRECCIÓN, GUIÓN / DIRECTION, SCRIPTΩ Jorge Rivero
PRODUCCIÓN / PRODUCTIONΩ Aprieta Fuerte PC, Jorge Rivero PC, User T38
FOTOGRAFÍA / CINEMATOGRAPHYΩ Juan Luis Ruiz
MONTAJE / EDITINGΩ Nacho Martín
SONIDO / SOUNDΩ Eladio Reguero
MÚSICA / MUSICΩ Nacho Martín, Pepe L’Ayerán
DIRECCIÓN, GUIÓN, FOTOGRAFÍA / DIRECTION, SCRIPT, CINEMATOGRAPHY
Arkaitz Basterra Zalbide
PRODUCCIÓN / PRODUCTIONΩ Pako Ruiz López (Sonora Estudios)
SONIDO / SOUNDΩ Iñaki Alonso
MONTAJE / EDITINGΩ Javi Prieto
MÚSICA / MUSICΩ Arturo Blasco y Bingen Mendizabal
LOCUCIÓN / VOICEΩ Arkaitz Basterra, Vojtech Jasny
331
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MALAGASY GOSPEL
PAQUITA Y TODO LO DEMÁS
REDISCOVERING PAPE
SANTA LUCÍA DEL SAHARA
VIRGINIA CAMINO, CARLOS ESBERT, ÁLVARO LAGOS, GRACIELA DE PABLOS
Betacam / 90´ / 2010 / España / Spain
V. O. ESPAÑOL, FRANCÉS, MALGACHE / SPANISH, FRENCH, MALAGASY. SUBT. ESPAÑOL / SPANISH
PAQUITA AND EVERYTHING ELSE
DAVID MONCASI – Betacam / 54´ / 2009 / España / Spain
JESÚS HERMIDA JIMÉNEZ, JOSÉ MANUEL SALVATIERRA – Betacam / 37´ / 2009
España / Spain
V. O. ESPAÑOL, HASSANÍA / SPANISH, HASSANIA. SUBT. ESPAÑOL / SPANISH
Quince niñas y niños ciegos abandonados y quince niñas
provenientes de la explotación infantil, todos ellos del sur de
Madagascar, viven una experiencia única: salen por primera vez
de su país para realizar una gira de más de veinte conciertos
por España en reivindicación de los derechos fundamentales
de la infancia. Malagasy Gospel es también un encuentro en
Madagascar con la vida diaria de unos niños para los que la
música es la mejor manera de cuidarse los unos a los otros.
“Él sufre porque ve que no es como los demás. Nunca ha
trabajado, nunca ha tenido novia…, su vida se va empobreciendo y
se siente desgraciado. Preferiría verle muerto antes que viviendo
así”. Paquita habla sobre su hijo Cristian, que tiene 32 años y hace
14 le diagnosticaron esquizofrenia. Madre e hijo nos abren las
puertas de su particular mundo y nos lo muestran a través de un
prisma sorprendente.
REDESCUBRIENDO A PAPE
MARÍA ROYO BARRERA – Betacam / 26´ / 2009 / España, Polonia / Spain, Poland
V. O. ESPAÑOL, INGLÉS, ALEMÁN, POLACO / SPANISH, ENGLISH,
GERMAN, POLISH. SUBT. ESPAÑOL / SPANISH
María Royo intenta conciliar los recuerdos de su estrecha relación
de infancia con su bisabuelo, con el descubrimiento de su pasado
como oficial nazi. Recorriendo Europa tras las huellas de su
abuelo, trata de romper el silencio de su familia y descubrir la
naturaleza de la más complicada de las decisiones.
Bubisher, además de ser “un pájaro que trae la suerte”, es un
camión cargado de literatura en español en los campamentos
de refugiados saharauis de Tindouf. Puede parecer paradójico
ver cómo dialogan dos culturas a través de pequeñas historias y
cuentos, pero también el contraste entre el esfuerzo de superación
de una joven generación de mujeres y la realidad del desierto.
Fifteen blind, abandoned girls and boys and fifteen girls coming
out of child exploitation, all in southern Madagasgar, live a unique
experience: leave their country for the first time to do a tour of
more than twenty concerts throughout Spain in support of basic
rights for children. Malagasy Gospel is also an look at daily life for
children in Madagascar for whom music is the best way of taking
care of each other.
“He suffers because he sees that he is not like the others. He has
never worked, never had a girlfriend... his life is getting worse
and he feels unhappy. I would rather see him dead than living
like this.” Paquita is talking about her son Cristian, a 32 year old
diagnosed with schizophrenia fourteen years ago. Mother and son
open up the doors to their unique world and show it to us from a
surprising point of view.
María Royo tries to reconcile the memories she has of a very
close relationship with her great grandfather with the discovery
of his past as a Nazi official. By traveling across Europe in search
of clues about her grandfather, she seeks to break her family’s
silence and discover the nature of the most complicated of
decisions.
Bubisher, in addition to meaning “a bird bringing good luck,”
is also the name of a truck loaded with books in Spanish in
the Sahrawi refugee camps of Tindouf (Algeria). It might seem
paradoxical to see how two cultures come into dialogue through
short stories and tales, but so does the contrast between the
efforts a young generation of women make for improving life and
the reality of the desert.
DIRECCIÓN / DIRECTIONΩVirginia Camino, Carlos Esbert, Álvaro Lagos, Graciela
de Pablos
PRODUCCIÓN / PRODUCTIONΩ Javier Lara, Carlos Esbert (Artika Films, TVE)
SONIDO / SOUNDΩ Alicia Alén
MONTAJE / EDITINGΩ Cristóbal Fernández
DIRECCIÓN, GUIÓN, SONIDO / DIRECTION, SCRIPT, SOUNDΩ David Moncasi
PRODUCCIÓN / PRODUCTIONΩ Gabriela Gutiérrez Dewar (Estacion Central de Contenidos)
MONTAJE / EDITINGΩ Ana Rubio
FOTOGRAFÍA / CINEMATOGRAPHYΩ José Lago, Paquita Yangüela, Cristian Lago
MÚSICA / MUSICΩ Hyperpotamus
DIRECCIÓN, PRODUCCIÓN, FOTOGRAFÍA / DIRECTION, PRODUCTION,
CINEMATOGRAPHYΩ María Royo Barrera
GUIÓN / SCRIPTΩ María Royo, Antón Calderón
SONIDO, MÚSICA / SOUND, MUSICΩ Antón Calderón
MONTAJE / EDITINGΩ Z. A. Martohardjono, María Royo
LOCUCIÓN / VOICEΩ Armin Hierstetter
DIRECCIÓN, GUIÓN / DIRECTION, SCRIPTΩ Jesús Hermida Jiménez “Hache”,
José Manuel Salvatierra
PRODUCCIÓN / PRODUCTIONΩ Jesús Hermida Jiménez “Hache”
SONIDO / SOUNDΩ Inés Almirón
MONTAJE / EDITINGΩ José Manuel Salvatierra, Jesús Hermida Jiménez “Hache”,
David Heredia
FOTOGRAFÍA / CINEMATOGRAPHYΩ Álvaro Carrero
MÚSICA / MUSICΩ Javier Monteagudo
LOCUCIÓN / VOICEΩ Liman Boicha
ACADEMIA DE CINE
ACADEMIA DE CINE
ACADEMIA DE CINE
Premio Especial del Jurado / Jury Special Prize, Festival de Cine Español de
Málaga (España / Spain, 2010)
Mejor Documental, Mejor Montaje / Best Documentary, Best Editing, New York
Citivisions (Estados Unidos / USA, 2009)
333
PANORAMA
INTERNACIONAL
INTERNATIONAL SCENE
Pantalla Latinoamericana:
voces diferentes en el documental colombiano
Latin American Film: Different Voices in Colombian Documentary Film
Panorama Árabe Contemporáneo iv
Contemporary Arabic Series 4
Panorama Asiático
Asian Scene
Informative Section
INTERNATIONAL SCENE INFORMATIVE SECTION
Casa de América, en estrecha colaboración con el Festival Internacional de Documentales de
Madrid, y con el apoyo de la Embajada de Colombia en España, presenta la muestra:
PANTALLA LATINOAMERICANA: VOCES DIFERENTES EN EL DOCUMENTAL COLOMBIANO
336
En julio de 1969, en un pequeño pueblo colombiano, para ver la llegada del hombre a la Luna
fue necesario pagar un centavo a los Gutiérrez, los ricos de la región, porque solo en su casa
existía televisión, y fue en salas como esa donde toda una generación se sentó a ver el mundo.
Dando patadas, jalándose1 las orejas, preguntando por la vida y el sexo, jugando
en la noche con los vecinos de la cuadra2 a policías y ladrones se conformó un grupo de
documentalistas que hoy producen con gran energía una mirada que aborda la violencia
descarnada pero que mantiene el contacto con amadas utopías y días y noches de alegría.
Aunque lejano, no se renuncia al sueño de que es posible un mundo más amable entre hombres
y mujeres, y de estos con la naturaleza que nos rodea.
En esa misma época, los setenta, una pareja de jóvenes cineastas regresaban
de Francia, con una cámara en la mano, una mochila de ilusiones, con su cabeza llena de
indicaciones de Jean Rouch, a hacer documentales en las marginalidades de la sociedad
colombiana. Marta Rodríguez y Jorge Silva han influido hasta el día de hoy a los que han
apostado por esta forma de hacer cine y de vivir. Su directo compromiso en contra de las
injusticias, su gran capacidad metafórica y poética, su cuidada y bella fotografía plantearon al
documental colombiano retos que hasta ahora no han sido superados.
Ejércitos de vigilantes buscan matar el tiempo del tedio y la soledad en
edificios de Bogotá; 110 obreros han de ocupar una fábrica y, juntando agua, tierra y
fuego, construyen el mejor ladrillo de Medellín; una vieja conchera3 en el Pacífico sur
desparrama filosofía de vida en su ventana; dos familias, una urbana y otra rural, que
dependen para existir una de la otra pero que no se conocen; pueblos ancestrales que
todavía creen en la danza como una acción ritual de comunicación con sus antepasados
y el mundo…; protagonistas que buscan por medio de esta pantalla mágica entablar un
diálogo con los perceptores de lejanas y a la vez amadas culturas.
Cuando le preguntamos a un joven documentalista colombiano cuál fue la primera
imagen de su vida, nos respondió que la transmisión televisiva de la entrada de los tanques
de guerra al Palacio de Justicia un fatídico seis de noviembre de 1985. Ya en Colombia no se
pagaba dinero por el derecho a sentarse en el suelo de la sala de la televisión de los Gutiérrez,
ni siquiera los niños pasaban donde los vecinos con tranquilidad, mucho menos se jugaba al
fútbol en los lotes4 baldíos. Es una generación que ha crecido con celadores por doquier.
Los jóvenes documentalistas no accedieron a la obra de Marta y Jorge en las
sacristías de las iglesias, en auditorios de sindicatos o en asambleas estudiantiles,
sino en las aulas de las universidades que enseñan el fascinante mundo de expresarse
con imágenes en movimiento. Influenciados por Wiseman, Vertov, Moore, por cientos
de maravillosos autores de ficción, el videoarte o el videoclip, recorren hoy nuestros
polvorientos pueblos y densas ciudades en la búsqueda de historias y de personas
SECCIÓN INFORMATIVA PANORAMA INTERNACIONAL
llenas de humanidad. Con nuevas utopías mantienen ese legado de obras llenas de
contacto con hombres y mujeres sencillos, pero a la vez luminosos, de nuestro país.
Músicos marginales; compositores embrujados o geniales cantautores con
profundos arraigos en las labores del campo; madres de familia en apuros con la justicia
por vender DVD; modernos David con pantaloneta5 de futbolistas que osaron enfrentarse
a un mundial; reinas de belleza en la desesperanza de la prisión; el exterminio de tres mil
miembros de un partido político; vallenateros6 en el asfalto de Madrid; metros de celuloide
en blanco y negro que desparrama las ilusiones de una familia feliz…; seres que reviven en
la pantalla interpelando a los asistentes en una comunión de intereses y emociones.
¿Hasta dónde podemos convertir al oidor de historias heroicas en un huérfano
explorador de realidades? No es gratuito el símil que la mayoría de personas hacen del cine
con los sueños. ¿Hasta qué punto esa ilusión de realidad puede conjugarse con un diálogo
con la complejidad del todo? “Ningún dispositivo cerebral permite distinguir la alucinación de
la percepción, el sueño de la vigilia, lo imaginario de lo real, la subjetivo de lo objetivo. […] Lo
que permite la distinción es la actividad racional de la mente, que apela al control del entorno
(resistencia física del medio al deseo y al imaginario), de la práctica (acción sobre las cosas), de
la cultura (referencia al saber común), del otro (¿ve usted lo mismo que yo?), al control cerebral
(memoria, lógica)” (Edgar Morin, El Método V. La humanidad de la humanidad, Madrid, Ediciones
Cátedra, 2003).
La analogía puede ser un campo importante para un cine poético que relega, asocia,
conecta, acopla y desarrolla el campo de las evocaciones, las sugerencias, las aproximaciones,
las relaciones.
En este mundo saturado de imágenes es difícil acceder a una que transfiera
emoción, un sentimiento de belleza, de verdad. Para ello necesitamos recuperar la ingenuidad,
la capacidad de admiración ante las “pequeñas cosas”, ante el espectáculo de la naturaleza,
ante el océano, la montaña, la salida del sol, la belleza del otro, de la otra. La búsqueda de un
estado de gracia que se llama estado poético. Este estado puede sobrevenir en la relación con
el otro y lo otro, en la relación comunitaria, en la relación imaginaria.
Estas imágenes pueden verse en la muestra Voces diferentes en el documental
colombiano, que se presentará del 10 al 15 de mayo en la Sala Iberia de Casa de América, donde
se exhibirán trabajos de dos generaciones de documentalistas.
Carlos Bernal
Santa Marta, Colombia
Notas del editor
1
Tirándose de…
2
Manzana, en el sentido de espacio urbano delimitado por calles.
3
Recolectora de conchas.
4
Solares.
5
Pantalón corto para hacer deporte.
6
A quienes son oriundos de Valledupan, Colombia, se les llama “vallenatos” y por extensión a la música y ritmo propios de esa región,
y “vallenateros” a quienes la ejecutan.
337
The Casa de América, in close collaboration with the International Documentary
Festival of Madrid and with support from the Colombian Embassy in Spain, presents
the series:
LATIN AMERICAN FILM: DIFFERENT VOICES IN COLOMBIAN DOCUMENTARY FILM
338
In July 1969 in a small Colombian town, in order to see humankind’s arrival to the Moon,
you had to pay a centavo to the Gutiérrez family, the rich folks in the area, because
their house was the only one with a television, the very kind of place where an entire
generation sat down to see the world.
Kicking each other, pulling on each other’s ears, asking questions about life
and sex, playing cops and robbers with the neighborhood children – thus did a group of
documentary filmmakers grow up, one today shaping a vision of the world by tackling
issues of raw violence, but doing so without losing touch with beloved utopias born out
of days and nights of happiness. Though distant, it does not abandon the dream of a
world that is kinder for men and women, and by extension kinder to the nature of our
surroundings.
In this same time period, the 1970s, a couple of young filmmakers returned
from France with a camera in hand, a backpack full of dreams, and their heads full
of guidance from Jean Rouch on how to make documentaries from the margins of
Colombian society. Marta Rodríguez and Jorge Silva have had an influence stretching
through to today on the people who have taken up this kind of filmmaking and lifestyle.
Their direct commitment to fighting injustice, their great capacity for metaphor and
poetry, their careful and beautiful photography have set challenges for Colombian
documentary film that have yet to be overcome.
Armies of security guards try to kill time and tedium and boredom in the
buildings of Bogotá; 110 workers must take control over a factory and by bringing
together water, land and fire, make the best bricks in Medellín; an old seashell collector
in the southern Pacific espouses his philosophy of life from his window; two families,
one in the city, one in the country, depend on each other for survival without even
having met; ancestral towns that still believe in dance as a ritual for communicating
with ancestors and the world…; the main characters that through this magical screen
seek to strike up a dialogue with viewers from far off and beloved cultures.
If you ask young Colombian documentary filmmakers what was the first image
they remember seeing, they’ll tell you the TV broadcast of tanks entering the Palace of
Justice on that fateful sixth of November in 1985. In Colombia, you no longer pay for the
right to sit on the floor of the Gutierrez’s television room, nor do children run around
with the neighbors in peace, much less play football in vacant lots. This is a generation
that has grown up with security guards all over the place.
The young documentary makers did not see Marta and Jorge’s work in the church
sacristies, in town auditoriums or student assemblies, but rather in university classrooms
teaching the fascinating world of expression through motion pictures. Influenced by
Wiseman, Vertov, Moore, by hundreds of marvelous directors of fiction films, video art and
music videos, they travel throughout our dusty towns and dense cities in search of stories
and people full of humanity. With new utopias, they conserve that legacy of films reaching
out to simple and yet enlightening men and women of our country.
Marginalized musicians, cursed composers and great singer-songwriters with
deep root in the field work; mothers in trouble with the law for selling DVDs; modernday Davids in football shorts, who dared to tackle a World Cup game; beauty queens
in the hopelessness of prison life; the extermination of three thousand members of
a political party; the celebration of music from Valledupar, Colombia in the streets of
Madrid; yards and yards of celluloid in black and white, spilling over with the dreams of
a happy family; people coming alive on screen, provoking thought in audiences as they
bring together interests and emotions.
How far can we convert someone listening to heroic stories into an orphan
exploring reality? It is not for nothing that most people associate cinema with dreams.
To what extent might that illusion of reality blur together with a dialogue with the
complexity of the whole? “No cerebral system gives us the power to distinguish
hallucination from perception, dream from waking, the imaginary from the real, the
subjective from the objective. […] The rational activity of the mind is what allows us to
distinguish things, which draws on various means of control: the environment (physical
resistance from the surroundings), practice (verifying activity), culture (reference to
common knowledge), other people (do you see the same thing as me?), the cortex
(memory, logical operations)” (Morin, Edgar. The Method 5: The Humanity of the
Humanity. Ediciones Cátedra, Madrid, 2003).
The analogy might be an important field for a poetic cinema that relegates,
associates, connects, joins and develops the field of evoking, suggesting, approaching,
relating.
In this world bombarded by images, it is difficult to find one that transmits
emotion, a sentiment of beauty, of truth. For this reason we need to recover our
ingenuousness, our capacity for admiration for the “little things”, for the spectacle of
nature, for the ocean, the mountain, the sunrise, the beauty of the other. The search
for a state of grace that is called the poetic state. That state that might occur in one’s
relationship with others and otherness, in the communal relationship, in the imaginary
relationship.
These images can be seen in the series Different Voices in the Colombian
Documentary Film, which will take place from May 10 through 15 in the Sala Iberia of the
Casa de América, where two generations of documentary filmmakers will be shown.
Carlos Bernal
Santa Marta, Colombia
339
340
SON DEL BARRO
ÁFRICA TIERRA MADRE
1.526 METROS SOBRE EL NIVEL DEL MAR
CRÓNICA DE UN BAILE DE MUÑECO
MADE OF MUD
BEATRIZ BERMÚDEZ, CARLOS BERNAL – Mini DV / 25´ / 1986 / Colombia
AFRICA MOTHER EARTH
BEATRIZ BERMÚDEZ, CARLOS BERNAL – Mini DV / 33´ / 1990 / Colombia
1,526 METERS ABOVE SEA LEVEL
CARLOS BERNAL – Mini DV / 30´ / 2004 / Colombia
DANCE OF THE PUPPET
PABLO MORA – Betacam / 54´ / 2004 / Colombia
En una de las laderas de Medellín, en el barrio de Belén, treinta
y un obreros asumieron el control de la empresa ladrillera
Buenavista y reanudaron la producción después de diecinueve
meses de huelga. Hoy producen el mejor ladrillo de Medellín.
En el Pacífico colombiano, hasta hace unos años, existían viejos
que aseguraban que en el cielo se tocaba la marimba. Hoy en
Tumaco, un toque de marimba, el percutir de dos conunos, dos
bombos y dos guasás indican la celebración de un currulao. En
la película, en medio de currulaos se entrelazan danzas, cuentos,
poesía, coreografía de colores y relatos que dibujan la vida diaria
de sus pobladores, descendientes de esclavos africanos.
Amanece. El canto de los pájaros saluda al alba en medio de
la lluvia en el valle del Aburrá. Los autobuses trasladan a los
obreros y a los estudiantes a sus respectivas labores. En la finca
agroecológica ubicada en las laderas que circundan la ciudad,
Mario ordeña la vaca para alimentar a su familia. El programa de
radio ¿Cómo amaneció Medellín? acompaña el despertar del valle,
tanto en el centro como en la ladera, anticipando el concierto
urbano que crecerá con el día.
Al igual que otras comunidades indígenas del Amazonas
colombiano, los yucuna de Puerto Córdoba, Amerú, preparan un
ritual ancestral que les permitirá afianzar los lazos dentro de su
comunidad y mantener antiguas tradiciones vivas en su memoria
como parte de un renovado esfuerzo de autodeterminación
cultural. Pero esta vez el evento tiene un ingrediente adicional;
el equipo documentalista toma parte activa y se integra en otro
ritual. El encuentro de dos culturas se convierte en hilo narrativo
desencadenando sorpresivos intercambios.
On one of the hillsides of Medellín, in the neighborhood of Belén,
thirty one workers took control of the brick-manufacturing
company Buenavista and started production back up after
nineteen months of strike. Today, they produce the best bricks
in Medellín.
In the Colombian Pacific, there were until a few years ago old
men that were sure the marimba was played in heaven. Today in
Tumaco, a band playing a marimba, two conunos drums, two bass
drums and two guasás shakers makes up part of the celebration of
a currulao. In this film, made during these performances, dancing,
story-telling, poetry, color choreography and tales blend together
to depict the everyday life of the inhabitants, descendants of
African slaves.
Dawn. The singing birds greet the sunrise in the middle of the rain
in the Aburrá Valley. The buses taking the workers and students
to their respective places. In the agroecological farmhouse
on the hillsides surrounding the city, Mario milks the cow to
feed his family. The radio program ¿Cómo amaneció Medellín?
accompanies the waking of the Valley, in its center and on its
hillsides, in anticipation of the urban concert that will grow
throughout the day.
Just like other indigenous communities in the Colombian
Amazon, the Yucuna of Puerto Córdoba, Amerú are preparing an
ancestral ritual to strengthen the ties within their communities
and maintain the ancient traditions living in their memory as part
of a renewed effort at cultural self-determination. But this time,
the event has an additional ingredient: the documentary team
takes an active part and joins another ritual. The encounter of two
cultures becomes the plot line and leads to surprising exchanges.
Mención de Honor / Honorable Mention, Festival Hispanoamericano de Vídeo
Documental Independiente – Voces contra el Silencio (México / Mexico, 2004)
Mención Especial del Jurado / Jury Special Mention, Festival de Cine y Vídeo
Latinoamericano de Buenos Aires (Argentina, 2005)
Mejor Vídeo / Best Video, Festival de Cine de Bogotá (Colombia, 1990)
DIRECCIÓN, GUIÓN / DIRECTION, SCRIPTΩ Beatriz Bermúdez, Carlos Bernal
PRODUCCIÓN, FOTOGRAFÍA, MONTAJE / PRODUCTION, CINEMATOGRAPHY,
EDITINGΩ Carlos Bernal
SONIDO / SOUNDΩ Giovana Hernández
DIRECCIÓN / DIRECTIONΩ Beatriz Bermúdez, Carlos Bernal
PRODUCCIÓN, GUIÓN, FOTOGRAFÍA, MONTAJE / PRODUCTION, SCRIPT,
CINEMATOGRAPHY, EDITINGΩ Carlos Bernal
SONIDO / SOUNDΩ Diego Balanta
CASA DE AMÉRICA. SALA IBERIA
DIRECCIÓN, PRODUCCIÓN, GUIÓN, FOTOGRAFÍA, MONTAJE, SONIDO / DIRECTION,
PRODUCTION, SCRIPT, CINEMATOGRAPHY, EDITING, SOUNDΩ Carlos Bernal
MÚSICA / MUSICΩ Carlos Hernández
DIRECCIÓN / DIRECTIONΩ Pablo Mora
PRODUCCIÓN / PRODUCTIONΩ Clara López Gómez, Pía Quiroga, Neyla Santamaría
GUIÓN / SCRIPTΩ Pablo Mora, Lavinia Fiori Reggio
FOTOGRAFÍA / CINEMATOGRAPHYΩ Mauricio Vidal
MONTAJE / EDITINGΩ Pablo Mora, Juan Pablo Méndez
SONIDO / SOUNDΩ Elver Cárdenas
Mención Especial del Jurado / Jury Special Mention, Artronica – Muestra
Internacional de Artes Electrónicas (Colombia, 2005)
341
342
ROLANDO
16MEMORIAS
BAGATELA
LA CORONA
JULIO AZAR BLANCO – Mini DV / 16´ / 2006 / Colombia
16MEMORIES
CAMILO BOTERO JARAMILLO – DV Cam / 53´ / 2008 / Colombia
JORGE CABALLERO – Betacam / 74´ / 2008 / Colombia, España / Colombia, Spain
A pesar de su prometedora carrera musical, Rolando Sánchez
recorre actualmente la bahía del corregimiento de Taganga
buscando turistas que le compren un CD. A Rolando las drogas
lo confinaron a una choza al lado de su hijo y esposa, lejos de
la civilización, pero, lúcido y filósofo, su sueño es preparar un
concierto para ayudar a Taganga y al mismo tiempo recuperarse
y retomar su vida.
Filmada entre 1945 y 1971, es la historia de los Posada
Saldarriaga, una familia de Medellín que creció entre la euforia de
la industrialización, los molinos de azúcar, los viajes a Miami y los
globos. Veinticinco años de cotidianeidad casi ininterrumpida que
estuvieron a punto de perderse en una vieja casona.
THE CROWN
AMANDA MICHELI , ISABEL VEGA – 35 mm / 40´ / 2008 / Colombia,
Estados Unidos / Colombia, USA
La mayoría de los procesos presentados ante las instancias
judiciales en Bogotá se catalogan como delitos menores. Aunque
en muchos casos la raíz de esta problemática es netamente
social, la solución en Colombia se ha centrado en la judicialización
de estas conductas. Vender CD piratas, robar un móvil o incluso
dormir en la calle puede implicar condenas de varios años de
prisión. Este es un retrato de la cotidianidad de la justicia, el día a
día de los pequeños delitos en Bogotá, una ciudad acostumbrada
a la violencia y la desigualdad.
Cada año, en la cárcel de mujeres El Buen Pastor, de Bogotá, se
celebra un concurso de belleza poco común: las participantes son
asesinas a sueldo, guerrilleras y ladronas. La primera finalista
llorará al perder la corona y secará sus lágrimas con su mano
tatuada. La radiante ganadora, resplandeciente en su traje de
noche y sus relucientes joyas, será coronada por la reina del año
anterior. Pero la nueva reina no será llamada a realizar ruedas de
prensa como ejemplo a seguir para la juventud colombiana; al
contrario, será escoltada de vuelta a su celda.
Most of the proceedings filed in courts in Bogota are classified
as misdemeanors. Even though in many cases the root of this
problem is clearly social, the solution in Colombia has focused on
taking this behavior to court. Selling counterfeited CDs, stealing
cell phones, or even sleeping in the street can mean several
years of prison. This is a portrait of everyday justice, the day to
day of small crimes in Bogota, a city accustomed to violence an
inequality.
Every year in the women’s prison El Buen Pastor, of Bogotá,
an unusual beauty contest is held: its participants are hired
assassins, guerrilla fighters and thieves. The runner-up will cry
upon losing the crown, and will dry her tears with her tattooed
hand. The radiant winner, stunning in her evening gown and
glittering jewels, will be crowned by the queen from the
previous year. But the new queen will not be called to hold press
conferences as a role model for young Colombian girls; on the
contrary, she will be escorted back to her cell.
Mejor Película – Jurado de Derechos Humanos / Best Film – Human Rights Jury,
BAFICI – Buenos Aires Festival Internacional de Cine Independiente (Argentina, 2009)
Mejor Película de No-ficción / Best Non-Fiction Film, CortoMieres, Asturias
(España / Spain, 2008)
Mejor Documental / Best Documentary, Festival Ciudad Luna (Colombia, 2010)
Premio Nacional de Documental / Documentary National Award (Colombia, 2010)
Nominado al Oscar al Mejor Cortometraje Documental / Nominated for the Oscar
Award for Best Documentary Short Film (Estados Unidos / USA, 2008)
Mención de Honor / Honorable Mention, Sundance Film Festival (Estados Unidos /
USA, 2008)
Mejor Cortometraje / Best Short Film, IDFA – International Documentary Film
Festival Amsterdam (Países Bajos / The Netherlands, 2008)
Mejor Cortometraje, Premio del Público / Best Short Film, Audience Award,
Outfest. Los Ángeles (Estados Unidos / USA, 2008)
Despite his promising musical career, Rolando Sánchez today
walks along the bay in the town of Taganga, looking for tourists
who might buy his CD. Drugs have trapped Roland in a shack far
from civilization, alongside his wife and son, but, clear-headed and
philosophical, his dream is to prepare a concert to help Taganga
and at the same time to recover and start his live over again.
Filmed between 1945 and 1971, this is the story of Posada
Saldarriaga, a family from Medellín that grew up in euphoria
of industrialization, the sugar mills, the trips to Miami and the
balloons. Twenty five years of almost uninterrupted daily life that
they were on the verge of losing in an old house.
Premio del Público, Mejor Fotografía, Mención Especial del Jurado / Audience
Award, Best Cinematography, Jury Special Mention, Miami International Film
Mejor Película, Mejor Montaje, Mejor Música / Best Film, Best Editing,
Best Music, Concurso Iberoamericano de Óperas Primas – Festival de Cine
Independiente de Mompox (Colombia, 2009)
Mejor Documental / Best Documentary, Festival de Cine de Bogotá (Colombia, 2009)
Mejor Película Extranjera / Best Foreign Film, Festival Internacional de Cine y
Vídeo Documental (Panamá / Panama, 2009)
Mejor Vídeo Documental / Best Documentary Video, Festival Internacional de
Cine de Cartagena de Indias (Colombia, 2007)
DIRECCIÓN / DIRECTIONΩ Julio Azar Blanco
PRODUCCIÓN, FOTOGRAFÍA / PRODUCTION, CINEMATOGRAPHYΩ Mauricio
Arrieta
GUIÓN / SCRIPTΩ Julio Azar Blanco, Mauricio Arrieta
MONTAJE / EDITINGΩ Julia Ávila
SONIDO / SOUNDΩ Adriana Uribe
MÚSICA / MUSICΩ Rolando Sánchez
DIRECCIÓN, MONTAJE / DIRECTION, EDITINGΩ Camilo Botero Jaramillo
PRODUCCIÓN / PRODUCTIONΩ Camilo Botero Jaramillo, Carol Ann Figueroa
Rueda
GUIÓN / SCRIPTΩ Carol Ann Figueroa Rueda
FOTOGRAFÍA / CINEMATOGRAPHYΩ Mario Posada Ochoa
SONIDO / SOUNDΩ Isabel Torres
MÚSICA / MUSICΩ Mauricio López Suárez, Alejandro Peláez
Con la presencia de Carol Ann Figueroa / With the presence of Carol Ann
Figueroa
DIRECCIÓN / DIRECTIONΩ Jorge Caballero
PRODUCCIÓN / PRODUCTIONΩ Gusano Film, Cinefilms Productions
GUIÓN, SONIDO / SCRIPT, SOUNDΩ Jorge Caballero, Miguel León Durán
FOTOGRAFÍA / CINEMATOGRAPHYΩ Christian Bitar
MONTAJE / EDITINGΩ Carlos Muñoz, Jorge Caballero
MÚSICA / MUSICΩ Golpe Directo, Santacruz
Con la presencia de Jorge Caballero / With the presence of Jorge Caballero
DIRECCIÓN, GUIÓN, FOTOGRAFÍA / DIRECTION, SCRIPT, CINEMATOGRAPHYΩ Amanda
Micheli, Isabel Vega
PRODUCCIÓN / PRODUCTIONΩ Runaway Films, Vega Films, HBO Documentary Films
MONTAJE / EDITINGΩ Carla Gutiérrez, Luis Colina
SONIDO / SOUNDΩTami Stepanek
MÚSICA / MUSICΩ Camara Kambon
343
344
LA HISTORIA QUE NO CONTARON
TIEMPOS DE ARENA
EL CHOLO VALDERRAMA
LA BRUJITA
THE STORY THEY’VE NEVER TOLD. CASE 11227
AYOZE O’SHANAHAN – Betacam / 75´ / 2008 / Colombia, España /
Colombia, Spain
TIMES OF SAND
GUSTAVO FERNÁNDEZ – Betacam / 73´ / 2008 / Colombia
CHOLO VALDERRAMA, EL JOROPO IS IN THAT LAND
ANIARA RODADO, GABRIEL ROMÁN – Betacam / 33´ / 2009 / Colombia
THE WITCH
YEINER VARGAS BARLIZ – Mini DV / 23´ / 2009 / Colombia
Veinte años después de la muerte de su padre, la periodista
Erika Antequera y el documentalista Ayoze O’Shanahan deciden
investigar los motivos que se ocultan tras la impunidad de los
asesinatos de José Antequera y los más de 3.000 compañeros
y militantes de partido. La investigación nos conducirá a uno
de los episodios más oscuros y silenciados de la democracia
colombiana: el exterminio de la Unión Patriótica, el Caso 11227.
Si observamos el umbral de los edificios públicos y privados de
Bogotá y otras ciudades colombianas, tanto al entrar como al
salir, encontramos individuos dedicados a la vigilancia, quienes
parecen haber quedado suspendidos en el tiempo. Cada uno de
ellos emplea su particular estrategia para darle sentido a la
espera: hacer pompas con el chicle, escribir poemas, recorrer
una exposición fotográfica, imitar sonidos de animales y bebés,
“desconectar” a una pareja de jóvenes, así como otras formas sui
géneris de vivir la soledad y, en algunos casos, el encierro.
Etnobiografía de Armando Cholo Valderrama, cantante y
compositor de la música tradicional de los llanos colombovenezolanos, quien da cuenta de una cultura viva, que evoluciona
lejos de los estereotipos y los museos y cuyas tradiciones, ligadas
al trabajo del llano, al canto, al parrando, a los juegos del lenguaje
y a la diversión (como el cacho, reunión para contar mentiras),
continúan marcando el ritmo actual de los llaneros. Con un
peculiar estilo musical criollo, tras veintitrés años de carrera
musical y dieciséis discos, es el compositor e intérprete más
reconocido del folclore llanero.
Un compositor de ochenta y seis años vive del recuerdo de sus
años de gloria cuando escribió una canción que fue un éxito en
el Caribe colombiano y lo llevó a la fama. A raíz de esto, él y su
esposa han tenido que sufrir misteriosos sucesos en sus vidas.
“La Brujita” compone canciones en el patio de su casa todos los
días y sueña con que una de ellas sea interpretada por el cantante
español Julio Iglesias.
Twenty years after the death of her father, journalist Erika
Antequera and documentary maker Ayoze O’Shanahan decide
to investigate the hidden motives behind the impunity of the
killers of José Antequera and more than 3,000 of his fellow party
members. The investigation will lead us to one of the darkest and
hushed-up episodes in Colombian democracy: the extermination
of the Unión Patriótica political party, Case Number 11227.
