OCIMAG #51 (download pdf)

Chaqueta Lrg, pantalón American Apparel.
Foto: Isidro de Quesada. Estilismo: Anna Arroyo. Modelo: Oleg - Iconmodels.
STAFF
Dirección: Rubén Vidal.
Diseño gráfico y maquetación: Grafikproject.
Edición: Ángela de la Concepción.
Moda: Agustín Velasco, Anna Arroyo.
Música: Fernando Fuentes, Catalina Isis.
Contenidos de diseño y arte: Tactelgraphics.
Arquitectura: Ester Giménez.
Web: Estudio Brotons.
Publicidad y marketing: Lorena Solano / [email protected].
Publicidad y marketing: Beatriz Acosta / [email protected].
Distribución Valencia: Walk & Paste.
Distribución Barcelona y Madrid: Oci Magazine.
51
Han colaborado: Jacobo Sánchez, Pili Rodríguez, Carolina Sánchez, Estudio Merienda, David
Mingoranz, Le Petit Circus, Sergio Albert Fish, Diego González, Isidro de Quesada, Jordi
Surribas, Sara Cáceres, Rocío Ramos, Blanca Puebla y César Fernández.
Agradecimientos: Icon Models y Mad Models.
Edita: Rubén Vidal. Depósito legal: V-4859-2008. OCIMAG# 51 / marzo 2012.
Oci Magazine no se hace responsable de las opiniones de sus colaboradores.
Está prohibido reproducir el material que aparece en Oci Mag.
Versión online: www.ocimag.com
OCI MAGAZINE: Avda. Valencia, 67, 3.º, 9.ª, 46670. La Pobla Llarga - Valencia
(España). Información: [email protected]. Tel.: 962 971 002.
SUMARIO #51
Ilustra: Tactelgraphics.
Básics
06. Cajón desastre
70. Local.in / guía de locales
Moda
07.
08.
10.
12.
58.
64.
Wrangler. Get Your Edge Back
Feiyue. Volar hacia delante
News moda
Tom Van Der Borght
Don’t Fuck With My Money / editorial de moda
Jona Vark / editorial de moda
Diseño
14.
16.
18.
20.
22.
24.
26.
44.
News diseño y proyectos
Carles Rodrigo
Lucas Maassen & Sons Furniture Factory
Moses Bridge
Langarita-Navarro Arquitectos
Lo más de lo más
Bazar deco / Kids Power
Mondo Cómico
Música
28.
30.
32.
34.
36.
38.
40.
42.
News música
Rusty Warriors
El Columpio Asesino
Mendetz
Arctic Monkeys / crónica
Future Islands / crónica
Who’s the boss by Silvia Parda / crónica
De analógico a digital
Arte
50. ARCOmadrid 2012
52. Arte y expos
cajón desastre - reflexiones fuera de contexto / texto por Henry Holzwarth
Los héroes que callan
HENRY HOLZWARTH ES MÚSICO ELECTRÓNICO.
COMPONE Y PRODUCE CANCIONES PARA PUBLICIDAD
JUNTO A ELENA MANGA EN SU PROYECTO CONJUNTO
THOSETHINGSWEDO PARA MARCAS COMO GASTON Y
DANIELA O LUPO BARCELONA. LIDERÓ NEONFLASH,
GRUPO DE POP ELECTRÓNICO VALENCIANO QUE EN LOS
MTV EMA'S DEL 2010 FUE ELEGIDO UNO DE LOS CIEN
MEJORES ARTISTAS ESPAÑOLES. EN LA ACTUALIDAD
PREPARA SU PRIMERA REFERENCIA EN SOLITARIO BAJO
EL NOMBRE DE HOLZWARTH.
En el terreno de la creación musical, esa búsqueda suele muchas
veces consistir en una investigación de campo o, lo que es lo
mismo, en preguntar a tus colegas en los bares sobre trucos o
formas de hacer. Cierto día (rectifico noche), andaba yo dándole vueltas al ritmo de un tema, en particular a una transición
entre la estrofa y el estribillo de este. Me sorprendió que, ante
mis consultas, un reconocido baterista de la región me dijese
que el mejor arreglo posible para el paso de una parte a otra de
la canción fuese... la nada, o, si se quiere, el silencio. Desde
entonces intento seguir esa política en mis canciones: ante la
duda, el vacío. Uno de esos ejemplos del "más con menos", es
el que a mi entender proporciona la reciente obra de Nicolas
Winding Ref., Drive. Su protagonista, Ryan Gosling, interpreta
The Driver, un conductor de riesgo profesional y chofer de atracos a sueldo, solitario y reservado. De antemano, he de confesar que siempre me fascinaron esos héroes parcos en palabras,
gente de alma oscura y moral ambigua, de mirada intensa y
melancólica. Asimismo, tampoco creo que mi condición de freak
de los cómics y amante de los sintetizadores ayude mucho a una
valoración imparcial de la película por mi parte. Con todo, a mi
modo de ver, Drive es, a su manera, un western moderno, una
obra donde el propio director mira por el retrovisor a otros grandes clásicos del género sin perder un ápice de exquisitez y contemporaneidad. No me cansaré de decirlo, la originalidad está
sobrevalorada, y sí, casi todos bebemos de referentes y también
en este caso existen modelos pretéritos. Entre ellos, patrones tan
claros como el Interceptor (Mad Max, la primera) -western postnuclear donde los haya-, o por ejemplo el Bullit de Peter Yates.
No faltan tampoco planos aéreos tomados de la era de la ciencia ficción analógica, al más puro estilo Blade Runner. Pero
adonde quería ir a parar era a la morfología y construcción del
personaje protagonista que luce un escorpión dorado en el
dorso de su chaqueta de pandillero. Uno de esos personajes que
conjuga la herencia del mejor Alain Delon en El silencio de un
hombre y la de un joven Clint Eastwood en La muerte tenía un
precio. ¿Se trata, pues, de dejar espacio a la emoción de la contemplación? Quizá eso y grandes dosis de trabajo son lo que
compone un curioso ejercicio de cinefilia difícil de calificar. Algo
como lo que algún profesor pedante podría convenir en denominar un "film oxímoron", magíster dixit: aquel que llega a ser
capaz de generar un nuevo género partiendo de elementos dramáticos aparentemente contrapuestos. Efectiviwonder, amigo
lector: Drive es una película de acción intimista. No puedo dejar
de mencionar antes de acabar el modo en el que el realizador
orquesta musicalmente sus bellas escenas, casi todas ralentizadas por ritmos de pop electrónico y conducción nocturna. La
primera secuencia ya se convierte en toda una declaración de
intenciones. Tranquilos, siguiendo las costumbres de los bien
nacidos, I will not spoil the film. Solo me limitaré a traducir la
parte de letra de la canción que acompaña a dicha escena y que
interpretan Kavinsky & Lovefoxxx con vocoder: "Voy a hacerte
una llamada nocturna para decirte cómo me siento / Quiero
conducirte a través de la noche, tras las colinas / Voy a decirte
algo que no quieres escuchar / Voy a enseñarte dónde está la
oscuridad pero no hay miedo".
WRANGLER - PRIMAVERA-VERANO 2012: GET YOUR EDGE BACK
Wrangler presenta su nueva colección primavera-verano 2012, basada en los orígenes de la firma. Una revisión de sus clásicos y modelos más icónicos,
que se unen esta temporada a las tendencias más actuales y hacen de la colección una de las más esperadas dentro del sector del denim. Para ellas, la
primavera se tiñe de reminiscencias setenteras, como el pantalón de campana. Un patrón que se renueva en esta ocasión para convertirse en una de las
prendas estrella de la temporada. Se presentan así cuatro nuevos modelos para elegir: el Cary, con campana recta; el Bryn, de campana ligeramente
atrompetada; el Bethany, con una campana más relajada y cintura suelta, y el Laney, de cintura baja. Para completar el look de la chica Wrangler, el denim
se combina con prendas inspiradas en antiguas piezas vintage de la firma, cazadoras cortas y ajustadas que ayudan a recrear un estilo chic y sofisticado.
El selvedge, seña de identidad de los tejidos denim más tradicionales, se convierte en la apuesta más fuerte de Wrangler para esta temporada bajo el
lema "Selvedge para todos". Para diferenciar un tejano selvedge de otro, basta con subir el dobladillo: si se aprecia un material de distinto color en las
costuras, es un auténtico selvedge. Esta técnica milenaria, que solo tres firmas clave en la historia de los jeans han usado, se podía encontrar hasta ahora
en la gama alta de Wrangler: Blue Bell. La novedad esta temporada es que, por primera vez, aparece en muchos de los patrones para chico, en camisas
y accesorios. Algunos ejemplos son los jeans Evan, de talle alto; Spencer, pitillo, y Ben, con antifit: mucho más suelto. Los accesorios de la colección
también respiran de esta vuelta a los orígenes del denim jugando con el contraste del azul índigo más puro y el blanco de las costuras. Wrangler propone
un total look denim, en su acabado más puro, combinado con cinturones de cuero en tonalidades arena, para los chicos más sofisticados. Y crea el
concepto Westside Hipster, para las almas más jóvenes, con pantalones desgastados conjuntados con partes de arriba de prints vintage. Todo esto se
recoge en un vídeo interactivo disponible en la web de la firma: www.wrangler-europe.com.
FEIYUE
Volar hacia delante
DE SU NOMBRE ORIGINAL SE DESPRENDE LA FILOSOFÍA DE LA MARCA: QUE PRONUNCIADO "FEI-UE", SIGNIFICA "VOLAR HACIA DELANTE".
CONSERVANDO SU ESTILO VINTAGE Y SU AUTENTICIDAD, PERO CON UNA COMPLETA REVISIÓN DE SUS PATRONES ORIGINALES, FEIYUE HA
SABIDO RENOVARSE SIN PERDER NADA DE SU TRADICIONAL ESENCIA.
Texto: Anna Arroyo
Hablar de Feiyue es hablar de historia: su nacimiento se remonta a la década de 1920, en Shanghái, y se convirtió en un calzado de culto durante los años
treinta, debido a su robustez, flexibilidad y comodidad. Fueron símbolos importantísimos para sus mayores seguidores de aquella época, los practicantes de
las artes marciales y de diferentes disciplinas atléticas. Su nombre original era Fei-ue y de él se desprende la filosofía de la marca desde sus inicios hasta el
día de hoy. Fue en el año 2006 cuando la marca fue retomada por Patrice Bastian, un joven empresario francés apasionado por la cultura urbana y las
zapatillas deportivas. Un grupo de artistas rediseñó Fei-ue para crear Feiyue, una renovación que conservó su estilo y su autenticidad, revisó todos sus
patrones originales sin perder nada de la tradición, consiguió renovar esta zapatilla de culto y la acercó a la filosofía que hoy impera en la reconocida marca.
Sus campañas de imagen y publicidad son un total reflejo de su espíritu aventurero y viajero. Después de Circles, Neon&Birds y Shapes, esta temporada
presenta su cuarto capítulo Playgrounds. La nueva campaña de Feiyue recrea el viaje de un grupo de jóvenes por los alrededores de la ciudad de Los Ángeles.
La fotógrafa Estelle Rancurel y la estilista Delphine Brossard han sido las artífices de estas instantáneas que consiguen transmitir una estética vintage, natural,
dinámica y divertida a la vez, ya que la marca con Playgrounds quiere representar y transmitir los rasgos de Feiyue, una apuesta por la mezcla de
personalidades y estilos así como los múltiples lugares y ocasiones en los que poder llevar unas Feiyue. Recuerdos, imágenes, impresiones y estados de ánimo
recogidos a lo largo de sus viajes son la clave para la constante evolución de la identidad de la marca, que busca su fuente de inspiración por todos los
rincones del mundo. La fascinación por el arte urbano, la música y los viajes son la nutrición de este equipo en constante movimiento, en el que sus códigos
se impregnan de influencias francesas e internacionales. Este año, además de su colección de hombre, la gama de sus productos se enriquece al realizar
por primera vez diseños para mujer y para niño. www.feiyue-shoes.com
news moda
Converse All Star & Gorillaz
LEVI'S CURVE ID
Esta primavera-verano 2012, Levi's® Curve ID amplía su
selección de jeans lanzando sus Ankle Skinny, jeans tobilleros,
que por primera vez puedes encontrar en tres colores
vibrantes: rosa coral, lila y azul celeste. La línea de jeans
Levi's® Curve ID, se distingue por dar importancia a la silueta y
no a la talla. Mira e identifica tu figura para elegir el jeans que
mejor se adapte a la tuya: el Slight Curve, diseñado para
figuras rectas ajustándose a la silueta; el Demi Curve, diseñado
para ajustarse a proporciones uniformes y favorecer la cintura;
el Bold Curve, diseñado para realzar las curvas genuinas, y el
Supreme Curve, que se adapta a las curvas más marcadas.
Levi's®, cuatro estilos ¡para que elijas el que mejor te quede!
www.eu.levi.com
Para la próxima temporada primavera-verano 2012, Converse presenta
una colaboración con el grupo musical Gorillaz. La colección ha sido
diseñada por el cocreador de Gorillaz y diseñador, Jamie Hewlett. Cuatro
diseños en los que combinan sus diferentes orígenes e influencias para
crear una colección única, que incorpora elementos de sus innovadoras
obras. La asociación con Gorillaz también incluirá una colaboración
musical que coincidirá con el lanzamiento de la colección bajo el
proyecto Three Artists. One Song de Converse, creado con el objetivo
de reunir artistas de diferentes orígenes y estilos para crear una nueva
canción y que ya ha contado con el apoyo de un gran número de ellos
desde sus inicios. ¡Porque la unión hace la fuerza! www.converse.es
Hilfiger Denim & Disney
Hilfiger Denim, en colaboración con Disney, realiza una minicolección de camisetas en
edición limitada. Personajes familiares y entrañables como Mickey Mouse, Minnie,
Bambi, Goofy… han sido rediseñados para unir el estilo de ambas firmas. Los dibujos
originales Disney han sido realizados de nuevo para conseguir una estética más vintage
en la parte masculina. En la femenina, los fondos florales y el paisley se unen a los
zapatos, el lazo y los lunares de la falda de Minnie Mouse cubiertos de diamantes.