In the doorways of public and private buildings in Bogotá and other
Colombian cities, we find individuals dedicated to surveillance, for
whom time seems to have come to a halt. Each one has their own
mechanisms for lending hopeful meaning to the passing of time:
blowing bubbles with chewing gum, writing poetry, walk through
a photography exhibit, imitate animal sounds and baby talk,
“disconnect” a young couple, in addition to other ways of living
out their unique kind of solitude and, in some cases, isolation.
Ethno-biography of Armando Cholo Valderrama, singer and songwriter of traditional music from the Colombian-Venezuelan plains,
who gives us insight into a living culture that evolves outside
stereotypes and museums; whose traditions are tied to the work
done on the plains, the singing, the parrando parties, the word
games and all the fun (like the cacho get-together for telling
lies), which continue to set the pace for life on the plains today.
With his unique Latin American style, a twenty-three-year musical
career and sixteen albums, he is the most famous composer and
performer of llanero folklore.
Mención de Honor / Honorable Mention, Festival Internacional de Cine de Bogotá
(Colombia, 2009)
Premio Malvinas / Malvinas Award, Festival de Cine Latinoamericano de Trieste
(Italia / Italy, 2009)
DIRECCIÓN / DIRECTIONΩ Ayoze O’Shanahan
PRODUCCIÓN / PRODUCTIONΩ Ayoze O’Shanahan, Tatiana Jáuregui, Erika
Antequera (Siroco Factory Producciones)
GUIÓN, MONTAJE / SCRIPT, EDITINGΩ Ayoze O’Shanahan, Erika Antequera
FOTOGRAFÍA / CINEMATOGRAPHYΩ Camilo Rojas, María José Salcedo
SONIDO / SOUNDΩ Octavio Villa
MÚSICA / MUSICΩ Sindicato Sonoro, Ganyarikies, The Secret Society
DIRECCIÓN, PRODUCCIÓN, GUIÓN, FOTOGRAFÍA / DIRECTION, PRODUCTION,
SCRIPT, CINEMATOGRAPHYΩ Gustavo Fernández
MONTAJE / EDITINGΩ Juan Camilo Ramírez
SONIDO / SOUNDΩ Natalia Gualy, Yesid Vásquez
Con la presencia de Erika Antequera / With the presence of Erika
Antequera
Con la presencia de Gustavo Fernández / With the presence of Gustavo
Fernández
DIRECCIÓN / DIRECTIONΩ Aniara Rodado, Gabriel Román
PRODUCCIÓN / PRODUCTIONΩ Juan Manuel Silva, Gabriel Román (De la Tarde
Producciones)
GUIÓN / SCRIPTΩ Aniara Rodado
FOTOGRAFÍA / CINEMATOGRAPHYΩ Gabriel Román, Juan Manuel Silva
MONTAJE / EDITINGΩ Aniara Rodado, Gabriel Román
SONIDO / SOUNDΩ José Florez, Laurent Walgraffe
MÚSICA / MUSICΩ Cholo Valderrama
Con la presencia de Aniara Rodado
An eight-six year old composer relives the memories of his glory
years when he composed a hit song in the Colombian Caribbean
and became famous. As a result of this, he and his wife have had
to undergo mysterious ordeals in their lives. “La Brujita” (“The
Little Witch”) composes songs every day in his back yard and
dreams that one of them will be performed by the Spanish singer
Julio Iglesias.
Mejor Documental / Best Documentary, Festival Internacional de Cine de
Cartagena de Indias (Colombia, 2010)
Mejor Guión / Best Script, Premios Césares Manizales / Césares Manizales
Awards (Colombia, 2010)
DIRECCIÓN / DIRECTIONΩYeiner Vargas Barliz
PRODUCCIÓN / PRODUCTIONΩ Julieth Vilaro Rojas
GUIÓN, MONTAJE / SCRIPT, EDITINGΩ Kelly Johanna Reyes Romero, Yeiner
Vargas Barliz
FOTOGRAFÍA / CINEMATOGRAPHYΩ Kelly Johanna Reyes Romero
SONIDO / SOUNDΩ Darwin Navarro Ayola, Jesús Ferreira Abuchaibe
MÚSICA / MUSICΩ Moisés Antonio Coronado Castro
345
LOS MISMOS 6.000 KILÓMETROS QUE NOS
SEPARAN
THE SAME 6,000 KILOMETERS SEPARATING US
JAVIER KLEVER – Mini DV / 63´ / 2009 / España / Spain
Partiendo de un recorrido por calles con nombre de poblaciones
colombianas en la zona madrileña de Hortaleza, nos vemos
dentro de un tejido de historias personales de la inmigración
llenas de vida, de fe y esperanza. Además, Klever nos lleva a
conocer historias propias de la cultura costeña del Caribe, que,
en su expresión musical, es la bandera colombiana en todos los
rincones del país y en el resto del mundo.
346
On a trip through the Hortaleza area of Madrid, down streets
named after Colombian towns, we find ourselves enmeshed in a
fabric of personal immigration stories full of life, faith and hope.
In addition, Klever takes us to hear about stories typical of culture
on the Caribbean coastal area, the musical expression of which
is emblematic of Colombia throughout the country and the rest
of the world.
DIRECCIÓN / DIRECTIONΩ Javier Klever
PRODUCCIÓN / PRODUCTIONΩ Hamaca Films, Dzan Imagine
GUIÓN / SCRIPTΩ Javier Klever, Davide Vanni
FOTOGRAFÍA, MONTAJE, SONIDO / CINEMATOGRAPHY, EDITING, SOUNDΩ Davide
Vanni
MÚSICA / MUSICΩ Alez Flórez, Los Príncipes del Vallenato
Con la presencia de Javier Klever / With the presence of Javier Klever
UNO, LA HISTORIA DE UN GOL
ONE, THE STORY OF A GOAL
CARLOS MORENO, GERARDO MUYSHONDT – Mini DV / 70´ / 2009 /
Colombia, El Salvador
A principios de los ochenta, El Salvador se encontraba en los
comienzos de una guerra civil que dividió al país durante doce
años. Surgió un grupo de futbolistas que lograron darle a su
gente la esperanza, la felicidad y el orgullo que la guerra les
había arrebatado. En medio de las balas, la selección salvadoreña
logró una inolvidable clasificación en el Mundial de España 82. El
Salvador perdió ante Hungría por 10-1, pero fue allí donde marcó
el que, hasta la fecha, sigue siendo el único gol salvadoreño en
un Mundial.
347
In the early eighties, El Salvador found itself in early stages of
a civil war that divided the country for twelve years. A group of
football players managed to give people the hope, happiness
and pride that the war had crushed. In the midst of gunfire, the
Salvadorian team managed an unforgettable classification for the
82 World Cup in Spain. El Salvador lost against Hungary 10-1,
but it was there that El Salvador scored its only goal so far in a
World Cup.
Mención de Honor / Honorable Mention, Festival Internacional de Cine de
Cartagena de Indias (Colombia, 2010)
DIRECCIÓN, GUIÓN / DIRECTION, SCRIPTΩ Carlos Moreno, Gerardo Muyshondt
PRODUCCIÓN / PRODUCTIONΩ Gerardo Muyshondt, Diego F. Ramírez (Antorcha
Films, 205-N El Salvador)
FOTOGRAFÍA / CINEMATOGRAPHYΩ Juan Carlos Gil
MONTAJE / EDITINGΩ Andrés Porras
SONIDO / SOUNDΩYesid Vásquez
La relación que se establece es como una historia de amor. Llegas a conocer a un
extraño. A estar más cerca de él. Conocerse mejor el uno al otro para luego volver a
darse espacio y mantener la distancia sin perder el respeto.
The relationship is like a love story. You get to know a stranger. Get closer. Get to know
each other better and then have to give space and distance again without loosing respect.
Thomas Kutschker
PANORAMA ÁRABE CONTEMPORÁNEO IV
Espacios de Oriente Próximo
348
Si a un público europeo se le mencionara el nombre del director Costa-Gavras, las
primeras referencias que seguramente le vendrían a la memoria serían sus películas
más conocidas, Z (1969), Amén (2002) o incluso Desaparecido (1982). Pero si ese
público fuera árabe y conociera el trabajo de este director, probablemente su primera
referencia sería Hanna K (1983), no solo por tratarse de una película que nos habla del
conflicto árabe-israelí, o porque su argumento gira en torno al permanente intento,
siempre fallido, de un palestino por regresar a su tierra, sino también por ser el
conocido Muhammad Bakry el actor que interpretó el papel de ese palestino.
En Hanna K, Muhammad Bakry da vida, en una de sus primeras apariciones
cinematográficas, al personaje de Selim, el silencioso, cuyo único objetivo es regresar
a su tierra y conseguir estar “dentro” (en referencia al territorio que ha constituido el
Estado de Israel desde 1948).
Casi treinta años después de haber protagonizado esta película, Muhammad
Bakry parece seguir representando este papel tanto en el cine como en la vida real.
Sus personajes en decenas de películas, tras convertirse en uno de los actores árabes
más importantes de las últimas tres décadas, han mantenido siempre esa misma
sensibilidad y sentido de estrecha vinculación a la tierra palestina. En 2002 Bakry
toma un camino nuevo en su carrera cinematográfica como director de documentales.
Con Jenin, Jenin (2002) documenta la invasión de ese campo de refugiados palestinos
en Cisjordania por parte del ejército israelí durante la segunda Intifada, convirtiendo
el espacio / campo en el protagonista principal de la película. Tres años después,
presentó su segundo documental, Desde que te fuiste (2005), donde la tumba de Emil
Habibi, escritor, líder político de Nazaret y padre espiritual del director, se convierte
en el espacio elegido por Bakry para dirigir, tanto al espectador como a su amigo
fallecido, la narración de sus memorias, pero sobre todo sus vivencias más actuales
relacionadas con el acoso mediático y judicial sufrido tras la realización del documental
Jenin, Jenin.
En esta cuarta edición de Panorama de cine documental árabe contemporáneo se
presenta su último documental, Zahra (2009), en el que trabaja siguiendo la misma línea
que trazó cuando empezó con Costa-Gavras: la tierra, los intentos de Bakry por seguir
cerca de ella, del pueblo, y el regreso constante al pasado. Zahra es el nombre de la tía del
director, mujer que ha desempeñado el papel de madre en la vida de Bakry y matriarca
real de esta gran familia. A través de la narración de la historia de Zahra, Bakry dibuja, una
vez más, un retrato sobre aquellos que le enseñaron a ser como es, a ser fiel y cercano a
su espacio y a no abandonarlo frente a las dificultades. En la primera película se trataba
de Emil Habibi, y en esta conocemos a su tía, Zahra. En ambos trabajos, los personajes
forman parte integrante del espacio y se presenta al espectador la relación que existe
entre ellos y estos escenarios. Es curioso que después de visionar la película Zahra se
llegue a confundir y a olvidar el nombre del pueblo, Al Baena, creyendo que este se llama
Zahra, como la tía a quien hemos visto y escuchado a lo largo de sesenta minutos.
En una línea próxima a la de Bakry trabaja el director, y también actor,
palestino / jordano Mahmoud al-Massad en su película Reciclaje (2007). Mahmoud alMassad se centra en un espacio determinado, al-Zarka, una pequeña ciudad jordana
que originariamente fue un campo de refugiados y que tras la guerra de Iraq de 2003
se hizo mundialmente conocida por ser el lugar de origen del desaparecido líder
de Al-Qaeda en Iraq Abu Mosab al-Zarkawy. Sin embargo, el tema principal que alMassad trata, con un ritmo muy particular y pausado, es el día a día de otras personas
(y específicamente el de un familiar suyo) también oriundas de esta ciudad y que
conocieron a al-Zarkawy. En esta película su director reflexiona sobre el efecto que
tiene el espacio / lugar en el pasado, presente y futuro de un personaje en concreto, y
cómo este espacio, con todo el significado que acarrea, marca a sus personajes y sus
destinos.
Al-Zarka es el espacio elegido por el personaje Ali al-Azzam para volver y
reconstruir su vida. Pero esta vida está vinculada a un pasado transcurrido en otro
lugar, en el Afganistán de la etapa anterior a los talibanes. Mahmoud al-Massad hace
un retrato, a lo largo de un extenso periodo de tiempo y con mucha paciencia, de la
vida de este personaje que se irá convirtiendo, poco a poco, en un infierno. Es entonces
cuando surge la posibilidad de marcharse a otro lugar / espacio, en este caso Estados
Unidos, y la película se cierra ante una puerta que parece estar abriéndose.
El director de este documental ha podido trabajar de manera muy sensata
sobre la relación entre el espacio y el personaje, de la misma manera que hizo en
su película anterior Hassan el astuto (2002), presentada en la primera edición del
Panorama de cine documental árabe contemporáneo, celebrado en 2007. Hassan, aquel
inmigrante marroquí, se convierte ahora en Ali al-Azzam y Holanda pasa a ser alZarka, ciudad natal del director de Reciclaje.
El espacio y su memoria como únicos protagonistas
En la película Vecinos (2009), de Tahani Rached, no hay individuos que se conviertan
en protagonistas del documental. La directora egipcia, a quien el público español
conoce por la participación de su película Estas chicas (2006) en diferentes festivales
y certámenes celebrados en España, transforma un barrio céntrico de la ciudad de
El Cairo en un personaje único y protagonista. Se trata de Garden City, el barrio de
la antigua aristocracia egipcia y de las embajadas, un territorio pequeño que ha
desempeñado un papel importante en la esfera política y económica de la historia del
Egipto moderno.
Tahani Rached escribe un cuento basado en la historia de este barrio a través
de los testimonios de muchos de sus vecinos y sirviéndose de material de archivo así
349
350
como de secuencias grabadas en las calles y dentro de la embajada norteamericana.
Nos muestra cómo ha cambiado y cómo es el presente del barrio tras la ubicación de
dos embajadas tan importantes como la estadounidense y la británica, cuya presencia
ha alterado sin duda la vida de la zona en los últimos años (debido al cierre de calles y
negocios por motivos de seguridad).
Esta podría ser una primera lectura de la película, pero si retrocedemos trece
años hasta dar con otra película de Tahani Rached, Cuatro mujeres de Egipto (1997),
encontraremos mucho más en el trabajo de esta directora, pues contemplados ambos
trabajos de manera conjunta, revelan un afán de investigación e interpretación personal
de la historia contemporánea de Egipto desde la revolución de Nasser en 1952. En Cuatro
mujeres… el espacio también desempeñaba un papel importante, aunque no tan evidente
como en Vecinos. En aquella ocasión el espacio lo constituía la zona que rodeaba la cárcel
de mujeres, así como los hogares y los lugares de encuentro de estas cuatro amigas. Sin
embargo, en Vecinos el espacio es el protagonista absoluto. En la secuencia final se
ve claramente el efecto que producen en la vida de las personas los cambios llevados
a cabo en este espacio. El escritor e intelectual Mahmud Amin al-Alem nos muestra
el barrio desde su ventana mientras advierte a la cámara: “No asomes demasiado la
cabeza porque allí está la embajada norteamericana y te pueden disparar”.
La historia política toma un camino distinto en la película de Mohamed Soueid
Mi corazón solo latió por ella (2008). Se trata de una película impregnada de un gran sentido
del humor, pero de un tipo de humor que puede causar dolor y provocar un sentimiento de
pérdida si se ha estado vinculado, al igual que sus personajes, a alguno de los espacios que
el director transforma prácticamente en uno: Beirut, Hanói (Vietnam), el sur del Líbano y
Dubái. Esta vinculación tan sentimental con el espacio otorga significado a la frase con la
que comienza su película: “Donde está tu tesoro, allí estará tu corazón”.
Hatem Hatem, el personaje sobre el que se habla constantemente en la película
y al que nunca vemos, puede ser imaginario o bien un personaje creado a partir de piezas
de otros personajes, entre ellos del propio director, cuyas películas anteriores son, en
cierto modo, autobiográficas. Hatem Hatem cambia de nombre cuando participa en la
lucha palestina en los años 70, haciéndose llamar Abu Hassan Hanoi. Él no visitó nunca
Vietnam, pero en este caso el espacio desempeña un papel importante en su imaginación
y en su destino debido a motivos político-ideológicos. Este espacio imaginario cambia con
las generaciones posteriores, pasa de Beirut a Dubái, y en este cambio influyen factores de
diversa índole: motivaciones económicas, comerciales o incluso artísticas, como en el caso
de la joven que nos lleva a imaginar el Teherán de Jomeini a través de un breve testimonio.
Mohamed Soueid continúa en esta película con la idea que desarrolló hace más de
diez años: investigar cómo la imagen que se tiene de determinados lugares se transforma
debido al cambio que sufren sus habitantes. Fueron los casos, por ejemplo, de Guerra civil
(2002) o El tango de la esperanza (1998). En estas películas también está presente este estilo
suyo de elaboración de personajes partiendo de fracciones de otros, método que aplica
también a los espacios. Todo ello sin perder en ningún momento ese sentido del humor tan
especial, ácido a veces, y una mirada muy crítica que le permite crear unos collages a partir
de imágenes y sonidos que puede que hayamos escuchado y visto antes pero que nunca
pensamos que pudieran darse simultáneamente.
Los mil rostros de Ateyyat el-Abnoudy
Que el Panorama de cine documental árabe contemporáneo intente presentar las
producciones cinematográficas más destacadas y actuales dentro del ámbito del
documental árabe, no significa que se quiera restar importancia a lo clásico. En esta
ocasión se ha incluido una sección dedicada a una de las directoras más veteranas de
la cinematografía egipcia y árabe, Ateyyat el-Abnoudy.
Esta directora pertenece a una generación que comenzó a presentar sus primeras
películas como parte de los cambios surgidos en las sociedades árabes tras la derrota de la
guerra de los Seis Días en 1967. Podría decirse que, a partir de esa fecha, esta generación
cambió la imagen que se había establecido del documental en el mundo árabe. Lo alejaron
del formato turístico, informativo o propagandístico que controló gran parte de la producción
de documentales en los países árabes. Ateyyat el-Abnoudy en el caso egipcio, fue una de las
pioneras y está entre los escasos cineastas que no abandonaron el campo del documental
para trasladarse al de la ficción. Ha trabajado junto a otros directores, como Fouad y Salah
al-Tuhami, Nabeeha Lutfi y Saed Nadim, para que el documental social se convierta en un
formato reconocido y respetado en la industria cinematográfica árabe.
En esta sección se presentan tres de sus películas, dos de sus primeros años y
otra de la década de los 80. Sus títulos son Un caballo de barro (1971), El bocadillo (1975)
y Los sueños posibles (1982). En las tres se observa lo que caracteriza el cine de Ateyyat
el-Abnoudy desde sus comienzos hasta la actualidad, su cercanía con los campesinos
y con los marginados de las ciudades. Deja que sus rostros ocupen toda la pantalla
haciendo que los sintamos y casi los toquemos, dándoles el protagonismo absoluto,
tanto a ellos como a sus pequeños pueblos. Ya puede ser un pueblo del sur, como en
El bocadillo, o una aldea en el norte con su fábrica de barro, en Un caballo de barro, o
un lugar al este, cerca del canal de Suez, en Los sueños posibles. Incluso cambiando
los perfiles de sus protagonistas, los niños del primer pueblo, una trabajadora de la
fábrica de barro en el segundo y una campesina en el tercero.
En estas tres películas Ateyyat el-Abnoudy rompe con lo establecido y con lo utilizado
en etapas anteriores: la voz del narrador, Dios el que todo lo sabe, y cuenta la historia / la
verdad al espectador. Ateyyat el-Abnoudy sabe que no necesita esta herramienta y emplea
otros recursos cinematográficos y narrativos al servicio de sus historias, sabiendo también que
los rostros, las miradas y las breves palabras de sus personajes saben contar mucho.
Basel Ramsis
Director de cine documental y comisario del IV Panorama de Cine Documental Árabe
Contemporáneo, organizado por Casa Árabe
351
CONTEMPORARY ARABIC SERIES IV
Places in the Middle East
352
If you mention the name of the director Costa-Gavras to a European public, the first
references they would probably remember would be his most famous films Z (1969),
Amen (2002) or even Missing (1982). But if you asked an Arabic public familiar with that
same director’s work, Hanna K (1983) would probably be the first film that comes to
mind, not just because it is about the Arab-Israeli conflict, but also because the plot
revolves around a Palestinian’s constant, and always unsuccessful attempt at returning
to his homeland, not to mention that it also stars the famous Mohammad Bakri in the
role of that Palestinian.
In Hanna K, Mohammad Bakri makes one of his first appearances in film as
the character Selim, the silent one, whose only goal is to return home and make it
“inside” (in reference to the territory making up the State of Israel since 1948).
Almost thirty years after starring in that film, it seems as though Mohammad
Bakri is still playing that role, both in cinema and in real life. His roles in dozens of
films, after becoming one of the most important Arabic actors in the last three decades,
has always maintained that same sensitivity and close bond to the Palestinian land. In
2002, Bakri took a new path in his film career, as a documentary film director. With
Jenin, Jenin (2002), he documents the invasion of this Palestinian refugee camp in the
Gaza Strip by the Israeli Army during the second Intifada by making the place / camp
the film’s main character. Three years later, he presented his second documentary
Since You Left (2005), in which Bakri chooses the tomb of the writer, political leader of
Nazaret and the director’s spiritual father Emil Habibi as the place to address both the
audience as well as his deceased friend in the narration of his memories, though first
and foremost his most recent experiences with the media and judicial harassment he
experienced after making the documentary Jenin, Jenin.
In this fourth installment of Contemporary Arabic Documentary Film Series, his
most recent documentary Zahra (2009) will be shown, in which he works in the same
line he traced out when first starting with Costa-Gavras: the land, Bakri’s attempts at
following it up close, the people and the constant return to the past. Zahra is the name
of the director’s aunt, a woman who has carried out the role of mother in Bakri’s life, and
the real matriarch of this great family. Through telling Zahra’s story, Bakri sketches out
once again a portrait of those who taught him to be as he is, to be faithful and bonded
to his place, and not to give up in the face of difficulties. He dealt with Emil Habibi in
the first film, and in this one, we meet his aunt, Zahra. In both works, the characters
are integrally involved in the place, and the audience is shown the relationship between
them and their surroundings. It is curious that after viewing the film Zahra, the name of
the town, Al Baena, might be confused and forgotten, mistakenly thought of as Zahra,
like the aunt we have seen and heard throughout the sixty minutes.
The Palestinian / Jordanian director and actor Mahmoud al-Massad
works in the same vein as Bakri in his film Recycle (2007). Mahmoud al-Massad
focuses on one specific place, al-Zarqa, a small Jordanian town that was originally
a refugee camp, and that after the 2003 Iraq war became known worldwide as
the hometown of the disappeared leader of Al-Qaeda in Iraq, Abu Musab alZarqawi. However, the main subject matter al-Massad tackles, using his unique
and deliberate pacing, is the day to day life of other people (specifically, one of
his relative’s) who are also from this town and who knew al-Zarqawi. In this film,
the director reflects on the effect the space / place has on the past, present and
future of one specific character, and how that place, with all the meaning it brings
with it, marks its characters and fates.
Al-Zarqa is the place that the character Ali al-Azzam chooses to return to
and rebuild his life. But that life is tied to a past that took place elsewhere, pre-Taliban
Afghanistan. Over a long period of time and with great patience, Mahmoud al-Massad
makes a portrait of this character’s life, which will little by little become a living hell. That
is when the possibility of going elsewhere comes about, in this case to the United States,
bringing the film to an end at this door, which seems to be opening.
The director of this documentary has managed to work in a very sensible
way on the relationship between place and character, in the same way he did with his
previous film Shatter Hassan, presented at the first Contemporary Arabic Documentary
Film Series held in 2007. Hassan, that Moroccan immigrant, this time is Ali al-Azzam
and the Netherlands is al-Zarqa, the director of Recycle’s hometown.
Place and its memory as sole protagonists
In Tahani Rached’s film Neighbors (2009), there are no individuals featured in the
documentary. The Egyptian director, known to the Spanish public for her work in
the film These Girls (2006) at different festivals and competitions held in Spain,
transforms a centrally-located neighborhood in Cairo into the sole character and
protagonist. It is Garden City, the district of the old Egyptian aristocracy and the
embassies, a small area that has played an important role in the public and economic
sphere of modern Egyptian history.
Tahani Rached tells a story based on the history of this neighborhood through
accounts provided by many residents and file footage and scenes filmed in the streets
and inside the US embassy. She shows us how it has changed and what the present
is like for the neighborhood ever since two important embassies, the US and British,
have located there, the presence of which has changed life in the area in recent years
(because the streets and businesses are closed for security reasons).
This might be one first reading of the film, but if one goes back a thirteen
years to another Tahani Rached film, Four Women from Egypt (1997), one will find much
more in this director’s work, since if the two are viewed together, they reveal a zeal for
353
354
researching and a personal interpretation of contemporary Egyptian history since the
Nasser revolution of 1952. In Four Women from Egypt, place also plays an important role,
though not such an obvious one as in Neighbors. On that occasion, the place consisted
of the area surrounding the women’s jail, as well as the homes and meeting places
for those four friends. However, in Neighbors, the place is the absolute protagonist. In
the final scene, one clearly sees the effect produced in the lives of the people by the
changes brought about in this place. The writer and intellectual Mahmud Amin al-Alem
shows us the neighborhood from his window while warning on camera: “Do not lean
your head out too far, because the US embassy is there and they might shoot you.”
Political history takes a different path in Mohammed Soueid’s film My Heart
Beats Only for Her (2008). A great sense of humor pervades throughout this film work,
though it might cause pain and a sense of loss for someone involved, as are the
characters in the film, with one of the places the director practically transforms into
one: Beirut, Hanoi (Vietnam), Southern Lebanon and Dubai. Such sentimental bonds
with the place lends meaning to the sentence that opens the film: “Where your treasure
lies, is where your heart will be.”
Hatem Hatem, the character constantly spoken about in the film and whom
we never see, might be an imaginary character or perhaps a character created out
of bits and pieces of other characters, including the director himself, whose previous
films are, in some way, autobiographical. Hatem Hatem changes his name to Abu
Hassan Hanoi when he takes part in the Palestinian struggle in the 70s. He never
visited Vietnam, but in this case the place plays an important role in his imagination and
in his fate, for political-ideological reasons. This imaginary place changes with later
generations, from Beirut through to Dubai; this change is influence by different factors:
economic, commercial and even artistic reasons, such as in the case of the young girl
who has us imagine Khomeini’s Tehran in one brief account.
In this film, Mohamed Soueid continues with the idea that he developed over
ten years ago: to research how the image that is held in certain places is transformed
because of the change experienced by its inhabitants. This was the case, for example, in
the films Civil War (2002) and Tango of Yearning (1998). In these films, one also sees style
of his, of building up characters from out of fragments of others, as he also does with
places. All this without ever losing that unique, at times biting, sense of humor, and a very
critical vision that allows him to create collages from out of images and sounds that we
might have seen and heard before, but that we never thought could be put together.
The Thousand Faces of Ateyyat el-Abnoudy
While the Contemporary Arabic Documentary Film Series tries to present the finest and
most relevant film productions in Arabic documentary film, that does not mean it wants
to take anything away from classic film. This time, a section is being included to highlight
one of the most veteran directors in Egyptian and Arabic film, Ateyyat el-Abnoudy.
This director is part of a generation that started presenting its early films as
part of the changes coming about in Arab societies after the defeat in the Six Day War
of 1967. It might be said that from that time on, that generation changed the image
that had been established by documentary film in the Arab world. They drifted away
from the tourist-minded, news and propagandist format that dominated a great part
of documentary production in Arab countries. In the case of Egypt, Ateyyat el-Abnoudy
was one of the pioneers and one of the few directors that did not move out of the
documentary format into fiction filmmaking. She has worked alongside other directors,
such as Fouad and Salah al-Tuhami, Nabeeha Lutfi and Saed Nadim, in making social
documentary film into a recognized and respected format in the Arab film industry.
In this section, three of her films are to be presented, two from her early years
and another from the 1980s. Their titles are Horse of Mud (1971), The Sandwich (1975)
and Permissible Dreams (1982). In all three, what is so characteristic about Ateyyat
el-Aboudy’s film can been seen, from its beginnings through to the present day: her
close ties to the peasants and those living on the margins of the city. She lets their
faces take over the entire screen to let us feel them, almost touch them, giving total
predominance both to them and to their towns. Whether it be a small town in the south,
as in The Sandwich or a village in the north with its mud factory in Horse of Mud, or
somewhere in the east, near the Suez Canal, in Permissible Dreams. Even changing the
profiles of the main characters, the children in the first town, a working woman in the
mud factory in the second, and a peasant woman in the third.
In these three films Ateyyat el-Abnoudy breaks with what has been established
and used in earlier periods: the voice of the narrator, the all-knowing God, and tells the
story / the truth to the audience. Ateyyat el-Abnoudy knows she does not need that tool
and uses other film resources and narratives to tell the stories, also knowing that the
faces, the eyes and the few words of the characters already tell a lot.
Basel Ramsis
Documentary film director and organizer of the 4th Contemporary Arabic
Documentary Film Series for the Casa Árabe
355
EADET KHALEK
MAA HATAFET LEE GHEERHA
GIRAN
ZAHRA
RECICLAJE / RECYCLE
MAHMOUD AL-MASSAD – Betacam / 80´ / 2007 / Jordania, Alemania,
Países Bajos, Estados Unidos / Jordan, Germany, The Netherlands, USA
V. O. ÁRABE / ARABIC. SUBT. ESPAÑOL / SPANISH
MI CORAZÓN SOLO LATIÓ POR ELLA / MY HEART ONLY BEATS FOR HER
MOHAMED SOUEID – Betacam / 87´ / 2008 / Líbano / Lebanon
V. O. ÁRABE, VIETNAMITA, INGLÉS / ARABIC, VIETNAMESE, ENGLISH. SUBT.ESPAÑOL / SPANISH
VECINOS / NEIGHBORS
TAHANI RACHED – Betacam / 105´ / 2009 / Egipto / Egypt V. O. ÁRABE, FRANCÉS, INGLÉS / ARABIC, FRENCH, ENGLISH. SUBT. ESPAÑOL /
SPANISH
MUHAMMAD BAKRY – Betacam / 63´ / 2009 / Palestina / Palestine
Garden City es un barrio pequeño pero emblemático y rico de
El Cairo que, desde finales del siglo xix, se convirtió en el centro
del poder político en Egipto. Un recorrido a través de la mirada
de los vecinos que nos pasea entre palacios abandonados,
sedes de embajadas, edificios y calles de la zona donde también
encontramos viviendas de personas con muy pocos recursos.
Zahra, tía del director y originaria del pueblo de Albaena, en
Galilea, se ve obligada tras la guerra de 1948 a ejercer de madre
de toda la familia. Sus memorias y los recuerdos de su pueblo y
su familia se mezclan con la historia misma de esta localidad de
Galilea y la de otros muchos pueblos de la zona.
A través del retrato del protagonista, primo del conocido
al-Zarkawi, se nos ofrece una visión de la vida en la localidad
jordana de Al Zarka y de las preocupaciones y rutinas cotidianas
del personaje central y su entorno más inmediato, en el contexto
del mundo posterior al 11-S.
356
Through a portrait of the protagonist, a cousin of the famous
al-Zarkawi, we get a look at life in the Jordanian town of Al Zarka,
the main character’s concerns and daily routines, and his most
immediate surroundings in the context of the post-9/11 world.
En los años 70, libaneses y palestinos miraban hacia Vietnam
tras haberse convertido en militantes del movimiento Fatah.
Las nuevas generaciones tienen la vista puesta en Dubái, o se
quedan en Beirut y el sur del Líbano. Algunos, sin embargo, siguen
soñando con Hanói. Estos cuatro lugares pasan a ser uno solo a
través de la historia de Hatem Hatem, “Abu Hassan Hanoi”.
In the 1970s, Lebanese and Palestinians looked to Vietnam after
being converted into militants of the Fatah movement. The new
generations focus their gaze on Dubai, or they stay in Beirut and
southern Lebanon. Some, however, continue dreaming of Hanoi.
These four places come together into one through the story of
Hatem Hatem, “Abu Hassan Hanoi”.
Premio Cine en Movimiento / Cinema in Motion Award, Festival Internacional de
San Sebastián (España / Spain, 2007)
Premio de Fotografía / Cinematography Award, Sundance Film Festival (EE UU
/ USA, 2008)
Mención Especial / Special Mention, Warsaw Documentary Film Festival (Polonia
/ Poland, 2008)
DIRECCIÓN, GUIÓN, FOTOGRAFÍA / DIRECTION, SCRIPT, CINEMATOGRAPHYΩMahmoud
al-Massad
PRODUCCIÓN / PRODUCTIONΩ Mahmoud al-Massad (See Film, Jo Image, MEC Films)
MONTAJE / EDITINGΩ Anwar Haddad, Sammy Chekhes
SONIDO / SOUNDΩ Ali Ammar
MÚSICA / MUSICΩ Dhafer Youseef
CASA ÁRABE
Martes 11, 19:30 h, y miércoles 12, 17:30 h / Tuesday 11th, 7:30 pm, and
Wednesday 12th, 5:30 pm
Garden City is a small but emblematic and wealthy neighborhood
in Cairo, which since the late 19th century has become the center
of political power in Egypt. A journey taken through the eyes of
the neighbors, who walk among the abandoned palaces, embassy
headquarters, and the area’s buildings and streets, where we also
see the residences of people with very few resources.
Zahra, the director’s aunt and a native of the town of Albaena in
Galilee, was forced, after the war of 1948, to be the mother of the
entire family. Her memories and the keepsakes from her hometown
and her family blend together with the history of this town in Galilee,
as well as with that of many other towns in the area.
DIRECCIÓN, GUIÓN / DIRECTION, SCRIPTΩ Mohamed Soueid
PRODUCCIÓN / PRODUCTIONΩ O3 Productions
FOTOGRAFÍA, MONTAJE / CINEMATOGRAPHY, EDITINGΩ Pamela Ghanimeh
SONIDO, MÚSICA / SOUND, MUSICΩ Nadim Mishlawi
DIRECCIÓN / DIRECTIONΩTahani Rached
PRODUCCIÓN / PRODUCTIONΩ Karim Gamal el-Din (Studio Misr)
GUIÓN / SCRIPTΩTahani Rached, Mona Assaad
FOTOGRAFÍA / CINEMATOGRAPHYΩ Nancy Abdel-Fattah
MONTAJE / EDITINGΩ Mohamed Samir
SONIDO / SOUNDΩ Sameh Gamal
MÚSICA / MUSICΩTamer Karawan
DIRECCIÓN, GUIÓN / DIRECTION, SCRIPTΩ Muhammad Bakry
PRODUCCIÓN / PRODUCTIONΩ F. Connection, Muhammad Bakry
FOTOGRAFÍA / CINEMATOGRAPHYΩ Ziad Bakry
MONTAJE / EDITINGΩ Nail Mahamid
SONIDO / SOUNDΩ Rabia Gamal
MÚSICA / MUSICΩ Amir Shahsar
CASA ÁRABE
Lunes 10, 19:30 h, y jueves 13, 17:30 h / Monday 10th, 7:30 pm, and
CASA ÁRABE
Martes 11, 17:30 h, y jueves 13, 19:30 h / Tuesday 11th, 5:30 pm, and
CASA ÁRABE
Miércoles 12, 19:30 h, y viernes 14, 17:30 h / Wednesday 12th, 7:30 pm,
and Friday 14th, 5:30 pm
357
Sesión Ateyyat el-Abnoudy
Ateyyat el-Abnoudy Session
HUSAN ALTEEN
ALSANDAWICH
ALAHLAM ALMOMKENA
UN CABALLO DE BARRO / A MUD HORSE
ATEYYAT EL-ABNOUDY – Betacam / 12´ / 1971 / Egipto / Egypt
EL BOCADILLO / THE SANDWICH
ATEYYAT EL-ABNOUDY – Betacam / 13´ / 1975 / Egipto / Egypt
LOS SUEÑOS POSIBLES / POSSIBLE DREAMS ATEYYAT EL-ABNOUDY – Betacam / 30´ / 1982 / Egipto, Alemania / Egypt, Germany
Junto al Nilo hay centenares de pequeñas fábricas que usan
todavía métodos antiguos para elaborar ladrillo a partir del barro.
Allí, los viejos caballos, junto a hombres, mujeres y niños, trabajan
duro compartiendo su sufrimiento.
Abnoud es un pueblo egipcio situado a 600 kilómetros al sur de
El Cairo por donde pasan los trenes que llevan a los turistas al sur
del país, aunque no efectúan parada.
La historia y los sueños de una campesina de un pueblo cercano
a la ciudad de Suez, en Egipto. Esta se casa a la edad de 14 años,
abandona el pueblo durante la guerra del 67 y finalmente regresa
tras la guerra de 1973.
Along the Nile River, there are hundreds of small factories still
using antiquated methods for making bricks out of mud. There,
the old horses, along with the men, women and children, work
hard and share their suffering.
Abnoud is an Egyptian village 600 km south of Cairo, through
which trains taking tourists to the southern part of the country
pass but never stop.
The story and dreams of a peasant woman from a village near
the city of Suez, Egypt. She was married at the age of 14, left
the village during the war of 67 and finally returned after the war
in 1973.
358
359
Gran Premio, Premio FIPRESCI / Grand Prize, FIPRESCI Prize, Festival de Grenoble
(Francia / France, 1973)
Gran Premio / Grand Prize, International Filmfestival Mannheim-Heidelberg
(Alemania / Germany, 1973)
Gran Premio / Grand Prize, Damascus Film Festival (Siria / Syria, 1972)
Mejor Película Educacional / Best Educational Film, International Filmfestival
Mannheim-Heidelberg (Alemania / Germany, 1984)
DIRECCIÓN, GUIÓN / DIRECTION, SCRIPTΩ Ateyyat el-Abnoudy
PRODUCCIÓN / PRODUCTIONΩ Ateyyat el-Abnoudy (Cairo Film Association)
FOTOGRAFÍA / CINEMATOGRAPHYΩ Ahmed el-Hadary, Mahmoud Abdelsamie
MONTAJE / EDITINGΩ Muhammad Alsayed, Ateyyat el-Abnoudy
SONIDO / SOUNDΩ Magdy el-Etriby
DIRECCIÓN, GUIÓN, MONTAJE / DIRECTION, SCRIPT, EDITINGΩ Ateyyat el -Abnoudy
PRODUCCIÓN / PRODUCTIONΩ Abnoud Film
FOTOGRAFÍA / CINEMATOGRAPHYΩ Maher Rady
SONIDO / SOUNDΩ Magdy Kamel
DIRECCIÓN, GUIÓN, MONTAJE / DIRECTION, SCRIPT, EDITINGΩ Ateyyat el -Abnoudy
PRODUCCIÓN / PRODUCTIONΩ Fauest Film, Abnoud Film
FOTOGRAFÍA / CINEMATOGRAPHYΩ Emad Farid
SONIDO / SOUNDΩ Ibrahim Abdellatif
MÚSICA / MUSICΩTaha Mohamed Ghazaly
CASA ÁRABE
Lunes 10, 17:30 h y viernes 14, 19:30 h / Monday 10th, 5:30 pm and Friday
14th, 7:30 pm
CASA ÁRABE
14th, 7:30 pm
CASA ÁRABE
14th, 7:30 pm
PANORAMA ASIÁTICO
360
Casa Asia participa por primera vez este año en el Festival Documenta Madrid, que
celebra su séptima edición. Esta colaboración es de especial importancia porque
marca el inicio de un programa con vocación de continuidad en las próximas ediciones,
además de inaugurar una nueva sección del festival, dedicada a las producciones que
tocan temas relacionados con el área de Asia y el Pacífico, bajo el nombre de Panorama
Asiático. El ciclo cuenta en su primera edición con cinco títulos de obras producidas tanto
en Europa como en Asia, cada una dedicada a un tema específico en un país asiático.
La película Une vie normale, de la directora francesa Jill Coulon, abre el panorama con
una mirada íntima y constante sobre la vida de un luchador de sumo que se enfrenta
a las dificultades y cambios radicales derivados de un exigente entrenamiento. Siguen
las obras de Justin Peace (Alemania) sobre las impactantes condiciones de vida de los
niños que viven en las calles de Katmandú, y de Olga Prud’homme Farges (Francia), que
nos presenta el excepcional caso de una prisión filipina en la que una inusual libertad
y espíritu de colaboración aumentan la calidad de vida de la prisión, mejorando así la
condición y esperanzas para el futuro de la población reclusa. El rompedor documental
Nero’s Guests, de Deepa Bhatia (India), sigue al periodista P. Sainath en su desafiante
y agudo análisis sobre los, cada vez más frecuentes, suicidios que tienen lugar en la
India rural, y la obra de Huang Weikai (China), ganadora de una mención especial en
el Festival Cinèma du Rèel de 2009, cierra el programa con una visión casi onírica de
sorprendentes anécdotas urbanas. Todos los documentales han sido seleccionados
por su calidad y por los diferentes estilos y lenguajes que utilizan, además de por
los temas tratados, para ofrecer al espectador un amplio abanico en el marco de la
producción cinematográfica documental de y sobre Asia en la actualidad.
Casa Asia
ASIAN SCENE
For the first time, Casa Asia is participating in this year’s Documenta Madrid. This
partnership is of special importance because it marks the beginning of a program
meant to continue into future, and it inaugurates a new section of the festival dedicated
to productions dealing with issues related to Asia and the Pacific entitled Asian Scene.
The series features five films produced both in Europe and in Asia, each one dealing
with a specific issue in an Asian country. The film Une vie normale, by the French director
Jill Coulon, opens the series with an intimate and steady look at the life of a sumo
wrestler coping with the difficulties and radical changes resulting from a demanding
training schedule. Then come the films by Justin Peace (Germany) about the shocking
living conditions of children living in the streets of Katmandu, and Olga Prud’homme
Farges’ (France) film portraying the exceptional case of a Philippine prison in which
uncommon freedom and a helpful spirit improves the quality of prison life, and therefore
the situation and hopes for the future of incarcerated people. The groundbreaking
documentary Nero’s Guests by Deepa Bhatia (India) follows the journalist P. Sainath
in his bold and sharp analysis of the increasingly frequent suicides occurring in rural
India and Huang Weikai’s (China) film, which won a special mention at the 2009 Cinèma
du Rèel Festival, closes the program with an almost dreamy vision of some surprising
urban stories. All these documentaries have been selected for their high quality and
the different styles and languages they use, in addition to the issues they tackle. They
offer audiences a wide range to choose from with regard to documentary film that is
from and about present-day Asia.
Casa Asia
361
362
UNE VIE NORMALE
DISORDER
KLEINE WÖLFE
NERO’S GUESTS
DESORDEN / XIANSHI SHI GUOQU DE WEILAI
HUANG WEIKAI – Betacam / 58´ / 2009 / China
V. O. CHINO / CHINESE. SUBT. ESPAÑOL / SPANISH
PEQUEÑOS LOBOS / LONELY PACK
JUSTIN PEACH – Betacam / 48´ / 2009 / Alemania / Germany
V. O. NEPALÍ / NEPALI. SUBT. ESPAÑOL / SPANISH
LOS INVITADOS DE NERÓN
DEEPA BHATIA – Betacam / 55´ / 2009 / India
V. O. INGLÉS, HINDI, MARATÍ / ENGLISH, HINDI, MARATHI. SUBT. ESPAÑOL / SPANISH
UNA VIDA NORMAL / A NORMAL LIFE
JILL COULON – Betacam / 83´ / 2009 / Francia / France
V. O. FRANCÉS, JAPONÉS / FRENCH, JAPANESE. SUBT. ESPAÑOL / SPANISH
Huang Weikai combina en un collage más de 20 escenas de la
calle, revelando facetas absurdas de la vida en la ciudad: un
hombre que amenaza con suicidarse por no haber recibido una
indemnización, un lunático bailando alegremente en medio del
tráfico, cerdos corriendo sueltos por una autopista, peatones
que arriesgan su vida para cruzar una carretera transitada, una
disputa por dinero falso, el hallazgo de una reliquia cultural en
una obra en construcción, un río contaminado en el que se bañan
representantes oficiales, un obrero empeñado en pescar, un
caimán que se oculta después de escaparse, y más…
El pequeño Sonu, de once años, vive en las calles de Katmandú
junto a otros ocho niños. Su rutina diaria es la lucha por sobrevivir
en la caótica capital de Nepal: siempre al acecho de comida,
drogas, turistas caritativos y, lo que más buscan, como todos
los niños: diversión y aventura. La vida de Sonu y su grupo está
marcada por el hambre y la violencia, ¡pero también está repleta
de momentos de ingenua libertad en las calles! Siguiendo las
directrices del cine directo, no hay narrador, ni música, ni puesta
en escena. Son los propios niños los que cuentan la historia.
Casi 200.000 agricultores se han suicidado en India en los diez
últimos años. Sin embargo, los medios de comunicación apenas
se hacen eco de ello. Es la historia de la crisis agrícola india y
la creciente desigualdad, vista desde la perspectiva del trabajo
del periodista P. Sainath. Una cobertura sostenida de la crisis
agrícola permite a Sainath y sus colegas hacer que el problema
se convierta en prioridad nacional, obligando a que un Gobierno
que lo negaba lo afrontara y actuara en consecuencia. A través de
sus escritos y charlas, Sainath intenta mostrarnos la India real y
nos hace cuestionarnos quiénes son los “invitados de Nerón” del
mundo actual.
Takuya tiene 18 años, el pelo alborotado y un aspecto atlético.
Empujado por su padre y por los patrocinadores, abandona su
pueblo natal en Hokkaido para ingresar en una escuela de sumo
de Tokio. Allí compartirá todo con otros 10 luchadores: la vida
comunitaria, el entrenamiento, la vida social y los campeonatos.
Coproducida por el canal japonés de televisión NHK como parte
de su Tokyo Modern Series, y con una penetración excepcional,
narra los sueños y desencantos de un adolescente que descubre
la realidad del mundo tradicional del sumo.
Huang Weikai combines more than twenty street scenes into a
collage, revealing absurd facets of a city’s life, such as a man
who hasn’t received indemnity and is threatening suicide, a lunatic
joyfully dancing in the middle of traffic, pigs running wildly on a
highway, pedestrians risking their lives to cross a busy street, a
conflict over counterfeit money, the discovery of a cultural relic on
a construction site, a polluted river where official representatives
swim, a determined laborer fishing, an escaped alligator hiding
and more.
Mención Especial del Jurado Joven / Young Jury Special Mention, Cinéma du
Réel (Francia / France, 2009)
DIRECCIÓN, GUIÓN, SONIDO, MONTAJE / DIRECTION, SCRIPT, SOUND, EDITING
Huang Weikai
PRODUCCIÓN / PRODUCTIONΩ Huang Weikai (Weikai Huang Digital Filmmaking Studio)
FOTOGRAFÍA / CINEMATOGRAPHYΩ Huang Shuqiu, Weikai Huang
CASA ASIA
Together with eight other children, the eleven year old Sonu lives
on the streets of Katmandu. Their daily routine is a fight to survive
in the chaotic capital of Nepal: always on the prowl for food,
drugs, charitable tourists, and what they seek most – as small
boys do anywhere – is fun and adventure. The life of Sonu and
his pack is shaped by hunger and violence but is also filled with
childlike moments of freedom on the streets! Following the ideas
of Direct Cinema: no narrator, no music, no staging. The story is
told by the kids themselves.
Premio del Público / Audience Award, DokuSlam Mainz (Alemania / Germany,
2009)
Nearly 200,000 farmers have committed suicide in India over the
last 10 years. But the mainstream media hardly reflects this. This
is a story about India’s agrarian crisis and the growing inequality
seen through the work of journalist P. Sainath. Through sustained
coverage of the farm crisis, Sainath and his colleagues created
the national agenda, compelling a government in denial to take
notice and act. Through his writings and lectures, Sainath tries
to make us see the real India, and provokes us to think who are
“Nero’s Guests” in today’s world.
Takuya is 18, with tousled hair and an athletic look. Driven by his
father and sponsors, he leaves his hometown in Hokkaido to go
to Tokyo and join a sumo stable. There, he will share everything
with the 10 other wrestlers: communal life, training, social life
and tournaments. Coproduced by Japanese TV station NHK as
part of its Tokyo Modern Series, and with exceptional access,
the film tells of the dreams and disenchantments of a teenager
discovering the reality of the traditional world of sumo.
DIRECCIÓN, PRODUCCIÓN, FOTOGRAFÍA / DIRECTION, PRODUCTION,
CINEMATOGRAPHYΩ Justin Peach
GUIÓN, MONTAJE / SCRIPT, EDITINGΩ Lisa Engelbach
SONIDO / SOUNDΩ Andreas Fitza
DIRECCIÓN,PRODUCCIÓN,GUIÓN/DIRECTION,PRODUCTION,SCRIPTΩ DeepaBhatia
SONIDO / SOUNDΩ P. M. Satheesh
MONTAJE / EDITINGΩ Abhro Banerjee, Erez Laufer
FOTOGRAFÍA / CINEMATOGRAPHYΩ Amol Gole
MÚSICA / MUSICΩ Shailendra Barve
LOCUCIÓN / VOICEΩ Amole Gupte
DIRECCIÓN, GUIÓN / DIRECTION, SCRIPTΩ Jill Coulon
PRODUCCIÓN / PRODUCTIONΩ Patrick Winocour (Quark Productions)
SONIDO / SOUNDΩ Eric Rey, Mari Ikeda
MONTAJE / EDITINGΩ Alex Cardon
FOTOGRAFÍA / CINEMATOGRAPHYΩ Jill Coulon, Byamba Sahya
MÚSICA / MUSICΩ Jean Baptiste Hanak, Damage
CASA ASIA
CASA ASIA
CASA ASIA
363
WELCOME TO CITY JAIL
LA PRISIÓN SIN PENA / LA PRISON SANS PEINE
OLGA PRUD’HOMME FARGES – Betacam / 52´ / 2009 / Francia / France
V. O. TAGALO / TAGALOG. SUBT. ESPAÑOL / SPANISH
364
A pesar de que todos los indicadores invitan a pensar que “éxito
social” y “cárcel” son conceptos antagónicos, estamos ante la
confirmación de la paradoja. A priori, pensamos que en los países
pobres la situación de los reclusos es mucho peor que en la de los
llamados “países desarrollados”. En Puerto Princesa City Jail, la
rabia generada por la privación de libertad se transforma en una
energía positiva y creativa. Asistimos aquí a un alegato contra la
conmiseración que los países occidentales sienten con demasiada
frecuencia hacia los denominados “países en vías de desarrollo”,
que suscita, entre líneas, esta pregunta: ¿y si esos países tuvieran
algunas lecciones que enseñarnos?
365
Even though all indicators lead us to think that “social change” and
“jail” are antagonistic concepts, we have before us confirmation of
the paradox. We might first think that in poor countries, the inmates
would be worse off than in our so called “developed countries”. At
Puerto Princesa City Jail, anger, generated by lack of freedom, is
transmuted into positive energy and creativity. This is a statement
against commiseration that Western countries too often feel towards
so called “developing countries”. And, in between the lines, this
question: what if those countries had lessons to teach us?
DIRECCIÓN, GUIÓN, FOTOGRAFÍA / DIRECTION, SCRIPT, CINEMATOGRAPHYΩ Olga
Prud’homme Farges
PRODUCCIÓN / PRODUCTIONΩ Olga Prud’homme Farges, Kolam
SONIDO / SOUNDΩ Jake Manilla
MONTAJE / EDITINGΩ Isabelle Ouzounian
CASA ASIA
Hacer cine consiste en compartir: compartir una parte de la vida entre nosotros y ellos,
y compartir una historia humana entre ellos y la audiencia.
Filmmaking is all about sharing: sharing a part of life between us and them, and sharing
a human story between them and the audience.
Çagla Zencirci
TRABAJO:
¿(R)EVOLUCIONES?
WORK: (R)EVOLUTIONS?
Informative Section
WORK: (R)EVOLUTIONS? INFORMATIVE SECTION
368
SECCIÓN INFORMATIVA TRABAJO: ¿(R)EVOLUCIONES?
A lo largo del siglo xx, hemos asistido a la desaparición de los “bastiones obreros”,
al retroceso del trabajo agrícola, a la aparición del sector terciario, a la feminización
del trabajo. En los años 70 se hizo cada vez más presente el paro en masa, y con
él aparecieron los desplazados de la industria y los jóvenes en busca de un trabajo
estable. En los 90 se abrió un debate sobre “el fin del trabajo”, que conducirá a ciertos
autores a concluir que el trabajo ya no estaría en el centro de la reproducción social.
prominent, and along with it came people displaced by industry and young people
looking for stable jobs. In the 90s a debate started up about the “end of work”, which
would lead some authors to conclude that work would no longer be the center of social
reproduction.
¿Cómo andamos hoy con el trabajo?
With this program, the French Institute of Madrid offers three documentaries representing
present-day perspectives and issues in the world of work: a long workers’ conflict in the
70s; on the job violence and pain affecting wage-earners more and more; a social critique
through the experiences of living free of paid work and consumer society.
Les Lip, l’imagination au pouvoir (The Men at LIP, Imagination to Power) depicts
the strike and occupation of the Lip watch factory in Besançon. Lip became a kind of lab
experiment in which a strategy of self-management was applied to production control,
to unity and transparency of the decisions taken at the general assembly. The initiative
of this workers’ occupation would leave long-lasting marks.
Ils ne mouraient pas tous mais tous étaient frappés (They Were Not All Dying, But They
Were All Being Beaten) deals with a worker suffering from assembly line work, an
agency director, an orderly... in the offices of public hospitals. Little by little, health care
professionals are establishing relationships between the patient’s individual suffering
and new ways of organizing work.
Volem rien foutre al païs (We Don’t Even Want to Lift a Finger in the Country)
mixes words in Occitan and French in its reference to the Occitan slogan Volem viure al
païs (“We Want to Live in the Country”). This documentary depicts alternative lifestyles
experienced by people who decided to leave behind not only the system of unstable
work, but also consumer society.
By giving the wage-earners (and ex-wage earners) a chance to speak, these
films give the public different perspectives on an issue for reflection: How is work
coming along for us today? What kind of society do we want to live in?
Con esta programación, el Institut Français de Madrid propone tres documentales
que representan tantas miradas como problemáticas siempre actuales en el mundo
del trabajo: un largo conflicto obrero en los años 70; la violencia y el sufrimiento en el
trabajo, que afectan cada vez más a los asalariados; una crítica social a través de las
experiencias de emancipación del trabajo remunerado y de la sociedad de consumo.
Les Lip, l’imagination au pouvoir (Los Lip: la imaginación al poder) retrata la huelga y la
ocupación de la fábrica de relojes Lip de Besançon. Lip se convierte en una especie
de laboratorio que aplica una estrategia de autogestión basada en el control de la
producción, en la unidad y la transparencia de las decisiones tomadas en asamblea
general. Esta ocupación de iniciativa obrera dejará huellas duraderas.
Ils ne mouraient pas tous mais tous étaient frappés (No morían todos, pero a todos
les pegaban) indaga en el sufrimiento en el trabajo a través de una obrera víctima del
trabajo en cadena, un director de agencia, una celadora… en las consultas de los hospitales
públicos. Poco a poco los profesionales de la salud van estableciendo relaciones entre
el sufrimiento individual del paciente y las nuevas formas de organización del trabajo.
Volem rien foutre al païs (No queremos dar ni golpe en el país) mezcla palabras en
occitano y en francés, haciendo referencia al eslogan occitano Volem viure al païs
(“Queremos vivir en el pueblo”). Este documental va en busca de propuestas alternativas
experimentadas por personas que decidieron no solo abandonar un sistema de trabajo
precario, sino también la sociedad de consumo.
Al dar la palabra a los asalariados (y exasalariados) estas películas abordan
en diferentes perspectivas una reflexión de la que se hace partícipe a los espectadores:
¿cómo andamos con el trabajo? ¿En qué sociedad queremos vivir?
Rosa Salesne Blanco
Responsable de la Mediateca del Institut Français de Madrid
Over the course of the 20th century, we have witnessed the disappearance of “worker’s
bastions”, the retreat of agricultural work, the rise of the services sector and the
feminization of work. In the 1970s, massive unemployment became more and more
What is the state of work for us today?
Rosa Salesne Blanco
Head of the Media Archives of the French Institute of Madrid
369
WORK: (R)EVOLUTIONS? INFORMATIVE SECTION
ILS NE MOURRAIENT PAS TOUS, MAIS TOUS
ETAIENT FRAPPES
NO MORÍAN TODOS, PERO A TODOS LES PEGABAN / THEY WERE NOT
ALL DYING, BUT THEY WERE ALL BEING BEATEN
SOPHIE BRUNEAU, MARC-ANTOINE ROUDIL – Betacam / 80´ / 2005 /
Francia, Bélgica / France, Belgium
370
Todas las semanas, en tres hospitales públicos de París, una
psicóloga y dos médicos reciben a hombres y mujeres que sufren
de algún mal relacionado con la actividad laboral. A lo largo de
estas consultas, se aborda una cuestión fundamental en las
sociedades occidentales, sometidas a fuertes presiones en el
mercado de trabajo: la salud de los empleados, que bascula entre
la inestabilidad crónica y los objetivos de rentabilidad, y se da
testimonio de la banalización del dolor en el mundo laboral.
Every week in three public hospitals in the Paris region, a
psychologist and two doctors receive men and women suffering
from work-related illness or injury. Over the course of these visits,
this film deals with a crucial issue for Western societies under
strong pressure in the job market: employee health, which must
strike a balance between chronic instability and the goals of
profitability, bearing witness to how pain has become trivialized
in the working world.
DIRECCIÓN / DIRECTIONΩ Sophie Bruneau, Marc-Antoine Roudil
PRODUCCIÓN / PRODUCTIONΩ Alter Ego Films
FOTOGRAFÍA / CINEMATOGRAPHYΩ Antoine-Marie Meert
MONTAJE / EDITINGΩ Philippe Boucq
SONIDO / SOUNDΩ Marc-Antoine Roudil, Etienne Curchod
TEATRO DEL INSTITUT FRANÇAIS DE MADRID
SECCIÓN INFORMATIVA TRABAJO: ¿(R)EVOLUCIONES?
LES LIP, L’IMAGINATION AU POUVOIR
VOLEM RIEN FOUTRE AL PAÏS
LOS LIP, LA IMAGINACIÓN AL PODER / THE MEN AT LIP, IMAGINATION
TO POWER
CHRISTIAN ROUAUD – Betacam / 118´ / 2007 / Francia / France
NO QUEREMOS DAR NI GOLPE EN EL PAÍS / WE DON’T WANT TO EVEN
LIFT A FINGER IN THE COUNTRY
PIERRE CARLES, CHRISTOPHE COELLO, STÉPHANE GOXE – Betacam / 107´ /
2007 / Francia / France
Rouaud sale al encuentro de los hombres que organizaron la
huelga obrera más emblemática después del 68, la de la fábrica
LIP en Besançon. Un increíble movimiento de lucha que duró
varios años, movilizó a multitudes en Francia y Europa, multiplicó
las acciones ilegales sin ceder nunca a la tentación de la violencia
e impulsó la imaginación y la búsqueda de la democracia hasta
límites jamás alcanzados. Retratos, historia colectiva, narraciones
que se entremezclan para intentar entender por qué aquella
huelga entrañó la esperanza y los sueños de toda una generación.
Rouaud shows the meeting of men organizing the most emblematic
worker’s strike since 1968, the one at the LIP factory in Besançon.
An incredible struggle that lasted several years, mobilized huge
crowds in France and Europe, multiplied illegal actions without
ever falling into the temptation of violence, it sparked the
imagination and the search for democracy in unprecedented ways.
Portraits, collective history, and narrations blended together to
show how that strike filled an entire generations with hope and
dreams.
DIRECCIÓN, GUIÓN / DIRECTION, SCRIPTΩ Christian Rouaud
PRODUCCIÓN / PRODUCTIONΩ Richard Copans
FOTOGRAFÍA / CINEMATOGRAPHYΩ Jean-Michel Humeau, Alexis Kavyrchine
MONTAJE / EDITINGΩ Fabrice Rouaud
Con la presencia de Christian Rouaud / With the presence of Christian
Rouaud
Al tener que elegir entre los sueldos bajos del trabajo precario y
las pobres subvenciones que todavía ofrece el sistema, algunos
han decidido desertar de la sociedad de consumo para volver a
tener el control de sus propias vidas. “Ni explotados, ni asistidos”,
estos ciudadanos marginales han elegido otro camino: el de la
autonomía, de la actividad escogida y de las prácticas solidarias.
When forced to choose between the low wages of an unstable
job and the poor subsidies still offered by the system, some have
decided to abandon consumerist society and go back to living
with control over one’s own life: “No one getting exploited or
getting aid”, these outcasts have chosen a different path: one of
autonomy, of choosing one’s activities and of solidarity in action.
DIRECCIÓN / DIRECTIONΩ Pierre Carles, Christophe Coello, Stéphane Goxe
PRODUCCIÓN / PRODUCTIONΩ Annie Gonzalez
GUIÓN / SCRIPTΩ Pierre Carles
FOTOGRAFÍA / CINEMATOGRAPHYΩ Igor Ochronowicz
MONTAJE / EDITINGΩ Roger Ikhlef
371
ACTIVIDADES
PARALELAS
PARALLEL ACTIVITIES
Encuentros Matadero
Matadero Encounters
Clase magistral. Peter Hutton
Peter Hutton Master Class
Clase magistral. Valentina Leduc
Valentina Leduc Master Class
Conference. Hanns Eisler en España
Conference. Hanns Eisler in Spain
Textos Documenta
Documenta Texts
Espacio ONG. Fundación Cear-Habitáfrica
NGO Section. Cear-Habitáfrica Foundation
Espacio ONG. Festival de Cine Invisible
NGO Section. Festival of Invisible Film
Máster Documental de Creación
Masters in Original Documentary Filmmaking
La noche del Super 8
Super 8 Night
Archivo Documenta
Documenta Archive
ENCUENTROS
MATADERO
MATADERO ENCOUNTERS
374
Este es un año de cambios para Documenta Madrid. Uno de los más significativos
es la nueva ubicación de la sede principal del festival, espacio que está destinado a
convertirse en el prioritario y definitivo para la instalación de las oficinas del certamen.
Matadero Madrid se ha erigido ya en el referente indiscutible para la creación artística
y cultural, desde que hace algún tiempo el Ayuntamiento comenzase su puesta en
marcha.
Siendo un espacio moderno, multiforme, en pleno proceso de evolución y
dedicado en su integridad a la creación contemporánea, era inevitable que su camino
y el de nuestro festival acabasen coincidiendo y convirtiéndose en uno solo.
Esa convergencia nos ha llevado a trasladar al mismo una de las actividades más
golosas del festival, que hasta ahora habíamos venido celebrando, gracias a la generosidad
y cortesía de Jesús Robles, en el espléndido marco que nos brindaba la librería Ocho y Medio,
una de las más importantes de Madrid y sin duda la mejor de las especializadas en cine.
Los, hasta 2009, “Encuentros Ocho y Medio” se transforman este año en
“Encuentros Matadero”, pero únicamente cambian de asentamiento y de nombre,
manteniendo íntegramente el espíritu que ha venido siendo su estandarte a lo largo de
las seis ediciones anteriores de Documenta.
Los Encuentros son fundamentalmente una plataforma de conocimiento, un
punto de encuentro para hablar de aquello que nos tiene a todos enfrascados a lo largo
de estos diez días…, el documental.
Si cualquiera de las actividades del festival se convierte en un foro que permite
a seguidores y participantes encontrarnos a lo largo de cada día y compartir nuestros
intereses, experiencias, emociones y descubrimientos de cada jornada, los Encuentros
Matadero constituyen la esencia de dicho foro. Son el espacio, y el momento, privilegiado
al que todos (insisto, todos) pueden acercarse para conocer de primera mano a los
invitados al festival, a los realizadores de las películas a concurso o presentes en
los ciclos de la sección informativa y poder charlar con ellos e informarse acerca de
sus filmes o de su manera de enfrentarse al cine de no ficción. El público interesado
está invitado a charlar, en un ambiente distendido y de tú a tú, con los profesionales.
El diálogo en libertad es la base irrenunciable de los encuentros. Documenta
Madrid solo aporta la convocatoria, el espacio, un traductor profesional y… algo para
picar. El resto lo ponéis los participantes.
En años anteriores se propiciaron encuentros que culminaron en acuerdos
internacionales de coproducción documental, se iniciaron amistades que todavía
perduran o simplemente se tuvo la oportunidad de hablar directamente con grandes
maestros del cine en su visita a nuestra ciudad.
La mejor manera de conocer de primera mano en qué consisten los
Encuentros es acercarse a ellos. Los espectadores del festival, el público en general,
los directores, productores o miembros de los equipos de las películas, la prensa…, en
definitiva, todos los interesados, están invitados a nuestros Encuentros.
Anímense. Les esperamos en Matadero Madrid.
375
MATADERO ENCOUNTERS PARALLEL ACTIVITIES
376
This is a year of change for Documenta Madrid. One of the most significant is the
new location of the festival’s headquarters, in what is bound to become the final main
space for the offices of the competition. Matadero Madrid has become an indisputable
reference point for artistic and cultural creation ever since the City set it into motion
some time ago.
As a modern, multi-form space in the process of evolving and becoming
entirely dedicated to contemporary creativity, it was only a matter of time before its
path and the festival’s would meet and become one.
This convergence has led us to move one of the festival’s most attractive activities,
which up to now had been held in the marvelous setting of the Ocho y Medio bookshop
thanks to the generosity and courtesy of Jesús Robles, one of the Madrid’s most important
bookshops and undoubtedly the best in terms of specialized texts on cinema.
What until 2009 was known as “Ocho y Medio Encounters” this year becomes
“Matadero Encounters”, though the only things changing are the location and name –
the spirit that has have become standard over the past six years of Documenta remains
fully intact.
The Encounters are primarily a platform for knowledge, a meeting point to speak
about what we have been most deeply involved in over these ten years… documentary film.
If any of the festival activities becomes a forum in which followers and
participants are going to meet up over the course of each day and share our interests,
experiences, emotions and discoveries of each day, the Matadero Encounters are at
the heart of that forum. That is to say, they are special places and moments in which
everyone (and I mean, everyone) can come to meet those invited to the festival first
hand, the film directors in competition or those with films in the informative sections,
to chat with them and learn more about any aspect of their films or their own way of
confronting non-fiction film. The public is invited to chat eye to eye with professionals
in a relaxed atmosphere.
Free and open dialogue is the inviolable basis for these meetings. Documenta
Madrid just provides the time, place, a professional translator and… a bite to eat. The
rest is up to the participants.
In previous years, the encounters have led to international agreements for
documentary co-production, friendships have been made that still continue, or simply
the opportunity to talk directly to great masters in cinema about their visit to our city.
The best way to get a first hand look at what the Encounters are is by coming
to see them. The festival audiences, the general public, directors, producers or film
crew members, the press… in short, all those interested are invited to our Encounters.
Come on out. We hope to see you at Matadero Madrid.
MATADERO MADRID
Sábado 8 y domingo 9, y de martes 11 a jueves 13. 12:00 h / Saturday 8th and Sunday
9th, and from Tusday 11th to Thursday 13th. 12:00 pm
ACTIVIDADES PARALELAS ENCUENTROS MATADERO
377
Jugamos a ser Dios y rezamos para que nadie salga dañado. A cambio ellos consiguen
un DVD y sinceros agradecimientos.
We play God and pray that noone gets hurt. In return they get a dvd and sincere thanks.
Apostolos Karakasis
CLASE MAGISTRAL.
PETER HUTTON
ACTIVIDADES PARALELAS CLASE MAGISTRAL. PETER HUTTON
PETER HUTTON MASTER CLASS
LA IMAGEN Y SU ECLIPSE
378
El cine de Peter Hutton atesora paisajes brumosos,
líneas de sombra y corrientes fluviales. Su carrera
como cineasta es indiscernible de su experiencia como
marino a lo largo de cuatro décadas: del río Yangtsé
al norte de Islandia, de los muelles de Bangladés al
río Hudson, que actúa como frontera natural entre
los estados de Nueva York y Nueva Jersey. Como
resultado, sutiles poemas fílmicos en los que lo
real se hermana con lo sobrenatural por la vía de la
ensoñación. En sus películas, la luminosidad bicroma
de la filmación en blanco y negro (que el cineasta
suele privilegiar frente al color) matiza el vínculo
indisoluble que los trabajos de Hutton manifiestan
respecto a la pintura, concretamente con el
paisajismo, para emparentarse más estrechamente
con la fotografía. La expresión “imágenes en movimiento”, que desde antiguo designa
al cine, cobra aquí toda su expresión, pues nos hallamos ante sucesiones de planos en
los que la cámara suele permanecer fija mientras el movimiento atraviesa el encuadre.
El espectador se olvida de sí para abandonarse al efecto hipnótico de los reflejos de la
luz en la superficie del agua en medio de un silencio (acaso quebrado únicamente por
el sonido del proyector) que funciona como resorte de la contemplación meditativa.
Como afirma P. Adams Sitney, Hutton aborda la imagen cinematográfica para
calibrar su poder de fascinación y absorción, hasta el punto de borrar la subjetividad
del observador para hacerla emerger únicamente en la yuxtaposición de planos
aparentemente aislados. Una técnica que Hutton ha desarrollado profusamente a lo
largo de su carrera. En el marco de esta VII edición de Documenta Madrid, el cineasta
ofrece una clase maestra que lleva por título “La imagen y su eclipse”. En ella, Hutton
reflexionará sobre la “toma única” y sobre la creación de una fuerza centrípeta en sus
películas a partir de la acumulación de planos mediante un procedimiento que, en
cierta medida, nos devuelve al cine de los primeros tiempos.
to the Hudson river, which acts as a natural border between the states of New York and
New Jersey. As a result, subtle film poems in which the real joins the supernatural, by
way of fantasy. In his films, the bi-color luminosity of black and while film (which the
filmmaker usually chooses over color) clarifies the indisputable link Hutton’s work has
with respect to painting, and in particular with landscape painting, to relate it more
closely to photography. Here the expression “motion pictures,” which has always been
used to refer to cinema, takes on its full meaning, since we find ourselves watching
sequences in which the camera is usually motionless, while the movement crosses
the frame. Spectators forget themselves and give themselves over to the hypnotic light
reflecting off the surface of the water in utter silence (perhaps only broken by the sound
of the projector), which functions as means for meditative contemplation.
As stated by P. Adams Sitney, Hutton’s approach to filmmaking is to measure
its power for fascination and absorption, to the point of erasing the observer’s
subjectivity, only to make it emerge in the juxtaposition of apparently isolated shots,
a technique that Hutton has developed profusely over his career. As part of this year’s
7th Documenta Madrid, the filmmaker is offering a master class entitled “The Image
and its Eclipse”. In it, Hutton will reflect on the “single take” and on the creation of
centripetal force in his films by building up shots in a process that, in a way, harkens
back to early filmmaking.