Todas las camisetas incorporan el exclusivo logo Disney meets Hilfiger Denim,
especialmente diseñado para la ocasión a partir de la combinación de las famosas
orejas de Mickey. ¡Una bonita aventura! www.tommy.com
Lee® Stretch Deluxe
La legendaria marca Lee® continúa en su línea de adaptación a los tiempos y a las nuevas
generaciones de seguidores, que hacen que el denim sea una tejido de tendencia una
temporada tras otra. Esta temporada, Lee® quiere adaptarse a ello, como lo hace el Stretch
Deluxe. Este exclusivo tejido confiere al denim absoluta elasticidad y flexibilidad y ofrece así
total comodidad y libertad de movimiento al cuerpo femenino. Ajustados y favorecedor, el
Lee® Stretch Deluxe se adapta como una segunda piel. Cintura baja, ajuste skinny, o el
Scarlett de cintura media y pitillo son una fantástica elección. Encuentra tus Lee® entre sus
casi infinitos acabados y no te quedes sin ellos. www.lee.com
CARHARTT
WORK IN PROGRESS
Carhartt Wip sorprende a sus fieles seguidores con la nueva campaña
publicitaria y el concepto “Constructed Reality”. La idea principal,
creada por el fotógrafo fetiche de la firma, Alexander Basile, es huir
de la perfección utilizada en el mundo publicitario y no esconder
nada de nada. De ahí los modelos en actitud distraída, el set, detalles
propios de una producción que luego se ignoran y omiten… El
conocimiento del fotógrafo sobre la marca y su desarrollo, tras once
años de trabajo conjunto, hace que el resultado sea extraordinario,
lo que facilita expresar en imágenes la visión y el afán de ver más allá
de Carhartt Wip, y logra que su nueva campaña sea todo un éxito e
innovación. Constructed Reality. ¡La realidad llevada a la excelencia!
www.carhartt-wip.com
DIESEL
actitud de vanguardia
Diesel nos propone para esta nueva temporada primavera-verano
2012 un nuevo estilo de mujer: moderna, cosmopolita y seguidora
de la vanguardia, pero sin perder ni un átomo de la frescura e innovación que caracteriza a la marca. Talles altos para dibujar la silueta,
perfecta combinación de colores y tejidos, amplias campanas y asimetrías: todo ello en perfecta armonía es lo que caracteriza a la
nueva chica Diesel. La paleta de colores está basada en negros sólidos, blancos y grises, pero también destacan, cómo no, los tonos
favoritos de Diesel: el verde militar y el color añil, un toque de naranja y sutiles serigrafías que hacen de esta colección casi todo un ejercicio de estilo de vida. !Diesel, visión de vanguardia! www.diesel.com
TOM VAN DER BORGHT
Creador de realidades alternativas
BÉLGICA Y SU FAMOSA ACADEMIA DE MODA DE AMBERES SON UNA FUENTE INAGOTABLE DE
TALENTOS SIN PARANGÓN. LOS CREADORES MÁS RUPTURISTAS DEL ÚLTIMO CUARTO DE SIGLO
LLEVAN SU SELLO DE CALIDAD, Y PARECE QUE EN EL FUTURO NO DEJARÁ DE SORPRENDERNOS. UNO DE LOS DISEÑADORES MÁS IMPACTANTES QUE ESTÁN A PUNTO DE SALIR DE ESTA
ESCUELA ES EL BELGA TOM VAN DER BORGHT, QUE CON 27 AÑOS SE DIO CUENTA DE QUE SI
UNO NO PUEDE CAMBIAR EL MUNDO, LO MEJOR QUE PODÍA HACER ERA INVENTARSE UN UNIVERSO PROPIO. “EMPECÉ A CUESTIONARME EL SISTEMA Y LOS FUNDAMENTOS DE LAS
ESTRUCTURAS SOCIALES Y DEL COMPORTAMIENTO HUMANO. ¿POR QUÉ LO ‘NORMAL’ ES
NORMAL Y POR QUÉ LO ‘EXTRAÑO’ ES EXTRAÑO? BJÖRK LO DESCRIBIÓ MUY BIEN EN UNA DE
SUS CANCIONES, EN LA QUE DECÍA QUE, SI ALGUNA VEZ TE ACERCAS AL SER HUMANO Y AL
COMPORTAMIENTO HUMANO, ESTATE PREPARADO PARA SENTIRTE DESORIENTADO.”
Entrevista: Agustín Velasco / Foto: Alexander Popelier (www.zoob.be)
¿Qué aspectos te gustan más de tu profesión? Es difícil de decir. En verdad
me gusta todo el proceso de crear una colección, y cada parte tiene su
encanto y su dificultad. Pienso que me gusta el hecho de que de una amplia
investigación pueda llegar a crear un pequeño universo personal. Primero,
sobre el papel, y después empieza a crecer en tres dimensiones. Esa es la
parte que más me excita. ¿Cómo describirías tu universo creativo? A primera vista, mi trabajo puede parecer muy lúdico, naif e infantil, pero si miras
más en profundidad encuentras siempre una amplia gama de lados oscuros,
extraños requiebros y tensión sexual oculta debajo de la superficie. Los contrastes me atraen, al igual que las cosas ocultas. Me gusta considerar mi
ropa una visión sobre cómo un "nuevo" mundo o la siguiente generación
vestirá, liberado de las cargas del pasado. En esa línea, creo que mi trabajo
siempre tiene algo muy innovador, pero todavía con referencias fuertes a
una naturaleza nostálgica. Por último, pero no por ello menos importante,
me gusta aportar algunos elementos humorísticos a mi trabajo. No es sano
tomarse demasiado en serio, pienso, y menos en moda. Solo somos personas que llevamos ropa, así que mejor hagámoslo divertido, ¿no? ¿De dónde
surgen las ideas que terminan convirtiéndose en una colección? En general
se podría decir que me gusta crear una imagen de un superhumano.
Poderosos looks basados en volúmenes potenciados. Para cada colección
desarrollo un nuevo concepto y una nueva investigación que desarrolle la
visión que tengo en mi cabeza. Mi última colección se llama Transformama
y muestra la imagen de una ama de casa transformer para la que me he
basado en las viejas fotos de mi madre. Yo tenía en mente un concepto de
street couture, un choque estético entre mi madre y cierta inspiración street personal, una combinación de innovación y nostalgia. La importancia de
los detalles, como los accesorios, se inspira en los antiguos bailarines indios
kathakali, que se transforman mediante la indumentaria en superhumanos.
El trabajo sumamente gráfico de Victor Vasarely formó parte de las referencias tomadas para el trabajo en punto y las estructuras de telas con incrustaciones. ¿Qué diseñadores son tus referentes? Es difícil de decir porque,
hay muchos talentos impresionantes alrededor. Si debo elegir algunos nombres, me quedo con Alexander McQueen, Bernhard Wilhelm e Iris Van
Herpen. ¿Te interesa la moda masculina? Por supuesto que también estoy
interesado en diseñar para el hombre. Quizás en el fondo soy incluso más
diseñador de moda masculina que de femenina. Hice una colección para
hombre en el pasado, y en este momento trabajo en una para mi graduación. ¿Es la música una pieza importante en tu proceso creativo? La música
ha sido siempre mi mayor inspiración. Cada colección tiene su propia playlist en la librería de mi iTunes. Es el primer paso para formar una actitud, una
disposición a crear una historia. Tengo unos gustos musicales muy amplios,
a pesar de que mi tendencia es escuchar mucha música electrónica y
rhythms. Son como el latido profundo de mi colección. Es ese éxtasis que la
música me proporciona lo que trato de canalizar mediante mis colecciones.
news diseño y proyectos / por Tactelgraphics - tactelgraphics.tumblr.com
DAS BÜFETT ESTRENA WEB
Das Büfett son Tactelgraphics. Este estudio de diseño creó esta marca como herramienta de trabajo
para sacar colecciones de camisetas ilustradas. Por un lado, las camisetas son un formato capaz de dar
a sus diseños e ilustraciones una funcionalidad alejada del papel y la pantalla, y, por otro lado, constituyen un vehículo de promoción en ellas mismas, una forma de dar a conocer sus creaciones fuera de los
cauces habituales haciendo su trabajo más accesible a la gente de la calle. Ahora, y con motivo del tercer aniversario de la marca, estrenan web con nuevos y diversos proyectos relacionados con sus arty
shirts. www.dasbufett.com
Jules Julien
God is an illustrator
Jules Julien es ilustrador; podríamos decir que su trabajo gira en torno a la
identidad: blasones, cadáveres exquisitos, retratos… Julien pone en escena
un mundo donde el símbolo se funde con la anécdota y donde lo extraño se
oculta detrás de las imágenes, todo ello realizado meticulosamente con la
mayor de las destrezas. Jules Julien se cuestiona la realidad del mundo que
nos rodea. Se inició en el 2006 como si de una investigación personal se tratase, y mediante sus dibujos y el diseño ha llegado a introducir su obra en
Europa, Japón, EE. UU. y Australia gracias a diferentes galerías de arte. Dice
inspirarse en la poesía de Arthur Rimbaud: "Nunca es suficiente ver lo que se
encuentra en la superficie. Cuanto más compleja y profunda sea una obra,
más me interesa". julesjulien.com
GUÍA RUZAFA.
Valencia se moderniza...
Harto es sabido por todos los valencianos que, en este pasado 2011, el barrio de Ruzafa ha estado en constante expansión cultural. A lo largo de los meses no han parado de abrir
estudios de diseño, arquitectura, interiorismo, galerías de
arte y diseño, librerías especializadas, teatros, clubs de música, salas de conciertos, tiendas vanguardistas… Pues bien, el
barrio entero se ha unido en una iniciativa que no tiene nada
que envidiar a ningún Soho londinense: la guía Ruzafa. Dicha
guía está disponible en más de cincuenta establecimientos de
todo el barrio, y destaca su espectacular diseño a cargo del
joven Estudio Merienda. Pues nada, ya sabéis: si venís a
Ruzafa, haceos previamente con la guía para no pasar nada
por alto. www.guiarussafa.org
FAT BOTTOM
Autoedición encuadernada
Fat Bottom es un librería de arte, diseño, ilustración, cómic… enfocada
sobre todo a la autoedición. Un único espacio construido por ellos mismos a partir de fórmica, papel de pared hiperrealista y muebles encontrados. Agradecen cualquier sugerencia y comentario sobre sus maravillosos cómics y libros gráficos (!o sobre lo que sea!). Y, por el mismo
motivo, piden paciencia... Si no encuentras lo que buscas, piensa que,
si lo han tenido, seguramente estará a punto de volver a llegar; y, si no
lo han tenido nunca, quizá sea el momento de incorporarlo: !diles qué
te gustaría tener y ellos te lo consiguen! Hermanados con la librería
Slaughterhouse de Valencia (barrio de Ruzafa), son ahora mismo un
punto de referencia en Barcelona. Además, todos los meses organizan
una exposición nueva y tantos eventos como les sea posible apadrinar.
Si quieres llegar "Al Fons"..., contacta con ellos. fatbottombooks.com
THOMAS DOZOL
Más allá de R.E.M.
Hace más de doce años que Michael Stipe, cantante de
R.E.M., y Thomas Dozol, fotógrafo de profesión, son pareja.
Thomas Dozol, nacido en Cannes, tiene la suerte de poder
decir que como debutante ya ha expuesto en París, Nueva
York y Atenas. Discreto a la par que humilde, sus imágenes
están repletas de obsesiones por la masculinidad, con instintos
sensibles o geométricos, desnudos sin pudor y no exentos de
elegancia. Pues bien, ahora mismo es noticia (por lo menos
para nosotros) porque es el invitado especial de la nueva Kink
(la número 15) de los geniales Paco y Manolo. Esperamos
igualmente que alguien se interese por semejante talento y
nos traiga su muestra I'll be your Mirror (título cogido
expresamente de la Velvet Underground, claro está) a tierras
levantinas. thomasdozol.com
CLOAQUE.ORG BY CARLOS SÁEZ
Cloaque.org es el primer vertedero digital. Un lugar en el que se almacena, trata y ensambla toda esa basura virtual generada a raíz de la democratización de internet. Desde el
boom del blog, todo el mundo tiene acceso a subir cualquier tipo de información o material gráfico a la red. Esto genera digital trash: material gráfico absurdo, innecesario y a veces
maravilloso, que flota olvidado en algún lugar de Google imágenes. Carlos Sáez se encarga de recopilar toda esa basura para crear una columna de compost interminable. Además
de servir como catálogo para el entretenimiento visual, en Cloaque.org podrás encontrar
colaboraciones con artistas, juegos virtuales y música para descargar de forma gratuita
desde la propia página. Cloaque.org se encuentra dentro de la red social Tumblr, por lo que
podrás seguirla. www.cloaque.org
CARLES RODRIGO
ONE DAY IT WILL HAPPEN
SU TRABAJO ESTÁ FORMADO POR RELATOS INCOMPLETOS CREADOS A PARTIR DE SENSACIONES VIVIDAS,
NARRACIONES DE UNA HISTORIA FORMADA POR ESPONTÁNEAS IMÁGENES QUE TRANSMITEN INTIMIDAD
Y MELANCOLÍA. CON UN DELICADO TRATAMIENTO DE LA LUZ CONSIGUE CREAR UNA AMALGAMA DE
ATMÓSFERAS UN TANTO ONÍRICAS Y MISTERIOSAS. HA TRABAJADO CON ALGUNAS EMPRESAS COMO
WOMEN’S SECRET (ESPAÑA), BREAD’N’BUTTER (CHINA) Y TOURSPAIN (ESPAÑA). SUS INFLUENCIAS E
INTERESES VAN DESDE LA MODA Y EL ARTE HASTA EL INTERIORISMO Y LA MÚSICA. PUES ESO, CARLES
ALGÚN DÍA TENÍA QUE OCURRIR… WWW.CARLESRODRIGO.ES
Entrevista: Tactelgraphics
Te formaste como diseñador industrial. ¿Cómo empezaste en esto de la
fotografía? La verdad, siempre me ha atraído la fotografía, pero de una
forma diferente. Cuando era pequeño hacía fotos de viajes y otros momentos para recordar; todo cambió cuando, durante la carrera de diseño industrial, escogí una asignatura de libre elección en la que se enseñaban conceptos básicos de fotografía y revelado en blanco y negro en cuarto oscuro, ese fue el momento en que empecé a interesarme realmente por la
fotografía. ¿Lo consideras una pasión/hobby o un posible modo de vida? El
nivel de importancia que la fotografía ejerce en mi vida ha ido evolucionando con el paso del tiempo. Ahora mismo lo considero como una necesidad,
es algo que tengo presente todos los días, con lo que convivo y que me
guía en muchos momentos. En tu fotografía veo claros referentes como
Wolfgang Tillmans o NanGoldin… ¿Me equivoco? Claramente, su estilo
puede definirse como un diario fotográfico; siempre me ha interesado este
tipo de fotografía intimista que muestra la vida real o inventada de una persona mediante imágenes. Para definir tu estilo es necesario saber quién
eres, y la mejor forma es hacerlo cómodamente, por eso yo lo hago con mi
entorno más cercano: mi vida y mis amigos. Aun así, tengo muchísimas
referencias, como por ejemplo, Lina Scheynius, Mark Borthwick,
RyanMcGinley y un largo etcétera, además de algunos fotógrafos menos
conocidos gracias a internet y principalmente al Flickr: desde que empecé
con el diseño no he parado de buscar información por internet. Veo una
clara evolución en tu obra. Pareces huir de la imagen puramente estética
hacia lo que sería la fotografía "documentada". Al principio buscaba la
imagen perfecta para mí, que esta hablase por sí sola y expresase cualquier
cosa que tuviese en la cabeza, pero cada imagen era un mundo diferente.