THE IMAGE AND ITS ECLIPSE
Peter Hutton’s film work amasses misty landscapes, lines of shadow and river
currents. His filmmaking career is indiscernible from his over four-decade experience
as a sailor: from the Yang-Tse river to northern Iceland, from the wharfs of Bangladesh
379
CLASE MAGISTRAL.
VALENTINA LEDUC
ACTIVIDADES PARALELAS CLASE MAGISTRAL. VALENTINA LEDUC
VALENTINA LEDUC MASTER CLASS
LOS CAMINOS HACIA LA CONSTRUCCIÓN DE UNA EMOCIÓN
380
El montador de un documental recibe 200 horas de material
de la mano de un director que le dice: “Quiero que esta
película hable de la nostalgia. Nos vemos en un mes…”.
Editar un documental es hacer la narrativa
de la película. A diferencia de la ficción, el documental
generalmente no cuenta con un guión previamente
escrito, y es en la sala de montaje donde la película se
escribe. Las imágenes son como las palabras que, al
hilarse una tras otra, forman frases, que al relacionarse
unas con otras, construyen ideas y emociones.
En este proceso, el montador va formando
la idea y la emoción que el director quiere lograr con su
película. El director plantea una idea que el montador
debe entender y construir.
Y hablar de emociones implica siempre una subjetividad. El camino puede ser un laberinto, donde hay que probar caminos diferentes hasta
encontrar una o más salidas, muchas opciones hasta encontrar el entendimiento mutuo.
¡Cuántas películas se pueden hacer con un mismo material! Muchas... Es una
cuestión de estilo.
El estilo de un montador tiene que ver con el ritmo, la respiración, la sutileza
o la agresividad con que se construye un tema o se presenta un personaje. Es una
forma particular de ser, de hacer, de ver la vida. Y por eso un director o un productor
elige un montador u otro. Porque de esto depende que la película sea una u otra.
200 horas de material...
¿Qué es lo que se quiere decir con todo esto que se ha filmado? ¿De qué vamos a
hablar? ¿Cuáles son los personajes que van a contar lo que queremos decir y cuáles no?
El montador debe reconocer el pulso del material, que es la materia prima
con la que se va a “modelar” o a “esculpir” el alma de este ente que es una película.
Y para el montador, que tiene una relación solitaria y entrañable con un
proyecto, que pasa meses y meses compartiendo la vida, los sueños, la familia y el
día a día con personajes a los que probablemente nunca verá personalmente…, cada
película es un viaje interior inolvidable.
Valentina Leduc (México D. F., 1969) ha sido montadora y realizadora de varios
documentales para televisión. Recibió el premio mexicano Ariel al Mejor Montaje por su
primer largometraje como montadora, En el hoyo (2006), de Juan Carlos Rulfo. También
ha sido montadora de los documentales Vuelve a la vida (2009), de Carlos Hagerman, y
Los que se quedan (2009), de Juan Carlos Rulfo y Carlos Hagerman. Actualmente está
finalizando el montaje de Oswaldo Vigas, el vendedor de orquídeas, de Lorenzo Vigas, y
del nuevo largometraje de Juan Carlos Rulfo, de título provisional 7 cartas.
WAYS TOWARD BUILDING EMOTION
The editor of a documentary film receives 200 hours of footage from a director who
says: “I want this film to be about nostalgia. See you in a month…”
To edit a documentary is to make the narrative of the film. Unlike fiction, the
documentary generally does not have a pre-written screenplay and it is in the editing
room where the film gets written. The images are like words, strung together to make
sentences, which in turn are related to one another to build ideas and emotions.
To do so, the editor goes about creating the idea and emotion that the director
hopes to achieve with the film. The director presents an idea that the editor must
understand and build upon.
And to talk about emotions always implies subjectivity. The path might be
windy, one in which different paths must be taken to find the exits. Many possibilities
before coming to a mutual understanding.
So many films could be made by using the same footage! Many… It is a matter
of style.
An editor’s style is related to the pacing, breathing, subtlety and aggressivity
with which an issue is built up or a character is presented. It is a particular way of being,
of doing, of seeing life. And for this reason a director or producer chooses one editor or
another. Because the outcome of the film depends on whichever one is chosen.
200 hours of footage...
What does the director want to say with everything that has been recorded?
What are we going to talk about? Which characters are going to talk about what we
want to say, and which aren’t?
The editor must recognize the pulse of the footage, the raw material with
which he or she is going to “shape” or “sculpt” the soul of this being, this film.
And for the editor, who has a solitary and profound relationship with the
project, who spends months and months sharing life, dreams, family and everyday
events with characters who they will probably never meet personally…, every film is an
unforgettable inner journey.
Valentina Leduc (Mexico City, 1969) has been an editor and director of several
documentaries for television. She received the Mexican Ariel Award for Best Editing for
her first full-length film as an editor, En el hoyo (2006) by Juan Carlos Rulfo. She was
also the editor of the documentaries Vuelve a la vida (2009), by Carlos Hagerman, and
Los que se quedan (2009), by Juan Carlos Rulfo and Carlos Hagerman. She is currently
completing the editing of Oswaldo Vigas, el vendedor de orquídeas, by Lorenzo Vigas, and
Juan Carlos Rulfo’s new full-length film, provisionally entitled 7 cartas.
381
VALENTINA LEDUC MASTER CLASS PARALLEL ACTIVITIES
382
EN EL HOYO
LOS QUE SE QUEDAN
IN THE PIT
JUAN CARLOS RULFO – 35 mm / 84´ / 2006 / México / Mexico
THOSE WHO STAY CARLOS HAGERMAN, JUAN CARLOS RULFO – 35 mm / 100´ / 2008 / México / Mexico
Una leyenda mexicana cuenta que el diablo pide almas para que
los puentes no se caigan al construirse. En este caso se aborda la
historia de varios de los obreros que participan en la construcción
del “segundo piso” del Periférico, vía de circunvalación que rodea
la ciudad de México. En realidad esto no es más que un puro
pretexto, ya que la idea es acercarnos a la cotidianidad, a los
sueños y a la extraordinaria dignidad que alimentan el humor, el
romance y los pequeños momentos de cuya destilación el diablo
extrae la poción precisa para que ese puente permanezca en pie.
Un acercamiento íntimo a las familias de aquellos que se han ido
a Estados Unidos en busca de mejores oportunidades. Un retrato
de nostalgia, espera, identidad, memoria; pero, sobre todo, de
los sueños y el amor. Una exploración sobre la cotidianidad de la
ausencia que genera la migración.
A Mexican legend tells that the devil asks for souls so that bridges
don’t fall when they get built. In this case, it is the story of several
workers who took part on the construction of the second deck
of Mexico City’s Periferico Highway. All this actually pure pretext
though, since the idea is to get a closer look at everyday life, the
dreams and the extraordinary dignity in order to experience
the humor, romance, and little moments that come together in the
food that the devil needs in order to keep that bridge up.
Mejor Documental Mundial / Best World Documentary, Sundance Film Festival
(EE UU / USA, 2006)
Mejor Documental Hispanoamericano / Best Latin American Documentary, Miami
Film Festival (EE UU / USA, 2006)
Mejor Documental Iberoamericano, Mejor Director / Best Latin American
Documentary, Best Director, Festival Internacional de Cine de Guadalajara
(México / Mexico, 2006)
Mejor Película / Best Film, BAFICI – Festival Internacional de Cine Independiente
de Buenos Aires (Argentina, 2006)
ACTIVIDADES PARALELAS CLASE MAESTRA. VALENTINA LEDUC
An intimate look at the families of those who have gone to the
United States in search of better opportunities. A portrait of
nostalgia, waiting, identity, memory, but, most of all, of dreams
and love. An exploration on the everyday nature of absence as
brought about by migration.
383
Mejor Documental de Creación / Best Original Documentary, Festival Internacional de
Documentales – Documenta Madrid (España / Spain, 2009)
Mejor Documental Mexicano / Best Mexican Documentary, Festival Internacional
de Cine de Guadalajara (México / Mexico, 2009)
Mejor Documental / Best Documentary, Festival Internacional de Cine
Independiente de Los Ángeles (EE UU / USA, 2009)
Mejor Documental Latinoamericano / Best Latin American Documentary, DocsDF
(México / Mexico, 2009)
Premio Humanitas / Humanitas Prize, Los Ángeles (EE UU / USA, 2009)
DIRECCIÓN, FOTOGRAFÍA / DIRECTION, CINEMATOGRAPHYΩ Juan Carlos Rulfo
PRODUCCIÓN / PRODUCTIONΩ Juan Carlos Rulfo, Eugenia Montiel Pagés
MONTAJE / EDITINGΩValentina Leduc
DISEÑO DE SONIDO / SOUND DESIGNΩValentina Leduc, Samuel Larson
MÚSICA / MUSICΩ Leonardo Heiblum
DIRECCIÓN, GUIÓN / DIRECTION, SCRIPTΩ Carlos Hagerman, Juan Carlos Rulfo
PRODUCCIÓN / PRODUCTIONΩ Carlos Hagerman, Juan Carlos Rulfo, Nicolás Vale
(La Sombra del Guayabo)
FOTOGRAFÍA / CINEMATOGRAPHYΩ Juan Carlos Rulfo
MONTAJE / EDITINGΩValentina Leduc
DISEÑO DE SONIDO / SOUND DESIGNΩ Ruy García, Valentina Leduc
MÚSICA / MUSICΩ Santiago Ojeda
¿Qué se les pide? Confianza, honestidad y respeto.
¿Qué se les da? Confianza, honestidad y respeto.
What is asked: Trust, Honesty and Respect.
What is given: Trust, Honesty and Respect.
Jana Richter
CONFERENCIA.
HANNS EISLER
EN
ESPAÑA
CONFERENCE: HANNS EISLER IN SPAIN
ACTIVIDADES PARALELAS CONFERENCIA. HANNS EISLER EN ESPAÑA
CONCIENCIA HISTÓRICA Y NUEVA MÚSICA
Desgraciadamente, y no es el único caso, la nueva música no llegó realmente a España
en su momento. Las obras de Schönberg eran escuchadas con desagrado por los
aficionados y profesionales de la música en los años veinte del siglo pasado. El dominio
de estéticas más serenas, especialmente las vinculadas al simbolismo musical
francés, impidió una recepción cabal de la nueva música. La música y la obra teórica
de Hanns Eisler sufrieron un silencio todavía mayor a pesar de la breve presencia del
compositor en el Madrid de la Guerra Civil.
384
Antonio Notario Ruiz, profesor titular de Estética y Teoría de las Artes en la Facultad de
Filosofía de la Universidad de Salamanca, doctor en Filosofía y profesor de Piano. Autor
de La visualización de lo sonoro (2002), y editor de Contrapuntos estéticos (2005) y Estética:
perspectivas contemporáneas (2008), así como de Imágenes incompletas (2005), Octavas
falsas (2006), Museos de extrañeza (2007) y Aciertos de metáfora (2008) en colaboración
con Domingo Hernández Sánchez y Ricardo Piñero Moral.
Johannes C. Gall estudió piano, musicología, filosofía y filología germánica en
Stuttgart, Tubinga y Hamburgo. Actualmente vive y trabaja en Berlín. Inició y dirigió
la reconstrucción y edición en DVD del Proyecto Música en el Cine, de Eisler, para la
fundación Rockefeller (1940-1942), que se publicó en 2006 en Suhrkamp como parte
de una edición especial, dirigida por él, del libro de Adorno y Eisler Komposition für den
Film (El cine y la música). Es coeditor de Eisler-Studios, para cuyo próximo volumen está
prevista la publicación de su tesis doctoral Hanns Eisler - Musik für Hollywood (Hanns
Eisler: Música para Hollywood).
Archivo / Archive: Dr. Schebera, Berlín / Berlin
Antonio Notario Ruiz, Professor of Aesthetics and Theory of the Arts in the Philosophy
Department of the University of Salamanca, PhD in Philosophy and Piano Professor.
Author of La visualización de lo sonoro (2002), and editor of Contrapuntos estéticos (2005)
and Estética: perspectivas contemporáneas (2008), in addition to Imágenes incompletas
(2005), Octavas falsas (2006), Museos de extrañeza (2007) and Aciertos de metáfora (2008)
in collaboration with Domingo Hernández Sánchez and Ricardo Piñero Moral.
Johannes C. Gall studied piano, musicology, philosophy and German philology in
Stuttgart, Tübingen and Hamburg. He currently lives and works in Berlin. He started
and directed the reconstruction and DVD release of Eisler’s Film Music Project for the
Rockefeller Foundation (1940-1942), which was published in 2006 in Suhrkamp as part
of a special edition, directed by him, of the book on Adorno and Eisler Komposition für
den Film (Film and Music). He is the co-editor of Eisler-Studios, the upcoming volume of
which will feature the publication of his dissertation Hanns Eisler - Musik für Hollywood
(Hanns Eisler – Music for Hollywood).
HISTORICAL AWARENESS AND NEW MUSIC
Unfortunately, and it is not the only case, New Music did not really make it to Spain
in its heyday. Schönberg’s work was not listened to favorably by music fans and
professionals in the 1920s. It was more soothing aesthetics, especially those related
to French musical symbolism, that prevented New Music from being wholeheartedly
received. Hanns Eisler’s music and theoretical work was neglected even more, despite
the composer’s brief stay in Madrid during the Civil War.
INSTITUTO GOETHE
385
TEXTOS
DOCUMENTA
ACTIVIDADES PARALELAS TEXTOS DOCUMENTA
DOCUMENTA TEXTS
LA CASA ABIERTA. EL CINE DOMÉSTICO Y SUS
RECICLAJES CONTEMPORÁNEOS
386
El cine doméstico constituye un vasto territorio
inexplorado hasta hace pocas décadas, debido a su
consideración como un derivado fílmico carente de
valor. El auge de los estudios de la cultura popular y
de la vida cotidiana, junto con una mayor apreciación
de su relevancia histórica y social por parte de las
filmotecas nacionales y regionales, ha llevado a que
este modo fílmico haya sido revalorizado y despierte
en la actualidad un creciente interés.
Al mismo tiempo, son cada vez más los
documentalistas contemporáneos que vuelven a
las imágenes domésticas, propias o ajenas, como
fuente visual para sus trabajos, dando lugar a una
variada y sugerente gama de películas, desde las de
corte microhistórico de Péter Forgács hasta las obras autobiográficas de cineastas
como Alan Berliner, Sandhya Suri o Alina Marazzi. En todas ellas, el metraje doméstico
adquiere nueva vida, amplificando su sentido al recontextualizarse en un marco
contemporáneo, alejado de su primera proyección familiar. Como banco de memoria
visual, ese metraje adquiere con el paso del tiempo inevitables matices nostálgicos. En
ocasiones, al ser contrastado con los recuerdos orales, se impregna de resonancias
sombrías, rellenando los huecos dejados por la crónica feliz de las imágenes familiares.
O, en otros casos, aporta una sorprendente crónica alternativa a la Historia oficial del
siglo xx, como ocurre con los trabajos de Nakamura / Ishizuka o Manskij. Si se amplía
el foco, se observa también la conexión entre las vanguardias cinematográficas y el
cine doméstico, con cineastas tan conocidos como Jonas Mekas o Stan Brakhage, que
reivindican el modo doméstico como el enfoque más genuino para realizar películas
–en contraposición con los moldes dominantes del cine industrial–, de donde surge un
singular parentesco entre modos aparentemente opuestos.
Este libro busca explorar este modo fílmico en tres etapas. Una primera en
la que se aportan claves definitorias y contextos. Una segunda en la que se aborda su
reciclaje en la práctica documental contemporánea. Y una tercera en la que se explora
su relación con las vanguardias.
Efrén Cuevas
Editor de La casa abierta. El cine doméstico y sus reciclajes contemporáneos
THE OPEN HOUSE: HOME MOVIES AND CONTEMPORARY RECYCLING THEREOF
Home movies were for the most part unexplored until just a few decades ago because
they were considered to be lacking in cinematic value. The rise in studies focusing on pop
culture and everyday life, along with greater appreciation of their historical and social
importance by national and regional film institutes has resulted in a reconsideration of
this kind of filmmaking and has sparked resurging interest in it today.
At the same time, a growing number of contemporary documentary filmmakers
have gone back to home movies, whether their own or those of others, as a source for
images in their work, leading to a varied and thought-provoking range of films, from
Péter Forgács’ micro-stories through to autobiographical films by such directors as Alan
Berliner, Sandhya Suri and Alina Marazzi. In all these, the amateur film takes on new
life, amplifying its meaning by re-contextualizing it within a contemporary framework,
far from its initial screening as a family movie. As a visual storehouse, this kind of film
inevitably takes on great nostalgic value with the passing of time. Occasionally, when
contrasted with spoken memories, it fills the gaps in chronically happy family films with
gloomy resonance. At other times, it provides a surprising alternative account of the
official history of the 20th century, as is the case in the films by Nakemura / Ishizuka
and Manskij. If we widen the scope, we can also see the connection between the avantgarde filmmakers and home movies in such well-known directors as Jonas Mekas and
Stan Brakhage, who reclaim home movie making as a truer way of directing film – in
sharp contrast with the dominant industrial film molds – out of which is born a unique
relationship between apparently opposing methods.
This book explores this film method in three stages. The first lays out definitions
and contexts. The second deals with reusing home movies in contemporary documentary
filmmaking. And in the third, its relationship with the avant-garde is explored.
Efrén Cuevas
Editor of The Open House: Home Movies and Contemporary Recycling Thereof
PRESENTACIÓN LIBRO / BOOK RELEASE EVENT
387
DOCUMENTA TEXTS PARALLEL ACTIVITIES
388
FAMILY GATHERING: A STUDY GUIDE
UN’ORA SOLA TI VORREI
REUNIÓN FAMILIAR: UNA GUÍA DE ESTUDIO
LISE YASUI – DVD / 30´ / 1988 / Estados Unidos / USA
POR UNA HORA MÁS CONTIGO / FOR ONE MORE HOUR WITH YOU
ALINA MARAZZI – Betacam / 55´ / 2002 / Italia / Italy
Una mirada profundamente personal a los efectos causados
en una familia por la evacuación y detención de los japoneses
americanos durante la Segunda Guerra Mundial. Narrada desde
la perspectiva de una japonesa americana de tercera generación
que creció sin comprender apenas su etnicidad o los traumas
sufridos por su familia en la década de los 40, gira en torno a su
abuelo, Masuo Yasui, que después de 30 años en Estados Unidos
fue arrestado por el FBI, tras el ataque japonés a Pearl Harbor, por
ser un enemigo extranjero “potencialmente peligroso”. A través
de películas caseras, fotografías familiares, cartas, imágenes de
archivo del Gobierno, documentos del FBI y entrevistas actuales,
Yasui analiza las circunstancias de la detención de su abuelo y
explora los mitos, recuerdos y silencios que rodean su historia
familiar.
“Mi madre nació en 1938 y murió en 1972, cuando yo tenía 7 años.
No tengo demasiados recuerdos de ella, pero siempre he sabido
que en un armario de casa de mis abuelos estaba guardada toda la
memoria visual de nuestra familia. El armario contenía viejas cajas
de películas caseras en 16 mm que mi abuelo grabó entre 1926 y
los años 70. Este trabajo es mi búsqueda personal del rostro de mi
madre. Un intento de devolverla a la vida aunque sea en la pantalla
y una forma de celebrarla recordándola”. Alina Marazzi
A deeply personal look at the effects of the World War II
evacuation and internment of Japanese Americans on one family.
It is told from the perspective of a third-generation Japanese
American who grew up with little understanding of her ethnicity
or the traumas experienced by her family during the 1940’s. The
film focuses on her grandfather, Masuo Yasui, who, after 30 years
in the US, was arrested by the FBI as a “potentially dangerous”
enemy alien after the Japanese attack on Pearl Harbor. Through
home movies, family photos, letters, government archive film,
FBI documents, and present-day interviews, Yasui examines the
circumstances of her grandfather’s internment and explores the
myths, memories, and silences surrounding her family history.
“My mother was born in 1938 and died in 1972, when I was 7 years
old. I don’t have many memories of her, but I’ve always known
that the whole visual memory of my family was locked inside a
closet in my grandparents’ home. This closet contained old film
boxes, amateur 16mm films that my grandfather shot between
1926 and the 70s. This film is my personal quest for my mother’s
face. An attempt to give life back to her only if on the screen, a
way of celebrating her, through these memories.” – Alina Marazzi
389
Mejor Documental Italiano / Best Italian Documentary, Torino Film Festival (Italia / Italy, 2002)
Mención Especial del Jurado / Jury Special Mention, Locarno International Film
Festival (Suiza / Switzerland, 2002)
Premio Claiborne Pell a la Visión más Original / Claiborne Pell Award for Original
Vision, Newport International Film Festival (Estados Unidos / USA, 2003)
La difícil relación entre el que quiere mirar y el que se deja ser mirado. Una relación
desigual donde hace falta mucho tacto para conseguir que el personaje se sienta
cómodo, querido y respetado.
DIRECCIÓN / DIRECTIONΩ Lise Yasui
PRODUCCIÓN / PRODUCTIONΩ Lise Yasui, Ann Tegnell
DIRECCIÓN / DIRECTIONΩ Alina Marazzi
PRODUCCIÓN / PRODUCTIONΩ Alina Marazzi, Gianfilippo Pedote, Giuseppe Piccioni,
Francesco Virga
MONTAJE / EDITINGΩ Ilaria Fraioli
SONIDO / SOUNDΩ Remo Ugolinelli, Alessandro Feletti
The difficult relationship between the observer and the observed. An unequal
relationship requiring a great deal of tact in order for the character to feel comfortable,
wanted and respected.
David Gutiérrez Camps
Nominado al Oscar al Mejor Cortometraje Documental / Nominated for the Oscar
for Best Documentary Short Film (Estados Unidos / USA, 1989)
Gold Hugo, Chicago International Film Festival (Estados Unidos / USA, 1989)
Golden Gate, San Francisco International Film Festival (Estados Unidos / USA, 1989)
ESPACIO ONG. FUNDACIÓN
CEAR-HABITÁFRICA
CINE FÓRUM
NGO SECTION. CEAR-HABITÁFRICA FOUNDATION.
FILM FORUM
CINE FÓRUM
390
La Fundación CEAR-Habitáfrica es una ONG de desarrollo cuya misión es combatir el
desarraigo y mitigar las causas y consecuencias de las migraciones forzosas, de poblaciones
vulnerables o en riesgo de exclusión en África, por medio de la promoción de asentamientos
humanos estables, sostenibles, seguros y productivos, y el acompañamiento de las dinámicas
de desarrollo inducidas por las migraciones.
De la misma forma quiere contribuir a transformar la sociedad, sensibilizando sobre
las causas de la pobreza y los desplazamientos forzosos, los valores y las capacidades de
África, y los vínculos positivos entre migración y desarrollo. En su trabajo apuesta por la justicia,
el respeto, la solidaridad, la profesionalidad y la eficacia como principales valores.
Un año más, la Fundación CEAR-Habitáfrica participa en las actividades paralelas de
Documenta Madrid con el ciclo de proyecciones África Cuenta, que reciben financiación de la
Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo (AECID). En esta ocasión lo
realizamos conjuntamente con Solidaridad Internacional y la Fundación IPADE.
FILM FORUM
The CEAR-Habitáfrica Foundation is a development NGDO whose mission is to combat displacement
and mitigate the causes and consequences of forced migrations for vulnerable people or those
at risk of exclusion in Africa, through promoting stable, sustainable, safe and productive human
settlements, along with the development dynamics brought about by migrations.
It likewise seeks to contribute to the transformation of society by raising awareness
on the causes of poverty and forced displacement, the values and capacities of Africa, and the
positive links between migration and development. Its work is committed to justice, respect,
solidarity, professionalism and efficiency as its core values.
Once again this year, the CEAR-Habitáfrica Foundation is participating in the parallel
activities of Documenta Madrid with a series of screenings, África Cuenta “Africa Counts”), which
receives financing from the Spanish Agency for International Cooperation for Development
(AECID). On this occasion, we are working in conjunction with Solidaridad Internacional and the
IPADE Foundation.
ACTIVIDADES PARALELAS ESPACIO ONG. FUNDACIÓN CEAR-HABITÁFRICA
CAPITALISM: A LOVE STORY
MELILLENSES
CAPITALISMO: UNA HISTORIA DE AMOR
MICHAEL MOORE – DVD / 120´ / 2009 / Estados Unidos / USA
LIVING IN MELILLA
MOISÉS SALAMA – DVD / 76´ / 2004 / España / Spain
El sueño americano se desvanece peligrosamente mientras
muchas familias pierden sus puestos de trabajo, sus casas y
los ahorros de toda su vida. Para descubrir a los verdaderos
culpables de esta crisis planetaria, Michael Moore se adentra
en los distintos estratos sociales de Estados Unidos, desde las
viviendas más humildes hasta los pasillos gubernamentales en
Washington, preguntándose cuál es el precio que paga el país más
poderoso del mundo por su amor al capitalismo. Un análisis de la
crisis mundial desde las entrañas de las grandes corporaciones
norteamericanas, pero también un retrato de las familias que lo
han perdido todo.
“No sé lo que tú quieres ver, pero sí lo que yo te voy a enseñar”.
Advertida de esa forma por Culi, un viejo amigo que va a ejercer
de guía indígena para su labor documental, Julia comienza a
orientarse en el laberinto de Melilla siguiendo un hilo formado
por retazos de las vidas de Hassan, Ali, Yonaida y el propio Culi.
Historias personales que, con el contrapunto de otras voces,
dibujan trayectorias que se entrecruzan en el espacio y el tiempo
de esta ciudad fronteriza entre el Sur y el Norte donde tienen
peculiar expresión muchos de los conflictos claves de nuestro
tiempo; de la inmigración al desarrollo económico, del reto de la
convivencia a la pretendida “lucha de civilizaciones”.
The American dream is falling dangerously into oblivion as
many families lose their jobs, their homes and their life savings.
To find those really to blame for this worldwide crisis, Michael
Moore examines social strata in the United States, from the most
humble abodes to the halls of government in Washington as he
asks himself what price that the most powerful country in the
world pays for its capitalism. An analysis of the world crisis from
out of the guts of the big American corporations, as well as a
portrait of the families who have lost everything.
“I don’t know what you want to see, but I do know what I’m
going to show you.” With these admonitory words from Culi, an
old friend who is her indigenous guide in the documentary task,
Julia begins her incursion into the laberynth of Melilla following
a thread made up of scraps and pieces of the lives of Hassan, Ali,
Yonaida and Culi himself. These are personal stories that, together
with the counterpoint of other voices, trace trajectories which
interweave in the space and time of this frontier city between the
North and the South, and where many of the key conflicts of our
time are embodied in a unique way; migratory movements versus
economic development, the challenge of getting along in peaceful
coexistence versus the so called “strugle of civilisations”.
Pequeño León de Oro / Little Golden Lion, Mostra Internazionale di Venezia (Italia /
Italy, 2009)
DIRECCIÓN, GUIÓN / DIRECTION, SCRIPTΩ Michael Moore
PRODUCCIÓN / PRODUCTIONΩ Dog Eat Dog Films, Paramount Vantage, Overture
Films
FOTOGRAFÍA / CINEMATOGRAPHYΩ Daniel Marracino, Jayme Ro
SONIDO / SOUNDΩ Gary Rizzo
MÚSICA / MUSICΩ Jeff Gibbs
DIRECCIÓN / DIRECTIONΩ Moisés Salama
PRODUCCIÓN / PRODUCTIONΩ Mari Carmen Melul, Helenio Herrera, Lucía Laín
GUIÓN / SCRIPTΩ Moisés Salama, Miguel Ángel Martín, Ignacio Mendiguchía
FOTOGRAFÍA / CINEMATOGRAPHYΩ Francisco L. Rivera
MONTAJE / EDITINGΩ Horacio Alcántara
SONIDO / SOUNDΩ Harold S. Burgon
MÚSICA / MUSICΩ Higinio Reus
391
ACTIVIDADES PARALELAS ESPACIO ONG. FUNDACIÓN CEAR
ONG ESPACE. CEAR-HABITÁFRICA FOUNDATION PARALLEL ACTIVITIES
TUKKI, LA HUELLA AMBIENTAL
TUKKI, THE ECOLOGICAL FOOTPRINT
GUILLERMO GARCÍA RAMOS – DVD / 49´ / 2009 / España / Spain
V. O. WOLOF. SUBT. ESPAÑOL / SPANISH
392
Miles de senegaleses se encuentran ante una encrucijada: a unos
se les está “comiendo” el desierto, otros ya no pueden predecir
las lluvias como antes y su tierra se seca, y para otros muchos
la pérdida de los bosques arruina sus pueblos. En definitiva, su
entorno se muere y no saben cómo solucionar estos problemas.
Tukki significa ‘viajar’ en wolof. Refleja el viaje que se ve obligado
a emprender un joven senegalés desde su aldea, situada al sur del
país, ante la degradación del suelo y la deforestación que sufre su
entorno. Su destino le lleva hasta Dakar, donde espera encontrar
una alternativa de desarrollo.
393
Thousands of Senegalese are at a crossroads: some of them
are being “eaten” by the desert, others can no longer predict
the rains like they used to and their land is dry, and for many
others, the loss of the forests have devastated their villages. In
short, the environment is dying and they don’t know how to solve
these problems. “Tukki” means “to travel” in Wolof. It shows the
journey a young Senegalese man is forced to undertake from his
village in the southern part of the country due to the deterioration
of the soil and the deforestation of his surroundings. His fate
will lead him to Dakar, where he hopes to find an alternative for
development.
DIRECCIÓN, GUIÓN / DIRECTION, SCRIPTΩ Guillermo García Ramos
PRODUCCIÓN / PRODUCTIONΩ Jorge Sánchez Gallo
FOTOGRAFÍA / CINEMATOGRAPHYΩ Gabriel Molera
MONTAJE / EDITINGΩ M. A. Jiménez, Vanesa Valdemoro, Fran Belda
SONIDO / SOUNDΩ Pablo Capisto, Nerio Gutiérrez
LOCUCIÓN / VOICEΩ Mamadou Mactar
Al tratarse de la vida real, se generan relaciones humanas y vínculos que difícilmente
se pueden romper, y por esto mismo lo que se da y recibe es aprendizaje mutuo.
Since it deals with real life, human relationships and bonds that are hard to break are
created, and for that same reason, what is given and received is mutual learning.
Luis Rincón
ESPACIO ONG.
PRESENTACIÓN
FESTIVAL
CINE INVISIBLE
NGO SECTION. PRESENTATION FESTIVAL
OF INVISIBLE FILM
394
La segunda edición del Festival Internacional de Cine Invisible “Filme Sozialak” Bilbao
2010 tendrá lugar entre el 28 de septiembre y el 5 de octubre de este año. Este evento
pretende ser un espacio necesario para todas aquellas obras que no encuentran su
lugar en las salas de cine y que tratan temáticas de índole social desde cualquier
género cinematográfico. Se premiarán las producciones, tanto del Norte como del
Sur, que mejor traten la temática de derechos humanos, interculturalidad, equidad de
género, desarrollo sostenible…
En la presentación se proyectarán los documentales Un puente sobre el río, de
Rigoberto Jiménez, y Los hijos del Sáhara, de Sonia Llera.
The 2nd International Festival of Invisible Film “Filme Sozialak” Bilbao 2010 will take
place from September 28th through October 5th of this year. This event hopes to
provide a much needed space for films of any genre that are not given room at cinemas
and that deal with subject matters of social importance. Productions from both the
North and the South will be awarded for best treatment of the issues of human rights,
interculturalism, gender equality, sustainable development, and more.
This presentation will feature the documentaries Un puente sobre el río, by
Rigoberto Jiménez and Los hijos del Sáhara, by Sonia Llera.
ACTIVIDADES PARALELAS ESPACIO ONG. FESTIVAL CINE INVISIBLE
LOS HIJOS DEL SÁHARA
UN PUENTE SOBRE EL RÍO
THE CHILDREN OF THE SAHARA
SONIA LLERA – Betacam / 30´ / 2010 / España / Spain
A BRIDGE OVER THE RIVER
RIGOBERTO JIMÉNEZ HERNÁNDEZ – Betacam / 29´ / 2009 / Cuba
El Sáhara ha sido siempre nuestro desierto, un icono de nuestra
geografía sentimental. La adhesión de una gran parte de la
sociedad civil española a la causa saharaui es inquebrantable.
La ayuda humanitaria y alimentaria desde la cooperación al
desarrollo dirigida a los refugiados saharauis que están desde
1975 en los campamentos de Tinduf, en la hamada argelina, es
el punto de partida para narrar la historia reciente del pueblo
saharaui.
En medio de las montañas del centro de Cuba vive Lency, un
hombre que no pone límites a su inventiva y talento. Todo
tiene solución para él: falta de transporte, electricidad, labores
domésticas… Es un tipo común que vive con su familia. Sin
embargo, algo lo hace diferente.
The Sahara has always been our desert, an icon in our sentimental
geography. The bond that a great deal of Spanish civil society
has for the Saharan cause is unshakable. The starting point for
telling about recent Saharan history is the humanitarian and food
aide coming from development cooperation given to the Saharan
refugees who have been in the Tinduf camps in the Algerian
hamada since 1975.
In the middle of the mountains of central Cuba lives Lency, a
man whose inventiveness and talent know no limits. For him,
everything has a solution: a lack of transport, electricity, chores...
He is an ordinary man who lives with his family. Though something
he does do differently.
DIRECCIÓN, GUIÓN, FOTOGRAFÍA / DIRECTION, SCRIPT, CINEMATOGRAPHYΩ Sonia
Llera
PRODUCCIÓN / PRODUCTIONΩ CERAI, Marnilú Audiovisuales
MONTAJE / EDITINGΩ Fernando Pérez Herrera
MÚSICA / MUSICΩ Fernando Pérez Herrera, David Abad
LOCUCIÓN / VOICEΩ Rosa del Fresno, Juan Diego
DIRECCIÓN, GUIÓN / DIRECTION, SCRIPTΩ Rigoberto Jiménez Hernández
PRODUCCIÓN / PRODUCTIONΩ Jorge Luis Barber, Ninguna Producciones
FOTOGRAFÍA / CINEMATOGRAPHYΩ Luis Guevara
MONTAJE / EDITINGΩ Kenia Rodríguez
SONIDO / SOUNDΩ Pedro Espinosa
MÚSICA / MUSICΩ Fabián Zanpedri
395
MÁSTER
EN DOCUMENTAL
DE CREACIÓN
MASTERS IN ORIGINAL DOCUMENTARY FILMMAKING
Un año más la Universidad Rey Juan Carlos tiene el placer de acompañar al Festival Documenta
Madrid en su VII edición. En esta ocasión se une al Observatorio de Cine para mostrar su apoyo
a nuevos talentos del mundo de la realización documental a través no solo de su respaldo al
festival, sino con la puesta en marcha del I Máster en Documental de Creación de Madrid.
Deseamos fomentar un espacio de diálogo que conjugue diferentes miradas
y aproximaciones. Para ello, a través de la excelente ventana al mundo que ofrece
Documenta Madrid, nos acercaremos al trabajo logrado por los alumnos de la I Edición
del Máster en Documental de Creación. Disfrutaremos así de las obras realizadas a
modo de experiencia de lo que esperamos se configure como un exitoso vivero, escuela
y espacio de producción para la cinematografía.
GRAN VÍA 100 AÑOS (Work in Progress )
396
En esta edición se presenta un trabajo colectivo realizado por los alumnos del Máster, compuesto
y articulado por distintas piezas que configuran un ejercicio pedagógico de construcción de un
largometraje en etapa de work in progress que remite al cine de observación y a las clásicas
sinfonías urbanas a modo de homenaje a los 100 años de la Gran Vía madrileña.