Ya desde hace algún tiempo, y creo que gracias a las clases en BlankPaper,
busco contar una historia con más de una imagen, tener un proyecto conjunto y deshacerme muchas veces del exceso de perfección compositiva.
Por eso considero el diario fotográfico como mi estilo e intento hacer de mi
fotografía algo más documental y más íntimo. ¿Qué opinas de la autoedición y de los libros de artista? Estoy totalmente a favor de la autoedición,
es una forma de apostar por uno mismo y de ir más allá de la propia fotografía, en este caso. Los fotolibros son una forma de presentar el trabajo
más duradera que una exposición, y sobre todo más barata que comprar
una obra. Están al alcance de prácticamente todo el público, son en cierto
modo una novela ilustrada. De hecho, tengo un proyecto vinculado con
todo esto. Fuiste seleccionado en la XIII Convocatoria Internacional de
Jóvenes Artistas de Luis Adelantado y acabas de inaugurar una exposición
individual en EspaiTactel. Sí, lo de Luis Adelantado fue un poco por casualidad y una gran sorpresa. Unos meses antes de la convocatoria estaba trabajando en un proyecto de autoedición, un cuaderno fotográfico. Era básicamente un pequeño fotolibro basado conceptualmente en los cuadernos.
Cuando vi la convocatoria, simplemente lo presenté, no perdía nada y fue
una gran noticia que me seleccionaran. Era una de mis primeras incursiones en el mundo de las galerías de arte y aprendí mucho trabajando y compartiendo con Olga, la comisaria de la exposición. Fue el año pasado cuando mis colegas y amigos, Juanma e Ismael, me propusieron entrar en su
proyecto, lo que acepté con mucha ilusión; participé en la primer exposición colectiva y ahora me ha tocado la individual. Ha sido un gran reto para
mí, nunca había hecho ninguna expo individual. Es mucho trabajo, pero
también es emocionante ver los resultados. ¿Te sientes apoyado por las ins tituciones culturales públicas de tu ciudad? ¿O más bien todo lo contrario?
Por ahora no he tenido ningún tipo de apoyo de ninguna forma por parte
de instituciones públicas valencianas. ¿Realmente existe algún tipo de ayudas para jóvenes creadores? Creo que pocas, por no decir ninguna. Si se
quiere hacer un avance cultural para llegar al nivel de otras ciudades o países, se debería trabajar más en este tema, el cual está muy abandonado en
esta ciudad. Sinceramente, creo que Valencia tiene una cultura artística
muy pobre. ¿En qué andas liado ahora mismo? Ahora mismo estoy en el
curso para el que fui becado por la escuela BlankPaper, tengo un proyecto
en esta compartido con los compañeros y mi tutor. Por ahora solo puedo
decir que tengo un proyecto relacionado con los olores del que he recibido
apoyo de una empresa americana muy importante dentro del sector.
Lucas Maassen & Sons Furniture Factory
Texto: Estudio Merienda / Foto: Mike Roelofs
Se trata de un proyecto conjunto que dirige un padre con sus tres hijos, o quizá sean tres niños con su padre. El diseñador holandés Lucas Maassen ha
decidido diseñar y fabricar una colección de muebles contando con la ayuda de sus tres hijos: Thijme, de 9 años, y Julian y Maris, de 7. El punto de partida del proyecto nace con la idea del padre de enseñar a sus hijos la ética del trabajo. "Yo quería empezar un negocio familiar y mis hijos eran tan importantes como yo en este proyecto", dice Maassen. Así pues, Lucas diseña y fabrica los muebles (una colección de mesas, sillas, armarios y espejos hechos
en madera de pino, lo que supone una producción barata y muy fácil de fabricar) y son sus hijos quienes dan color a cada mueble sin más herramientas
que un mono de pintor, un cubo y una brocha. Holanda, donde la edad mínima para trabajar es de 14 años, posee unas reglas estrictas para permitir la
contratación de menores. En este caso, Maassen contrata a sus tres hijos pagándoles un euro por cada pieza de mobiliario que pinten trabajando un máximo de tres horas a la semana. La producción es lenta, pero compensa al encontrar como resultado piezas únicas y de gran contenido emocional en el que
el aspecto inacabado y detalles como el goteo o los trazos de la brocha dan un valor añadido, y en que cada pieza tiene una historia propia. Lucas utiliza
este proyecto como una mirada crítica a la explotación infantil en la producción masiva de Oriente. Hemos visto empresas y diseñadores que dedican piezas en exclusiva al sector infantil, como el ejemplo de Vitra y Magis o Mariscal, es decir, adultos diseñando piezas para niños. Pero con esta iniciativa de
Lucas Maassen se cambian las tornas y son los niños quienes diseñan piezas para los adultos. Desde luego, proyectos como este dan un punto de vista
diferente. Siempre se ha sabido que los niños tienen una capacidad especial para ver las cosas de manera distinta a los adultos. Si se aprovecha esa capacidad y se canaliza hacia actividades como el diseño, podemos disfrutar de resultados que transmiten diversión, desenfado, ternura y pureza con pinceladas de inconsciencia e inexperiencia que dotan al mueble de un encanto único. www.lucasmaassen.nl
MOSES BRIDGE
El puente invisible
UN PUENTE NO SIEMPRE QUEDA SUSPENDIDO EN EL AIRE; A VECES ES UNA
LÍNEA QUE TALLA LA SUPERFICIE DEL CANAL. ASÍ LO DEMUESTRAN LOS
ARQUITECTOS DEL ESTUDIO RO & AD CON SU MOSES BRIDGE, UNA INGENIOSA
SOLUCIÓN QUE SEPARA LAS AGUAS EN DOS.
Texto: Ester Giménez / Foto: RO&AD
Según la Real Academia Española, la definición de puente, del latín pontis,
es la transcrita a continuación: “Construcción de piedra, ladrillo, madera,
hormigón, etc., que se construye y forma sobre los ríos, fosos y otros sitios,
para poder pasarlos”. Sin embargo, ni esta ni ninguna de las catorce acepciones que suma la Academia para definir el término se corresponde con lo
que nos demuestra el Moses Bridge “puente de Moisés” de los arquitectos
RO&AD. Este puente de nombre bíblico posee una particularidad: no se
erige sobre el canal, sino, literalmente, en el canal. La solución que proponen los arquitectos tampoco se corresponde con lo que enseñan en las
escuelas de ingeniería: la construcción no sobrevuela el agua, la divide en
dos, como hizo Moisés con las aguas del mar Rojo. El proyecto, realizado en
el 2011, se sitúa en la línea defensiva junto a la localidad de Bergen op
Zoom, un pueblo ubicado en el sureste de los Países Bajos. Al situarse en la
frontera con Bélgica, la localidad se convirtió en zona de paso durante la
guerra de Flandes y de sucesión austríaca. La línea defensiva se ideó para
proteger de los asedios de españoles, franceses e ingleses durante el siglo
XVII, y de esta manera se construyeron fortalezas, diques y canales en toda
la región limítrofe. Cuando la localidad decidió restaurar esta línea defensiva encargó al joven estudio holandés RO&AD la construcción de un puente
peatonal ubicado en uno de sus fosos, el Fort de Roovere. Probablemente
no esperaban la solución aportada: el puente no se eleva por encima del
cauce, sino que rompe las aguas del canal en dos partes. El resultado del
puente construido no solo es ingenioso, sino que consigue integrarse perfectamente en el paisaje, trazando una línea en la cuenca del canal que
parece haber estado siempre allí. El proyecto tiene la virtud de las buenas
soluciones paisajísticas, pues apenas mancha el territorio y se camufla en él
convirtiéndose en un puente casi invisible. El Moses Bridge dibuja la sección
de la cuenca en el entorno; de hecho, se ciñe escrupulosamente a la línea
de su sección. Al contemplarlo no podemos dejar de pensar: siempre existe una posibilidad en la que no habíamos reparado antes. Los viandantes
que deciden atravesar el canal y observar de cerca la división descienden por
unas escaleras 910 metros bajo el nivel de la superficie, para luego volver a
subirlos y alcanzar la otra orilla. Desde el principio los arquitectos lo tuvieron muy claro, un puente convencional resultaría contradictorio con la condición defensiva original. Con la solución propuesta, el agua del canal conserva su carácter infranqueable y el puente se convierte en un homenaje,
casi invisible, a la línea defensiva. Los materiales para la realización del proyecto fueron escogidos para asegurar la máxima resistencia al agua y a la
erosión. El puente se construyó con dos tipos de madera: la accoya, una
madera artificial patentada y creada a partir de coníferas, y el angelim vermelho, un árbol tropical brasileño. Dadas las particulares condiciones
ambientales, el puente ha sido recubierto con polímeros elásticos que lo
protegen de los agentes atmosféricos y aseguran una correcta conservación. Cuando revisamos los proyectos de los arquitectos RO&AD, después
de conocer el puente tallado en el canal, la sospecha se confirma: su trabajo es agudo e ingenioso, elegante y detallista. El equipo aborda desde diseños de pequeños objetos hasta soluciones constructivas sorprendentes. Sus
proyectos son abundantes y cuidadosamente escogidos, en cada detalle se
reconoce una marca peculiar. Como en el puente de Moisés, algo nos indica que nunca se conforman con la idea convenciona, y los resultados de sus
proyectos lo demuestran. Debemos estar atentos a los próximos pasos de
RO&AD, después de contemplar el Moses Bridge, sería quizás tiempo de
revisar nuestra definición de puente…
LANGARITA-NAVARRO ARQUITECTOS
Jóvenes y sobradamente preparados
Texto: Ester Giménez
Es posible que caminando por el paseo del Prado, dejando atrás el edificio del CaixaForum de Herzog y de Meuron y callejeando por los alrededores, muchos
hayáis descubierto una medianera que nada tiene que envidiar al jardín vertical proyectado por Patrick Blanc junto al acceso del conocido edificio. Con un
poco de suerte habréis podido observar en pleno funcionamiento la Led Action Façade que el joven estudio de arquitectura Langarita-Navarro diseñó para
el Medialab Prado en el 2007. Mucho tiempo ha pasado desde que el estudio apostó por la incorporación de las nuevas tecnologías en el espacio público.
Sus proyectos realizados los últimos años demuestran que estos jóvenes arquitectos, lejos de amedrentarse ante la crisis en la que se ha sumergido la
profesión, han sabido encontrar soluciones adecuadas a los recortes que padecen la gran mayoría de los proyectos, sin alejarse de la búsqueda de esa
arquitectura que permite el acontecimiento, el escenario imprevisto, donde el usuario todavía tiene algo que decir, y hacer. María Langarita y Víctor Navarro
comienzan su andadura conjunta en el 2005 y, a pesar de los múltiples proyectos que han abordado desde entonces, no han dejado de lado su labor
docente e investigadora en varias universidades, promoviendo también otras iniciativas como la publicación aperiódica urgente para la difusión rápida de
documentos de interés actual. Su colaboración para el Medialab Prado en la plaza de las Letras de Madrid, que comenzó con su Led Action Façade, y el
proyecto de la primera sede de esta iniciativa para la producción y difusión de la cultura digital se culminarán con la próxima apertura de las antiguas
Serrerías Belgas acondicionadas y rehabilitadas para la ocasión. Entre sus últimos proyectos en este pasado año se encuentra el Depósito de las especies
para el Matadero de Madrid, en el que convirtieron un depósito de agua en memoria y archivo de un lugar. Recordamos también su proyecto de
transformación de la Nave 15 de Matadero, ubicada en un antiguo conjunto industrial de principios de siglo XX, como sede del Red Bull Music Academy
2011 y que después del evento ha pasado a llamarse Nave de la Música de Matadero Madrid. Partiendo de un presupuesto muy ajustado y con menos de
cinco meses para su desarrollo, el proyecto se beneficia de su carácter temporal dentro de lo que los arquitectos han denominado "la lógica de la
matrioska": los elementos se incorporan unos a otros, como si de un juego se tratara. Tanto las oficinas y estudios de grabación dentro de cabinas de
contrachapado como los espacios multiusos para conferencias nos sumergen en un cuidado espacio escenográfico. Como en otras ocasiones, LangaritaNavarro han contado con la colaboración de artistas y paisajistas para crear un proyecto específico. Sin duda, estos jóvenes arquitectos han sabido
aproximarse a las necesidades de cada proyecto, por difícil que pareciese su resolución.
lo más de lo más / por Jacobo Sánchez - www.puedesereal.com
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1. Zombie x Chanel & Zombie x Gucci Rare Vintage Reedition.