Again this year, Rey Juan Carlos University is pleased to be teaming up with Documenta
Madrid for its seventh festival. This time, it is joining the Observatorio del Cine Film
School in a show of support for new talent in the world of documentary filmmaking,
through its support not only of the festival, but also through the launch of the Masters
in Original Documentary Filmmaking of Madrid.
We hope to provide a place for dialogue, for combining different viewpoints and
approaches. To do so and thanks to the excellent window to the world provided by Documenta
Madrid, we will take a close up look at the film work made by students in the 1st Original
Documentary Masters program. We will enjoy the films made through experience in what we
hope will become a successful breeding ground, school and place for film production.
GRAN VÍA 100 YEARS Work in Progress
This year will feature a collective film, made by Masters students, which is comprised
of different pieces created as part of a teaching exercise in the building of a feature film
in progress, a study in observational film and classic urban symphonies, by rendering
tribute to the 100 year anniversary of the Gran Vía of Madrid.
397
XXXXXXXX PARALLEL ACTIVITIES
398
LA NOCHE
DEL
SUPER
8
SUPER 8 NIGHT
Nunca como en esta edición del festival ha tenido tanto sentido la realización de una
de nuestras actividades estrella. La pasión hacia los trabajos documentales más
modestos y poco reconocidos, los constituidos por las películas caseras elaboradas
por no profesionales, que hemos venido demostrando desde 2006, tanto el equipo
organizador de Documenta como un grupo selecto, pero cada año más amplio, de
nuestros espectadores, se ha visto este año materializada en la publicación de La casa
abierta. El cine doméstico y sus reciclajes contemporáneos.
Este octavo volumen de la colección Textos Documenta viene a aportar rigor
científico al deleite que experimentamos cada año en las sesiones colectivas de proyección
de Super 8 con música en directo.
A los que ya las conozcan no hace falta explicarles en qué consisten; las han
disfrutado con anterioridad y casi seguro que, si pueden, repetirán. Para aquellos que
nunca las hayan compartido con nosotros, solo se les puede recomendar que subsanen
cuanto antes esa grave carencia.
La Noche del Super 8 es otra excusa más que brinda Documenta para
encontrarnos con los demás, haciendo lo que más nos gusta, ver cine en familia con
unas cervecitas yendo de mano en mano. Algún día incorporaremos la mesa camilla
y las pantuflas para arropar más calidamente al ronroneante proyector que nos
transporta, durante parte de una velada, a los tiempos en que todavía el hoy arrinconado
formato era lo más de lo más en nuestros hogares.
Tiempos de tomavistas, guateques yeyés con comediscos, excursiones a base
de tortilla de patatas con el Seiscientos y veraneos en Benidorm se van sucediendo
ritualmente en nuestra pantalla transformada en una peculiar máquina del tiempo.
Ninguna de las pequeñas películas se habrá visto jamás en otro festiv al
de cine, ninguna ha conseguido, ni lo conseguirá nunca, un Oscar o cualquier otro
premio de relevancia internacional, pero todas ellas tienen alma y portan la esencia del
séptimo arte, que se concreta en su ceremonial visionado grupal.
Considérense todos invitados y, por supuesto, si así lo desean, para estar más
cómodos, pueden traer de casa las zapatillas y la bata de guata.
It has never made so much sense as it does at this year’s festival to put on one of our
featured activities. The passion that we, both the Documenta staff and an increasingly
growing group of select spectators, have shown since 2006 for the more modest and
less recognized work of amateur home movies, is this year being materialized with
the publication of The Open House: Home Movies and the Contemporary Recycling Thereof.
This eighth volume in the Documenta Text collection lends scientific rigor
to the delight we experience every year at these collective Super 8 screenings with
live music.
399
SUPER 8 NIGHT PARALLEL ACTIVITIES
400
ACTIVIDADES PARALELAS XXXXXXXXXXXXX
For those already familiar with it, no explanations of what it is are necessary –
they have enjoyed it once already and they will in all likelihood enjoy it again if they can.
For those who have yet to indulge in it with us, all we can do is recommend they fulfill
this need as quickly as they can.
Super 8 Night is another excuse offered by Documenta to get together with
others, to do what we like most, watch movies with family, beer passing from hand to
hand. At some point, we will bring along the electric blanket and house shoes, to tuck
ourselves in next to the purring projector as it transports us for a while one night back
to the times when the format we have relegated to the closet today was once the best
of the best in our homes.
The times of movie cameras, ye-ye parties with portable turntables, road trips
with sandwiches in the Seiscientos and summers in Benidorm, all ritually flowing by on
the big screen, now transformed into a peculiar time machine.
None of the little films has ever been seen at any other film festival, none has
managed to do so, nor will they ever earn an Oscar or any other international award,
but all of them have soul and bear the essence of the seventh art that makes this
ceremonial group viewing a reality.
Consider yourselves all invited, and of course, if it makes you feel more
comfortable, you may bring your slippers and terry cloth robe from home.
401
Es necesario tener la habilidad de alejarse en el momento justo, como para poder
cerrar el relato y no quedar más involucrado de la cuenta con la historia.
LOUNGE BAR EL SECTOR
It is necessary to know just the right moment to distance oneself, in order to be able to
close the story and not get involved in the story more than one should.
Juan Ignacio Riggirozzi
ARCHIVO
DOCUMENTA
DOCUMENTA ARCHIVE
Sección abierta a los profesionales, estudiosos, posibles interesados en establecer
acuerdos comerciales con los productores, o simples espectadores con ganas de tener
una visión mucho más amplia de la actualidad mundial en el terreno de la no ficción.
Durante el Festival, Documenta Madrid pone a disposición de todo aquel que
lo desee la posibilidad de visionar individualmente cualquiera de los trabajos enviados
a competición en la edición de 2010. Durante el resto del año, se podrá acceder a las
películas enviadas a cualquiera de las ediciones de Documenta Madrid (2004 a 2010).
402
403
This section is open to professionals, experts, people interested in making business
arrangements with producers, or any spectator seeking to gain a wider vision of world
affairs in the realm of non-fiction.
During the festival, Documenta will make it possible for all those requesting it
to see individually any of the films sent to compete in the 2010 festival. During the rest
of the year, the films sent to any of the Documenta Madrid festivals (2004 to 2010) will
be available for viewing.
MATADERO MADRID
Horario durante el festival
Viernes 7, y de martes 11 a viernes 14, de 16:00 a 21:00 h / Sábado 8, domingo 9 y
sábado 15, de 11:00 a 14:00 h y de 16:00 a 21:00 h / Domingo 16, de 11:00 a 14:00 h
Horario permanente
De martes a viernes de 16:00 a 21:00 h, y sábados de 11:00 a 14:30 h
Opening Hours during the festival
Friday 7th, and from Tuesday 11th to Friday 14th, from 4:00 pm to 9:00 pm / Saturday
8th, Sunday 9th and Saturday 15th, from 11:00 am to 2:00 pm, and from 4:00 pm to
9:00 pm / Sunday 16th, from 11:00 am to 2:00 pm
Permanent Opening Hours
From Tuesday to Friday from 4:00 pm to 9:00 pm, and Saturday from 11:00 am to 2:30 pm
XXXXXXXX PARALLEL ACTIVITIES
REFLEXIONES
EN TORNO
A
UN
CONCEPTO
MEDITATIONS AROUND A CONCEPT
¿Cómo es la relación con los personajes que aparecen en una película documental,
antes, durante y/o después del rodaje? ¿Qué se les pide? ¿Qué se les da?
What the relationship is like with characters appearing in a documentary film before,
during and after the film shoot? What is asked of them? What is given to them?
404
La relación siempre es respetuosa y de intercambio de información. Ninguna imagen
sería utilizada en detrimento ni sin la autorización de las personas en cuestión. The
relationship is always respectful and an exchange of information. No shot would ever
be used to the detriment of, or without authorization from, the people in question.
Richard Abella Reyes
Los personajes, en cualquier viaje, dejan una fuerte impresión en el viajero incluso en
sus apresuradas y caprichosas andanzas. Son sumisos y víctimas solitarias u hombres
de negocios calculadores, todos en una realidad perdida. Esos son los símbolos y
dificultades para descifrar la verdad que queremos representar. Characters, in any trip,
leave a strong impression on the traveller even in their hurried and flighty ways. They
are submissive and solitary victims or calculating businessmen, all in a lost reality.
These are the symbols and difficulties to decipher truth that we want to represent. Milo
Adami
Sé que solo puedo recibir lo que doy, por lo que si quiero su honestidad y sinceridad,
debo corresponderles. Mis personajes me abren su mundo, permitiéndome seguirles
y ser como “una mosca en la pared” (ser con mi cámara un mero espectador de la
acción que pasa desapercibido). Por ello estoy siempre agradecido. Nuestra relación
continúa creciendo incluso cuando el film está terminado. Y, a pesar de que la película
ha acabado, la historia sigue adelante. I know that I can only get what I give. So if I want
their honesty and openness then I must reciprocate. My subjects opened their world
to me, allowed me to follow them and be their fly on the wall. For that I am forever
grateful. Our relationship continues to grow even now as the film is completed. And
though the film is completed their story isn’t. Topaz Adizes
405
Antes del rodaje uno se imagina las posibilidades de cómo le va a ir con un personaje para
estar preparado. Durante el rodaje uno se da cuenta de que es totalmente diferente a lo
imaginado y hay que improvisar, y después del rodaje uno está contento de que así haya
sido. En mi trabajo les pido generalmente que vivan su vida normal y yo los acompaño,
ya que quiero aprender desde lo rutinario. Lo que les doy es una posibilidad de ver su
imagen desde otro punto de vista. Before filming, to be prepared, one imagines what it
is going to be like with a character. During the filming, one realizes that it is completely
different from what was expected, and one must improvise. Then after filming, one is
satisfied that it turned out the way it did. In my work, I generally ask they live a normal life
and I accompany them, since I want to learn about their routines. What I give them is the
chance to see how they look from another point of view. Darío Aguirre
Al principio la relación con los personajes viene determinada por el interés y/o
“encantamiento” que motiva a un documentalista a elegir los eslabones dramáticos
de su proyecto. De los personajes surgen personas y posteriormente amigos que se
descubren ante un cauteloso y, por momentos, incómodo cuestionario. At first the
relationship with the characters is mediated by the interest and/or “enchantment”
driving the documentary maker in choosing the project’s dramatic links. From the
characters come people and later friends, who reveal themselves during careful, and
at times, uncomfortable questioning. Alejandra Aguirre Ordóñez
406
Más que una relación, es un seguimiento de sus pasos en el tema que queremos que
nos expresen; la relación comienza cuando nuestro personaje se olvida de la cámara
y nos cuenta cara a cara. More than a relationship, it is following in the footsteps of the
issue we want to be seen, the relationship starts when our character forgets he or she
is on camera and speaks to us face to face. Horacio Alcalá
Inicialmente son desconocidos entre ellos y, según pasan los días dentro del rodaje,
empiezan a compartir emociones y puntos de vista artísticos. Se les pide compromiso
y creación artística y se les da la oportunidad de intervenir en un espacio único que va
a desaparecer. At first they are strangers to each other, and as time goes by during
filming, they start sharing emotions and artistic points of view. They are asked for
commitment and artistic creation, and they are given the chance to get involved in a
unique place that is going to disappear. José Ángel Alonso
La relación inicial es de cierta expectación. Una excitante sorpresa durante la realización
por el interés que suscitan dichos temas. Una relajante satisfacción con el resultado
una vez finalizado el rodaje. Se les pide veracidad y rigor en los comentarios. Se les da
el privilegio de contar aquello de lo que fueron artífices haciéndoles hoy protagonistas.
The initial relationship is one of a kind of expectation. An exciting surprise during the
filmmaking because of the interest generated by those issues. A relaxing satisfaction
with the final result of the filming. They are asked to be truthful and rigorous in their
comments. They are given the privilege of talking about what they were responsible for
then, by making them protagonists today. Luis Miguel Alonso Guadalupe
Para muchas de las personas que aparecen en el documental somos como un confesor.
Nuestra relación comienza al preguntar si le podemos grabar. Es su interacción con la
cámara lo que nos ayuda a conocerle más a fondo. Si es arrogante, inseguro, vanidoso
o bondadoso, será la tensión de la grabación la que revele cada sentimiento de una
REFLEXIONES EN TORNO A UN CONCEPTO
manera mucho más acentuada que en otras circunstancias. Más tarde, en la sala
de montaje y a nuestros ojos (solo a nuestros ojos), deja de convertirse en persona
para convertirse en personaje. For many people appearing in the documentary, we
are like a confessor. Our relationship starts when asking if we can record them. It is
their interaction with the camera that helps us to get to know them more profoundly.
If they are arrogant, insecure, conceited or kind-hearted, the tension in the recording
will reveal each feeling in a much more striking way than under other circumstances.
Later, in the editing room and to our eyes (only to our eyes), they stop becoming people
and become characters. Mario Aranguren
La relación con los personajes principales de un documental se construye con base en
la confianza. Se les pide verdad. Se les da respeto y un canal donde expresar su voz.
The relationship with a documentary’s main characters is build up on trust. They are
asked for the truth. They are given respect and a channel for expressing their voice.
Susana Araujo Martínez
Antes del rodaje, cuando se hace una proposición, siempre hay sorpresa y lejanía.
Durante, inicialmente desconcierto, luego euforia, y al final, cansancio. Después,
una expectante autosatisfacción. Les pido, dentro de la sinceridad y veracidad, ser
actores. Y les doy la oportunidad de convertirse, ellos o su mensaje, en actor principal
del documental. Before filming, when a proposition is made, there is always surprise
and distance. During filming, at first uncertainty, and then euphoria and in the end,
tiredness. Afterwards, hopeful self-satisfaction. I ask them, while being sincere and
truthful, to be actors. I give them the opportunity to make themselves or their message
the lead actor in the documentary. Fernando Arce Sebastián
Fantástica. Sobre todo, si trabajo solo. Fantastic. Especially if I work alone. Galder
Arriaga Magunazelaya
Es una relación de reciprocidad y respecto mutuo. Se les debe dejar claro el objetivo
del film e informarles de los cambios que se vayan produciendo en el punto de vista de
la película. It is a relationship of reciprocity and mutual respect. The goal of the film
should be made clear to them and they must be informed of changes that come about
in the film’s point of view. Claudia Barril Rejman
Desde mi experiencia es muy gratificante que personas que no te conocen confíen
sus pensamientos y sentimientos a alguien que no saben cómo “manejará” esa
información. En las entrevistas, voy con una guía de los temas que quiero tratar,
pero siempre espero que la persona que tengo enfrente me sorprenda. Creo que
se les da la oportunidad de desahogarse, de dar voz a su testimonio, pero por otro
lado siento que me han dado mucho más a mí, de lo que yo les he dado. Ellos han
compartido una parte de sí mismos y yo he aprendido de ellos. From my experience
it is very rewarding for people who do not know you to entrust their thoughts and
feelings to someone who will “handle” that information in ways they do not know.
In the interviews, I go with an outline of the issues I want to deal with, but I always
expect the person I have before me to surprise me. I think it gives them a chance to
get things off their chest, to vocalize their story, but on the other hand I feel they give
much more to me than I do to them. They have shared a part of themselves and I have
learned from them. Loles Barrio Sanchís
407
Con mis personajes tengo una relación de amistad y compromiso mutuo. Les pido que
no miren a cámara, que hagan su trabajo sin más, trato de pasar desapercibido. I try to
have a friendly relationship with mutual commitment. I ask they not look at the camera,
they do their job and nothing more. I try to stay unnoticed. Pablo Baur
Acompañamos a nuestros protagonistas a lo largo de su viaje, tratando de ser
“invisibles” en la medida de lo posible para mostrar todo de la forma más transparente.
We accompany our lead characters in their journey; we try to be “invisible” as far as we
can in order to show everything as transparently as possible. Víctor Bello
Se les pide que digan aquello que a mí me interesa decir. Si me dirijo a ellos es porque
doy por sentado que son de mi misma opinión. Y se les da la oportunidad de que lo
digan públicamente y se queden tranquilos. They are asked to say what I am interested
in saying. If I am addressing them, it is because I take for granted that they are of the
same opinion. And they are given the chance to say it publicly and to rest assured.
Carlos Benpar
Las relaciones con los personajes podrían definirse como “el corazón del corazón” del
documental. Se les pide honestidad, y honestidad es lo que doy a cambio normalmente.
The relationships with characters could be defined as “the heart in the heart” of
documentary. What I ask them is honesty, and honesty is what I get back usually. Bruno
Bigoni
408
La relación con los “personajes” solo es profesional. No recibo nada a cambio. The
relationship with the “characters” is only professional. I receive nothing in exchange.
Giancarlo Bocchi
Hacer un documental es para mí una manera de ir al encuentro con los otros.
Antes, elijo a quién voy a rodar según el contacto que tengo con ellos; intento
tener una relación de confianza para que me hablen sin que parezca un discurso
a cámara. To make a documentary is for me a way of going to meet others. Before
filming, I choose who I am going to film according to the contact I have with them; I
try to have a relationship of trust so they will talk to me without giving a speech on
camera. Sophie Bolze
Se les escucha, se escucha su testimonio, desde la tranquilidad y la calma a pesar
de lo desgarrador de las situaciones. You listen to them, listen to their testimony with
calm and quiet, regardless of how heartbreaking the situation. Ferran Brooks
Creo que una película documental es una aventura común. En general, el realizador
llega con una propuesta o un deseo, pero los personajes deben sentir que tienen algo
que obtener de la película, sea lo que sea, deben sentirla como algo que también les
pertenece. De lo contrario el proyecto acaba naufragando. Y una vez terminada la
película, se convierte en propiedad colectiva de todos ellos. I think a documentary film
is a shared adventure. In general, the director comes with a proposal or wish, but the
characters must feel they are getting something out of the film, whatever that might
be, they must feel like it is something that also belongs to them. Otherwise, the project
ends up falling through. Once the film is completed, it becomes collective property of
them all. Oriol Canals
Antes, es un cortejo. Te insinúas, te expones, como una mujer a un hombre en una
relación “hetero” de una sociedad machista. Durante, es intensa, sincera, a flor de piel.
Después, respetuosa, recuerdo cariñoso y referencia continua al documental. Como
una relación de pareja con final no violento. Before it is a courtship. You hint, you show
yourself, like a woman to a man in a hetero relationship in a male-chauvanist society.
During, it is intense, sincere, on edge. Afterwards, respectful, fond memories and
constant reference to the documentary. Like a relationship with a partner with a nonviolent ending. Javier Cano Linares
Depende mucho del tipo de película que uno desee hacer. Una vez decidido el punto
de vista o el tratamiento que se quiere dar al mismo, nos ponemos a pensar cómo
queremos acercarnos a los personajes. No creo que haya que pedirles; es importante
retratarlos, en el sentido más amplio de la palabra. Siempre que se pueda. It depends
a lot on the kind of film one wishes to make. Once one decides on the point of view
or treatment to be taken, we can then start thinking about how we want to approach
the characters. I do not think anything must be asked of them; it is important to do
a portrait of them, in the broadest sense of the word. As far as one can. Guillermo
Carnero Rosell
Puede ser ideal y también trágica. Les pido antes, durante y después del rodaje ser
sinceros, reales, humanos, confiados y consecuentes. Les deseo buena suerte, les doy
las gracias, un abrazo y, si puedo, unas monedas. It might be ideal and also tragic. I ask
them before, during and after filming to be sincere, real, human, trusting and consistent.
I wish them luck, I give them gratitude, a hug, and if I can, a few coins. Emilio Antonio
Caro Reyes
No me presento a los personajes como un “director”. Creo que una película
documental cuenta la relación entre las personas, los personajes y el equipo en sí
mismo. Es una aventura vital, real y global; un intercambio mutuo de experiencias
humanas que van más allá de la cámara, capaz de capturar la mirada del espectador
gracias a su autenticidad e implicación. I don’t present myself to the characters as
a “director”. I think that documentary film tells about relationship between persons,
characters and crew itself. It’s a global real adventure of life, a mutual exchange of
human experiencies that goes beyond the camera, capable to capture spectators eyes
thanks to its genuineness and involvement. Caterina Carone
De complicidad. Comienzas preguntando dos cosas y respondiendo mil. One of
complicity. You start out by asking two questions and answering a thousand. Gerardo
Carreras
Los los personajes narran de manera íntima sus experiencias; la cámara es un simple
testigo de sus emociones y sus recuerdos. La realidad de su testimonio se refleja en
una producción sin efectos. Somos la ventana de su emoción más pura. The characters
privately tell about their experiences; the camera is but a witness to their emotions and
memories.The reality of their account is reflected in a production without effects. We
are the window to their purest emotion. Antonio Castaño
Se parte de una trama a modo de prótesis ficcional, un enmascaramiento de las
emociones y los rostros para luego dotar a los personajes de un relieve autónomo, que
409
surge de improviso. It comes from out of a scheme of fictional prothesis, a masking
over of emotions and faces, to later endow the characters with an autonomous figure,
which comes from improvisation. David Castro Sopeña
Les pides entrar en su vida y de cierta forma llegar a ser parte de ella; en este caso yo
planteo llegar a inmortalizarlos y dejar algo de ellos a los que vienen de atrás, ya sean
sus hijos, sus nietos, y que queden para la historia del cine. They are asked permission
to enter their lives and in a way to become part of it. In this case, I offer to immortalize
them, to leave something of themselves for those coming after them, whether it be
their children, their grandchildren, and to become part of film history. Ulises Contreras
Antes del rodaje, requerimos que nuestros personajes sean tan naturales ante la
cámara como les sea posible. Cuando finalmente conseguimos esta espontaneidad,
nuestro trabajo se acerca mucho más a la idea original de la película en sí misma.
Esto no ocurre siempre, pero cuando sucede, nuestro trabajo como realizadores tiene
una maravillosa recompensa. Before the filming we require to our characters to be as
natural as possible in front of the camera and, when we finally succeed in achieving this
spontaneity, our work will be much closer to the original idea of the film itself. It doesn’t
happen all the time, but when it happens, our work as film-makers gets a precious
reward. Mario Corrado
410
¿Qué se les pide? Nada. ¿Qué reciben a cambio? No lo sé… Ellos aparecen como parte
del paisaje, no como personajes. What is asked from them? Nothing. What is given
in return? I don’t know... They appear like a landscape, not like characters. Seb Coupy
La intención es construir una relación de confianza, donde el personaje se sienta
cómodo y pueda contar lo que quiera. Esto se consigue con varios días teniendo la
cámara guardada y charlando. The intention is to build up a relationship of trust, where
the characters feels comfortable and can talk about whatever they want to. That is
done over several days with the camera put away and just chatting. Silvina Cuman
Hacer una película no es solo el resultado final, sino también el proceso de realización.
Todo personaje en un documental debe ser consciente de que está siendo filmado, dar
su consentimiento, saber de qué trata el proyecto; debería poder dar sus opiniones y
sugerencias sobre este proyecto y tener acceso al visionado del trabajo terminado. En la
medida de lo posible, esta relación con el director y la productora debería continuar más
allá de la finalización de la película. Making a film is not just about the completed work.
It is also about the process. Everyone who appears as a character in a documentary film
must be aware they are being filmed, to give their agreement, to know what the project
is about and should be able to offer their opinions and suggestions about the project and
to have access to viewing the finished work. Wherever possible this relationship with the
director and the production should continue after the completion of the film. Jill Daniels
Es una relación de profundo respeto y gratitud, antes y después de la producción. Son
los personajes vivos de la historia que se cuenta, son reales y se representan a sí
mismos, y sin ellos no existiría historia. Se les pide precisamente que no finjan ser
otra cosa que quienes son para que asomen verdades que quieren ser contadas, y se
les da una ventana para que asomen esas verdades que componen esa historia que
se quiere contar. It is a relationship of deep respect and gratitude, before and after the
production. They are living characters in the story being told, they are real and they
represent themselves, and without them the story would not exist. They are asked not
to pretend to be something other than what they are so that the truths they want told
come out, and they are given a window so that these truths can come out, which make
up the story that wants to be told. Jaime Dávila
Un elemento clave del trabajo del documental reside en la relación que se construye
con las personas que nos acompañan en el viaje de la película, dando voz, rostro y
pensamiento a las historias que se cuentan. No buscamos el estudio distante de “casos
reales”, sino la empatía y comprensión con otros y otras que nos invitan a compartir
su realidad y sueños. A key element in making a documentary lies in the relationship
built up with the people that come along on the journey of the film, those giving voice,
face and thoughts to the stories being told. We do not look for distant studies of “true
stories”, but rather empathy and understanding with others, who invite us to share in
their situations and dreams. Nicolas Défossé
Antes, durante y después del rodaje se pide a los personajes que sean ellos mismos,
con sus contradicciones, sus dudas y convicciones. Y en toda etapa se les da una cosa
fundamental: respeto. Before, during and after the filming, the characters are asked
to be themselves, with their contradictions, their doubts and convictions. And at every
stage they are given one fundamental thing: respect. Denis Delestrac
No se les pide nada, son ellos los que generosamente dan. La película documental se
inspira en la realidad y los personajes que la componen, son ellos los que le dan forma
y a su vez son transformados por la película. El proceso de creación documental es
una experiencia vital además de creativa. I ask nothing of them; they are the ones who
generously give. The documentary film is inspired by reality and the characters that
make it up; they are the ones who shape it and, at the same time, are transformed by
the film. The creative process in documentary filmmaking is a both vital and creative
experience. Patricia Delso Lucas
Lo principal es la selección, es decir aquellas personas que han vivido, conocen o
han estudiado aquello que retrata la película. En el documental el tema se presenta
por los personajes, ellos son el centro. Se les pide que sean sinceros y cuenten lo
que recuerden y se les ofrece la posibilidad de contar su historia con libertad. The
main thing is the selection, that is, those people who have experienced, know or have
studied what it being talked about in the film. In the documentary, the subject matter
is presented by the characters; they are the focus. They are asked to be sincere and to
talk about what they remember, and they are offered the possibility of telling the story
freely. Luis Deltell Escolar
Aquello que pides revela el mundo que hay dentro de ti (tu mundo interior) y determina
las respuestas que recibes sobre los mundos de los personajes en un documental.
Las intersubjetividades están en el corazón del proceso documental y determinan
aquello que tú revelas sobre ti mismo y lo que los personajes muestran sobre sus
propias vidas. What you ask reveals the world within you and determines the answers
you receive about the worlds of the characters in a documentary. Intersubjectivites is at
the heart of the documentary process and determines what you reveal about yourself
and what the characters reveal about their own lives. Saba Dewan
411
Es una relación como cuando se inicia un noviazgo. Primero elijo al personaje idóneo
de acuerdo con la historia que quiero contar. Una vez que hay amistad, iniciamos la
grabación. La amistad continúa hasta aún terminada la película, pues mi compromiso
es apoyar su lucha. Por lo regular mis trabajos son de lucha y de denuncia social.
It is a relationship like at the beginning of a friendship. First I choose the suitable
person for the story I want to tell. Once there is a friendship, we start recording. The
friendship continues even beyond the completion of the film since I have a commitment
to support them in their struggle. In general, my films are about struggle and social
protest. Miguel Ángel Díaz González
Simplemente que sean ellos mismos y que intenten ignorar la cámara. Aunque
soy una persona muy seria, siempre estoy haciendo chistes con mi equipo; es una
forma de romper el hielo antes de un rodaje. Simply to be themselves and to try to
forget about the camera. Even though I am a very serious person, I am always trying
to make jokes with my crew; it is a way of breaking the ice before filming. Xabier
Doxandabaratz
412
Empatía, saber escuchar, invertir más tiempo conviviendo con ellos que en el rodaje,
ganar su confianza para luego no defraudarles. Una vez terminado el rodaje, hacerles
partícipes del resultado, convivir con sus emociones y mirarles frente a frente con la
convicción de que no les has fallado. Empathy, knowing how to listen, investing more
time living beside them than during the filming, to win their trust so as not to let them
down later. Once the filming is done, to share the result with them, to live with their
emotions and look at them in the eye with the conviction that you have not failed them.
Ander Duque
Siempre hemos trabajado muy cerca de los participantes en nuestra película; por
ejemplo, en algunas fases del rodaje viviendo en sus casas. Por esto hemos creado una
relación que es como la de una familia. Debido a que el tema de nuestra película ha
sido en ocasiones muy duro de tratar y que, a veces, nos hemos sentido impotentes por
ello, creo que este tipo de relación es muy valiosa. Podemos apoyarnos unos a otros
tanto cuando estamos juntos como cuando nos separamos, y ayudarnos a tratar de
encontrar un objetivo común. Creo que todos estamos de acuerdo en que nos hemos
ayudado unos a otros de alguna forma durante este proceso. Ninguno se ha quedado
sin nada. We’ve always worked very close to the participants in our film, for example
in some stages of filming by living in their home. From this we’ve created a relationship
wich is like that of a family. Since the subject of our film has sometimes been very
hard to handle and we have often felt powerless, I think this kind of relationship is
very valuable. We can support each other, both when we meet and when we’re apart,
and help one another to try to reach a common goal. I think we can all agree that we
have helped each other in some way during this process. No one has been left with
nothing. Lars Edman
Las personas entrevistadas mantienen una relación voluntaria y desinteresada en su
colaboración con el documental, aportando sus testimonios con el único objetivo de
que no se pierdan en el olvido hechos históricos relevantes. The people interviewed
have a voluntary and unselfish relationship in their collaboration with the documentary
by providing their accounts, the only goal being not to let relevant historical events fall
into oblivion. Xema Estévez Laorga
Mi relación al comienzo es un poco fría y distante. Luego deviene más cordial. No
somos amigos y nunca lo seremos. Les pido siempre que se expresen por extenso
ante una pregunta abierta y amplia, que sus palabras fluyan con poca intervención
mía. A cambio les doy un bonito docu. My relationship at first is a bit cold and distant.
Then it becomes a cordial relationship. We are not friends and we should never be.
I always ask they speak long on an open and broad question. Their words must flow with
little intervention on my part. In exchange, I give them a lovely documentary. Marcelo
Faúndez Mosquera
Se da una relación de interés mutuo alimentada por el deseo de conocer y descubrir. Se
pide desnudez, hacer un corte transversal al momento de la vida que les retrata para
mostrarles en su estado puro. They are given a relationship of mutual interest, fed by
the desire to know and discover. They are asked to reveal themselves, to give a cross
section of that moment in their lives being portrayed in order to show them in their
purest state. Eva Fernández, Mario de la Torre
Intento acercarme al máximo a las personas que trabajan en el proyecto. La amistad
trae la tranquilidad y crea el buen rollo para una buena realización. I try to get
as close as possible to the people working on the project. Friendship brings with
it assurance, and it creates good feelings for good filmmaking. Tarcísio Augusto
Ferreira Gonçalves
Lo que me fascina en un documental es conocer a gente ordinaria que vivió una
historia fuera de lo común. Y cuando la historia pone en duda nuestras certezas, rompe
prejuicios y estereotipos y nos permite mirar las cosas de forma distinta, entonces
hacer una película para mí se convierte en una necesidad. Y necesito compartir la
felicidad de este encuentro y esta historia con tanta gente como sea posible… What
fascinates me in the documentary is to meet ordinary people who lived a story out of
the ordinary. And when the story calls into question our certainties, break prejudices
or stereotypes, and enables us to look at things differently, then make a movie for me
becomes a necessity. And I need to share the happiness of this meeting and this story
with as many people as possible... Turi Finocchiaro
La relación entre el realizador y los personajes debe empezar por el entendimiento.
Ambas partes deben ser cómplices en la búsqueda de una película genuina. Se les pide
que compartan, que sientan empatía con la cámara. Se les da imaginación, cuadros en
los que puedan desenvolverse con libertad. The relationship between the director and
the characters must start out with understanding. Both must be accomplices seeking a
genuine film. They are asked to share, to feel empathy with the camera. They are given
imagination, shots in which they might open themselves up freely. Pablo Fulgueira
Se les pide que cuenten su historia, su peculiaridad, la cuestión que los hace
especiales y por la cual queremos mostrarlos en los filmes. Pero no solo esto: también
se quiere mostrar su humanidad. No nos basta con mostrarlos distintos; también hay
que mostrarlos iguales, a nosotros, a todos, de forma que la proximidad se vuelva
palpable. A cambio se les otorga un espacio propio en el que dejan de estar escondidos
para ser el centro de la historia. They are asked to tell their story, about what makes
them unique, special and that which we want to show in the film. But that is not all: we
also want them to show their humanity. It is not enough to show they are different, they
413
must also be seen as equal to us, to everyone, in such a way that the proximity becomes
palpable. In exchange, they are provided a place of their own, where they can come out
of hiding and be the center of the story. Emilia Funes
Se establece de forma directa. No tanto como para dejarse desbordar por la realidad,
ni tan poco como para perder la sensibilidad que de ella se desprende. Los personajes
son materia prima y sustancia, se les exige la prueba que revele el segmento de
realidad que se quiere mostrar y se les permite convertir la pieza en un espacio estético
de exhibición. It is established directly. Not so much as to get overwhelmed by reality,
nor so little as to lose sensitivity, that one gets detached from it. The characters are
the raw material and substance, they are asked for evidence revealing the bit of reality
that one wants to show, and it allows them to turn the piece into an aesthetic exhibition
space. Gustavo Galeano
414
Antes del rodaje, lo primero es localizar a las personas –no olvidemos que, en cine
documental, lo que vemos son personas, no personajes– más adecuadas para construir
la historia, y esto no siempre es posible. Es fácil encontrar timidez o vergüenza...
Inicialmente siempre hay resistencia a participar en el proyecto, sobre todo si se trata
de temas comprometidos. También, a menudo, se crean falsas expectativas y gente que
considerabas imprescindible resultan incapaces de actuar o de responder con solvencia
en la entrevista. Por el contrario también te llevas gratas sorpresas cuando encuentras
a alguien dispuesto a hablar y ves, maravillado, la soltura y la naturalidad de alguien
que nunca ha sido grabado antes por una cámara. Durante el rodaje, creo que es muy
importante crear una atmósfera de confianza. Esto a veces puede llevar tiempo, sobre todo
si existen barreras culturales o idiomáticas grandes. Sobre todo, se les pide sinceridad,
y si aportan sentimientos y emociones, mucho mejor, porque entonces sus acciones o
sus testimonios cobran una fuerza especial. Las relaciones empiezan siempre siendo algo
frías, profesionales, pero suelen acabar estableciéndose lazos muy parecidos a la amistad...
Desgraciadamente, en cuanto a lo material se les da poco o nada. Pero sí creo que es
importante que las personas tengan la oportunidad de hablar, de expresar su opinión, sus
ideas o sus emociones, de compartir sus problemas con la aldea global y tal vez, por qué
no, de conseguir una solución a los mismos. A veces pasa. Before filming, the first thing
to do is locate the most suitable people (let’s not forget that in documentary film, what
we see are people, not characters) for building the story, and this isn’t always possible. It
is easy to find shyness or shame... There is always initial resistance to participate in the
project, especially if it deals with politically engaging issues. False expectations are also
often raised, and people you thought were invaluable end up being unable to act or answer
reliably in the interview. On the other hand, there are also pleasant surprises when you
find someone willing to talk and you see, to your wonderment, the fluidity and naturalness
of someone who has never been on camera before. During the filming, I think it is very
important to create an atmosphere of trust. This can sometimes take time, especially if
there are significant cultural or language barriers. Most of all, they are asked to be sincere,
and if they provide feelings and emotions, all the better, because then their actions and
their accounts take on special powerfulness. The relationships always start out rather
cold, professional, but they usually end up becoming bonds very similar to friendship...
Unfortunately, they are given little or nothing in terms of material goods. But I think it is
important for the people to have the chance to speak, to express their opinion, their ideas
or emotions, to share their problems with the global village, or perhaps, why not, to find a
solution to them. It sometimes happens. José Cristóbal Gallego
Mis documentales son, principalmente y hasta hoy, observacionales. En caso de no
conocer previamente a mis personajes, los conozco directamente en el rodaje. No me
gusta investigar ni entrevistar a mis personajes antes del rodaje. Cuando algo o alguien
me interesa, lo grabo directamente. Sin preguntas, sin apenas intervención. Pasado
el rodaje, mi relación con ellos suele ser la habitual que con cualquier otro con el
que haya compartido trabajo: amistad en algunos casos, distanciamiento inevitable
en otros. My documentaries have mainly been observations so far. In the event I do
not know my characters beforehand, I get to know them directly during the shooting. I
do not like to research or interview my characters before the shoot. When something
or someone interests me, I record it directly. Without questions, with hardly any
intervention. After shooting, my relationship with them is usually the kind of any other
person with whom one has worked: friendship in some cases, the inevitable growing
apart in others. Víctor García
La relación con los personajes siempre debe ser de convivencia. Lo ideal es compartir
y pasar tiempo con ellos, volverse uno más en su vida diaria; esto solo se puede lograr
acompañandolos el máximo tiempo que la producción te pueda dar. Asimismo, uno
nunca rompe relación con ellos; se genera cierta empatía y la comunicación se prolonga
más allá del tiempo de rodaje. The relationship with the characters must always be one
of co-existance. Ideally, it is to share and spend time with them, to become one more
person in their daily life. This can only happen by accompanying the characters as long
as the production will allow you to. Likewise, the relationship with them must never
be broken. A kind of empathy is generated and communication continues beyond the
filming. Sergio García Locatelli
No deja de sorprenderme la generosidad con la que las personas que aparecen en
un documental te abren las puertas de su casa y de su corazón, te permiten entrar
en sus vidas y comparten contigo sus sentimientos más íntimos, las imágenes de
toda una vida. Las personas que aparecen en un documental siempre dan más de
lo que reciben. Y después, van y te dan las gracias. ¿A mí? ¡No! Gracias a vosotros
por mantener la dignidad, por seguir sempre endavant (‘siempre hacia adelante’).
I am always surprised by the generosity people in documentaries show in opening
the doors to their homes and hearts. They let you into their lives and share their most
intimate feelings with you, the images of an entire life. The people appearing in a
documentary always give more than they receive. And afterwards, they go and thank
you. Thank me? No! Thank you all for maintaining your dignity, for always forging
ahead. Silvia García Ponzoda
Mis protagonistas y yo compartimos confianza. Trabajamos juntos hasta encontrar los
límites, a veces difusos, entre trabajo y vida privada. Hablamos mucho sobre nuestros
sueños, sobre lo que queremos en la vida. Terminar un rodaje siempre es doloroso,
pero, afortunadamente, regresamos con una película. My protagonists and I share
trust. Together we work until we reach our limits and lines between work and private
often blur. We talk a lot about our dreams, what we want in life. Ending a shoot is always
painful but luckily we return with a film. Uli Gaulke
Lo que se les pide es presencia, confianza y despreocupación. Lo que reciben a cambio
es verdad. What is asked is presence, confidence and abandon. What is given is truth.
Arnaud Gerber
415
Al principio es que algunas personas tienen algo que decir y apuestas por ellas;
conforme pasan los días se establece una relación de confianza que les lleva a
involucrarse más en el proyecto, y en algunas ocasiones se convierten en personajes.
Cuando se acaba el proyecto te das cuenta de que algunos de estos personajes se han
convertido en amigos. At first you see that some people have something to say and
you count on them. As the days go by, a relationship of trust is established, which gets
them more involved in the project; some of these people become characters. When
the project is finished, you realize that some of those characters have become friends.
Manu Gerosa, Salva Muñoz
No sé responder a esta pregunta de forma genérica. Me gusta rodar documentales
porque precisamente esa relación es diferente en cada película y no sé cuál va a ser
hasta que comienza el trabajo. I do not know how to answer that question in a generic
way. I like to film documentaries precisely because that relationship is different for
each film, and I don’t know what that is going to be like until I start working. Gustavo
Gil Pérez
Se desvelan progresivamente. No se les pide más de lo que son y se les da una fotografía
subjetivada de ellos mismos. They come about progressively. I do not ask of them
more than they are and I give them a subjectivated photography of themselves. Mariano
Goldgrob
416
La relación con los personajes en un documental siempre conlleva una preparación muy
particular. Uno debe improvisar ante situaciones inesperadas de una manera crítica
y sin caer en la explotación gratuita de la situación o las circunstancias del personaje.
Especialmente cuando el tema es sensible, como agresiones y/o asesinatos, siempre existe
el miedo a que los personajes no hablen o sean temerosos ante las cámaras. Por esto es
importante crear una atmósfera de confianza entre documentalista y personaje. Una vez
establecida esta relación, los personajes están dispuestos a asumir el riesgo y quieren
que sus palabras se escuchen más allá de su entorno. Les pedimos durante el rodaje
que nos cuenten libremente sus experiencias, que no miren directamente a la cámara
para capturar sus experiencias de la manera más fiel posible. Después del rodaje nos
quedamos un tiempo conversando de modo más informal para percibir líneas temáticas
no reflejadas en las cámaras. Intentamos plasmar esa temática en la postproducción.
The relationship with the characters in a documentary always brings with it a unique
preparation. One must improvise in unexpected situations in a critical way, and without
falling into a gratuitous exploitation of the situation or of the character’s circumstances.
Especially when it is a sensitive issue, such as assaults and/or murders, there is always
the fear that the characters will not speak or freeze up on camera. For that reason, it is
important to create an atmosphere of trust between the documentary maker and character.
Once that relationship is established, the characters are willing to take on the risk and they
want their words to be heard beyond their surroundings. We ask them during the filming
to speak freely about their experiences, not to look straight into the camera to capture
their experiences as faithfully as possible. After filming we stay there for a while to chat
informally in order to make out any issues matters not coming through on camera. We try
to represent these issues matter in post-production. Guillermo Gómez Álvarez
Se les habla del interés que suscita lo que están haciendo y de la importancia de dejar
una constancia grabada de ello. Es muy importante que den permiso para ser grabados
y que si resulta molesto lo manifiesten. Se convive con ellos, no se está solo el tiempo
de la grabación; si la actividad que realizan es de varias horas, la presencia debe ser
durante todo el tiempo, e incluso una vez finalizada hay una convivencia social. Siempre
se les muestra las primeras grabaciones para que vean que lo grabado se corresponde
con lo acontecido. Si ese material es de su interés se les cede una copia. Se les enseña
el montaje definitivo para que den el visto bueno y corregir cualquier discrepancia, si la
hubiera. A cada participante se le entrega una copia del trabajo final. We talk about the
motives for what they are doing and the importance of getting a record on film of what
they are doing. It is important to get permission to record them, and if it bothers them,
for them to show it. To live alongside them, not only during the filming. If what they are
doing lasts several hours, to be present the whole time, even after finishing there is social
co-habitation. The first recordings are always shown to them so they see whether what
is recorded corresponds with what happened. If this footage is of interest to them, they
are given a copy. The final editing is shown to them so they can give the go-ahead, and
should there be any discrepancy, it is corrected. A copy of the final film is delivered to
each participant. Víctor González-Rubio
Intento recurrir a los recuerdos de mi propia vida para obtener el material de mis
películas. Básicamente, soy como mis personajes, no desde fuera, no desde arriba, no
diferente: soy uno de ellos. Esta actitud me permite acercarme más, para escuchar y
comprender mejor. I try to use memories from my own life to get the material for my
films. Basically, I am like my characters, not from the outside, not from up above, not
different: I am one of them. This attitude allows me to get closer to my characters, to
listen better and understand better. Joseph Gordillo
La relación con los personajes de cualquier película documental está siempre
supeditada al respeto, ya que a ellos se debe, en la mayoría de los casos, la
viabilidad y la razón de ser del propio trabajo audiovisual. Además, la realización del
documental se supone un viaje al conocimiento, la oportunidad de trascender desde
las vidas, pensamientos y acciones de estos seres humanos que exponen, desnudan,
con todo el riesgo que esto supone, su lado más íntimo por la confianza generada
como consecuencia de la creación del documental y por los autores del mismo. Y un
apunte más, no menos importante: el camino recorrido por ambas partes, autores y
personajes del documental, adquiere un carácter de camino sin retorno; porque es
realmente el proceso, la producción, la que debería alimentar el interés en igual o
mayor medida que la propia culminación del proyecto. Si además el fin, el producto,
es tan enriquecedor como el camino recorrido, sin duda estaremos ante un gran
documental. The relationship with the characters in any documentary is always subject
to respect, since it is to them that in most cases the film’s viability and reason for being
is owed. In addition, the making of a documentary involves a journey into learning, the
opportunity to show, through the lives, thoughts and actions of these human beings
revealing and exposing themselves and all the risk that entails, their most intimate
side with confidence in the reason the documentary is made and that of the directors
themselves. And one more point, no less important, is the path taken by both parties,
the directors and characters of the documentary, of undertaking a journey of no return;
because it is really a process, the production, which must hold the interest as much
as or more than the culmination of the project. If in the end the project is as enriching
as the journey traveled, we will undoubtedly have before us a great documentary.
Alberto José Gorritiberea Etxabe
417
Lo más importante es el respeto y la sinceridad, que hacen las cosas más fáciles y
producen satisfacción. The main thing is respect and sincerity that makes things easier
and gives a satisfaction. Marcin Grabowicz
En la relación con los personajes durante todo el proceso de realización de un film hay
siempre una gran tensión, entre nuestro deseo y el de ellos, que estimula la creación.
Lo que se les pide es que nos toleren; lo que se les da es respeto. In the relationship
with the characters during the entire process of making a film, there is always tension,
between our desire and theirs, which stimulates creation. What is asked of them is to
put up with us, what is given is respect. Carmen Guarini
Me acerco a los personajes primero como civil, luego como realizador. En todo momento
mi papel es el de acompañante y nunca el de analizador o cuestionador. Busco que la
cámara se mimetice con ellos, que respire, camine o se detenga cuando ellos lo hacen.
I approach the characters first as a civilian, then as a filmmaker. At all times, my role is
to accompany and never to analyze or question. I try to get the camera to blend in with
them, to breathe, to walk or to stop when they do. Pepe Guevara
La difícil relación entre el que quiere mirar y el que se deja ser mirado. Una relación
desigual donde hace falta mucho tacto para conseguir que el personaje se sienta
cómodo, querido y respetado. The difficult relationship between the observer and
the observed. An unequal relationship requiring a great deal of tact in order for the
character to feel comfortable, wanted and respected. David Gutiérrez Camps
418
Que me hablen a mí y se olviden de la cámara. De hecho nunca en mis películas hay
alguien detrás de la cámara. Coloco la cámara, enfoco y encuadro, y ni siquiera miro el
encuadre durante la conversación. El entrevistado siente que lo que me interesa es la
persona y lo que tiene que contarme, y no la imagen como tal. They must speak to me
and forget about the camera. In fact, there is never anyone behind the camera in my
films. I position the camera, focus and frame the shot, and I do not even look at the shot
during the conversation. The interviewee feels that what interests me is the person
and what I am being told, and not the image as such. Juan Miguel Gutiérrez Márquez
Siempre es una situación extraña. Ser filmado por lo que eres o lo que tienes que decir
significa que has de mostrarte y ser tú mismo, lo cual es paradójico. Todavía no sé por
qué la gente acepta ser grabada en un documental, lo que obtienen a cambio de… su
pura existencia. It is always a strange situation. Being filmed for what you are or what
you have to say, means that you have to show and to be yourself – which is paradoxical.
I still don’t know why people accept being filmed in documentary films, what they have
in return of... their pure being. Charles Habib-Drouot
Siempre tomarlos en serio, tratarlos con respeto y, tal vez lo más esencial, tener un
interés honesto en conocer a las personas que se esconden tras de los personajes.
I always take them seriously, treat them with respect and, perhaps most crucially, to have
honest interest in getting to know the people behind the characters. Philipp Hartmann
Una película documental, y especialmente un documental experimental, es una
experiencia en sí misma vivida por su realizador y los personajes con quienes este
interactúa y a los que observa y estudia. Antes de rodar la película, el personaje es
un objeto totalmente dependiente de la visión y las expectativas del propio autor; es
visto como la prueba viviente de la historia que quiere narrar el director. Durante el
rodaje, el personaje se convierte de algún modo en el director y conduce la historia
a su propio terreno. En este punto se produce un tira y afloja entre las dos visiones,
una interacción, un diálogo. Aquí se empieza a construir una relación. Después del
rodaje, el papel del director consiste, precisamente, en diferenciar qué elementos
tomados de ambos puntos de vista (el suyo propio y el del personaje) son valiosos
para la película, y cuáles lo son para su comprensión (entendimiento) del personaje y
su propia experiencia pero no para el documental, a pesar de que la tentación pueda
ser fuerte. A documentary film, and moreover an experimental documentary, is an
experience by itself, lived by the filmmaker and the characters with whom he/she
is interacting/observing/studying. Before the film, the character is an object, totally
dependent of the filmmaker’s vision and expectations, he is seen as a living proof of
the director’s “story to tell”. During the filming, the character himself becomes the
director somehow, leading the “story” into his own meanders. Here takes place a push
and pull between two visions, an interaction, a dialogue. Here a relationship is being
built. After the filming, the director’s role becomes to know precisely which elements
are valuable for the film from both his and the character’s side, and which are valuable
for his understanding of his character and his own experience, but not for use in the
film, even if the temptation can be strong. Kinda Hassan
La relación con un protagonista en una película documental es como una relación
amorosa. Durante su realización, él o ella ocupan casi todos tus pensamientos.
Si la terminas tienes que dejar cosas atrás, pero podéis seguir siendo amigos. The
relationship with a protagonist in a documentary film is like a love relationship. During
it he or she occupies nearly all your thoughts. If you finish it you have to leave things
behind. But you can still stay friends. Christoph Heller
Debes amar a tus personajes y crear una relación muy rápida y profunda con ellos. La
relación debe ser honesta, las preguntas deben ser honestas. You have to love your
characters and to make a very quick and deep relationship to them.The relationship
must be honest, the questions must be honest. Anna Hepp
La relación que existe con los personajes en un documental es de una amistad con una
duración determinada. Un trato entre dos. Un pacto en que uno tiene permiso para
entrar con una cámara en la vida del otro, y el otro abre sus puertas para mostrar su
vida y su espacio, con el fin de que la película se lleve a cabo. The relationship with the
characters in a documentary film is one of friendship that will last a determined length
of time. A treaty between two people. A pact in which one has permission to enter in
the life of another with a camera, and the other opens their doors to show their life and
space for the purpose of making a film. Simón Hernández Estrada
Para penetrar en la intimidad de los personajes que participan en una película
documental debe existir el respeto mutuo. Esto se crea a través de una relación de
confianza y de amistad entre los personajes y el equipo del rodaje. La cámara se
convierte así en uno de ellos. To get on close terms with the characters participating
in a documentary film, there must be mutual respect. This is achieved through a
relationship of trust and friendship between the characters and the film crew. In this
way, the camera becomes one of them. Elena Hill
419
Uno parte tratando de acercarse a la gente, intentando crear estos momentos íntimos
únicos que servirán para la realización de tu trabajo, pero finalmente esta gente, que
en un comienzo fue desconocida, termina convirtiéndose en tus amigos y logrando tal
nivel de confianza que, gracias a ello, es posible lograr y crear documentales íntimos
y verdaderos. One starts out by trying to get close to people, trying to create unique,
intimate moments that will be used to make the film, but in the end those people, who
at were strangers at first, end up becoming friends and reach such levels of trust that,
because of that, it is possible to create intimate and truthful documentaries. Tania
Honorato Crespo
Le pides al protagonista que se exponga absolutamente y que asuma la responsabilidad
de abrirse de una forma sincera y verdadera. You ask the protagonist to expose himself
absolutely and have the responsibility to deal with his openess in a sincere and truthful
way. Wilm Huygen
En lo personal creo que es como en toda relación: hay momentos de timidez, momentos
de confianza, momentos de alegría, de rabia y más. En lo personal siempre trato
de llevar bien los roles y abrirme lo más posible a ellos, lo cual me ha dado mucho
resultado hasta ahora. On a personal level, I think it is like any relationship – there
are moments of shyness, moments of trust, moments of joy, of rage and more. On a
personal level, I always try to play the roles properly and open myself up to them as
much as possible, which has given me good results so far. David Induni
420
Al principio paso mucho tiempo buscando personajes que me fascinen y me intriguen.
Construyo con ellos confianza y, generalmente, tengo una relación bastante cercana
que va más allá del final del rodaje. Es importante para mí que mis personajes
se reconozcan en la película terminada, aunque este reconocimiento pueda ser
complicado e incómodo, e incluso sincero. Les pido que me permitan entrar en su vida,
y de esto naturalmente, creamos una relación íntima. Cada personaje recibe a cambio
algo distinto. Prefiero no hablar por ellos: mejor preguntarles a ellos al respecto. In
the beginning I spend a lot of time searching for characters who fascinate and intrigue
me. I build up trust with them and we generally have a fairly close relationship that
lasts beyond the end of the shooting. It is important to me that the characters I film
recognise themselves in the finished piece although this recognition can be complicated
and uneasy as well as truthful. I ask that they allow me into their lives and from this
we naturally form an intimate relationship. Each character gets something different in
return – I don’t want to speak for them – better to ask them that question. Marc Isaacs
sino encontrar un equilibrio. My questions are difficult. The answers are simple. Sitting
behind the camera is easy. Standing in front of it is hard. Doing a documentary film is
finding a balance. Knut Karger
En una película documental, un realizador pide, y espera, honestidad por parte de los
personajes. Mientras ellos sean honestos y el realizador les escuche sinceramente, la
película puede moverse hacia delante…Tras su finalización, el realizador espera que
los personajes se sientan respetados y que vean algo de verdad en las imágenes en las
que se ven reflejados… A filmmaker asks, and hopes for, honesty from the characters
in a documentary film. As long as they are honest and the filmmaker sincerely listens to
them, the film can move forward... and after completion, the filmmaker hopes that the
characters feel respected and see some truth in the images they see of themselves...
Jared Katsiane
Lo más importante es mostrar el trabajo finalizado a las personas que participaron en
él. Cuando el filme toma la vida de otros es responsabilidad del director mostrar a la
gente su participación en el mismo. The most important thing is to show the final film
to the people who worked on it. When the film deals with the lives of others, it is the
director’s responsibility to show people their participation in it. Daniel Kötter, Alina
Rojas
Creo que ellos me entienden y, por ello, hablan desde el corazón. Y yo puedo ver sus
sentimientos. I think they understand me and so they talk about something from their
heart. And I can see their feelings. Sercan Kule
La relación que se establece es como una historia de amor. Llegas a conocer a un
extraño. A estar más cerca de él. Se trata de conocerse mejor el uno al otro para luego
volver a darse espacio y mantener la distancia sin perder el respeto. The relationship
is like a love story. You get to know a stranger. Get closer. Get to know each other
better and then have to give space and distance again without loosing respect. Thomas
Kutschker
Cualquier valor que pueda tener nuestra película se debe a la implicación del equipo
en lo que hace. Las relaciones son un 90% de la realización de una película. Pedimos
la confianza de la gente para que nos permitan captar sus vidas secretas. Jugamos a
ser Dios y rezamos para que nadie salga dañado. A cambio ellos consiguen un DVD
y sinceros agradecimientos. Any value that our film may have, it owes it to the proximity
of the crew to its subjects. The making of such a film is 90% the making of relationships.
We ask for people’s trust to let us capture their secret lives. We play God and pray that
noone gets hurt. In return they get a dvd and sincere thanks. Apostolos Karakasis
Es una relación de un gran respeto y de una gran responsabilidad, pues estas personas
depositan su vida en tus manos, han creído en ti y gracias a ellos tendrás una película.
Te vas convirtiendo en su confidente y te vas dando cuenta de que, aunque tengan
amigos, familia o pareja, tienen una gran necesidad de ser escuchados, seguramente
porque poca gente presta suficiente atención y a veces es más fácil hablar con un
extraño. Ellos se convierten en tu vida y tratas de mimarlos y escucharlos sin juzgarlos.
No les pides nada porque es un intercambio de necesidades. It is a relationship of great
respect and great responsibility, since these people put their lives in your hands, they
believe in you and thanks to them, you will have a film. You become their confidante and
you begin to realize that even though they have friends and families and partners, they
have a great need to be heard, probably because few people pay enough attention to
them and sometimes it is easier to speak to a stranger. They become your life and you
try to pamper them and listen to them without judging them. You ask nothing of them
because it is an exchange of needs. Belén Lemaitre
Mis preguntas son complicadas. Las respuestas son simples. Estar sentado detrás de
la cámara es fácil. Estar delante de ella es duro. Hacer una película documental no es
Cuando estoy trabajando en un documental experimento un intercambio con mis
personajes, diálogo entre seres humanos. Antes del rodaje, trato de trabajar sin
421
la cámara, solo yo y mi equipo. Comiendo o bebiendo o caminando juntos. Dando
y recibiendo de igual modo. Entonces, durante el rodaje, hay confianza entre los
personajes y yo. Ellos confían en mí y, por lo tanto, en mi equipo, puesto que saben que
no voy a mentirles. Pido mucho de ellos. Ellos me dan mucho. No creo que robe nada
de la gente a la que filmo. Nadie da nada a cambio de nada, por lo que yo recibiré en la
medida en que haya dado, y nadie se siente engañado cuando la película ha terminado.
When I’m working on a documentary I experience exchange with my characters,
dialogue between humans. Before the shooting I try to work with no camera, just me
and my crew. Eating or drinking or walking together. Giving and receiving equally. Then
during the shooting there is trust between the characters and me. They trust me so
they trust my crew because they know I’m not lying to them. I ask a lot from them. They
give me a lot. I don’t think I steal anything from the people I film. I think no one gives
anything for free so I can receive as much as I give and no one feels cheated when the
film is finished. Emmanuel Levy
Solo mediante el diálogo sincero con un personaje es posible entender realidades que
nos rebasan y son inquietantes por ello. En este diálogo se reciben cosas potentes, pero
muy distintas de las buscadas, y entonces sucede un compromiso con el personaje que
abre su universo a cambio de ser incluido. It is only through sincere dialogue with a
character that one can understand the realities passing by us, and they are unsettling
because of that. In that dialogue, powerful things are received, but they are different
from the ones sought after and so there is a commitment made with characters, who
open up their worlds in exchange for being included. Eduardo Lizalde Farías
422
La relación es horizontal, pero no solo con los personajes, sino con todo el equipo;
quizás por ello me alejé de la ficción y me quedé con el documental. A los personajes
no les pido nada, solo me siento con ellos y poco a poco las cosas van surgiendo. Es
un disfrute cuando eso se da. The relationship is a horizontal one, but not only with
the characters, also with the crew, which is perhaps why I left fiction film and stuck
with documentaries. I ask nothing of the characters. I just sit down with them and little
by little things start coming out. It is enjoyable when that happens. Isabel Madueño
Medina
que los personajes se muestren de verdad. Before and during the filming, I take the
time necessary in order to explain what is happening inside my characters by using the
camera as a means for expression. They are asked to share their vision of the situation
I propose, and I give them enough trustworthiness for this to happen naturally. Through
my camera, I try to get the characters to show their real selves. Rubén Martín Gallego
No se les pide absolutamente nada. He intentado acomodarme como directora a lo
que había sin querer influir en lo más mínimo ni para ajustar mi cámara. I do not ask
anything at all of them. As a director I have tried to adapt to what was there without
wanting to influence in the least nor adjusting my camera. Gabriela Malena Martínez
Cabrera
Lo primero que intento desarrollar es un espacio de confianza con los personajes, en
el que no haya cámaras grabando y podamos compartir momentos y espacios íntimos
que me sirvan para conocer al personaje más profundamente. Durante y después del
rodaje valoro mucho tener esos espacios de discusión para conocimiento mutuo, ya
que facilita mucho la grabación. The first thing I try to do is develop trust with the
characters, in which there are no cameras rolling and we can share intimate moments
and places, which help in getting to know the character more deeply. During and after
filming, I very much value having those places of discussion for mutual knowledge,
since it makes filming much easier. Biel Martínez Lorca
Varía mucho en lo que respecta al modo de ver el documental y lo que se quiere dar a
conocer al espectador. Lo que se les pide es que sean ellos mismos; a veces incluso se
evita decirles nada. Se trata de limitarse a estar allí y esperar a que las cosas ocurran:
es ahí donde empieza el documental. Lo que se les da es la facilidad de ser ellos
mismos. It varies a lot as far as the way of seeing the documentary and what one wants
to show the audience. They are asked to be themselves, sometimes not even that, just
be there and wait for things to happen; that is where the documentary begins. What
they are given is the means to easily be themselves. Álvaro Matamala Riquelme
En la preproducción de una película documental la relación con los personajes suele
ser distante en un principio. Quieres tener objetividad suficiente y, por ello, tratas
de evitar involucrarte emocionalmente. Durante el rodaje comienzas a descubrirlos
y profundizas en sus vidas. Finalmente, tras el proceso de edición, terminan
convirtiéndose en parte de tu familia. Algo así como ese primo lejano al que casi
nunca ves pero recuerdas con cariño. In pre-production of a documentary film, the
relationship with the characters is usually distant at first. You want to have enough
objectivity, and so you do not want to get emotionally involved. During filming, you start
learning more about them and their lives. Finally, in the editing process, they end up
becoming part of your family. Something like that distant cousin you almost never saw
but you remember fondly. Raúl Mancilla
Antes de rodar, las personas que protagonizan un documental son la encarnación de
una idea, idea que es la premisa de la película. Durante la producción, el director/a
llega a conocer a esas personas mucho mejor y a identificarse con ellas, incluso si
no está de acuerdo con ellas durante la mayoría del tiempo. Esto cambia la película y
la hace más equilibrada. Los protagonistas del film se vuelven más conscientes de sí
mismos, del impacto de sus vidas, como resultado de su aparición en la película. Esta
nueva conciencia puede tener un efecto positivo o negativo. Before filming the people
who star in a documentary are embodiments of an idea, the idea that is the premise
of the film. During film production the director gets to know these people much better
and to identify with them, even if he or she disagrees with them most of the time. This
changes the film and makes it more balanced. The stars of the film become more
aware of themselves, the impact of their lives, as the result of appearing in a film. This
new awareness can have a positive or a negative effect. Alison McMahan
Antes y durante el rodaje me tomo el tiempo necesario para explicar lo que sucede en
el interior de mis personajes, utilizando la cámara como medio de expresión. Les pido
que compartan conmigo su visión de la realidad que propongo, y les doy la confianza
suficiente para que esto se produzca de forma natural. Intento a través de mi cámara
Antes, existe la incógnita, no se sabe si lo que existe en nuestra imaginación
corresponde a la realidad o no. Al rodar, la relación pasa a ser íntima; es primordial
que la gente se sienta cómoda enfrente de la cámara. Se les pide que sean ellos. Pero
hay que guardar algo de distancia; la objetividad reina. Después la relación solo existe
423
424
de un lado. Horas y horas al lado de nuestros personajes en un cuarto oscuro. Pero
ellos no lo saben. Nunca sabrán cuántas horas pasamos mirándolos, pensando en
ellos. Before filming, it is unknown. One does not know if what is in our imagination
corresponds to reality or not. When filming, the relationship becomes more intimate. It
is essential for people on camera to feel comfortable. They are asked to be themselves.
But a certain distance must be kept; objectivity reigns. Afterwards, the relationship is
one-sided. Hours and hours alongside our characters in a dark room. But they do not
know that. They will never know how many hours we spend watching them, thinking
about them. Oliver Merchant
from the persons I film and I assume that they expect sincerity from me, before, during
and after the film is finished. Reine Mitri
Una vez que los personajes entran en tu película dejan de ser ellos mismos para
convertirse precisamente en eso: personajes. En la medida en que evitemos este
proceso, el documental será más o menos fiel a la realidad. La pregunta es: ¿Hay que
ser fiel?... Once the characters enter your film, they cease to be themselves and become
exactly that: characters. The extent to wich we avoid this process will determine how
faithful to reality the documentary will be. The question is: Must one be faithful? Juan
Carlos Merino Gil
Es una relación de complicidad, de intimidad, de profundo respeto por su burbuja
personal, de amistad. Se les pide autenticidad y se les ofrece honestidad. It is a
relationship of complicity, of intimacy, of profound respect for one’s personal space,
of friendship. They are asked to be genuine and they are offered honesty. Ana Cristina
Monroy Barreneche
La relación entre el realizador y un personaje durante todo el proceso de realización
de la película debería ser de mucha confianza. Es importante para el personaje saber
que puede confiar en el director y en su forma de tratar la historia. También es muy
importante tener en todo momento la mente abierta. Esto permite aprender nuevas
perspectivas de vida que nunca olvidarás. The relationship between the filmmaker and
a character during the whole process of making a film should be very confidential. It
is important for the character to know that he can trust the filmmaker and the way he
handles his story. It’s also important to be open minded everytime so you always learn
new perspectives of life from each other you will never forget. Sebastian Mez
Les asigno un salario cuando les quito tiempo o cuando tienen pocos recursos. I provide
them a salary when I take their time or when they have few resources. Anne-Lise Michoud
Para mí es imperativo encontrar personajes a los que admire. No me interesa perder
el tiempo criticando la estupidez. Observar está relacionado con amar. Lo que pido a
mis personajes es accesibilidad y honestidad. Aquello que reciben a cambio es una
película que, espero, refleje las mejores cualidades de su carácter. En un sentido más
amplio, deseo mostrar a la audiencia esperanza y lealtad. To me it is imperative to
find characters I admire. I don’t want to waste time on critizising stupidity. Observing
is related to love. What I ask from my characters is access and honesty. What I give
in return is a film in which I hope to mirror the finest qualities of their character. In
a broader sense I wish to present the audience to hope and royalty. Lotte Mik-Meyer
Intento generar confianza mutua, que sean como son, que intenten obviar mi presencia
y la del equipo, y que puedan luego utilizar mi trabajo para difundir el de ellos. I try to
generate mutual trust, for them to be as they are, to try to forget about my presence
and the crew, so they might later use my work to spread news of theirs. Pablo Milstein
Sinceridad es la primera cosa que busco. Espero sinceridad por parte de las personas a
las que filmo, y entiendo (supongo) que ellos esperan sinceridad de mí, antes, durante
y después de terminar la película. Sincerity is the first thing I look for; I expect sincerity
Se les pide –o se gana a través de la confianza– una mirada cercana a sus vidas. Se les
da la seguridad de usarla adecuadamente, para aumentar el horizonte de los demás.
Es un gran regalo, ¡en el mejor de los casos, mutuo!. I ask them for, or I earn through
building trust, a close up look at their lives. They are given assurance that it will be used
appropriately, to broaden the horizon of others. It is a great gift, in the best of cases, for
both sides! Janina Möbius
Existen tantas formas de relación entre la realización de una película y sus personajes
como películas existen. There are as many kinds of relationships between the making
of a film and its characters as there are films in existence. Alejandro Montiel
Mi experiencia en el campo documental va enfocada hacia el retrato de artistas en
su mundo. Lo primero que me interesa es su obra. Luego voy buscando los lazos
que unen su trayectoria vital con su obra. Aparecen sus miedos, sus obsesiones,
sus gustos literarios, sus manías. Cuando he recopilado toda esta información
me acerco sin tapujos al autor e intento retratarlo íntimamente, que la cámara
desaparezca por completo. Cuando acaba el rodaje y el montaje, mi relación se
ha convertido en muy íntima y en algunos casos me da pudor saber tanto de una
persona desconocida en un principio. Para hacer el retrato de un autor debo
inmiscuirme por completo en su interior. My experience in the field of documentary
film has focused on portraying artists in their worlds. My primary interest is their
work. Then I go about looking for ties linking their life stories with their work. Their
fears, obsessions, taste in literature, manias all come out. When I have compiled all
this information, I openly and honestly approach the artist and try to get an intimate
portrait of them, making the camera disappear completely. By the time the film
shoot and editing is completed, my relationship has become very intimate, and in
some cases, I feel embarrassed at how much I know about a person I supposedly
do not know. To do a portrait of an artist, I must meddle deep inside them. Miguel
G. Morales
Se les pide tranquilidad, que dejen su vida fluir como si no estuviera la cámara. Se les
da una perspectiva y tiempo para ser escuchados. They are asked to remain calm, to
let their lives flow as though the camera were not there. They are given a perspective
and time to be heard. Eduardo Moratalla de Juan
Se les pide paciencia para tolerar la cámara. Se les pide honestidad, se les pide
sinceridad. Se les da una lente y un micrófono abierto para que se expresen y proyecten.
They are asked to be patient, in order to put up with the camera. They are asked to be
honest and sincere. They are given a camera lens and open microphone to be heard and
seen. Carlos Morelli Laborde
425
La relación tiene que ser lo mas respetuosa, íntima y cercana posible. Ponerse al servicio
de ellos para que puedan sentir la comodidad de mostrar lo que hacen y la confianza
para responder a nuestras demandas. The relationship has to be as respectful, intimate
and close as possible. You put yourself at their service so they feel comfortable in showing
what they do, and trust in order to fulfill our requests. Ariadna Moreno
Fotografiamos la vida. The relationship should be close, human, almost personal. We
should make a portrait faithful to the characters, without pushing our vision of them
off to one side. The characters sustain our discourse and we sustain theirs in using
our audiovisual resources. We are a team (we should be). We are working for the same
thing. We photograph life. Oseami Palazuelos Abalo
La relación con los personajes de un documental es una relación personal, respetuosa y
honesta. Se les pide que sean ellos mismos. Tú puedes ayudarles de muchas maneras,
pero lo más importante es ser fieles para que, cuando se vean en el documental, se
reconozcan tal y como son. The relationship with the characters in a documentary is a
personal, respectful and honest relationship. They are asked to be themselves. You can
help them in many ways, but the most important thing is to be true, so that when they see
the documentary, they recognize themselves as they are. Juan Antonio Moreno Amador
Se les pide que sean ellos mismos, se les ayuda a ser ellos mismos. They are asked to
be themselves, we help them to be themselves. Álvaro Pardo Ortiz
La oportunidad de utilizar nuestra película para contarse a sí mismos y el desafío
de enfrentarse a nuestro punto de vista para ser descritos. En el mismo espejo. The
opportunity to use our film to tell themselves and the challenge to face our point of view
to be described. In the same mirror. Vittorio Moroni
426
La relación realizador-personaje es de intercambio, un “compartir” sin el cual no se
hace posible un documental. Se les pide colaboración y confianza, se les devuelve
respeto y reconocimiento mutuo. Antes, durante y después de cualquier rodaje. The
director/character relationship is an exchange, a sharing without which a documentary
is not possible. They are asked to cooperate and trust, and in return they get respect
and mutual recognition. Before, during and after any filming. Angélica Muniz Valente
Mi política es siempre decir la verdad para no tener sorpresas a la hora del rodaje. Si
algún entrevistado o personaje se muestra disconforme, intento conversar antes para
poder sacar lo mejor de cada uno de ellos durante la grabación. My policy is to always
tell the truth in order to avoid surprises when filming. If an interviewee or character
disagrees, I try to converse beforehand to bring out the best of each individual during
the recording. Tristán Noblia
Aquellos que aparecen en una película documental no han de ser vistos en absoluto
como personajes. Les pedimos que nos permitan observarles, y a cambio son validados.