Desde Zombie Estudio nos presentan una nueva serie de sudaderas.
Unas prendas bien desnaturalizadas con un rollo muy remember, una
edición limitada de dos modelos: Zombie Chanel y Zombie Gucci.
Sabemos que las quieres... www.zombiestudio.es
2. Ray-Ban Rare Prints 2012. Ya se va acercando la nueva temporada
primavera-verano 2012, y como siempre Ray-Ban nos presenta su nueva
colección basada en su modelo Wayfarer. Esta vez se trata de su colección
Rare Prints, en la que podemos encontrar dos nuevos modelos: Typadelic,
con colores psicodélicos y textos que rezan “peace and love”, y ColorBlock, inspirado en la cultura pop de Mondrian con bloques de color de
diferentes tonos. !Un rollo muy ochentero perfecto para los festivales que
están por llegar! www.ray-ban.com
3. Relojes de lo más hype x Adidas Originals. Adidas Originals acaba de
lanzar una nueva colección de relojes de lo más hype. Con un diseño
sencillo en tres colores (azul, negro y rojo) y con el logo en blanco en el
interior de la esfera, Adidas consigue dar forma a un reloj que pretende
posicionarse como básico dentro de la marca. www.adidas.com
4. Diesel Vektr x Monster. Diesel acaba de unirse con la marca Monster
(responsable de Beats by Dre) para sacar al mercado Vektr, unos auriculares
con un diseño bastante geométrico y angular que pretenden cambiar la
forma de escuchar música e incluso la percepción del sonido en sí mismo.
Gracias a la tecnología Monster, se pueden escuchar unos agudos claros,
unos medios precisos y unos graves espectaculares. www.diesel.com
5. All Gone 2011. El 2011 ya es historia y, como sigue siendo habitual
desde hace seis años, los chicos de La MJC ya tienen su libro All Gone
2011, que recoge lo mejor del año en lo relacionado con la cultura
urbana. Más de doscientos productos de un centenar de marcas de todo el
mundo, art-toys, gadgets, ediciones limitadas... se encuentran en este
libro. Disponible en Colette. www.colette.fr
bazar deco / por Estudio Merienda - www.estudiomerienda.com
KIDS POWER
Que los niños son el futuro es algo obvio, y que están de moda,
también. Lo hemos visto el pasado 2011 en películas como
Super 8 y videoclips de grupos como M83 o Sound of Arrows.
Hemos seleccionado marcas de mobiliario y objetos para el
hábitat que tienen en cuenta la importancia de estos pequeños
seres; algunas de ellas tienen líneas de producto exclusivamente
dedicadas a sus necesidades y placeres.
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Parupu. Diseño de Claesson Koivisto Rune para Sôdra. www.ckr.se
Champiñones. Diseño de Gandia Blasco. www.gan-rugs.com
Tabs. Diseño de Nadadora para Sancal. www.nadadora.es www.sancal.com
Panton chair junior. Diseño de Verner Panton para Vitra. www.vitra.com
Animal. Diseño de Quentin de Coster. www.quentindecoster.com
Mangas mini. Diseño de Patricia Urquiola para Gandia Blasco. www.gan-rugs.com
Ladrillos. Diseño de Javier Mariscal para Magis. www.magismetoo.com
Eames elephant. Diseño de Charles and Ray Eames para Vitra. www.vitra.com
Little Flare. Diseño de Marcel Wanders para Magis. www.magismetoo.com
news música
MUSICLAND FESTIVAL
pide paso...
El último fin de semana de abril daremos la bienvenida a un un nuevo festival dedicado a la música electrónica llamado MusicLand. Se celebrará en la
Ciudad Deportiva del Rayo Vallecano, en las cercanías de Madrid. Un evento
de dos días dedicados al hip hop con Violadores del Verso, Duo Kie o
Falsalarma (jornada del viernes 27 de abril) y a la electrónica de baile (sábado
28 de abril), que cuenta entre sus primeros grandes confirmados con artistas
de la talla de Carl Cox, John Digweed, Simian Mobile Disco, Dubfire, Dave
Clarke, The Bloody Beetroots entre otros. Y es que el festivaleo de calidad
cada vez empieza antes. www.musiclandfestival.com
Heineken
Music Selector 2012
Heineken Music Selector presenta el primer avance de confirmaciones
para su primera temporada del 2012. Desde el mes de febrero, el de
marzo y hasta abril se están celebrando conciertos de nombres
imprescindibles de la música internacional y nacional. En el plano
internacional, Sharon Jones, la gran diva del revival soul, vendrá
acompañada por sus inseparables The Dap-Kings; los auténticos iconos
del slowcore, Low; el pop experimental de Xiu Xiu con su nuevo
trabajo; el folk-rock americano más selecto con Dawes y The Sadies,
con su compendio de sonidos desde el garage a la psicodelia. En el
terreno patrio, un recorrido desde el pop psicodélico de Sidonie hasta
el rock con influencias country de Corizonas, la formación surgida de la
unión de Los Coronas y Arizona Baby, pasando por las cuidadas letras
de artistas como Luis Brea o Jero Romero. ¡Atentos a las fechas y
ciudades! musica.heineken.es/hms
LOS WORKSHOPS
DE LA RBMA
Durante el mes de marzo, la Red Bull Music Academy visitará,
como cada año, varias ciudades españolas mediante la
celebración de interesantes workshops que contarán con la
presencia de prestigiosos artistas internacionales. En Valencia se
celebrará el 10 de marzo y contará con Ame como invitado. El
17 de marzo será La Coruña quien acoja a la RBMA con Pilooski
como máximo atractivo, y el 23 será Zaragoza quien reciba la
visita de Morgan Feist. Como es obvio, cada una de estas citas
será aderezada con una fiesta nocturna que bajo el epígrafe de
Red Bull Music Academy Night traerá los mejores sonidos
electrónicos y académicos a dichas ciudades. ¿Has tomado
buena nota? www.redbullmusicacademy.com
Blink 182, gira ibérica
Una de las bandas californianas más destacadas del punk-rock
de los noventa -amiguetes de gente como Offspring, Bad
Religion y Nofx y autores de hitazos saltarines y espídicos de la
talla de All the Small Things o Adam’s Song- estarán girando
por España durante el próximo mes de julio. Aunque ya has
caído en la cuenta de quiénes son estos perlas, te desvelamos
que se trata de Blink 182 y que vienen a Barcelona -el 19 de
julio, Sant Jordi Club- y a Madrid -el 20, Palacio de los
Deportes- para presentar su sexto disco de estudio:
Neighborhoods. Vamos, recupera aquellas Vans raídas, tu camiseta agujereada de los Sex Pistols y vámonos a pegar saltos
imaginando que todos, todavía, seguimos siendo jóvenes...
www.blink182.com
SÓNAR 2012, AVANCE DE CARTEL
Sónar ya ha presentado un avance de su programación para este año en
Barcelona, que tendrá lugar los días 14, 15 y 16 de junio. El grupo
norteamericano The Roots, probablemente la mejor banda de hip hop
del mundo en el día de hoy. Espectáculos tecnológicos de primera línea y
de gran impacto sensorial, como ISAM, de Amon Tobin, el show de
Deadmau5 o Diamond Version (el nuevo proyecto de Alva Noto y
Byetone). Grandes nombres de la electrónica de baile, como Fatboy Slim,
Richie Hawtin, Azari & III, Modeselektor, Ital, John Talabot, Luciano o
Laurent Garnier. Algunos de los principales abanderados del pop más
fresco y bailable de la actualidad, como Hot Chip, Metronomy, Friendly
Fires o Austra. Jóvenes de indiscutible talento como James Blake, Nicolas
Jaar, Maya Jane Coles, Jacques Greene, Julio Bashmore, Thundercat,
Cooly G, The Suicide Of Western Culture, Uner o Blawan, entre otros.
Uhmm... ¿Bailamos? www.sonar.es
THE CURE EN EL PRIMAVERA
¡Oh, sí! La mítica banda británica The Cure formará parte del cartel del festival San Miguel
Primavera Sound, que celebrará su edición número doce, del 30 de mayo al 3 de junio, en
Barcelona. La organización del festival ha desvelado otra interesantísima tanda de
confirmados en la que destaca la presencia de Justice, que llegará en un momento de
gracia para presentar en vivo su más reciente álbum, Audio, Video, Disco, y Mazzy Star, con
Hope Sandoval a la cabeza, que regresará a los escenarios tras quince años. Además,
tocarán artistas y bandas de la talla de The Afghan Whigs, Buffy Sainte-Marie, AraabMUZIK,
Grimes, Mayhem, Napalm Death, Sleep, Wolves In The Throne Room, Melvins, Liturgy,
Orthodox, Harvey Milk, etc. ¿Te lo vas a perder? www.primaverasound.com
RUSTY WARRIORS
Cuencalona calling
EL ELECTRACO ROCKISTA -DE GENTE COMO JUSTICE, MOTOR O LOS JULIGANEROS
BLOODY BEETROOTS- YA TIENE SU RÉPLICA EN LA PIEL DE TORO. SON DE CUENCALONA
-AMPLIO PARAJE SITUADO ENTRE CUENCA Y LA CIUDAD DE LAS RAMBLAS- Y
DISFRUTAN MÁS SALIENDO DE BIRRAS Y APURANDO VELOCIDAD, CON LEMMY
MOTORHEAD, QUE PALADEANDO A LUOMO POR LA TARDE EN EL SÓNAR. SU EAGLE
TRUCK DEMUESTRA QUE EN ESTE PAÍS, CUANDO NOS PONEMOS A HACER ALGO EN
SERIO, LA CAGAMOS DE IDÉNTICA FORMA QUE SI LO HICIÉRAMOS DE COÑA. ES COÑA,
SON JODIDAMENTE BUENOS. EN FIN, BASTA DE PALABRERÍA, BUSCA EL VÍDEO, DALE
VOLUMEN Y QUÉDATE BIZCO. RUSTYWARRIORS.WORDPRESS.COM
Entrevista: Fernando Fuentes
Vamos al grano, parece que para Rusty Warriors la cosa está clara; se trata
de rockear electro de alto octanaje, con muy mala baba, muchas ganas de
epatar y, sobre todo, de pasarlo teta, ¿van por ahí los tiros? Aníbal (A): Por
ahí van, el rock y el electro nos definen bien. Yo creo que hacemos rock utilizando las herramientas más duras que tenemos a nuestro alcance, nos vale
igual una guitarra que un plugin. Jaume (J): Aciertas perfectamente en el
punto en que estamos ahora mismo. Dentro de un año veremos dónde estamos, pero ahora mismo lo que buscamos/queremos/necesitamos es esto.
Serrucho fino (si nos ajustamos a lo que afecta a Barcelona) o electraco gordaco (tirando más para el rollo conquense)… ¿Os mola esta definición, tan
simple como torticera, para definir vuestro sonido? A: Está muy manido
decir que no nos gustan las etiquetas, pero hoy en día parece imposible
prescindir de ellas, ya que quedaríamos fuera de cualquier lista de reproducción. En nuestro sonido hay serrucho fino, pero también rock, noise y algo
de pop entre líneas. Al tema, ¿qué sois, más de Justice o de Motor? A: Si
escuchas Eagle Truck, podemos parecer primos hermanos de Motor, pero
creo que entendemos la música de un modo más parecido a Justice, más
cercano al rock… J: Soy más del punto de encuentro entre Teresa Rabal y
Sisters of Mercy, por ahí va la cosa. Hablemos de Cuencalona, sí. Por lo visto,
el inédito eje sonoro Cuenca-Barcelona funciona perfectamente, pero ¿qué
energúmeno encontró al otro y, sobre todo, dónde? A: Yo encontré a
Jaume. Si vives en la zona Cuenca-Albacete y haces música de este tipo, o
buscas respuestas externas o corres el riesgo de acabar con la misma medicación que le recetaron a Ian Curtis. Yo acababa de descubrir a The Suicide
of Western Culture y había una esencia en ellos parecida a lo que yo hacía.
Envié unas demos a Jaume y empezamos a trabajar a distancia. Jaumetic
parece haber dejado de lado la electrónica de club fino para lanzarse, junto
con Aníbal Gómez, a liarla parda en pistas mucho menos sofisticadas y por
ello canallas… ¿No estamos un poco mayorcitos ya -a pesar de lo liberales,
juveniles y dispuestos que os veo- para estos jaleos electrosos y juliganeros?
J: Volvemos a la actitud. En cada momento de la vida hay que ser honesto
contigo mismo, y yo llevo bastante tiempo cansado de la esclavitud del
bombo-caja, del 4x4 groovie y del clubbing en su forma más germánico-tradicional. Necesito hacer otro tipo de cosas en el escenario, algo más visceral
y básico, más directo y real, mucho más desde el estómago y menos desde
la pose, de cara a cara; nada de mover potenciómetros ni de ecualizar como
si estuvieses repintando la capilla Sixtina cuando en realidad no estás haciendo prácticamente nada más que darle al sync e hincharte a cervezas. Ahora
resultará que Sven Vath puede ir por ahí poniendo technazo simplón con
cincuenta años; Dani Tenagglia, poniendo house aburrido sentado en una
silla con gafas con cordones a lo Bielsa aproximándose a los sesenta, ¿y yo
no podré rocanrolear con treinta y seis años? Si esto lo oye Miguel Ríos, nos
da una torta a todos con la mano abierta. ¿A cuál de estos catacraks ven deríais vuestra alma: Steve Aoki, Lux Interior, Alan Vega o Eduardo
Benavente, mejorando lo presente? A: A ninguno, están muy perturbados
con sus propias almas y ya tienen bastante con lo suyo. En cualquier caso,
el espíritu de Benavente me parece más afín que el de Aoki. Que su música
empiece a sonar en el gimnasio de mi pueblo me parece significativo.