Those appearing in documentary films don’t necessarily need to be seen as characters
at all. We ask them to be seen, in return they are validated. Chris Oakley
Nunca me acerco a los personajes con una idea preestablecida de cómo son o deben
ser. Intento descubrirlos in situ. Los dejo mentir y decir verdades. Es una aventura
donde uno, como realizador, también aprende a vivir. I never approach the characters
with a pre-established idea of what they are or should be like. I try to discover that on
the spot. I let them lie and tell the truth. It is an adventure where one, as a director, also
learns how to live. Ian Padrón
La relación debe ser cercana, humana, casi personal. Debemos hacer un retrato fiel
de los personajes sin dejar nuestra visión sobre los mismos a un lado. Los personajes
sostienen nuestro discurso y nosotros sostenemos el suyo utilizando nuestros
recursos audiovisuales. Somos un equipo (debemos serlo). Trabajamos para lo mismo.
Uno debe romper el hielo poco a poco para crear la intimidad necesaria con los
personajes, porque a fin de cuentas te están regalando una parte de sus vidas. Se
les pide sinceridad y se les da agradecimiento, honestidad en el trato y respeto. One
must break the ice little by little to create the intimacy necessary for the characters,
because at the end of the day, they are giving you a part of their lives. They are asked to
be sincere and they are given gratitude, honesty in the treatment of them, and respect.
Vicente Pascual
Procuro conseguir una relación de complicidad con los protagonistas y, siempre que
me es posible, intento entablar una relación de amistad. Tan solo les pido que sean ellos
mismos y me adapto a sus horarios y quehaceres diarios. Nunca hay nada material a
cambio de su tiempo. I do what I can to have a relationship of mutual involvement with
the lead characters, and in so far as possible, I try to start up a friendship. All I ask of
them is to be themselves and I adapt to their schedules and daily routines. Nothing
material is ever exchanged for their time. Josep Lluís Penadès Boada
Primero trato de hacerles comprender muy bien por qué aparecen en la película y su
importancia en la misma, después les pido que se muestren sin dobleces; si están
es porque me gustan como son y hacen de vehículo perfecto para trasladar lo que
quiero contar. A veces es un juego, otras una responsabilidad y también, en parte,
un compromiso. En muchas ocasiones termina en amistad. First I try to get them to
understand perfectly why they are appearing in the film and their importance in it.
Then I ask them to be straightforward, if they are there it is because I like them as
they are and are the perfect vehicle for communicating what I want to say. Sometimes
it is a game, others a responsibility, and also, in part, a commitment. It often ends in
friendship. Jorge Peña Martín
La relación con los personajes durante la realización de un documental es una relación
de respeto mutuo. Uno como realizador se va involucrando poco a poco en la vida de
los protagonistas, así como ellos en el desarrollo de la película. La película la hacemos
todos juntos, tanto el equipo como los protagonistas, su implicación es directa, ya
que es su historia la que se cuenta, y eso debe estar ante todo. The relationship with
characters during the making of a documentary is a mutual relationship of respect.
As a director, one gets involved in the lives of the characters little by little, as they do
in the development of the film. We all make the film together, both the crew and the
characters; they are directly involved, since it is their story being told, and that should
be foremost. Javier Pernas
Todo se basa en la confianza. Al principio pedimos a los participantes que nos inviten
a entrar en sus vidas, lo cual supone, en muchos sentidos, una intrusión. Entonces
427
sobreviene una extraña relación en la que el realizador tiene, al mismo tiempo, la
intimidad de un amigo y la objetividad de un extraño. Intentamos hacer desaparecer
al equipo para tratar de capturar la espontaneidad de la primera vez. Les pedimos
que sean ellos mismos y nos dan algo que, esperamos, se parece a esto. It’s all about
trust. At first we ask the participants to invite us into their lives which in many ways is
an intrusion. A strange relationship ensues where the filmmaker has the intimacy of a
friend and the objectivity of a stranger at the same time. We try to make the equipment
disappear as we attempt to recapture the spontaneity of the first time. We ask them to
be themselves and they give us something that hopefully resembles this. Adam Phillips
Creo es importante proporcionar desde la realización, naturalidad y conocimiento
del tema a tratar. En cuanto a los protagonistas, lo que más me gratifica es que se
sientan identificados y vean cada escena como un momento natural que les aporta una
nueva experiencia. I think it is important for the filmmakers to provide naturalness and
knowledge to the issue being treated. For the lead characters, what is most rewarding
for me is when they feel identified with, and they see a scene as a natural moment that
gives them a new experience. Florencia Pietrapertosa Marano
428
Acercamiento respetuoso y sencillo. Establecer espíritu de equipo entre todos y dar
el tiempo necesario para generar confianza. Tratar de lograr un vínculo de empatía
y naturalidad donde los personajes vayan abriéndose y dejando fluir sus emociones.
Comprensión y compromiso en toda la obra. Son personajes que nos están revelando
sus vidas. Necesitan un seguimiento y una continuidad de relación con el equipo.
A respectful and simple approach. To establish a team spirit among everyone and to
give enough time to build up trust. To try to bond with empathy and naturalness, where
the characters open up and let their emotions flow. Understanding and commitment
throughout the work. They are characters opening up their lives to us. They need followup and continuity in their relations with the team. Ana Pinilla Barrio
Se le pide todo lo mejor, y lo mejor le será devuelto. Las únicas palabras son confianza,
respeto y diversión, y ni siquiera las usamos cuando están ahí. All the best is asked
from him, all the best is given in return. The only words are trust, respect and joy, and
we don’t even use them when they are there. Camille Plagnet
Se les pide que se expresen libremente una vez que se sienten cómodos frente a
la cámara. Se les da las indicaciones necesarias para lograr lo antedicho. They are
asked to express freely once comfortable on camera. They are given the necessary
instructions to achieve that. Gabriel Pomeraniec
La condición ideal para mí es poder establecer una relación antes de poner la cámara
ante los personajes, descubrirlos e intuirlos. Ponerlos en confianza conmigo y con lo
que me interesa que cuenten y dejar que durante el rodaje se revelen. Durante sus
intervenciones me distancio, intentando alejar mis juicios y prejuicios. Me gusta
intervenir poco, les doy mi escucha y mi mirada, lanzo el tema o la idea y dejo que sean
ellos los que lo aborden a su manera. De la forma más natural posible. Me gusta que la
cámara esté viva, sentir la visión del ojo que hay detrás de ella y que completa el discurso.
Les pido que participen del proceso creativo de una realización. Me parece importante
que estén de acuerdo con la imagen que proyecto de ellos, y ese es el momento más
difícil: visionar el resultado con ellos. Me encanta cuando veo en imagen la verdad
de las personas con las que he trabajado. The ideal situation for me is to establish a
relationship before turning the camera onto the characters, to learn about them and
get a sense of who they are. To build trust with them and with what I am interested in
hearing from them, and to let them reveal themselves during filming. I distance myself
when intervening and try to reserve my judgment and prejudices. I like to intervene little,
I give them my ear and my eyes, I throw out an issue or idea and let them be the ones to
deal with it as they choose. In the most natural way possible. I like for the camera to be
alive, to feel the vision of the eye looking through it, for it to compliment the discourse. I
ask that they participate in the creative process of filmmaking. It seems important to me
for them to approve of the image I am projecting of them, and that is the most difficult
moment: to view the results with them. I love it when I see, in the image, the truth in the
people with whom I have worked. Carmen Porras
Una investigación previa sobre el personaje antes de abordarlo. La relación laboral
durante el rodaje debe ser clara, con los parámetros bien claros de lo que se espera
del personaje. Le brindo la información necesaria del proyecto. Background research
on the character before starting. The work relationship during filming should be clear,
with clear parameters of what to expect from the character. I offer them the information
necessary for the project. Cecilia Posada Durán
El tipo de documental que me interesa precisa del desarrollo de una relación de medio
o largo plazo con los personajes, con el fin de que se diluya la presencia de la cámara
y por ende surja el personaje real y se profundice en él. El intercambio solo podrá
consistir en la disposición del personaje a cambio de la honestidad del realizador. The
kind of documentary that interests me requires the development of a medium to longterm relationship with the characters, in order for the presence of the camera to lose
importance and thus for the real character to come out, to get a deep sense of who they
are. The swap can only be the character’s willingness in exchange for the director’s
honesty. Ozcar Ramírez González
Se les pide permiso. Se les da respeto. They are asked for permission. They are given
respect. Pablo Ratto
Siempre estoy buscando relaciones emocionales y humanas: consiste en compartir
una experiencia, a través de la memoria, la mayoría del tiempo. Antes de rodar, se dice
y se pide muy poco. Dejo que los personajes abran su alma, que sean espontáneos y les
sigo con mi micrófono y mi cámara. Los temas están siempre vinculados a memorias
compartidas y penurias: así, hablar con el micrófono o la cámara se convierte en una
terapia para los personajes y, en consecuencia, para mí mismo. I’m always looking for
an emotional and human relationship: it’s about sharing an experience, throughout
memory, most of the time. Before filming, very litlle thing is said and asked. I let the
characters open their soul, be spontaneous and I follow them with my microphone and
my camera. The subjects are always connected to shared memories and deprivation:
therefore talking to the microphone or to the camera becomes a therapy for the
characters and then for myself. Cécile Ravel
Se les pide transparencia, la capacidad de compartir sin temor. Se les da una mirada
y una nueva voz. Transparency is asked of them, the capacity for sharing without fear.
They are given a perspective and a new voice. Muriel Rébora
429
Trabajar con niños es lo más satisfactorio: se les puede captar en su más íntima
sencillez, naturalidad y espontaneidad; no hace falta ni siquiera ensayar. Con los
adultos es diferente: ellos son más que conscientes de que están siendo grabados para
una ocasión muy especial y, por eso, hay que darles seguridad, pautas de actuación…
Lo mejor es dejarlos hacer y grabarlos como si la cámara no existiera. Working with
children is what is most satisfying; they can be shot with the most intimate simplicity,
naturalness and spontaneity; there is not even any need to rehearse. With adults it is
different; they are more conscious that they are being recorded for a special occasion,
and for that reason they must be given assurance, acting tips... The best thing is to just
let them do it and to record them as though the camera didn’t exist. David Recio Gil
Básicamente, a los actores de un documental se les pide que presten su imagen, su
estilo de vida, su forma de hablar para que cuenten una historia que no siempre es
la suya. Como recompensa, muy poco, la satisfacción de aparecer en una película.
Basically, the actors in a documentary are asked to lend their image, their lifestyle,
their way of speaking, in order to tell a story that is not always theirs. As a very small
reward, the satisfaction of appearing in a film. Silvia Rey Canudo
¿Se puede considerar personaje un coche o una montaña? Son muy callados. Can a car
or a mountain be considered a character? They are very quiet. Iván del Rey de la Torre
430
¿Qué se les pide? Confianza, honestidad y respeto. ¿Qué se les da? Confianza, honestidad
y respeto. What is asked: Trust, Honesty and Respect. What is given: Trust, Honesty and
Respect. Jana Richter
En mi caso, la relación con los personajes que aparecen en el documental creo que
debe estar determinada por el equilibrio en términos emocionales y de proximidad,
es decir, es preciso implicarse lo suficiente como para poder llegar a conocer a fondo
a tus personajes, pero también es necesario tener la habilidad de alejarse en el
momento justo, como para poder cerrar el relato y no quedar más involucrado de la
cuenta con la historia. In my case, the relationship with the characters appearing in the
documentary, I think it should be determined by balance, both in terms of emotion and
closeness. That is, it is crucial to get sufficiently involved to be able to get to know your
characters in depth, but it is also necessary to know just the right moment to distance
oneself, in order to be able to close the story and not get involved in the story more than
one should. Juan Ignacio Riggirozzi
La relación que se da con los personajes varía de acuerdo con el tipo de documental
que se está realizando. Evidentemente, al tratarse de la vida real, se generan relaciones
humanas y vínculos que difícilmente se pueden romper, y por esto mismo lo que se
da y recibe es aprendizaje mutuo. The relationship one has with the characters varies
according to the kind of documentary being made. Obviously, since it deals with real life,
human relationships and strong bonds are formed, and for that very reason, what is given
and received is mutual learning. Luis Rincón
Me gusta trabajar personajes en clave más bien observacional, manteniendo cierta
distancia e intentando condicionar lo mínimo sus rutinas. Me siento cómodo en ese
papel y me da libertad para jugar estéticamente. No creo que haya una manera
determinada; supongo que tiene que ver con lo que busca uno como realizador.
Respecto a lo que se les da, soy bastante autocrítico: tengo la impresión de que los
realizadores tenemos una concepción algo materialista de nuestros personajes que
no se bien cómo manejar. Sin embargo, luego, con los trabajos ya finalizados, ellos
siempre muestran agradecimiento, puesto que el documental, en última instancia
(aunque eso en los últimos tiempos viene reconfigurándose un poco), tiene cierta base
de compromiso social. I like working with characters in a rather observational way,
keeping a certain distance and trying to influence their routines as little as possible.
I feel comfortable in this role and it gives me the freedom to play aesthetically. I do not
think there is one specific way; I suppose it depends on what each director is looking
for. As far as what is given, I am quite self-critical: I have the impression that we
directors have a somewhat materialistic idea of our characters that I do not know how
to handle. Later, however, once the work is over, they are always grateful given that the
documentary, as a last resort (even though that is shifting a bit recently) has a certain
basis in social commitment. Federico Robles
La relación es amistosa; se les pide amistad y sinceridad básicamente, y nosotros les
damos, en principio, respeto, confianza, seguridad, sinceridad, todo lo que sea necesario
para un buen trabajo en conjunto, formando un “equipo” entre los realizadores y los
que hacen el documental. The relationship is friendly, basically friendship and sincerity
are asked for. We give them, in principle, respect, trust, safety, sincerity, everything
necessary for working well as a group, by forming a “team” made up of the directors
and those who make the documentary. Albano Rochas
Busco establecer un primer acercamiento en el que ambas partes demostremos
nuestro interés por hablar del tema que nos convoca. Es un acercamiento que tiene
mucho de seducción, donde la principal misión es encantar al interlocutor, donde
finalmente espero reafirmar las virtudes que yo pensé que tenían y que lo hacen un
potencial personaje digno de ser retratado. Durante el rodaje busco principalmente
hacer que el retratado olvide que está frente a una cámara, para lograr entrar al
tema a tratar desde la verdad, que es algo que toma un tiempo, con el fin de que
aparezcan finalmente esos rasgos que buscaba del personaje que lo hacen valioso
para la película. Me parece fundamental respetar siempre los espacios y no ser
invasivo en terrenos que de antemano es sabido que el personaje no tiene ganas de
visitar. No hay nada peor que el engaño. Pero, sobre todas las cosas, nunca hay que
manipular los materiales en la mesa de montaje para sacar de contexto el sentido
de las palabras expresadas por el personaje retratado. I set up a first introduction in
which both parties show mutual interest in speaking about the issue we are dealing
with. This introduction has something very seductive about it, where the main goal is
to delight the interlocutor, in which I finally hope to reaffirm the virtues that I thought
they had, making them a potential character worthy of being portrayed. During the
filming, I mainly try to make the one being depicted forget about the camera in order
to get to the truth of the issue, which is something that takes time, for those features
of the character that I was looking for to finally come through, thus making the film
worthy. It is crucial for me to always respect spaces and not to be invasive in places
that we know beforehand the character does not wish to visit. There is nothing worse
than deceit. But more than anything else, you must never manipulate the footage in
the editing room by taking out of context the meaning of the words said by the person
being depicted. Juan Ignacio Sabatini Mújica
431
A menudo la gente que participa en mis películas se vuelve muy cercana. Me siento
inspirado por su presencia en la película, el trabajo colectivo, no solo como sujetos,
sino también como participantes en el proceso creativo de hacer una obra de arte
cinematográfica. Escucho sus ideas y aprendo siempre. The people participating in
my films often become quite close. I feel inspired by their presence in the film, the
collective work, not just as subjects, but also as participants in the creative process of
making a work of art. I listen to their ideas and I always learn. Lynne Sachs
Antes de nada les explico lo que he venido a hacer. Luego me hago amigo de ellos
y trato de dejar mis prejuicios y paradigmas de lado; es así como he conseguido
testimonios muy profundos e interesantes. En mi caso he llevado víveres a las personas
que he entrevistado (miembros de comunidades nativas), cosa que hago aunque no los
entreviste. Before anything else, I explain what I came to do. Then I become friends
with them and try to leave my prejudices and paradigms behind me, which is how
I’ve managed to get very profound and interesting testimony. In my case, I have taken
supplies to people I have interviewed (members of native communities), something I do
even when not interviewing. Humberto Saco Valdivia
432
La relación con las personas que terminan apareciendo en un documental depende en
gran medida de la temática de la obra, de la carga emocional que puedan transmitir.
Creo que siempre se sienten un poco traicionados, nunca vas a poder darles lo que
cada uno de ellos demanda. The relationship with the people that end up appearing
in a documentary depends a great deal on the film’s subject matter, on the emotional
burden that they might transmit. I think that they always feel a bit betrayed; you are
never going to be able to give each individual what they ask for. José Luis Sánchez
Maldonado
Todo el mundo quiere contar su historia, saber que alguien le escuchará, que a alguien
le importará: que puede crearse una conexión. Quizá un realizador de documentales
permite que exista ese espacio donde un individuo puede ser libre para sincerarse.
Las primeras fases de preproducción son como un noviazgo, un romance, en el que
el realizador tiene que cortejar al sujeto, inspirarlo para que esté en la película. En
esta etapa, ambos están excitados con el viaje que emprenderán juntos. Supongo que
durante el rodaje la relación cambia; la luna de miel ha terminado. Aquí el sujeto se
convierte en el elemento central de la escena, le toca actuar para ganarse los afectos
del director; bajo esta presión, puede lamentar haber participado. Las emociones
siempre surgen intensamente, especialmente durante un largo rodaje documental.
La euforia puede mezclarse con la decepción. Cualesquiera sean los sentimientos, la
experiencia es siempre nueva y estimulante. El final del proceso de grabación señala
una ruptura de la relación. El director se aleja con algo tangible que puede ser revivido.
El sujeto se va con sus memorias, sabiendo que nunca volverá a recibir la misma
atención. ¿Soy una cínica? Everyone wants to tell their story, to know that someone will
listen, that someone will care: that a connection can be made. Maybe a documentary
filmmaker allows that space where an individual can be free to open themselves up.
The initial stages of pre-production is like a courtship, a romance, where the filmmaker
has to “wine and dine” the subject; inspire them to be in the film. At this stage they’re
both excited about the journey they will undertake together. I guess during filming the
relationship changes, “the honeymoon” is over. Here, the subject takes centre stage,
they have to perform for the affections of the director, under this pressure they might
regret participating. Emotions always run heavy, especially during a long documentary
shoot. Elation can be mixed with disappointment. Whatever the feelings, the experience
is always new and invigorating. The end of the filming process signals a “break-up” of
the relationship. The director walks away with something tangible that can be re-lived.
The subject leaves with the memories, knowing they will not have attention like that
again. Am I cynical? Anita Sandhu
Los personajes son como lagos. Funcionan como espejos reflejando la realidad que les
rodea. El realizador es el que observa de esas imágenes para luego darles un sentido
en el montaje. La obsesión por la pregunta que formular al personaje es como la piedra
que cae sobre el lago destruyendo su condición de espejo. The characters are like
lakes. They act as mirrors reflecting the reality surrounding them. The director is the
observer of these images, and later gives them meaning in the editing. The obsession
over the question posed to the character is like a stone falling into the lake, destroying
its mirror-like state. Amaury Santana Marrero
Para nosotros, tener una relación personal con los personajes en nuestras películas
es muy importante, de principio a fin de la realización del documental. La confianza de
nuestros personajes es nuestra verdadera demanda, y a cambio esperamos darles la
tranquilidad de que no abusaremos de su fe en nosotros ni deformaremos sus palabras
en modo alguno. For us, having a personal relationship with the characters who appear
in our films is very important, throughout the making of a documentary film. The trust
of our characters is what we ask of them, and in return, we hopefully give them the
reassurance that we will not misuse their faith in us nor misrepresent them in any way.
Ritu Sarin
Antes del rodaje trato de conocerlos, ganarme su confianza y permitirles que me
conozcan ellos a mí, trato de volverme parte de sus vidas. Durante el rodaje lo más
importante es el respeto y la claridad con respecto al trabajo. Les pido sinceridad
y paciencia por que me permitan observar e irrumpir en sus vidas. Les doy respeto
y responsabilidad, amor y admiración. Before filming, I try to get to know them, to
win their trust and to let them get to know me; I try to become part of their lives.
During filming, the most important thing is respect and clarity when it comes to work. I
ask them to be sincere and patient in letting me observe and interrupt their lives. I give
them respect and responsibility, love and admiration. Juan Sarmiento
Se genera una relación de cooperación y de empatía. Se les pide enseñarnos algo, se
les enseña algo. A relationship of cooperation and empathy is created. They are asked
to show us something, they are shown something. Giammarco Sicuro
Pasando tiempo con mis personajes trato de aprender de sus experiencias y ver el
mundo a través de sus ojos. A veces me fascinan esos momentos en los que empiezan
a compartir conmigo algo muy personal, algo que verdaderamente es importante para
ellos, que no hubiese esperado que dijeran o hicieran. Este es el regalo que recibo
de ellos a cambio de mi interés, honestidad y confianza. Y esto es lo que hace que
mi trabajo como director de documentales sea increíble siempre. Spending time with
my characters I’m trying to learn from their experiences and see the world through
their eyes. Often I am fascinated by these moments when they start sharing something
really personal with me, something that truly matters to them, which I could have never
433
expected from them to say or do. This is the gift I get from them in return for my
interest, honesty and trust. And this is what makes my work as a documentary director
really amazing every time. Undine Siepker
A los personajes simplemente se les debe dejar ser ellos mismos. No se les debe pedir
nada más. Se les deber hacer sentir que está bien ser ellos, que de alguna manera son
especiales por ser quienes son. Como director pienso que ese es el mayor reto que
puedo tener a la hora de hacer un documental. The characters must simply be left to
be themselves. Nothing should be asked of them. They should be made to feel good
about being themselves, that in some way they are special for being who they are. As a
director I think that is the greatest challenge when it comes to making a documentary.
José Luis Soto Ruvalcaba
Es como caminar sobre una cuerda por encima de un abismo y tratar de mantener el
equilibrio. Si los personajes se olvidan de ti, se caen. Si nunca se olvidan de que estás,
tú eres el que cae. El único camino para conseguir llegar al otro lado del abismo es
hacer la película juntos. It is very much like walking together on a rope above an abyss
and trying to keep your balance. If the characters forget about you, they fall. If they
never forget about you, you fall. The only way to get to the other side of the abyss is to
make the movie together. Oona Spengler
434
Lo más importante que se pide de ambos lados es respeto: respetar la palabra de cada
uno, siendo honestos y evitando jugar con promesas falsas. Hubo veces que pidieron
ayuda, y siempre lo hice como pude, sin influir en su historia o realidad. The most
important thing asked of both sides is respect. To respect the word of each other. To be
honest and not to play with false promises. There were times when help was requested
and I always helped insofar as I could, without influencing their story or situation. Ethan
Steinman
Les pido sinceridad, autenticidad y fe en sí mismos y en el proyecto. Les ofrezco tiempo,
información completa del guión y mis objetivos con la película. Les ofrezco la devolución
de las imágenes a la sociedad una vez terminado el film. I ask them to be sincere,
genuine, and to have faith in themselves and in the project. I offer them time, complete
information on the script and my goals for the film. I offer to return the images to society
once the film is done. Uli Stelzner
Ciertamente les estamos pidiendo su tiempo, pero podemos darles a cambio atención
y (de un modo idealista) interés genuino por su forma de vivir y sentir. We are certainly
asking their time, but we can give them attention and (ideally) genuine interest in how
they live and how they feel. Viola Stephan
La idea es lograr que se expresen como si estuvieran conversando con un amigo. The
idea is to get them to express themselves as though talking with a friend. Sebastián
Talavera Serrano
Me interesan las películas que están hechas con los personajes y no sobre ellos. La
realización debe llevarse a cabo en un clima de confianza. Es importante para mí que
los personajes se reconozcan a sí mismos en la película. I am interested in the films
which are made with the characters and not on the characters. The realization is made
in a reliable climate. It is important for me that the characters recognize themselves in
the film. Flavia Tavares
Intento establecer una confianza recíproca con cada persona, respetar sus palabras.
La película tiene que nacer también del deseo de las personas. I try to establish
reciprocal trust with each person, to respect their words. The film must also be born
out of people’s wishes. Emilienne Tempels
Lo más difícil de una entrevista es que la persona entrevistada se olvide de la entrevista
misma y pueda ser lo más natural posible. What is most difficult in an interview is to
get the person being interviewed to forget about the interview itself, so they can be as
natural as possible. Pablo Tesoriere
La relación más importante que se establece entre un realizador y los personajes que
aparecen en un documental (antes, durante y después del rodaje) es aquella que se
basa en la confianza mutua. Lo que pedimos de los personajes es acceso a sus vidas,
franqueza y honestidad; lo que les damos a cambio es la oportunidad de ser vistos y
oídos, de contar su historia a una vasta audiencia. The most important relationship
between a filmmaker and the characters that appear in a documentary – before, during
and after the filming – is that of reciprocal trust. What we ask from the characters is
access to their lives, openness and honesty; what we give in return is the chance to be
seen and heard, to tell their story to a wide audience. Liviu Tipurita
A los personajes de un documental de tipo social se les pide, antes que cualquier otra
cosa, las ganas de hablar, las ganas de abrirse, de contar su historia o algún hecho
concreto. En contrapartida, se les brinda la satisfacción de comprobar o de percatarse
que su historia es importante para los demás e incluso para gente que nunca tendrían
la oportunidad de conocer. The characters in a documentary dealing with social issues
are asked first and foremost to want to speak, to open themselves up, to tell their story
or talk about one specific fact. In return for the satisfaction of confirming or realizing
that their story is important to others, even for people they will never have the chance
to meet. Joanna Tomkins
Vivo la historia desde dentro... De esa manera establezco un vínculo de empatía con los
personajes para saber cuál es su mensaje para el mundo, porque todos tenemos cosas
que compartir con los demás... Apenas les pido y recibo mucho a cambio... I experience
the story from within... This way I establish a bond with the characters in order to learn
what their message for the world is, because we all have things to share with others...
I ask hardly anything of them and receive a lot in exchange... Pablo Torres Boza
Creo que en la realización de un documental no hay mediación. La relación es puramente
humana y de persona a persona. Es una mezcla de esfuerzo, habilidades, emociones
y sistemas de conocimiento. Los elementos transaccionales, como tiempo, dinero y
trabajo, están incluidos en esto. En última instancia, para ambos se trata en cierto modo
de dejar constancia, justificando la actividad de la vida de uno. I think in documentary
film making there is no mediation. The relationship is purely human and one to one. It is
a sharing of effort, skills, emotions, and knowledge systems. The transactional elements
of time, money and labour are subsumed within this. Ultimately, for both, it is about
placing on record, accounting for one’s life activity in a way. Soudhamini V.
435
Primero le di al personaje 100 euros por jornada, es lo que exigió; después todo acabó
en una buena amistad. First, I gave the character 100 Euros per day, which is what he
asked for. It all later ended up to be a good friendship. Gustavo Vizoso Rodríguez
contratos o pagas, sino en un sentido shakesperiano, por el que todos somos actores
de una gran comedia. Así, la relación es, y puede extenderse a todas la relaciones,
de honestidad; honestidad en un lenguaje que no puede explicarse con palabras. El
vínculo después del rodaje es imperceptible. As a visual anthropologist, the relationship
is of central importance. The characters must be treated as if actors (though not in the
sense that there are ties as created by payment or contracts), in Shakespeare’s sense
that we are all actors in a great play. Thus the relationship is, and is the same as all
relationships, one of honesty, honesty in a language that words cannot speak. The link
after filming is imperceptible. Danny Winkler
Se les pidió hacer su trabajo; algunas veces, repetirlo si era necesario por la toma.
El personaje recibió flores y una entrada para el estreno. Asked is to do his job, to
sometimes walks or cycle again if necessary for the shot. The character was given
flowers and a ticket for the premiere. Jochem de Vries
Hacer un documental es como tener una aventura. Te relacionas con gente y, poco a
poco, la relación puede desarrollarse y, finalmente, derivar en una familia. To make a
documentary film, it’s like to have and adventure. We rub shoulders with people. And
few to few, relationship can develop and, finally, lead a family. Mame Woury Thioubou
La relación con los personajes en un documental es un encuentro. Un encuentro de
tú a tú donde el elemento humano exista. Esto antes, durante y después del rodaje.
Para mí, encuentro significa diálogo, revelarse, abrirse al otro. Yo no les pido nada a
los personajes, ni a mí mismo como director. Ese encuentro sucede o no sucede; y
cuando ocurre es como una pequeña revelación, que para mí es lo más importante en
un documental. My relationship with the characters of a documentary is an encounter.
A one-on-one encounter in which the human element is present. That is before, during
and after the filming. For me, encounter means dialogue, revealing and opening
oneself up to the other. I ask nothing of the characters, nor of myself as a director. That
encounter happens or it doesn’t. And when it happens, it is like a little revelation, that
for me is the most important thing in a documentary. George Walker Torres
A los personajes de un documental se les brinda la posibilidad de hablar hacia el futuro
y la distancia infinita al coste ineludible de desnudar su alma y desmenuzarla ante el
objetivo. A documentary’s characters are afforded the chance to speak to the future
over infinite distances, at the unavoidable cost of exposing their soul and having it
scrutinized on camera. David Yáñez
Quiero que las personas sean naturales, y que no haya cambios entre antes, durante
y después. Yo soy como soy, y trato de enseñar a mis personajes que no tienen que
cambiar cuando está la cámara delante. I want the people to be natural, for there not
to be changes between before, during and after. I am who I am, and I try to show my
characters that they do not have to change when they are on camera. Elisabetta Vernier
436
Son la magia del encuentro y la paciencia de la escucha las que lo hacen todo. The
magic of the encounter and patience when listening make all the difference. Marc
Weymuller
Aquello que el sujeto de un documental recibe a cambio de hablar sobre su vida, estar
frente a la cámara y ceder su tiempo no puede ser medido en términos concretos. Yo
siempre trato de explicarles lo que estoy haciendo y lo que la película terminada será o,
en algunos casos, hará por ellos. Sin embargo, no trato de explicarles cómo cambiarán
interiormente con la experiencia. Tanto si es un gran cambio o una pequeña mierda en
perpectiva, siempre he visto que mis sujetos se han beneficiado participando en la película.
Creo que es principalmente debido a que alguien (yo, el director) les escucha; hacerles
sentir como ellos sienten, piensan, dicen es importante. What a subject of a documentary
gets in return for talking about their lives, being in front of the camera and giving up their
time can’t be measured in concrete terms. I always try to explain to them what I’m doing
and what the finished film will be or, in some cases, what it will do for them. However, I
don’t try to explain how they will be transformed internally from the experience. Whether
it’s a big change or a small shit in perspective, I’ve always found my subjects to benefit from
being in a film. I think this is mostly due to having someone (me the director) listen to them,
to make them feel like what they feel, think, say is important. Keith Wilson
Como antropólogo visual, la relación es de vital importancia. Los personajes deben
ser tratados como si fueran actores, no porque existan ataduras como las creadas por
Al personaje de nuestro documental le pedimos que nos autorice a registrar su
trabajo y que adapte su ritmo y horarios al momento en que nosotros podíamos viajar
para rodar. Pactamos con él pagarle una cierta cantidad de dinero similar a la que
hubiera ganado en 15 días de trabajo, pero también a él le interesaba que se hiciera un
documental sobre su trabajo. We ask the character in our documentary to authorize us
to record his work and to adapt his rhythm and timetable to when we can travel in order
to film. We make an agreement with him to pay a certain amount of money similar to
what he would have earned in 15 days of work, though he was also interested in having
us film a documentary about his work. Adriana Yurcovich
Preferentemente no se comunica con ellos. Se filma su respuesta inmediata y
espontánea ante la cámara, documentando sus vidas. Se hace por interrumpir lo
menos posible su cotidianeidad. El acercamiento es con respeto; si no quieren ser
filmados, se detiene el rodaje. There is preferably no communication with them. Their
immediate and spontaneous response is filmed in front of a camera, documenting their
lives. Their everyday life should be interrupted as little as possible. They should be
approached with respect; if they do not wish to be filmed, the recording is stopped.
Omar Zeballos Huerta
En nuestra aproximación, nos gusta situarnos al mismo nivel humano que los
personajes a los que grabamos; creemos que hacer cine consiste en compartir:
compartir una parte de la vida entre nosotros y ellos, y compartir una historia humana
entre ellos y la audiencia. In our approach, we like to be at the same human level
than the characters we shoot, as we believe filmmaking is all about sharing: sharing
a part of life between us and them, and sharing a human story between them and the
audience. Çagla Zencirci
437
GUÍA
DEL
FESTIVAL
FESTIVAL GUIDE
Sedes del Festival
Festival Venues
Entradas y abonos
Tickets and Vouchers
Programación
Festival Planning
SEDES DEL FESTIVAL
FESTIVAL venues
440
1. MATADERO MADRID – OFICINA DEL FESTIVAL
Matadero Madrid. Paseo de la Chopera, 14
Metro: Legazpi
Bus: 6, 8, 18, 22, 45, 62, 78, 79, 123, 148, 156, N12, N14
Tel.: +34 915 179 817 (solo durante el Festival / only
during the Festival)
www.documentamadrid.com
2. CINES PRINCESA Salas 7 y 9
C/ Princesa, 35
Metro: Plaza de España, Ventura Rodríguez
Bus: 1, 2, 44, 133, C1, C2
3. CINE ESTUDIO DEL CÍRCULO DE BELLAS ARTES
C/ Marqués de Casa Riera, 2
Metro: Sevilla, Banco de España
Bus: 1, 2, 3, 5, 17, 44, 133
4. CINE PALAFOX Sala 2
C/ Luchana, 15
Metro: Bilbao
Bus: 3, 37, 40, 147, 149
5. FILMOTECA ESPAÑOLA – CINE DORÉ Salas 1 y 2
C/ Santa Isabel, 3
Metro: Antón Martín
Bus: 3, 6, 10, 14, 18, 19, 34, 37, 41, 59, 65, 86, 119
6. MUSEO NACIONAL CENTRO DE ARTE REINA
SOFÍA Auditorio Sabatini
C/ Santa Isabel, 52
Metro: Atocha, Lavapiés y Estación Atocha-Renfe
Bus: 27, 34, C1, 6, 59, 85, 86, 26, 32
7. ACADEMIA DE CINE
C/ Zurbano, 3
Metro: Rubén Darío, Colón
Bus: 1, 3, 7, 14, 16, 19, 37, 40, 51, 53, 74, 149, 150
8. CASA DE AMÉRICA
Paseo de Recoletos, 2
Metro: Banco de España
Bus: 1, 2, 3, 5, 46, 146
9. CASA ÁRABE
C/ Alcalá, 62
Metro: Príncipe de Vergara, Retiro
Bus: 1, 2, 9, 15, 19, 20, 28, 51, 52, 74, 146, 202
10. INSTITUTO GOETHE
C/ Zurbarán, 21
Metro: Rubén Darío, Colón
Bus: 1, 3, 7, 14, 16, 19, 37, 40, 51, 53, 74, 149, 150
11. INSTITUTO FRANCÉS DE MADRID
C/ Marqués de la Ensenada, 12
Metro: Colón. RENFE Recoletos
Bus: 1, 3, 5, 7, 37, 146
12. CASA ASIA
Carrera de San Jerónimo, 15
Metro: Sol, Sevilla
Bus: 3, 5, 51, 52, 53, 150
13. CENTRO HISPANO-MARROQUÍ
C/ Argumosa, 28
Metro: Lavapiés
Bus: 6, 59, 85, 27, 34, 36, 41, 119
14. CENTRO CULTURAL SAN JUAN BAUTISTA
C/ San Nemesio, 4
Metro: Arturo Soria, Avenida de la Paz
Bus: 9, 53, 72, 73, 120
15. EL SECTOR Lounge Bar
C/ Quintana, 17
Metro: Argüelles, Ventura Rodríguez
Bus: 1, 2, 3, 21, 41, 44, 46, 74, 75, 133, 138, 148, 202,
C1, C2, M2
16. LOA (PUB DEL FESTIVAL)
C/ Luisa Fernanda, 17
Metro: Ventura Rodríguez
Bus: 1, 2, 3, 21, 25, 33, 39, 41, 44, 46, 62, 74, 75, 133,
138, 146, 147, 148, 202, C1, C2, M2, N16, N18, N19,
N20, N21, NC1, NC2
441
TICKETS AND VOUCHERS ENTRADAS Y ABONOS
ENTRADAS
Y ABONOS
TICKETS AND VOUCHERS
442
CINES PRINCESA (Salas 7 y 9)
4,50 € entrada
3,50 € entrada socios Cines Renoir
35 € abono del festival de diez entradas (válido solo para Cines Princesa)
4,50 € ticket
3,50 € ticket for Cines Renoir members
35 € Voucher (valid only for Cines Princesa)
CINE ESTUDIO DEL CÍRCULO DE BELLAS ARTES
4,50 € entrada
3 € entrada socios
35 € abono del festival de diez entradas (válido solo para Círculo de Bellas Artes)
4,50 € ticket
3 € ticket for members
35 € Voucher (valid only for Círculo de Bellas Artes)
CINE PALAFOX (Sala 2)
4,50 € entrada
35 € abono del festival de diez entradas (válido solo para Cine Palafox)
4,50 € ticket
35 € Voucher (valid only for Cine Palafox)
Venta anticipada: www.entradas.com 902 221 622
Advance tickets: www.entradas.com 902 221 622
FILMOTECA ESPAÑOLA (Salas 1 y 2)
2,50 € entrada, 2 € entrada para estudiantes
20 € abono propio válido para diez entradas
15 € abono propio para estudiantes válido para diez entradas
2,50 € ticket, 2 € ticket for students
20 € particular ten ticket voucher
15 € particular ten ticket voucher for students
CASA DE AMÉRICA
3 € entrada
3 € ticket
CENTRO CULTURAL SAN JUAN BAUTISTA
Por invitación By invitation
ACADEMIA DE CINE, CASA ÁRABE, INSTITUTO GOETHE, INSTITUTO FRANCÉS DE
MADRID, CASA ASIA, MUSEO NACIONAL CENTRO DE ARTE REINA SOFÍA, CENTRO
HISPANO-MARROQUÍ, MATADERO MADRID
Entrada libre hasta completar aforo Free admision until theater full
El Ayuntamiento de Madrid y el Área de Las Artes, organizadora de Documenta
Madrid 10, no se responsabilizan ni coinciden necesariamente con las opiniones o las
producciones incluidas o derivadas del Festival. Las proyecciones que componen la
programación de Documenta Madrid 10 están recomendadas para mayores de 18 años.
Esta programación puede estar sujeta a cambios.
The Madrid Council and its Arts Department, organizer of Documenta Madrid 10, accept
no responsibility and don´t necessarily agree with the opinions or the works included
in the festival or deriving from it. The showings included in Documenta Madrid 10
programming are recommended for rated: R.
This programme may be subject to changes.
443
VIERNES 7 FRIDAY 7TH
Cine Princesa
Sala 7
SATURDAY 8TH SÁBADO 8
Cine Princesa
Sala 9
Círculo
de Bellas Artes
Cine Palafox
Sala 2
Cine Princesa
Sala 7
Filmoteca Española
Salas 1 y 2
Cine Princesa
Sala 9
12:00
12:00
Círculo de
Bellas Artes
Cine Palafox
Sala 2
Filmoteca Española
Salas 1 y 2
12:00 h (111’)
› Gambia, the Smiling
Coast 33’
› Kontinuasom 78’
13:00
13:00
15:00
14:00
14:00
16:00
16:00
17:00
17:00 h (120’)
› Yo, Natalia 30’
› El gaucho 90’
Creación
17:00 h (130’)
17:00 h (122 ’)
17:00 h (118’)
› The World Record Holder
in the Lighthouse 52’
› American Greyhounds 78’
› Parallax 5’
› El oscuro vientre de una
ballena blanca 6’
› En cas de
depressurisation 46’
› La quemadura 65’
› Siriman 15’
› La mort du petit lézard 31’
› My Beautiful Dacia 72’
Documental
18:00
Nacional
17:00
17:30 h (62’)
› Regen 12’
› Pesn o Gerojach 50’
19:30 h (138’)
19:30 h (120’)
19:30 h (126’)
19:30 h (122’)
› K 11- Confessions of a Sex
Tourist 30’
› Mulheres Xavante sem
nome 56’
› Tabou 52’
› Entre La Gloria
y el infierno 26
› The Most Dangerous Man
in America 94’
› Countryside 35x45 43’
› Which Way Home 83’
› Camerún, breu història
d’un embaràs 13’
› Recordando los rostros de
la muerte 39’
› Retour au pays des
âmes 70’
Documental
Documental
Creación
23:00
20:00
Nacional
21:00
22:00
17:00 h (127’)
17:00 h (121 ’)
17:00 h (123’)
› Les variations Dielman 12’
› Diversions 15’
› Hunky Blues:
The American Dream 100’
› Formol 15’
› Cuatro paredes
y el mundo 53
› Rupi del vino 53’
› Hambre / Hachís 18’
› I love Benidorm 28’
› El regreso 77’
Documental
Creación
Creación
19:30 h (129’)
19:30 h (131’)
19:30 h (124’)
19:30 h (118’)
› I Know Where I’m
Going 29’
› Videomappings: Aida,
Palestine 46’
› Les racines du
brouillard 54’
› In Comparison 62’
› La paura 69’
› How Green Was Our
Valley 32’
› The Cove 92’
› Primo-arrivants: la classe
passarelle des enfants
de l’École 10 16’
› Museo 51’
› Viatjants 51’
› Be Water, My Friend 14
› La tarea 27
› Jaffa, the Orange’s
Clockwork 88’
Nacional
19:00
19:00
20:00
17:00 h (129’)
Sala 1
Creación
444
18:00
H. Eisler
P. Nacional
22:00 h (151’)
22:00 h (198’)
22:00 h (184’)
22:00 h (123’)
› Entretien avec Almiro Vilar
da Costa 29’
› Upe 30’
› For Home Viewing 29’
› 17 August 63’
› Salida de los obreros de la
fábrica 1’
› Latinoamericana 2002,
journaux parallèles 197’
› La marea 25’
› La danse, le ballet de
l’Opéra de Paris 159’
› El pliegue 5’
› El último trovador 56’
› La ciudad de los
muertos 62’
Creación
Creación
21:00
20:00 h (89’)
22:00
› Solidarity Song:
the Hanns Eisler Story 89’
H. Eisler
Sala 2
Nacional
23:00
Documental
Nacional
Creación
22:00 h (198’)
22:00 h (151’)
22:00 h (184’)
22:00 h (118’)
› Salida de los obreros de la
fábrica 1’
› Latinoamericana 2002,
journaux parallèles 197’
› Entretien avec Almiro Vilar
da Costa 29’
› Upe 30’
› For Home Viewing 29’
› 17 August 63’
› La marea 25’
› La danse, le ballet de
l’Opéra de Paris 159’
› El pabellón alemán 14’
› Arquitectos del cuerpo 16’
› El mar de Barceló 88’
Creación
Nacional
Creación
20:00 h (83’)
› Nieuwe Gronden 30’
› The 400 Million 53’
H. Eisler
Sala 2
Creación
Creación
00:00
00:00
01:00
01:00
Secciones competitivas Competitive Sections
Creación
445
Secciones informativas Informative Sections
Actividades paralelas Parallel Activities
DOMINGO 9 SUNDAY 9TH
Cine Princesa
Sala 7
MONDAY 10TH LUNES 10
Cine Princesa
Sala 9
12:00
Círculo de
Bellas Artes
Cine Palafox
Sala 2
› La edad del sol 25’
› Life and Film. The
Labyrinthine Biographies
of Vojtech Jasny 78’
14:00
16:00
16:00
17:00 h (130’)
› Forest of Crocodiles 52’
› Budrus 78’
Documental
17:00 h (126’)
17:00 h (131 ’)
17:00 h (122’)
› Countryside 35x45 43’
› Which Way Home 83’
› In Comparison 62’
› La paura 69’
Documental
Creación
› Elementime 11’
› Espíritus de Drassanes 14’
› Tragovi 97’
Nacional
18:00
17:00
17:30 h (119’)
› The Forgotten Village 66’
› Nuit et Brouillard 52’
18:00
H. Eisler
19:00
19:00
446
20:00
19:30 h (125’)
19:30 h (124’)
19:30 h (133’)
19:30 h (120’)
› Just to Call You Dad 16’
› The Wood Floaters 109’
› How Green Was Our
Valley 32’
› The Cove 92’
› No Bathing 22’
› Rezagados 25’
› Presunto culpable 86’
› 1929 - 2009 5’
› Abierto 24 horas 29’
› Centro 86’
Documental
Documental
Nacional
Creación
Círculo de
Bellas Artes
Seat
Sala Berlanga
Casa
de América
17:00 h (122’)
17:00 h (123’)
17:00 h (128’)
17:00 h (122’)
› Oh No, Not You
Again! 4’
› My Lost
Generation 32’
› Rabbit à la
Berlin 39’
› Job and the
Dutch Free
State 47’
› The One who Said
No, the One who
Said Yes! 39’
› P-Star Rising 84’
› What Comes
Between 6’
› Waiting for the
Snow 38’
› Avenida
Argentina 84’
› Camerún, breu
història d’un
embaràs 13’
› Recordando los
rostros de la
muerte 39’
› Retour au pays
des âmes 70’
20:00 h (102’)
20:00
› Incident at Restigouche 46’
› No Address 56’
Documental
Creación
17:30 h (55’)
› Alsandawich 13’
› Husan Alteen 12’
› Alahlam
Almomkena 30’
P. Árabe
Nacional
19:30 h (120’)
› The World Record › Yo, Natalia 30’
› El gaucho 90’
Holder in the
Creación
Lighthouse 52’
› American
Greyhounds 78’
Documental
19:30 h (127’)
19:30 h (123’)
› Les variations
Dielman 12’
› Diversions 15’
› Hunky Blues.
The American
Dream 100’
› El pliegue 5’
› El último
trovador 56’
› La ciudad de los
muertos 62’
Nacional
Creación
21:00
21:00
19:30 h (128’)
V oces diferentes
del documental
colombiano.
Inauguración de la
muestra y presentación
de los directores
invitados.
20:00 h (128’)
› Tiempos de
arena 73’
Pantalla
Latinoamericana
22:00 h (127’)
22:00 h (132’)
22:00 h (138’)
22:00 h (112’)
› At Home with the Jedi 10’
› Corumbiara 117’
› El sueño del Baobab 48’
› Pretarouca - temos que ir
com os tempos 84’
› K 11- Confessions of a Sex
Tourist 30’
› Mulheres Xavante sem
nome 56’
› Tabou 52’
› Ya viene, aguanta,
riégueme, mátame 10’
› Si yo fuera tú, me
gustarían los Cicatriz 22’
› Circo 80’
Creación
Nacional
Documental
23:00
Creación
22:00
23:00
22:00 h (130’)
22:00 h (129’)
22:00 h (120’)
22:00 h (118’)
› Oil Rocks - City
above the Sea 52’
› Addicted in
Afghanistan 78’
› I Know Where I’m
Going 29’
› Videomappings:
Aida,
Palestine 46’
› Les racines du
brouillard 54’
› Entre La Gloria
y el infierno 26’
› The Most
Dangerous Man in
America 94’
› Primo-arrivants:
la classe
passarelle des
enfants de
l’École 10 16’
› Museo 51’
› Viatjants 51’
Documental
Creación
00:00
00:00
01:00
01:00
Instituto
Francés
Creación
19:30 h (130’)
A. Obomsawin
22:00
Casa
Árabe
13:00
P. Nacional
15:00
14:00
17:00
Cine Princesa
Sala 9
12:00
12:00 h (103’)
13:00
Cine Princesa
Sala 7
Filmoteca Española
Salas 1 y 2
Documental
447
19:30 h (87’)
› Maa Hatafet Lee
Gheerha 87’
P. Árabe
20:30 h (118’)
› Les LIP,
l’imagination au
pouvoir 118’
Trabajo:
¿(R)evoluciones?
Nacional
MARTES 11 TUESDAY 11TH
Cine Princesa
Sala 7
TUESDAY 11TH MARTES 11
Cine Princesa
Sala 9
Círculo de
Bellas Artes
Cine Palafox
Sala 2
Casa
de América
Filmoteca Española
Salas 1 y 2
12:00
12:00
13:00
13:00
15:00
14:00
14:00
16:00
16:00
17:00
17:00 h (125’)
› Just to Call You Dad 16’
› The Wood Floaters 109’
Creación
18:00
17:00 h (130’)
› Oil Rocks - City above the
Sea 52’
› Addicted in
Afghanistan 78’
17:00 h (59’)
Presentación
Cine Invisible
› Los hijos del Sáhara 30’
› Un puente sobre el río 29’
Nacional
Documental
Instituto
Francés
Centro
Hispano-Marriquí
17:00
17:00 h (118’)
› El pabellón alemán 14’
› Arquitectos del cuerpo 16’
› El mar de Barceló 88’
Casa
Árabe
17:30 h (105’)
17:30 h (83’)
› Nieuwe Gronden 30’
› The 400 Million 53’
› Giran 105’
18:00
P. Árabe
H. Eisler
Sala 1
18:30 h (72’)
19:00
19:00
18:30 h (49’)
› Rolando 16’
› La brujita 23’
› El Cholo Valderrama 33’
› Tukki, la huella ambiental 49’
Cine fórum ONG Fundación Cear
P. Latinoamericana
448
20:00
19:30 h (121’)
19:30 h (129’)
19:30 h (119’)
19:30 h (123’)
› Formol 15’
› Cuatro paredes y el
mundo 53’
› Rupi del vino 53’
› Be Water, My Friend 14’
› La tarea 27’
› Jaffa, the Orange’s
Clockwork 88’
› Kanehsatake: 270 Years of
Resistance 119’
› Hambre / Hachís 18’
› I love Benidorm 28’
› El regreso 77’
Creación
Documental
A. Obomsawin
Nacional
22:00
23:00
20:00 h (143’)
Sala 2
22:00 h (133’)
22:00 h (122’)
22:00 h (129’)
22:00 h (118’)
› No Bathing 22’
› Rezagados 25’
› Presunto culpable 86’
› Parallax 5’
› El oscuro vientre de una
ballena blanca 6’
› En cas de
depressurisation 46’
› La quemadura 65’
› Gene Boy Came Home 25’
› Waban-aki: People from
Where the Sun Rises 104’
› Siriman 15’
› La mort du petit lezard 31’
› My Beautiful Dacia 72’
A. Obomsawin
Nacional
Documental
› Eadet Khalek 80’
20:00
› Wilhelm Pieck-Das Leben
Unseres Präsidenten 48’
› Der Oktober Kam... 70’
H. Eisler
21:00
449
19:30 h (80’)
21:00
P. Árabe
20:30 h (75’)
20:30 h (80’)
› La historia que no contaron 75’
› Ils ne mouraient pas tous mais
tous étaient frappés 80’
P. Latinoamericana
Trabajo: ¿(R)evoluciones?
22:00
23:00
Creación
00:00
00:00
01:00
01:00
MIÉRCOLES 12 WEDNESDAY 12TH
Cine Princesa
Sala 7
Cine Princesa
Sala 9
WEDNESDAY 12TH MIÉRCOLES 12
Círculo
de Bellas Artes
Cine Palafox
Sala 2
Filmoteca Española
Salas 1 y 2
Instituto Francés
de Madrid
Reina Sofía
12:00
12:00
13:00
13:00
15:00
14:00
14:00
16:00
16:00
17:00
18:00
17:00 h (132’)
› El sueño del
Baobab 48’
› Pretarouca - temos
que ir com os
tempos 84’
17:00
17:00 h (127’)
17:00 h (85’)
17:00 h (120’)
› At Home with the
Jedi 10’
› Corumbiara 117’
Presentación libro
La casa abierta
› Family Gathering: A
Study Guide 30’
› Un’ ora sola ti
vorrei 55’
› 1929 - 2009 5’
› Abierto 24 horas 29’
› Centro 86’
Documental
Creación
Academia
de Cine
18:00
19:00
19:00
Casa
árabe
18:00 h (60’)
› July´71 in San
Francisco… 35’
› New York, Near Sleep
(for Saskia) 10’
› Florence 7’
› Boston Fire 8’
› El Greco en
México 55’
› Cuando la luz se
apaga 46’
› Los que se
quedan 98’
V. Leduc
20:00
19:30 h (128’)
19:30 h (130’)
19:30 h (87’)
19:30 h (112’)
› What Comes
Between 6’
› Waiting for the
Snow 38’
› Avenida Argentina 84’
› Forest of
Crocodiles 52’
› Budrus 78’
› Veradardz avetyats
yerkir 87’
› Ya viene, aguanta,
riégueme,
mátame 10’
› Si yo fuera tú me
gustarían, los
Cicatriz 22’
› Circo 80’
› Eadet Khalek 80'
P. Árabe
P. Nacional
18:30 h (76’)
Clase magistral
Valentina Leduc
› Melillenses 76’
Cine fórum ONG
Fundación Cear
19:15 h (83’)
H. Khachatryan
Documental
Creación
21:00
22:00
23:00
H. Eisler
Sala 2
Nacional
22:00 h (122’)
22:00 h (110’’)
22:00 h (122’)
22:00 h (135’)
› The One who Said No,
the One who Said
Yes! 39’
› P-Star Rising 84’
› Oh No, Not You
Again! 4’
› My Lost
Generation 32’
› Rabbit à la Berlin 39’
› Job and the Dutch
Free State 47’
› Sigwan 13’
› Is the Crown at War
with Us? 96’
› Elementime 11’
› Espíritus de
Drassanes 14’
› Tragovi 97’
› Let Each One Go
Where
He May 135’
A. Obomsawin
Nacional
20:00
20:30 h (107’)
› Volem rien foutre al
païs 107’
21:00
Trabajo:
¿(R)evoluciones?
22:00 h (123’)
Documental
19:30 h (63’)
19:30 h (117’)
› White Flood 16’
› A Child Went
Forth 20’
› Aktion J s81’
B. Russell
Sala 1
Centro
Hispano-Marroquí
17:30 h (80’)
P. Hutton
450
Casa Asia
17:00 h (98’)
17:30 h (101’)
Nacional
Casa
de América
› Zahra 63’
20:00 h (76’)
› Images of Asian
60Music 29’
› New York Portrait I, II
y III 47’
› Une vie normale 83’
P. Asiático
P. Árabe
20:00 h (95’)
› Mi terraza 13’
› Raza, el espíritu de
Franco 82’
G. Herralde
P. Hutton
21:00 h (84’)
› En el hoyo 84’
P. Latinoamericana
22:00
23:00
Creación
00:00
00:00
01:00
01:00
451
JUEVES 13 THURSDAY 13TH
Cine Princesa
Sala 7
THURSDAY 13TH JUEVES 13
Cine Princesa
Sala 9
Círculo de
Bellas Artes
Filmoteca Española
Salas 1 y 2
Academia
de Cine
Reina Sofía
12:00
12:00
13:00
13:00
14:00
15:00
14:00
16:00
16:00
17:00
17:00
Casa
de América
Casa
árabe
Casa Asia
Centro
Hispano-Marroquí
16:30 h (111’)
17:00 h (126’)
17:00 h (102’)
17:00 h (119’)
› Lavoratori 54'
› Tierra 72'
› Kond 40’
› Vaveragrogh 62’
› Kanehsatake: 270 Years of
Resistance 119’
T. Cotronei
H. Khachatryan
A. Obomsawin
18:00
› El conserje 20’
› Cuchillo de palo 91’
P. Nacional
17:30 h (87’)
17:30 h (87’)
› Unbändiges Spanien 87'
› Maa Hatafet Lee
Gheerha 87’
18:00
H. Eisler
Sala 1
P. Árabe
18:30 h (50’)
› Budapest Portrait 30'
› Lodz Sympkony 20'
19:00
19:00
P. Hutton
452
20:00
19:30 h (88’)
19:30 h (111’)
19:30 h (83’)
› Poeti veradardze 88’
› Christmas at Moose
Factory 13’
› Amisk 40’
› Mother of Many
Children 58’
› Les rêveurs de Mars 83’
H. Khachatryan
60
Documenta la conquista
espacial
A. Obomsawin
21:00
22:00
23:00
22:00 h (129’)
22:00 h (87’)
22:00 h (119’)
› Gene Boy Came Home 25’
› Waban-aki: People from
Where the Sun Rises 104’
› Space Sailors 87’
› Spitak qaghaq 37’
› Border 82’
Documenta
la conquista espacial
H. Khachatryan
20:00 h (126’)
20:00 h (79’)
› B & W Trypps #1 7’
› B & W Trypps #3 12’
› B & W Trypps #4 11’
› B & W Trypps #6 12’
› Workers Leaving the
Factory 8’
› Terra Incógnita 10’
› Daumë 7’
› Tjúba Tén / The Wet
Season 47’
› Landscape (for Manon) 18’
› In Titan’s Globet 10’
› Study for a River 16’
› Time and Tide 35’
P. Hutton
20:00
19:00 h (111’)
› Ángel Jové:
Cristófol - Pavese 25’
› El asesino de
Pedralbes 86’
› Capitalism: A Love
Story 103'
P. Latinoamericana
Cine fórum ONG
Fundación Cear
G. Herralde
60
21:00
› Uno, la historia de
un gol 70’
19:30 h (105’)
19:30 h (48’)
› Giran 105’
› Kleine Wölfe 48’
P. Árabe
P. Asiático
20:15 h (52’)
20:30 h (88’)
› Welcome to City Jail 52’
› Son del barro 25’
› África tierra madre 33’
› 1526 metros sobre el nivel
del mar 30’
P. Asiático
P. Latinoamericana
22:00
B. Russell
A. Obomsawin
23:00
00:00
00:00
01:00
01:00
18:30 h (103’)
18:30 h (70’)
453
viernes 14 Friday 14TH
Cine Princesa
Sala 7
Friday 14TH viernes 14
Cine Princesa
Sala 9
12:00
Círculo de
Bellas Artes
Academia
de Cine
Filmoteca Española
Salas 1 y 2
Reina Sofía
Casa
de América
Casa
Árabe
Casa
Asia
Instituto
Goethe
Centro Cultural
San Juan Bautista
12:00
12:00 h
Clase Magistral Peter Hutton
"La imagen y su eclipse"
13:00
13:00
15:00
14:00
14:00
16:00
17:00
17:00 h (117’)
› Preparativi di fuga 37’
› Ritrarsi 80’
T. Cotronei
16:00 h (95’)
16:00 h (80’)
› Interviews with My Lai
Veterans 22’
› Criminals 73’
› Rediscovering Pape 26’
› Paquita y todo lo
demás 54’
J. Strick
P. Nacional
16:00
17:00
17:00 h (109’)
› Richard Cardinal 29’
› Professor Norman
Cornett 80’
17:30 h (63’)
A. Obomsawin
18:00
18:00 h (77’)
18:00 h (100’)
› Musccle Beach 9’
› The Savage Eye 68’
› Amanar Tamasheq 15’
› Santa Lucía del Sahara 37’
› Chanson pour Amine 53’
J. Strick
18:00
P. Nacional
19:00
19:00
› Zahra 63’
P. Árabe
18:00 h (98’)
› Looking at the Sea 20’
› Skagfjördur 33’
18:30 h (94’)
› Two Rivers 45’
› La corona 40’
P. Hutton
› Crónica de un baile
de muñeco 54’
P. Latinoamericana
454
20:00
19:30 h (111’)
19:30 h (85’)
› Christmas at Moose
Factory 13’
› Amisk 40’
› Mother of Many
Children 58’
› Pax Americana 85’
Documenta la conquista
espacial
20:00 h (102’)
› Kond 40’
› Vaveragrogh 62’
H. Khachatryan
A. Obomsawin
23:00
22:00 h (109’)
22:00 h (87’)
22:00 h (186’)
› Sigwan 13’
› Is the Crown at War with
Us? 96’
› Veradardz avetyats
yerkir 87’
› He Fengming 186’
20:00
› Regen 12’
› Komsomol / Pesn o
Geroyakh 50’
H. Eisler
21:00
22:00
20:00 h (62’)
18:15 h (55’)
› Nero’s Guests 55’
18:30 h
Simposio Hanns Eisler
P. Asiático
19:30 h (55’)
› Alsandawich 13’
› Husan Alteen 12’
› Alahlam
Almomkena 30’
19:15 h (58’)
455
› Disorder 58’
P. Asiático
P. Árabe
20:00 h (60’)
› At Sea 60’
P. Hutton
21:00
20:30 h (74’)
› Bagatela 74’
P. Latinoamericana
22:00
22:00 h
Clausura
W. Bing
H. Khachatryan
A. Obomsawin
23:00
00:00
00:00
01:00
01:00
SÁBADO 15 SATURDAY 15TH
Sunday 16TH DOMINGO 16
Cine Princesa
Sala 7
Cine Princesa
Sala 9
12:00
Círculo
de Bellas Artes
Cine Princesa
Sala 7
Casa
de América
Cine Princesa
Sala 9
Círculo
de Bellas Artes
11:00
12:00 h (100’)
› La presa 16’
› Holidays 84’
› July´71 in San Francisco… 35’
› New York, Near Sleep
(for Saskia) 10’
› Florence 7’
› Boston Fire 8’
P. Nacional
12:00
13:00
Reina Sofía
11:00 h (60’)
P. Hutton
13:00
15:00
14:00
16:00
› Landscape (for Manon) 18’
› In Titan´s Globet 10’
› Study for a River 16’
› Time and Tide 35’
14:00
16:00 h (97’)
16:00 h (240’)
› Le ungie le lacrime la rosa 97’
› Tie Xi Qu: West of the Tracks I 240’
T. Cotronei
W. Bing
17:00
13:00 h (79’)
16:00
17:00 h
P. Hutton
16:00 h (120’)
16:00 h
› Tie Xi Qu: West of the Tracks
III 135’
Presentación Master Creación
Documental
Palmarés
W. Bing
17:00
18:00
17:00 h
Palmarés
18:15 h (95’)
› Interviews with My Lai Veterans 22’
› Criminals 73’
19:00
18:30 h (63’)
› Los mismos 6000 kilómetros que
nos separan 63’
J. Strick
18:00
18:00 h (98’)
P. Latinoamericana
18:15 h (77’)
456
› Musccle Beach 9’
› The Savage Eye 68’
19:30 h
Palmarés
20:00
21:00
19:00
20:30 h (119’)
20:30 h (176’)
› Spitak qaghaq 37’
› Border 82’
› Tie Xi Qu: West of the Tracks
II 176’
H. Khachatryan
W. Bing
P. Latinoamericana
› L'argent du charbon 52’
J. Strick
W. Bing
20:00 h (49’)
20:00 h (60’)
› Ascention 49’
21:00
22:00 h
P. Hutton
Palmarés
20:00
› Richard Cardinal 29’
› Professor Norman Cornett 80’
P. Hutton
21:00 h (120’)
A. Obomsawin
Palmarés
› At Sea 60’
Documenta la conquista espacial
20:30 h (109’)
22:00
› Looking at the Sea 20’
› Skagfjördur 33’
› Two Rivers 45’
19:30 h
20:30 h (53’)
› 16memorias 53’
18:30 h (52’)
› Malagasy Gospel 120’
P. nacional
23:00
22:45 h (98’)
22:00
› Space Tourists 98’
22:00 h
Documenta la conquista espacial
Palmarés
23:00
00:00
22:45 h (88’)
› Poeti veradardze 88’
H. Khachatryan
00:00
01:00
457
PARALLEL ACTIVITIES ACTIVIDADES PARALELAS
Sábado 8
12:00 h
Domingo 9
Martes 11
› Encuentros
con
realizadores
y público
› Encuentros
con
realizadores
y público
› Encuentros
con
realizadores
y público
› Encuentros
con
realizadores
y público
Miércoles 12
Matadero
Matadero
Matadero
Matadero
Jueves 13
Viernes 14
Sábado 15
Círculo de
Bellas Artes
› Presentación
Master
Creación
Documental
16:00 h
17:00 h
Cines Princesa.
Sala 7
P resentación
Festival Cine
Invisible
› Los hijos del
Sáhara 30’
› Un puente
sobre
el río 29’
Círculo de
Bellas Artes
› Tukki, la
huella
ambiental 49’
Cine fórum ONG
Fundación Cear
458
Presentación
libro La casa
abierta
› Family
Gathering 30’
› Un’ ora sola ti
vorrei 55’
Círculo de
Bellas Artes
› Melillenses 76’ › Capitalism:
Cine fórum ONG
A Love
Fundación Cear
Story 103’
Centro Hispano Cine fórum ONG
Marroquí
Fundación Cear
Centro Hispano
Marroquí
› Conferencia
Hanns Eisler
Instituto
Goethe
Centro Hispano
Marroquí
18:30 h
› Clase
Magistral
Valentina
Leduc
Casa de
América
› Performance
Ben Russell:
The Black
and the White
Gods
22:00 h
Central
de Diseño
Matadero
› La noche del
Super 8
23:00 h
Domingo 16
› Clase
Magistral Peter
Hutton
“La imagen
y su eclipse”
Lounge Bar
El Sector
EQUIPO ORGANIZADOR
DOCUMENTA
10
DOCUMENTA 10 ORGANIZATIONAL TEAM
ORGANIZA ORGANIZED BY
Área de Gobierno de Las Artes del Ayuntamiento de Madrid
Arts Department of the Madrid City Council
Director
Antonio Delgado Liz
EQUIPO DE PRODUCCIÓN PRODUCTION TEAM
Great Ways
Producción Production
Luis Collar
Directora de Producción Head of Production
Natalia Montoya
Jefa de Producción Production Manager
Sonia Fernández
Coordinación jurados. Secciones informativas
Jury Coordination. Informative Sections
Sol de Elia
Cristina Bernaldo, Hemi Fortes
Coordinación catálogo Catalog Coordination
Julio Fdez. Buxó
Redactora Writer
461
DOCUMENTA MADRID ORGANIZATIONAL TEAM
462
DOCUMENTA EQUIPO ORGANIZADOR
Invitados Guests
Sandra Ruesga, Myriam García, Virginia Calvache
Presentador gala de clausura Closing Ceremony Host
Antonio Muñoz de Mesa
Publicidad y colaboraciones Advertising and Collaborations
Verónica Jiménez
Making of
Filmo
Responsable página web Web Page Coordinator
Penélope Coronado
Edición vídeos Video Publishing
Dani Verdín, Wences Lamas
Responsable de prensa Press Officer
Sonia Uría
Fotografía y diseño Photography and Art Design
Rafael Jaramillo
Ayudante de prensa Press Assistant
Juan Ramón López
Maquetación catálogo Catalogue Layout Design
Alejandro Pacheco
Archivo Documenta Documenta Archive
Marta Cuevas
Foto fija Still Photography
Javier Gil Gutiérrez
Comisariado ciclo Peter Hutton Curator Peter Hutton series
Carlos Muguiro
Director financiero Financial Director
Miguel Ángel Arza
Corrector textos Copy Editor and Proof-reader
Juan Miguel de Pablos
Jefe de Contabilidad Head Accountant
Carlos Marín
Traducciones Translations
David Yium, Emma Muñoz Oates
Secretaria Secretary
María Peinado
Desarrollo web Web Design
Animo.es
Logística Logistics
Carmen Cañero
Regidor gala de clausura Closing Ceremony Stage Manager
Alberto García
Subtítulos Subtitles
Savinen Servicio de Traducciones – Valencia
Guionista gala de clausura Closing Ceremony Scriptwriter
Gonzalo de Pedro
Imprenta Printing
Egesa
463
AGRADECIMIENTOS
ACKNOWLEDGEMENTS
464
Óscar Amigo María Andura Andrea Ansareo Jesús Araque Juán José Baratas Paca
Barrera Cecilia Barriga Pablo Bautista Roberto Bayón Carlos Baztán Madeleine Bélisle
María Bella Miguel Ángel Benzal Pablo Berástegui Carlos Bernal Concha Bernarda Toni
Betrán Wang Bing Enrique Bocanegra Frank Buschman Felipe Cabrerizo José Antonio
Campos Juan Carrete Jesús Carro Eugenia de Castro Paloma Castro Samuel Castro
Enrique Cerezo Isabel Cisneros Mane Cisneros Cristina Conde Marco Coscione Carlos
Cuadros Lario Díaz Pablo Díaz Juan José Echeverría Mercedes Fernández María Jesús
Galera Marta García Noemí García Alejandro García Calvo Pilar García Elegido Gonzalo
García Pino Mario Gas Catherine Gautier Iván Giroud Laura Gómez Vaquero Enrique
González Khun Enrique González Macho Ángeles González-Sinde Ignasi Guardans
Montse Guiu Roberto Guijarro Andrea Guzmán Christian Haubner Carlos F. Heredero
María Isabel Hernández Vega Carlos Herranz Javier Huertas Ruth Kñallinsky Berit
Kramer Manuel Lagos Fernando Lara Valentina Leduc Roberto Leiceaga Gemma López
Chelo López Carlo Magnesi Margarita Maguregui Carlos Alberto Martins Diego Mas
Jon Mateo Lola Mayo Nuria Medina Pedro Medina Isabel de Miguel Lucila Moctezuma
Juan Montañez Javier Monzón Menchu del Moral Concha Moreno Carlos Muguiro
Antonio Muñoz de Mesa Antonio Notario Ruiz Pepa Octavio Ascensión Oliva Ixone Ortíz
Javier Packer-Comyn Alfonso Palazón Raúl Pedraz Jaime Pena Paco Pena Pedro Pérez
Luis Pérez Fontán Pere Pinyol José María Prado Basel Ramsis Javier Rebollo Sandro
Rizzoli Jesús Robles Chema Rodríguez Pere Roca Fernando Rodríguez-Olivares María
José Rodríguez-Olivares Andrés Ruiz Tarazona Hilario J. Rodríguez Ben Russell Rosa
Salesne Ana Sánchez Rafael Sánchez Karina Scarone Carmen Serrano Manuel Soria
Teresa Toledo María Antonia Torrejón Beatriz de Torres Manuel Troitiño Virginia Valverde
Juan Carlos Vázquez Manuela Villa Valentina Volpato Jara Yáñez Rubén Zamora

Descarga - Documenta Madrid

Transcripción

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