“¿No sería más cómodo
tocar directamente en la comisaría?”
Eagle Truck es vuestro primer tema y cuenta con un vídeo que es de lo más sofisticado, sensible y cool que hemos visto en mucho tiempo, ¿cómo es posible que el gran Carlos Areces se brindara a tal despropósito? Las erecciones, claramente visibles, ¿son reales? ¿Es cierto que el papel protagonista era real mente para Mario Vaquerizo, pero que no dio la talla en el casting previo? A: Las erecciones están generadas por ordenador. Carlos Areces participó porque lo engañamos y Mario Vaquerizo tenía un papel, pero al final no encontró el bikini apropiado. J: Nuestras erecciones eran reales; las de Carlos, no. Está
muy bien lo de dosificar el asunto, pero ¿para cuándo tendremos el disco completo de Rusty Warriors? A: En los primeros meses del 2012, unos meses
antes del fin del mundo. J: Pues eso, para esta primavera 2012 esperamos tenerlo listo. ¿Y para cuándo un duelo al sol manchegoide -allí en medio del
páramo albaceteño- entre Ojete Calor, Putilatex y Rusty Warriors? J: ¿Quiénes son Ojete Calor? Qué nombre más tonto y marica, ¿no?. Para terminar, conozco un garito que se llama Cervezas & peleas, ¿os agencio un bolo allí? A: ¿No sería más cómodo tocar directamente en la comisaría?. J: Por fin podremos
poner algún antecedente en nuestra bio, no como los Zombie Kids que van de malos pero son unos buenazos.
EL COLUMPIO ASESINO
Al grano
MIRAD, CHICOS Y CHICAS... OS PARECERÁ QUE SABÉIS MUCHO DE MÚSICA,
PERO NO TENÉIS NI IDEA. HAY MUCHOS, MUCHÍSIMOS GRUPOS AHÍ FUERA.
TANTOS QUE NO PODRÍAIS OÍRLOS AUNQUE DEDICARAIS CADA DÍA DE
VUESTRA VIDA A ESCUCHAR DIEZ O VEINTE DISCOS. Y APENAS HAY UN
PUÑADO ENTRE ESOS DE LOS QUE TE SABES LAS CANCIONES DE MEMORIA.
Y MENOS AÚN DE LOS QUE TIENEN UNA CANCIÓN QUE QUIERES CANTAR A
VOZ EN GRITO CUANDO SALES POR LA NOCHE. Y AÚN ES MÁS PEQUEÑO EL
GRUPO DE LAS QUE REALMENTE SIGNIFICAN ALGO CUANDO LAS COREAS.
BIENVENIDOS A UNO DE ESOS GRUPOS. MÁS DE DIEZ AÑOS DE HISTORIA,
UN PUÑADO DE INFLUENCIAS Y UN ESTILO PROPIO. NO REQUIEREN
PRESENTACIÓN. SON EL COLUMPIO ASESINO.
Entrevista: Catalina Isis
2011, año de cambios… ¿Cómo habéis vivido el cambio de sello? Fue una
decisión que nos costó mucho tomar, pero sin duda ha sido uno de nuestros mayores aciertos en nuestra trayectoria musical. ¿Y el cambio de algunos miembros? Markos, guitarrista de siempre, decidió abandonar la banda
y nos dejó a mi hermano y a mí al frente. Hemos sentido mucho su ausencia. También echamos mucho de menos a nuestro mánager de toda la vida,
Alonso, pero decidimos empezar una nueva etapa en MushroomPillow. Los
cambios los eliges o te vienen dados. A mí me resultan más difíciles los que
se dan bajo mi responsabilidad y elección. Los cambios que se presentan y
ante los que no puedes hacer nada (por ejemplo, la opción de Markos de
salir de la banda) los aceptamos con resignación y filosofía. También estamos muy contentos con la entrada de Dani Ulecia como nuevo bajista. ¡¡La
banda está consolidada, la máquina está engrasada y a toda marcha pidiendo más madera!! ¿Es fácil tener más opiniones y voces “cantantes” en el
grupo? ¿Cómo afecta al modo en que creáis nuevos temas? Las decisiones
siempre las hemos tomado entre mi hermano Raúl, Iñaki, nuestro productor
de siempre, y yo. Aunque en el desarrollo de la grabación participen más
miembros de la banda, nunca dejamos que opinen en el proceso final del
disco. Bastantes discusiones tenemos a tres bandas como para abrir el juego
a más. Esta manera de trabajar jamás ha supuesto problema alguno para
nadie. Cada uno tiene bien interiorizado su papel en la banda y el equipo
funciona. Habéis comentado en entrevistas anteriores que os vais acercando cada vez más a la verdadera propuesta de El Columpio Asesino. ¿Eso
quiere decir que ya no os sentís realmente identificados con los primeros discos? Para nada. Lo que pasa es que cada vez las influencias de otros grupos
se van diluyendo poco a poco más en el nuevo sonido. Con el tiempo también vas aprendiendo a concretar las ideas, a prescindir de arreglos, de capas
de sonido, de guitarras que no van a ninguna parte. Hemos querido transmitir la misma emoción e intensidad pero simplificando, intentando hacer
una producción ligera y directa. ¿Por qué MGMT y We Are Standard? Los
títulos con los que te manejas en el local o los que se ponen en las hojas de
los repertorios de conciertos suelen ser los verdaderos títulos de los temas.
Suelen ser capaces de resumir o bien la letra o el sonido de la canción en
una sola palabra. Son títulos que surgen del inconsciente, inmediatos y sin
ningún tipo de pretensión. En Diamantes hemos querido usar esos títulos
automáticos con los que hemos trabajado en el local o en el estudio.
MGMT es una canción que en principio duraba dieciséis minutos. Nos recordaba una canción de los MGMT, la titulamos así en el local y, cuando llegó
el momento de bautizarla para alistarla en el disco, decidimos no cambiarle
el nombre. Lo de WAS surge de un proyecto que no salió adelante. Hicimos
dos versiones y Onthefloor nos gustó mucho cómo quedó. Nos la apropiamos llevándola a nuestro sórdido universo. Por otra parte, nos parecía divertido y en cierta manera original hacer una versión de una banda con la que
compartes escena. Va… ¿y con vuestras edades os apetece bailar toda la
noche? Lo que no nos apetece es bailar en una fábrica o en una oficina
ocho horas… Habéis tocado en toda España, festivales, Latinoamérica. ¿Hay
algún concierto que no olvidaréis nunca? ¿Y algún sitio o artista con quien
tengáis muchísimas ganas de tocar? Con la edad que ya tenemos, como
bien comentas, son muchas las perlas que arrastramos en nuestro collar. Se
me hace muy difícil elegir alguna, me quedo con el collar. Nos encantaría
poder tocar con muchos grupos. De los actuales me gustaría tocar con
Portishead, por ejemplo. Su último disco nos influenció mucho a la hora de
grabar Diamantes. Además, tuvimos la suerte de verlos en México y su directo es estremecedor. Disco del año en la Mondo Sonoro. ¿Qué premios o
reconocimientos os han tocado más de cerca? ¿Por qué? Que te den disco
del año en Mondo Sonoro siempre es emocionante. No deja de ser un reconocimiento a nuestro trabajo y además engorda el caché. Creo. Pero el premio que nunca olvidaremos, por todo lo que supuso, fue el del concurso de
maquetas de RNE3 y el FIB. Podría decir que ahí empezó todo para nosotros.
Nuestro primer contrato musical, nuestra primera gira, tocar en el FIB, las
chicas en los camerinos… ¡Qué años!
MENDETZ
Hap Your Clands
MENDETZ ACABA DE LANZAR DISCO Y NO PARA DE RECOGER BUENAS CRÍTICAS.
DESDE LUEGO, ESTO NO ES MERA CASUALIDAD: HAY MUCHO TRABAJO Y
TRAYECTORIA A SUS ESPALDAS. SIEMPRE EN UNA LÍNEA QUE APORTA SONIDOS
FRESCOS Y BAILABLES, MENDETZ APORTA AL PANORAMA MUSICAL PATRIO
CONTENIDO AUDIOVISUAL ÚNICO, APOYÁNDOSE EN NUEVOS CREADORES, FANS Y
SEGUIDORES QUE COMPLEMENTAN LA CALIDAD DE SUS TEMAS CON VÍDEOS
INNOVADORES, HASTA TAL PUNTO QUE EL MUSICLIP FESTIVAL 2011 LE HA
GALARDONADO CON EL PREMIO AL MEJOR VIDEOCLIP.
Entrevista: Le Petit Circus
Se notan cambios en este Silly Symphonies que denotan algo más de madurez y experiencia, ¿qué diferencias creéis vosotros que tiene este disco res pecto a los anteriores? Sí, hemos aprendido mucho en estos años. Creemos
que en este disco hemos sacado lo mejor de cada uno de nuestros discos
anteriores, y que el resultado ha sido una cosa completamente nueva, y
muy emocionante. Es un disco compuesto en el local, como el primero, pero
con un tratamiento del sonido y de la electrónica muy cuidado, como el
segundo. Hay experimentación armónica, quizás más que nunca, pero a la
vez las estructuras son muy pop. Y además, creemos que refleja un poco,
no solo en la música sino también en las letras, nuestra madurez como personas y, por qué no decirlo, como amigos. Hap Your Clands es un juego de
palabras que a algunos nos ha dejado con la mosca detrás de la oreja,
¿cómo y dónde surge este título? Hay un vídeo de Youtube que nos volvía
completamente locos en la anterior gira. Es un concierto benéfico en el que
se reúnen James Brown, Michael Jackson y Prince. Cuando le toca actuar a
Prince, el hombre está completamente fuera de sí, y propone una serie de
movimientos inéditos, gritos extraños... y culmina con el gran éxtasis: ¡la
no-palmada! Sí, Prince empieza a aplaudir sin llegar a juntar las manos. Nos
gustaba tanto que empezamos a preguntarnos qué habría detrás de todo
eso. Hap Your Clands es como clap your hands, pero al revés. Sin juntar las
manos. No se pierdan el maravilloso videoclip que los jóvenes Mario
Barranco y Hugo Baena hicieron a partir de esta idea. Nos da la impresión
de que este disco tiene menos baile discotequero, sin duda el cuerpo os
pide marcha y este disco es muy bailable, te da ganas de moverte. Pero
¿buscáis otro tipo de fiesta? Nos gusta mucho este disco porque no nos
cansamos nunca de escucharlo. Y eso que lo hemos oído millones de veces.
Tiene una doble virtud. Si se escucha bajito o en cascos, es un disco bonito, que llega y emociona. Es pop, con grosor electrónico y calidez en el sonido. Y en cambio, si subes el volumen a tope, la mayoría de los temas se convierten en temas de baile, fácilmente pinchables. Nos gusta mucho haber
conseguido esta doble vertiente. ¿Se puede decir que se abren nuevas puer tas a otros sonidos y otras épocas? Sin duda. Para el disco nuevo, nos pusimos a fabricar un montón de nuevos sonidos con nuestros sintes analógicos. No hay nada hecho con midi. Incluso sampleamos sonidos de baterías
para experimentar con ellos. Creemos que el resultado es algo muy nuevo,
con mucho menos elemento nostálgico que en los discos anteriores. Ya no
suena a nada. Y eso nos encanta. La colaboración de Gala sin duda ha sido
una experiencia increíble. ¿Con quién os gustaría colaborar en un futuro
próximo? Hay mucha gente con la que nos gustaría colaborar. Estaría bien
hacer algo con Stevie Wonder, pero también con Damon Albarn.
En este tercer disco hay un guiño futbolístico, Laudrup, aunque lo relevante de esta canción no es el título, sino que se trata de vuestra primera balada. ¿Qué nos contáis al respecto? Laudrup es para nosotros un ídolo, pero
también una figura misteriosa. La melancolía que reflejaba en su carácter,
combinada con ese constante trabajo por y para la belleza. Y ese cartel que
estaba siempre en el Camp Nou, que ponía "Enjoy, Laudrup". La afición le
pedía que disfrutara... Increíble. Decidimos dedicarle nuestra canción más
lenta, que habla de desarraigo, entre otras cosas. Sé de buena tinta que
Mendetz no deja nada al azar y que sois muy perfeccionistas. ¿De qué
manera influye esto en vuestro proceso creativo? A veces influye de manera negativa, porque nos hace dudar mucho de cada cosa. Pero para Silly
Symphonies nos prometimos confiar en la magia de la primera idea, la que
surge sola, y creer en ella hasta el final. A veces hemos tenido que dar
muchos rodeos en cada canción para acabar volviendo al lugar en el que
empezó. Ha sido un proceso bonito. Imaginaos que soy el genio de la lámpara... ¿Qué tres deseos querríais que se os concedieran para este 2012?
Nos gustaría poder exportar nuestra música a algunos países de Europa,
tocar en directo Escalera y Freed from Desire con Gala y que en nuestra ciudad (Barcelona) fuera mucho más fácil tocar un directo o ir a ver conciertos.
Y para terminar, ¿qué pregunta os encantaría que se os hiciera en una
entrevista y jamás os han hecho? ¿McDonald's o Burger King? Una gran
pregunta, nunca se me hubiese ocurrido, hay mucha creatividad en el ADN
de estos chicos. Los seguiremos de cerca, no queremos perdernos nada de
lo que vaya ocurriendo a lo largo de su prometedora carrera.
ARCTIC MONKEYS
Poses a lo James Dean
Texto: Le Petit Circus / Foto: David Mingoranz (www.davidmingoranz.com) / Crónica: 27/12/2012 - Palacio de los Deportes (Madrid)
Que los Arctic Monkeys no son lo que eran es algo por todos sabido, poco queda de aquellos chicos que aporreaban con rabia una batería o rasgaban con
todas sus fuerzas las guitarras para obtener reefs muy potentes. Alex Turner y compañía se han convertido en un grupo más maduro, sólido y melódico.
Muchas pistas de esto que aquí escribo quedaron plasmadas en su aventura musical junto a Miles Kane cuando se unieron para dar forma a un proyecto,
The Last Shadow Puppets. Aparecieron en el Palacio de los Deportes de Madrid con un look muy rockero, y es que Alex Turner en ocasiones adopta poses
a lo James Dean. Con el recinto menos lleno de lo que nos esperábamos, ya que el sold out anunciado hacía unos meses indicaba que no iba a caber ni
una alma, la realidad es que nos encontramos con muchos huecos en gradas y pista, ¿sería el frío helador de esa noche madrileña...? Dejando a un lado
los factores externos y comenzando con lo musical, los ingleses empezaron con Don’t Sit Down ‘Cause I’ve Moved Your Chair, de su último disco, Suck It
And See (2011), que repasaron de principio a fin. Todos cantamos al unísono She´s Thunderstome, uno de los mejores temas de su último larga duración
junto con, The Hellcat Splangled Shalalala. Aunque, siendo sincero, el momento esperado por unos cuantos treintañeros que abarrotábamos el recinto llegó
cuando empezaron a sonar temas de sus primeros trabajos, I Bet You Look Good On The Dancefloor, recogido en su primer disco, Whatever People Say I
Am, That’s What I’m Not (2006), o, como no podía faltar Fluorescent Adolescent, de su elepé homónimo que vio la luz en el 2007. Debe reseñarse que
Miles Kane, quien actuó como telonero, ofreció un concierto sobresaliente. Fue una grata sorpresa, disfrutamos de sus canciones y con su actitud, ha nacido para estar sobre un escenario. Y por fin pudimos ver a los Arctic Monkeys, aunque la sensación que nos dejaron no fue la que nos esperábamos, recordé el primer día que los oí en el coche de un amigo en Dublín un verano del 2006, nos hacemos mayores.
FUTURE ISLANDS
Bailar con el corazón en un puño
Texto: Pili Rodriguez / Foto: Sergio Albert Fish
This is Underground o TIU se instaló hace unos años en Barcelona como una nueva experiencia musical. Conciertos mensuales que han hecho rodar por la
Ciudad Condal a bandas como Der Ventilador, Nitch, Ulterior, Stand Up Against Heart Crime o el último telonero de la gira de M83, Porcelain Raft. No contentos con eso, TIU hizo puente aéreo el pasado mes de febrero y ha aterrizado en la capital del reino para traernos a una de las bandas más potentes de
los últimos tiempos, Future Islands. El trío de Baltimore llegó a ambas ciudades (Mdrid y Barcelona) con un anticipado sold out que dejó a muchos de sus
fans a las puertas de su sonido post punk oscuro cargado de sintes ochenteros y marcados por la increíble voz de su cantante, Samuel T. Herring.
Presentaban sus dos discos del pasado 2011, In Evening Air y On the Water, que hicieron vibrar al público de ambas ciudades con un concierto conmovedor, con momentos de luz, oscuridad y un romanticismo dramático y etéreo que no dejó a nadie indiferente. Samuel T. Herring (o, como lo llama mi amigo
Iago Fernández, Jack Black) se dejó la piel, la voz, y puso sus teatrales gestos para volver locas a las chicas de la primera fila con temas como Tin Man,
Walking Through That Door, Balance... This is Underground promete. www.thisisunderground.com
WHO’S THE BOSS BY SILVIA PRADA @ OCIMAG
Ocimag se va de Cabaret
Texto: Diego González / Foto: Jordi Surribas / Crónica: 11/02/2012 / Cabaret Berlín, Barcelona
Aún nos dura la resaca, pero ¡qué gran noche! OCIMAG sale de fiesta por la Ciudad Condal y se pone bien guapo para darlo todo en uno de los mejores
locales de Barcelona. Después de haber estado un tiempo cerrado, Cabaret Berlín reabre sus puertas el pasado mes de febrero. El ya mítico local vuelve a
la carga, y recupera la esperada fiesta de Silvia Prada Who’s the Boss los sábados noche, inaugurando la temporada con Boy George y siguiendo una programación cada sábado con la presencia de Marcelo Burlon, Bimba Bosé, Davidelfin y los mejores DJ. OCIMAG no quiso ser menos y se preparó para pasar
una noche memorable en el Cabaret Berlín con Silvia Prada, el pasado 11 de febrero. Era un no parar de bailar; empezó la noche con Simone a los platos,
la DJ residente, puro estilo. El relevo fue a cargo de Borja Peña, le llaman “el gurú de la noche londinense”, con eso te lo digo todo: residente en East Bloc
y Dalston Superstore en Londres, música disco, house, nineties, electro, una mezcla que era imposible parar de bailar. Todos estábamos entregadísimos, el
local estaba lleno, gente guapa y muchas ganas de pasarlo bien. Agradecemos a Jordi Surribas por las fotos y a Cabaret Berlín por haber disfrutado tanto,
parece que la noche barcelonesa resurge.
de analógico a digital
VA/FABRIC 61 / PINCH (FABRIC RECORDS)
Desde la brumosa y melancólica ciudad de Bristol se cuela
Pinch en nuestro devenir sonoro para dejar claro que el
dubstep primigenio está mejor de salud que nunca, vaya
que sí. El caso es que el capo del sello Tectonic desarrolla
una sesión para este cdmixes de la superpoderosa Fabriclive
en el que campa lo darky, lo tortuoso, lo felizmente
marciano y lo jodidamente experimental. La selección de
Pinch parece que tiene un objetivo sobre todos los demás y
es acojonar al oyente… Así como lo oyen. Gente de la talla
dubstepera de Distal, Shed, Shackelton, Boddika y Joy
Orbison -casi nada al aparato- caen a gusto en su saco
terrorífico. Lo del Photek, por ejemplo, es de traca
valenciana. Si quieres poner un poco de oscuridad
electrónica en tu vida, ya sabes, este será tu piscolabis de
cabecera. Uhhhhhh. (Fernando Fuentes)
KONTRAVOID / KONTRAVOID (TARANTULA X RECORDS)
Me pasaron hace unos días un tema de Kontravoid.
Tremendo temazo de electrónica oscura, darkwebera y
macarra, sucia pero elaborada, lóbrega y llena de rabia.
Escasos minutos tardé en buscar a ese misterioso artista en
internet y escuchar su debut, que acaba de salir en formato
físico. Tuvieron que pasar días hasta que me enteré de que
el tipejo que se esconde detrás de la máscara de
Kontravoid es nada menos que el exbatería de
CrystalCastles, Cam Findlay. Ahí se ve esa introducción de
explosivas melodías retro pop, unidas a los secuenciadores,
la oscuridad, los samplers y el toque industrial de cada
tema. Y es que no es fácil sumar nueve temas que
naveguen entre la EBM y el cold wave, pero que también
te den ganas de romper la pista y corear los estribillos.
Kontravoid se navega con una facilidad pasmosa entre los
cambios de ritmo e intensidad con un gancho melódico en
cada tema que ya quisieran para sí casi todas las bandas
actuales. ¿Aún no te he convencido? Dis. Ca. Zo. (Isis)
TIMELINE / GRAYSTON BALLROOM EP(UR-085)
El supercombo detroitniano compuesto por Dan Caballero,
Darren McKinney, Gerald Mitchell, Raphael Merriweathers y
Mad Mike Banks -y ahora reforzado con la inclusión en sus
filas de Jon Dixon y De’Sean Jones- acaba de sacar al
mercado su último EP, titulado Grayston Ballroom EP (UR085), que contiene cuatro temas llamados Ghosts of
Graystone, Black the Bottom Stomp, Save the Bluebird y
Lottie the Body. En este nuevo 12”, Timeline refuerza su
gusto por el tech-funk de alto octanaje; darky,
enloquecido y mental; con un altísimo regusto jazzy y ese
marchamo de alta, e indiscutible, calidad que luce
orgulloso todo lo que viene firmado bajo la tutela de la
resistencia underground. Sin duda, un gran trabajo en el
que se nota la mano de Mike el loco de una forma
permanente y celebrada. ¡Larga vida a UR!
(Fernando Fuentes)
PLASTIC OPERATOR / BEFORE THE DAY IS OUT (FINE DAY RECORDS)
Se ve que un canadiense y un belga hacen un danés. O,
por lo menos, un escandinavo depechero. Porque el trabajo
de Mathieu Gendreau y Pieter Van Dessel cada vez se
acerca más al synth pop típico de las zonas nórdicas, y se
aleja de un posible techno house con el que tontearon en
algunos de sus singles. Pero no es de extrañar. Realmente,
Folder, su primer single, ya era un dulce tema de
indietrónica. Beforethe Day Is Out es una colección de
temas, de un techno pop que bebe de algunas fuentes
ochenteras, pero que realmente recoge la cosecha de las
producciones predecibles de Northern Lite, Troels
Abrahamsen, Erlend Oye y, si me tiras, de !Distain, Iris o el
sello A Different Drum, saltándose las macarradas del
electro pop e ignorando los subidones fáciles de las bases
del nudisco de los clubs actuales. Un trabajo bonito y nada
memorable, del que podrás bailar y tararear las canciones
sin haberlas oído nunca antes. Vámonos de viaje a
Estocolmo. (Isis)
ULRICH SCHNAUSS & MARK PETERS / UNDERRATED SILENCE (BUREAU B)
El alemán Ulrich Schnauss, productor de una peculiar
música ambiental shogazer y único miembro de Beroshima,
incluyendo lanzamientos en sellos como Domino y City
Centr, acaba de lanzar su segundo álbum en colaboración;
esta vez junto a Mark Peters, bajista, guitarrista y
compositor de la banda inglesa Engineers. Puedo imaginar
a ambos dándose palmaditas en la espalda después de
acabar cada tema: verdaderas construcciones ambientales,
con olor psicodélico y ganas de trascender, donde se
solapan melodías, percusiones y bases electrónicas, como
unos Jean Michel Jarre posthippies, o unos Alan Parsons
Project pasados por el Café del Mar. Mucha luminosidad
para unos temas que, con menos arreglos, hubieran
perdido algo de su frondosa forma y ganado en fondo;
cosa que queda visible en el desarrollo del disco. Con unos
inicios más crudos, Underrated Silence empieza como una
obra cinematográfica y preciosista para acabar navegando
hacia playas y amaneceres. Elige bien tu bando. (Isis)
TRENTEMOLLER / REWORKED REMIXES (IN MY ROOM)
Qué bueno que el gran danés electrónico recoja en un
piscolabis, como el que nos ocupa, sus mejores y
penúltimos remixes. De celebrar es que a Anders
Trentemoller le mole tanto customizar a su bola a gente
como Modeselektor, UNKLE, Depeche Mode, The Do o
Franz Ferdinand. Mejor todavía es que sepa ceder sus
temazos para que otros locos del remixeo, puro y duro, le
den una manita externa a lo suyo; como el caso de
Efterklang, Kollektiv Turmstrasse o Andrew Weatherhall.
Sin embargo, el resultado global es solo tibio; se intercalan
trallazos impenitentes en los que campa el techno-rock con
otros en los que lo emo y deep se come el subidón de
adrenalina de una sola dentellada. No obstante, el disco
apetece, y evidencia que Trentemoller es casi indispensable
para el oyente moderno, desobediente y desprejuiciado.
(Fernando Fuentes)
FANFARLO / ROOMS FILLED WITH LIGHT (ATLANTIC)
Tres años se ha tomado Fanfarlo para editar un nuevo disco
tras el éxito cosechado con Reservoir. La banda, afincada
en Londres y liderada por Simon Balthazar, ha trabajado
duro en su nuevo trabajo para mantener el nivel de un
primer disco producido por Peter Katis (Interpol, The
National), creando expectativa con el lanzamiento de
Replicate y Deconstruction el otoño pasado.
Roomsfilledwith light es un disco más complicado, en el
que su famosa heterogénea instrumentación sigue vigente,
sonidos de violín o trompeta unidos a teclados y
percusiones. Temas que no acaban de ser pegadizos, pero
son bonitos; que no acaban de ser oscuros, pero te dejan
empapado de melancolía. En algunas canciones podrás
encontrar estribillos explosivos y en otras, melodías íntimas,
el jugueteo de un toque tropical, un lanzamiento al ancla
de la épica, el goteo de momentos folk… Un poco de todo
para que este quinteto sea una de las formaciones que
suenan más refrescantes en el indie pop actual. (Isis)
GOTAN PROJETC / LA REVANCHA EN CUMBIA (YA BASTA!/KARONTE)
Este irregular pastiche, a través del cual los tangueros
electrónicos de Gotan Project han dejado en manos de DJ y
músicos contemporáneos -de muy diverso pelaje- los temas
más celebrados de aquel La revancha del tango que los
hizo famosos en medio planeta, es solamente un mero
espejismo de aquel gran disco que sonó hasta el hastío,
tanto en recopilatas chill-out de hotelazos carunos, como
en los probadores de cualquier Zara que se precie. El caso
es que las nuevas versiones, perpetradas por artistas
argentinos como Bomba Estéreo, Chancha Via Circuito,
King Coya, El Remolón, Fauna, Axel Krygier, Frikstailers y El
Hijo de la Cumbia dotan de más juerga, bmps y alegría a
un género que, si bien ahora está pasado por el acelerador
de beats y demás maquinitas modernas, siempre
conservará esa maravillosa alma tristona que, como debe
ser, le pilla todo el cuerpo. ¿Bailas, flaca?
(Fernando Fuentes)
MONDO CÓMICO
Texto: Estudio Merienda / Selección: Rubén Vidal
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DICEN QUE LA VIDA HAY QUE TOMÁRSELA UN POCO
MENOS EN SERIO Y AFRONTARLA CON HUMOR SI NO
QUEREMOS VOLVERNOS LOCOS. PARECE QUE ESO
ES LO QUE HAN HECHO MUCHOS CREADORES CON
SU OBRA: LLENARLA DE COLOR, DE COMICIDAD, DE
METÁFORAS INGENIOSAS SIN DEJAR DE LADO LA
PROVOCACIÓN Y LA CRÍTICA DEL SISTEMA. PERO NO
ROZAN EL FEÍSMO NI LA EXCLUSIVIDAD; LOS COLORES
SON PASTEL Y LA TENDENCIA, CASI POP, INTENTANDO
ASÍ QUE EL ESPECTADOR Y USUARIO SE SIENTA
CÓMODO EN ESTE PEQUEÑO CIRCO Y ADOPTE COMO
PROPIO EL LEMA QUE LO CAPITANIZA. PUEDES
PENSAR QUE ESTOS DISEÑADORES, ARQUITECTOS Y
ARTISTAS ESTÁN LOCOS, QUE SON RIDÍCULOS Y
ABSURDOS, PERO ¿QUIÉN ESTABLECE EL LÍMITE
ENTRE LA LOCURA Y LA CORDURA? PORQUE EL
SENTIDO DEL RIDÍCULO ES UN SENTIMIENTO
IMPUESTO, UN MECANISMO DE CONTROL SOCIAL, Y
DESDE AQUÍ TE PROPONEMOS QUE TE REBELES.
ADEMÁS, LA ÚNICA DIFERENCIA QUE EXISTE ENTRE LO
CÓMICO Y LO CÓSMICO ES UNA SIMPLE S.
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Jeremy Scoot para Adidas Originals. www.adidas.com
Erwin Wurm. Keep a cool head (2003). Performative Sculpture. www.erwinwurm.at
Paul McCarthy. Spaghetti Man (1993). Fonds régional d’art Languedoc-Roussillon (France)
Sascha Nordmeyer. Communication Prosthesis Portrait Series. www.saschanordmeyer.com
Alba Cardalada. Cibeles Madrid Fashion Week (sep. 2011).
Sebastian Errazuriz. The Duck Fan. meetsebastian.com
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7. Note Design Studio. Collection Marginal Notes. www.notedesignstudio.se / 8. Erwin Wurm. Big Pumpkin. Serie Philosophers (2009). Foto: Ulrich Ghezzi. www.erwinwurm.at
9. Cappellini. Proust Geometrica, diseño de Mendini. www.cappellini.it / 10. Paul McCarthy. Tomato Head (1994)
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Erwin Wurm. Untitled (2011). Foto: Elifie Semotan. www.erwinwurm.at
Sebastian Errazuriz. Organic Chicken (2001). meetsebastian.com
Kake Phipps. Lámpara Jeeves & Wooster. www.jakephipps.com
Carlos Diez Diez. Cibeles Fashion Week (sep. 2011). www.carlosdiezdiez.com
Davidelfin. Cibeles Fashion Week (sep. 2011). www.davidelfin.com
Ibai Labega. Cibeles Fashion Week (sep. 2011). www.miguelpalacio.com
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arte
ARCOMADRID 2012
El auge del coleccionismo
Texto: Tactelgraphics / Foto: Ifema
La Feria Internacional de Arte Contemporáneo, ARCOmadrid, celebró el pasado mes de febrero su 31.ª edición. Como cada año, y valga la redundancia,
entre los visitantes que acudieron al certamen se encontraban numerosos coleccionistas nacionales e internacionales, así como los representantes de
instituciones y fundaciones que habitualmente adquieren obra en ARCOmadrid para incorporarla a los fondos de sus colecciones. Nada nuevo a la vista,
aunque, según cuentan, el ambiente entre los galeristas participantes es de absoluta satisfacción y de relativo optimismo ante los resultados de la feria.
ARCOmadrid continúa siendo un espacio de intercambio entre Latinoamérica y Europa. El 1.er Encuentro de Museos de Europa y Latinoamérica, dirigido
por Agustín Pérez-Rubio -director del MUSAC, León- y Marcelo Mattos Araujo -director ejecutivo de la Pinacoteca de Sao Paulo-, fue el gran evento de esta
última edición. Este encuentro reunió a personajes como Chris Dercon, Director de la Tate Modern, Londres; Manuel Borja-Villel, Director del Museo Nacional
Centro de Arte Reina Sofía, Madrid; Hans-Michael Herzog, director y comisario de la colección Daros Latinoamérica, Zúrich; Alfred Pacquement, director del
Musée national d'art moderne/Centre de création industrielle, Centre Pompidou, París, y Graciela de la Torre, directora del Museo Universitario Arte
Contemporáneo MUAC, México. Por su parte, el Foro Coleccionismo atrajo a destacados profesionales como Han Nefkens; Mera y Don Rubell; Joop van
Caldenborgh; Farhad Farjam y Eugenio López, entre otros. Gracias a las iniciativas de ARCOmadrid orientadas a fomentar el encuentro e impulsar la feria
como plataforma para el mercado del arte, este año ha vuelto a celebrarse el Programa de Coleccionistas Internacionales, en el que participan alrededor de
doscientos coleccionistas en activo de todo el mundo (propuestos por las galerías participantes), así como a los principales consultores de arte. El impulso
del coleccionismo también cobró vida en el Programa First Collector, que, coordinado por Elisa Hernando de la consultora Arte Global, ofreció por segundo
año consecutivo en el marco de la feria asesoramiento para iniciar colecciones y adquirir obras en ARCOmadrid. 215 galerías de 29 países mostraron lo
mejor del arte contemporáneo.
arte y expos / por Tactelgraphics - tactelgraphics.tumblr.com
AMAIA WAS HERE
Amaia Arrazola
CASTILLOS EN EL AIRE
Hans Haacke
Amaia was here es un proyecto realizado en los últimos siete meses,
en el que la artista ha reflejado su día a día en la nueva ciudad que
la ha acogido: Barcelona. Empezó como una necesidad y lo que en
principio le era un poco incómodo acabó transformándose en algo
integrado en su vida cotidiana. “Pasearme con el sketchbook y un
boli, buscar nuevos paisajes, empezarlos en la misma calle y acabarlos más tarde, escuchar conversaciones y encontrar nuevas inspiraciones ha sido mi vida cotidina.” El proyecto final se compone de
212 dibujos de diferentes tamaños, formatos y soportes que conforman su vida y que plasman la integración de una persona en una
ciudad nueva como Barcelona, y su transformación y continuo
aprendizaje como dibujante. Amaia Arrazola comenzó trabajando
como ilustradora y directora de arte en Madrid, pero pronto descubrió que la vida es muy corta para pasarla en un despacho, así que
hizo las maletas y se vino a Barcelona a buscar su camino como ilustradora. Le gusta la tipografía, la serigrafía, la cerámica, la escultura, los juguetes japoneses, la ilustración, las revistas de diseño, bordar, coser e ir a todas partes en bici. Le gusta el modernismo, la
arquitectura, lo rococó y casi todo lo que tenga forma orgánica.
Todo lo que sea espontáneo es una inspiración para su trabajo.
Hans Haacke (Colonia, 1936) está considerado pionero y uno de los
principales representantes de la llamada crítica institucional surgida
a finales de los años sesenta. Su trabajo explora los mecanismos de
construcción y transmisión del poder mediante la “institución”
como estructura reguladora de todas las dinámicas económicas,
artísticas, políticas y sociales. A lo largo del 2011, Hans Haacke ha
estado trabajando en un nuevo proyecto que verá la luz en esta
exposición acompañado por una amplia selección de obras que
abordan las principales preocupaciones que jalonan su trayectoria,
desde el mercado y los efectos de la globalización hasta las relaciones entre arte y poder o su famosa serie sobre el creador del
Museum Ludwig de Colonia. Otros trabajos destacables de la muestra son aquellos que hacen referencia a los mecanismos de representación, para los que el artista se sirve de los gráficos que usa la
sociología o el urbanismo. La exposición se cierra con una serie de
obras que aluden a la crisis actual, que presentan asimismo una
obra a la que Haacke ha recurrido en numerosas ocasiones a lo
largo de su carrera: Grass Grows (1969-2011), un cúmulo de tierra
donde crece la hierba que funciona como contrapunto a los flujos
económicos, sociales y políticos en los que se centra la obra.
Miscelánea, Barcelona - Del 7 al 25 de marzo del 2012
Reina Sofía, Madrid - Hasta el 23 de julio del 2012
www.miscelanea.info
www.museoreinasofia.es
ANOTHER STUPID EXHIBITION
Martín López Lam
OBSCENITY
Bruce LaBruce
Martín López Lam (Lima, 1981) es un artista plástico de origen
chino-peruano. Martín vive y sobrevive desde el 2003 en Valencia,
adonde, según él mismo afirma, llegó para terminar sus estudios en
Bellas Artes. Como artista licenciadísimo ha realizado dos exposiciones individuales en la galería Rosa Santos: Señoras y señores, amanece y todo sigue bien, en el 2007, y Por si alguna vez lo olvido,
recuerda no morir nunca, en el 2010. También ha participado en
numerosas exposiciones colectivas en España, Perú y Alemania.
Como no ha podido forrarse con esto del arte (pese a que él lo ha
intentado de forma continuada), en el 2007 montó el falso colectivo Gráfica Valiente con el fin de hundir la economía española a base
de fanzines artesanales tales como El Temerario y Kovra. No contento con trabajar ilegalmente, gana el Injuve en la categoría de ilustración en el 2005 y, por si fuera poco, en la de cómic en el 2008,
mientras colabora en publicaciones de dudosa moral como Argh o
La Cabeza, entre otras, pretende trabajar de ilustrador freelance y
editar a otros autores de similar calaña. Pues bien, el viernes 9 de
marzo el susodicho artista tendrá el placer de inaugurar su exposición individual; eso sí, reza todas las noches a santa Rosa de Lima
para que los de inmigración no le pillen.
Como artista cuyo trabajo ha sido confiscado por diversas aduanas
desde la década de 1980, estigmatizado y juzgado de "obsceno",
LaBruce sabe un par de cosas sobre el territorio del "tabú", la representación de lo irrepresentable. En el verano del 2011, un cargamento de Polaroids que fueron expuestas en la Gallery Wrong
Weather en Oporto, Portugal, fue confiscado por la aduana canadiense y declarado "obsceno", con lo que quedó prohibido el ingreso de este material en Canadá, de donde es nativo LaBruce. El año
anterior, su película L. A. Zombie se consideró obscena y se prohibió
en toda Australia. Sin embargo, LaBruce sigue produciendo su trabajo haciendo caso omiso de la censura. Obscenity no necesita ser
sexualmente explícita para ser obscena, ni tampoco depende de la
vulgaridad o de lo extremo. Obscenity ofrece una variedad de imágenes, algunas gentiles, algunas románticas, otras espirituales y
algunas grotescas, que intenta redefinir la naturaleza del fetiche y
del tabú, de santificar esta imaginería y de posicionarla más cercana de lo divino. Las vidas de los santos están llenas de actos extáticos y sublimada sexualidad que se expresan de las formas más perversas y sexuales. Obscenity presenta una serie de retratos que ilustran esta convergencia divina entre lo sagrado y lo profano.
Espai Tactel, Valencia - Del 9 de marzo al 28 de abril del 2012
La Fresh Gallery, Madrid - Hasta el 4 de abril del 2012
www.lafreshgallery.com
www.espaitactel.com
arte y expos
DEUS EX MACHINA
Emilio Valdés
UN PAISAJE HOLANDÉS
Exposición colectiva
Emilio Valdés (México D. F., 1982) regresa al dibujo con su primera
muestra individual en España. El artista retoma la imagen de fuselajes de aviones de la segunda guerra mundial, para reflexionar sobre
la idea del corsario, un personaje contratado por el rey o gobernante para cometer actos criminales contra las transportaciones de las
naciones enemigas, cuyo botín es repartido entre el mandatario y el
bandido. Este proyecto va más allá de buscar nuevas excusas para
dibujar. Las potentes formas de aviones en combate son un viaje en
el tiempo, en donde se crea una historia inexistente. Las escenas son
una suma de aeronaves chocando y disparando, jugadas por la
mano de Emilio. Como un niño que arma su campo de batalla, en
el que el no interesa ganar o perder, lo importante es crear el escenario en el que será desarrollado el juego. En esta exposición, la
escala de su trabajo dibujístico es de suma importancia, ya que escenifica la creación del universo en el que se desarrolla la batalla de
los corsarios, pero también significa la relación de tamaños entre el
jugador y su juguete. Emilio parte de sus recuerdos de niño al armar
aviones en miniatura con su primo y su abuelo. Las sensaciones que
entonces eran parte del juego ahora son cualidades de su actual trabajo como artista.
Alrededor de cuarenta obras de una docena de creadores forman
parte de un proyecto sobre las grandes transformaciones que sufrió
el arte en los años sesenta y las secuelas que han dejado en las nuevas generaciones. No es una muestra sobre el paisaje, pero toma el
nombre del género pictórico como metáfora para describir una
panorámica concreta del arte realizado en los Países Bajos en dos
momentos determinados: los años sesenta y setenta, en los que los
artistas holandeses desempeñaron un papel fundamental, y la primera década del siglo XXI, en que un grupo de artistas jóvenes redefinen el lenguaje conceptual, una estrategia que se ha convertido en
uno de los géneros esenciales del arte. Una de las claves de la exposición es ver cómo se interpretan conceptos importados de los años
sesenta como la desmaterialización o la autorreferencialidad, o
prácticas basadas en repeticiones, permutaciones, sistemas, series...
Los artistas de una y otra generación introducen nociones subjetivas
contraviniendo las premisas del conceptual más severo. Así, se configura un paisaje en el que se impone lo poético, una lectura de la
experiencia cotidiana que incurre con frecuencia en el absurdo y lo
irracional a partir del escepticismo y la incertidumbre que depara
nuestro tiempo.
Luis Adelantado, Valencia - Hasta el 16 de abril del 2012
La Casa Encendida, Madrid - Hasta el al 8 de del abril 2012
www.luisadelantadovalencia.com
www.lacasaencendida.es
FALSE-COLOR ACTIONS
Tony Oursler
CHATARRA AMERICANA
Félix Curto
Tony Oursler presenta un conjunto de sus obras más recientes que
continúan la exploración sobre la naturaleza de las relaciones humanas. El artista incorpora nuevos elementos a sus composiciones de
escultura y videoproyecciones. Figuras humanas impresas a escala y
en colores vivos pululan por la galería; estas formas están recortadas y reanimadas por las proyecciones de vídeo y sonido. Cada instalación individual es una combinación compuesta por burbujas de
distintos colores realizadas en vidrio soplado, impresiones fotográficas y esculturas en fibra de vidrio. De manera individual, las obras
presentan una escenografía sobre la que se iluminan y proyectan
personajes. Las burbujas de vidrio representan los globos de texto
propios de los cómics y en ellas se capturan proyecciones de vídeo.
Estas instalaciones yuxtapuestas enfrentan a los personajes animados, congelados, y sugieren su aislamiento y lucha interpersonal. El
artista sitúa su propio trabajo en un terreno inscrito entre la cristalización de un recuerdo, un esquemático diagrama de flujo y la causalidad de una cadena de pensamientos. Una conjunto de pinturas
relacionadas temáticamente forman también parte de la exposición.
Estas incluyen pantallas digitales y collages que muestran el microuniverso propio de Oursler.
Exposición monográfica del artista salmantino Félix Curto. Bajo este
sintomático título, la muestra recorre la labor desarrollada por el
artista entre México y España durante los últimos años, mediante
una selección de más de sesenta obras entre pintura, escultura y
dibujo que nos acercan a la madurez poética de su autor. La mirada de Curto evidencia la ambivalencia de dogmas occidentales
como el progreso, la eficiencia o el desarrollo, mediante un recorrido que incide en las nociones de frontera y territorio, de residuos y
mercancías, de presente y pasado. El universo temático de Curto se
completa en Chatarra Americana con su personal genealogía de la
contracultura literaria y musical que recorre la exposición. La muestra toma su título del libro Chatarra americana (American Chrome),
de Edwin Gilbert, novela de serie b en la que la industria del automóvil norteamericana del siglo XX es puesta en tela de juicio a partir de las relaciones interpersonales entre los agentes que la dirigen.
El libro es un crudo retrato de los entresijos que se esconden tras
uno de los mayores estandartes de la economía estadounidense. El
título de la exposición alude, a su vez, al sobrenombre popular que
reciben los coches norteamericanos que, ya en desuso en EE. UU.
continúan transitando por buena parte de América Latina.
Soledad Lorenzo, Madrid - Del 8 de marzo al 14 de abril del 2012
Musac, Castilla y León - Hasta el 9 de septiembre del 2012
www.soledadlorenzo.com
www.musac.es
arte y expos
NOTAS SOBRE EL TIEMPO
Xisco Mensua
LA MORADA DEL HOMBRE
Colección Martin Z. Margulies
El título de la exposición funciona como detonante explícito del
tema de la obra: cada pieza es un apunte, es una nota de la reflexión del artista sobre el tiempo. A partir de una selección de textos
y fotografías, Xisco Mensua construye toda la serie que puede verse
en esta exposición individual. Caminar por dentro de la sala es como
pasearse por entre las páginas de sus propios libros de apuntes.
Notas sobre el tiempo es una manera de clasificar los diferentes
estadios del tiempo, y es una reflexión sobre la vida misma y sobre
lo que queda después. Las piezas de esta serie son capturas de escenas emblemáticas interpretadas por el artista, que utiliza la escala
de grises a modo de imagen del pasado que funciona como motivador del recuerdo. Cada pieza, que ya de por sí funciona como un
todo individualmente, refleja las diversas interpretaciones del tiempo. Como el pianista en el estudio de grabación, en donde encontramos la relación inseparable entre la música y el tiempo, y en
donde la grabación perdurará en la historia dejando una huella que
servirá para la activación de la memoria. Xisco Mensua se refirió
como "un emblema a la memoria" cuando nos habló sobre su obra.
Durante el recorrido por la exposición encontramos otro punto
importante de reflexión: el vínculo entre el tiempo y la muerte.
Martin Z. Margulies atesora desde hace más de treinta años una de
las colecciones de arte más importantes que incluye pintura, escultura, vídeo y fotografía. Ahora, por primera vez, parte de su colección de fotografía podrá verse en una exposición que nace a partir
de la relación del propio coleccionista con Mario Rotllant, presidente de Foto Colectania. La morada del hombre, comisariada por
Régis Durand, explora la cuestión de cómo el hombre habita en el
mundo, interactúa con él, lo modifica y, en definitiva, deja su huella en la realidad de las emociones, de la vida, del trabajo, de la
naturaleza. Incluye los grandes nombres de la fotografía internacional, entre ellos, Walker Evans, Dorothea Lange, Lee Friedlander, Ed
Ruscha, Stephen Shore, William Eggleston, Helen Levitt, Andreas
Gursky y Roni Horn. La amplitud y excepcionalidad de la exposición
ha propiciado que, por primera vez, una muestra se exhiba simultáneamente en dos entidades muy cercanas en su visión del arte y
complementarias dentro del panorama museístico de la ciudad: la
Fundació Foto Colectania y la Fundació Suñol. La exposición está
coproducida con la Fundación Barrié, fundación patrimonial privada
con sede en Galicia, en cuya programación cultural destaca la línea
de exposiciones temporales dedicada a clásicos de la fotografía.
Valle Ortí, Valencia - Del 8 de marzo al 5 de mayo del 2012
www.valleorti.com
Colectania y F. Suñol, Barcelona - Hasta el 16 de junio del 2012
www.colectania.es y www.fundaciosunol.org
I'M NOT NATURALLY EVIL
Aitor Saraiba
EMERGENT
Exposición colectiva
Saraiba parece engañarnos con la simplicidad y el encanto de sus
dibujitos en estos eternos juegos entre el "yo" y el "otro" y la fragilidad de las fronteras que delimitan a ambos, esos dibujos en los
que todos podemos reconocernos y que nos golpean después con
su significado. Y es que las historias de amor, como los trazos infantiles que apelan a nuestra infancia, también son una narración compartida en nuestra cultura, y Aitor sabe como nadie sacarles partido
para traducir a lápiz y tinta los sentimientos que creemos tan particulares, como las cartas de amor, que en el fondo no son también
sino el mismo texto escrito siempre por distintas manos. Ese es,
quizá, uno de los mayores logros de las obras de Aitor: la trampa
implícita en todas y cada una de sus obras, en las que, pareciendo
hablar del "otro", no acaba sino por hacerlo de sí mismo (y viceversa). Toda la producción de este artista toledano parece ser una suerte de autobiografía en la que el siempre perverso juego de las identificaciones le sale de manera "natural": cuando nos acercamos a
sus obras, creyendo que vamos a asistir como privilegiados voyeurs
a esa historia del "otro", acabamos por encontrarnos con la de nosotros mismos. ¿No son acaso esas calaveras en cerámica también el
"retrato de cualquiera", con algo de... warholiano?
Muestra colectiva de fotografía fruto de la participación en la
segunda edición de Emergent Lleida, festival de fotografía y artes
visuales que se celebró en diferentes espacios de la ciudad de Lleida
durante el mes de octubre del 2011. En esta edición, la selección de
los 40 fotógrafos finalistas corrió a cargo del reconocido comisario
de arte Rafa Doctor, exdirector del MUSAC de León. Pero este año,
los responsables de la galería Addaya participaban en el festival
también como partners. Ante la evidente necesidad que tienen los
artistas emergentes de dar a conocer sus creaciones e incorporarse
al mercado del arte, Emergent Lleida puso en marcha en la anterior
edición del festival el apartado Patio de la Lonja dentro del marco
de las jornadas, y Nice To Meet You, con el objetivo de contribuir al
acercamiento y el conocimiento entre los nuevos artistas y los agentes del sector, así como procurar incentivar y promover las relaciones comerciales y artísticas entre ambos colectivos. Los tres artistas
seleccionados fueron Florencia Rojas, con la serie Vértigo; Jesús
Madriñan, con la serie Good Night London, y Santos Román, con
Tengo pluma. Estos jóvenes artistas, premiados en diversas ocasiones, disfrutan de una interesante trayectoria expositiva a pesar de su
juventud. Muy interesante y recomendable.
Mutt, Barcelona - Del 8 de marzo al 29 de abril del 2012
Addaya, Alaró (Mallorca) - Hasta el 23 de marzo del 2012
www.addaya-art.com
www.mutt.es
Fotografía: Isidro de Quesada
Estilismo: Anna Arroyo - www.annaaroyo.es
Hair & Make up: Sara Cáceres para Temptu
Modelo: Oleg - Iconmodels
Gorras WeSC / camiseta GIO-GOI / bemudas PROTEST / pantalón AMERICAN APPAREL.
Gorro WeSC / camiseta LRG / bermudas PROTEST / pantalón AMERICAN APPAREL.
Gorro WeSC / camisa WRANGLER / pantalón CALLOWAY.
Camisas NUDIE JEANS / pantalón WRANGLER.
Camiseta y pantalón LRG / camisa WRANGLER / mochila EASTPAK / zapatos TST.
Fotografía: Rocío Ramos
Estilismo: Blanca Puebla
Hair & Make up: César Fernández (Talents) para Salerm Cosmetics y Make Up Forever
Modelo: Erna Blinova - Mad Models
Vestido MARIA ESCOTÉ.
Vestido YONO TAOLA / pajarita DOBLE AA.
Camisa ION FIZ / shorts LEE / medias AMERICAN APPAREL / zapatos CREEPERS / sombrero CASA YUSTAS / tirantes AMERICAN APPAREL.
Camisa MARIA ESCOTÉ / falda MANOUSH / medias AMERICAN APPAREL / botas DR. MARTENS.
Mono CARLOS DIEZ / bolso CONVERSE BY CARLOS DIEZ / camiseta WRANGLER.
local-in
PIZZERIA DI MARCO
de modo tradicional
Pizzeria Di Marco está ubicada en pleno parque natural del la Albufera, en las afueras de Valencia. Un restaurante donde disfrutar de
la mejor gastronomía italiana. En su carta se encuentra una gran variedad de platos, entre los que abunda, cómo no, la pasta, el arroz
y la pizza, que, al igual que sus postres, son elaborados, todos ellos, por sus cocineros de manera tradicional. La comida italiana es
siempre apetecible y está totalmente integrada en nuestro día a día, pero no siempre se consigue realmente transportar ese sabor
especial que la convierte en todo un manjar. En Pizzeria Di Marco, esto lo consiguen ampliamente. Todo ello en un clima cálido y
confortable, rodeado de una decoración moderna y elegante sin artificios y con cierto toque naif. La pasta es uno de los ingredientes
más reputados de este tipo de cocina europea. En Pizzeria Di Marco encontramos una gran selección de ella, como la lasaña o los
macarrones, que suelen servirse al comenzar la comida y donde podrás elegir cómo acompañarlos de forma sencilla, con mantequilla
y parmesano, con ragú de carne (a la boloñesa) o diversas salsas, desde la tradicional salsa genovesa, el pesto, la carbonara, la
napolitana, los cuatro quesos y muchas más. También las pastas rellenas, como los raviolis o los tortellini, elaborados con carnes,
quesos, verduras o pescados, son muy recomendables. Los risottos son uno de los platos estrella de este restaurante, no dudes en
probarlos y hacer que su espléndido sabor te transporte. Las pizzas y los postres se convierten en una total debilidad para su clientela,
y el hecho de escoger uno entre todos es difícil, ya que son auténticos placeres para el paladar.
Historiador Beti, 3. El Saler - Valencia - Tel. 961 830 628 / www.pizzeriadimarco.es
Oci 72
LIBRERÍA DADÁ
CRÈME BCN FLAGSHIP STORE
Dadá está ubicada dentro del Museo Valenciano de la Ilustración y la
Modernidad. En esta librería encontramos las mejores editoriales en arte,
arquitectura, diseño, publicidad, moda, interiorismo… Ejemplares indispensables para los amantes de las últimas tendencias. También artículos
de regalo y camisetas de firmas como Das Büffet. www.libreriadada.com
Crème es un referente dentro del urban lifestyle y del streetwear internacional. La primera Flagship Store abrió en el centro de Barcelona en abril
del 2010. Destacan sus colecciones de Footwear, series de tablas y la
nueva Holiday Special Collection. Además, siempre realizan promos y descuentos, así como conciertos, sesiones de DJ, fiestas... cremedirect.com
Muvim - Guillém de Castro, 8 - Valencia - Tel. 963 515 138
Plaza del Bonsuccés, 7 - Barcelona - Tel. 933 043 310
TULALLEVAS
DELIKATE
Una de las tiendas en Valencia que ha logrado mantener una identidad
propia con una selección de firmas basadas en la filosofía del urban wear.
Propuestas para hombre y mujer de las mejores marcas europeas: Loreak
Mendian, Fenchurch, Wesc, Sessun, Ragwear, Ichi, Tcheka, Paz Seoane,
Touchemoa y Zenspirit entre otras. www.tulallevas.es
Un lugar especial, donde todo está a la venta: artesanía, mesas y sillas,
lámparas... Y por supuesto pasteles, helados, tés y cafés especiales,
sándwiches, ensaladas, cerveza, vinos y cócteles. Un espacio urbano para
comer, para llevar o comprar. Un lugar donde se puede desayunar,
almorzar, picar algo o tomar un cóctel. delikatevalencia.blogspot.com
C/ Taquígrafo Martí, 13 - Valencia - Tel. 963 228 271
C/ Maestro José Serrano, 2 (esq. Dr. Sumsi y Reino de Valencia) - Valencia
Oci 73
SUSCRIPTION OFF THE WALL
En la edición #51 de OCIMAG los primeros en suscribirse se llevan unas VANS SK8-HI.
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